ROMY SCHNEIDER, la fascinación y el dolor

(Viena, 23 de septiembre de 1938 – París, 29 de mayo de 1982)

Hoy se cumplen 31 años de su fallecimiento, pero ROMY SCHNEIDER llevaba más de diez meses muerta en vida por el dolor insoportable que le causó la pérdida de su joven hijo David.

rom1CINEMA: ROMY SCHNEIDER / SPECIALEimages (27)images (29)images (25)

Fue enterrada en el cementerio de Boissy Sans Avoir, a 50 kilómetros de París. Lugar del que ella afirmaba: “En París soy la mujer más feliz del mundo. No existe una ciudad como ésta para vivir la vida”. Dos meses después del entierro su tumba fue profanada y su diario íntimo desapareció. Algunos sostuvieron que los escritos eran muy comprometedores para los traficantes de drogas y podían esclarecer el asesinato de Stefan Markovic, el secretario personal de Alain Delon, asesinado en 1968.

Así se fue una de las más grandes actrices de la Historia del Cine, poseedora  de una belleza natural inconfundible.

En su vida la desgracia nunca conoció el ocaso. Devastada por el amor, la pasión, el éxito y la tragedia, un día se apagó, como una vela encendida por los dos lados.

Solo cenizas quedaron de aquella primera Sissi: irreal, cursi, que bailaba vals del brazo de un príncipe de cuento. Si el arte imita a la vida, la de Romy Schneider fue tan triste y solitaria como la de Sissi, la emperatriz austríaca que ella inmortalizó en tres películas, entre 1956 y 1957.  Aunque años más tarde (en 1972), el maestro italiano LUCHINO VISCONTI –que la adoraba- la rescató para siempre de aquella condena y le ofreció la posibilidad de redimirse interpretando de nuevo el mismo personaje, el mismo… pero no de la misma forma.  Romy Schneider realizó una de sus mejores interpretaciones en LUDWIG, la historia del Rey Loco alemán, cuando estaba en la plenitud de su talento y de su belleza.

Ludwig II.tumblr_m5kh8rQudU1rs1ef6o1_500Luchino Visconti,  Romy Schneidervisconti105

Romy era un espíritu libre: “Siempre me lo juego todo, llevo las cosas hasta las últimas consecuencias. Me entrego y amo con toda mi alma”, dijo en una entrevista.

69791-808-550301401Romy-SchneiderThe-Swimming-Pool-Romy-Schneider

A pesar de que le ofrecieron hasta un millón de dólares por seguir con la saga de Sissi, optó por buscar papeles más exigentes, con directores tan connotados como Luchino Visconti y Orson Wells, además de los más prestigiosos cineastas franceses. En total filmó más de 60 películas.

Tuvo una tormentosa relación con el actor francés Alain Delon, que la abandonó de un modo cruel y despiadado.

thumb73346898967_3299154cc6_o

De ese agujero la sacó Harry Meyen, con quien realizó algunos proyectos profesionales; la amistad se convirtió en afecto y Romy pagó una fortuna para que él se divorciara. En 1966 se casaron en Saint-Tropez y un año después nació David Christopher, en Berlín, el niño que un día atravesaría su corazón al intentar saltar la verja de su casa.

Pronto el matrimonio se colapsó porque Meyen sufría extraños dolores de cabeza y nervios incontrolables. Se divorciaron en 1968 y, para obtener la custodia legal del niño, tuvo que pagarle a Harry un millón y medio de marcos. Este se hundió en el alcohol y los analgésicos y en 1979 se ahorcó en su castillo de Hamburgo.

Con el director Claude Sautet tuvo un affaire secreto mientras filmaba Una vida de mujer; ahí conoció a Daniel Biasini con quien se casó en 1975 y tuvo a Sarah Magdalena.

Las cosas tampoco funcionaron con él y este se fue a Estados Unidos para tomar aire. Romy cayó de nuevo en la botella; se volvió irascible, complicada, se veía vieja y fea, aunque solo contaba con 41 años.

El golpe final estaba por llegar. David, su hijo de 14 años, era además de su amigo, la tabla de flotación en ese mar de angustias. La tarde del 5 de julio de 1981, el muchacho subió al enrejado de la casa de Biasini. Resbaló. Las verjas le atravesaron los intestinos y quedó clavado.

Varios paparazzis se metieron a la morgue y tomaron fotos del cadáver del joven. La prensa francesa rechazó su publicación, por ética y respeto a la actriz; pero los diarios alemanes sensacionalistas sí lo hicieron. La revista española Hola abrió su portada del mes de julio de 1981 con este titular: “Romy Schneider: sumida como nunca en el dolor”.

Romy y David 5thumb3Romy y david2600full-romy-schneider56665990Romy y david4

ROMY hablaba así de su hijo:

Quería traer al mundo a mi hijo sano, y cuidar yo misma de él. Los primeros meses de vida de un hijo son tan maravillosos…

¿Por qué un hijo? Eso significa la vida que para mi encarna paz, familia, refugio… El embarazo fue hermoso. Me pasé los dos años siguientes sin trabajar, vivimos en nuestra casa de cuatro habitaciones de Grunewald, me fue bien. Por fin tengo un hombre que me amará hasta el fin de mis días.”

No puedo vivir lejos de mi hijo. Hace siete años yo era una muchacha mimada que no se decidía a crecer. Fue la maternidad lo que me dió una nueva dimensión de la existencia. Con el nacimiento de David, llegó para mi la capacidad de ver, de comprender, de sufrir. Y debo al milagro de este hijo el haberme convertido en una buena actriz. De ahí que yo viva aterrorizada por la idea de perderlo.

“Mi hijo David -que tiene catorce años- y yo tenemos una relación muy estrecha y muy cariñosa. Es un maravilloso compañero para mí. Le entusiasma mi trabajo, y no teme darme consejos o corregir mi pronunciación, si tropiezo con una vocal en el ardor de la batalla, es posible que también quiera ser actor o director.”

Sonrisa ausente

Romy, la de la sonrisa eterna, que tenía el encanto de las ninfas y la regia altivez de las diosas griegas, se volvió ausente y hablaba con David como si estuviera vivo. Mezclaba sedantes con licor, vagaba por la casa presa del insomnio, repetía el nombre de su hijo, le escribía cartas y las leía a sus amigos. Michel Piccoli, su compañero en la película Testimonio de Mujer, aseguró que Romy no salía a ningún sitio preocupada porque: “¿Y si vuelve David y no me encuentra?, ya sabes que no hace nada sin mí.”

Todo se juntó en su cabeza: la muerte de Meyen y la de su hijo, el divorcio de Biasini y el desplome de su carrera. Así la encontró Laurent Pétin, su nuevo novio, quien le escondía los fármacos y la cuidaba. Michelle Morgan, gran amiga de Romy, la acompañó en los años más difíciles para una actriz (ésos en que ya no puede ser la joven ni tampoco la mujer madura -y Romy estaba en ese momento cuando le llegó la muerte-)  y dijo: “aquella no era mi querida niña de siempre, había en ella como una sombra antinatural, hablaba de forma incoherente, de cosas que no venían a cuento, y su risa era lo que más daño me hacía.”

El 28 de mayo de 1982 Romy y Laurent llegaron a la medianoche a su casa. Como acostumbraba se quedó sola en la habitación, para hablar con David, tomar una copa de vino, ver sus fotos y escribirle cartas.

Al amanecer Pétin empujó la puerta, las ventanas estaban cerradas y Romy yacía yerta, gélida, pálida, desparramada sobre un enorme sillón. De inmediato llamó a Alain y este llegó en un suspiro. “Se arrodilló ante el cadáver, le dio un beso y se echó a llorar”, recordó el productor Alain Terzian.

El diario Le Fígaro publicó, el 30 de mayo de 1982, que la actriz murió a causa de un paro cardíaco y que el forense no le practicó ninguna autopsia, por lo cual era imposible determinar si Romy falleció por una sobredosis de barbitúricos.

Con motivo del estreno de su última película, “La Passante de Sans Souci” (es España la titularon Testimonio de mujer) Romy Schneider concedió una entrevista –la última- a Paris Match.   El periodista que la hizo era de su total confianza y ello propició que Romy accediera a hablar de cosas íntimas y dolorosas.

images (6)19046159images (2)4a1e9dd3e0254

No es posible, por razones de derechos de autor, reproducirla íntegramente, pero intentaremos hacer un breve resumen de las palabras pronunciadas por Romy aquella tarde:

Su última entrevista

ROMY: Prefiero decir “la vida debe continuar”.  Por supuesto que hay momentos en los que me gustaría bajar la cortina y no seguir con mi trabajo, pero tengo responsabilidades.  No estoy sola, así que la vida debe continuar.  Voy a continuar mi trabajo lo mejor posible, no se puede detener.  Podemos reflexionar un tiempo, pero no es posible para mí detenerme.

(…) Tengo a mi hija Sara, que ahora tiene 4 años y medio.  Ella es demasiado pequeña para que yo la lleva conmigo al set.

(…) Vivo ahora en un hotel porque no puedo volver a mi apartamento.  No puedo vivir en un ambiente que me recuerda todo el tiempo a mi hijo, donde éramos felices.  Estoy buscando una casa para vivir mi vida y tratar de superar mi dolor.

-El periodista le pregunta: ¿Es un dolor que se puede olvidar?

Romy responde: Es un dolor que nunca quiero olvidar.

*******************************************************************************************************

Para conocerla un poco mejor, a continuación facilitamos algunos detalles de su personalidad y sus preferencias:

Actores:  Charles Chaplin, Laurence Olivier, Peter O´Toole, Marlon Brando y Pierre Fresnay.

Actrices: Greta Garbo, Katherine Hepburn y Simone Signoret.

Directores: Orson Welles, Luchino Visconti, Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Ingmar Bergman, Claude Sautet, René Clément, Henri-Georges Clouzot.

Colores: Blanco y verde Esmeralda.

Escritores:  Proust, Goethe y Faulker.

Pintores: Picasso, El Greco y Renoir.

Música clásica: Mozart, Beethoven y Strauss.

Época favorita: los violentos años veinte (1920-25)

Modistos:  Coco Chanel, Yves Saint Laurent.

Perfume: Chanel nº 5

Deporte: Esquí

Comida: Ostras y champagne

Su momento del día: Medianoche

Su día: Viernes

Su mes: Septiembre

Le gustaba: la ingeniería y la perfección.

Odiaba: la indiscreción y la estupidez.

rm4rm2

Este ha sido el homenaje que CINET-FARÖ ha querido rendirle.  

Naturalmente, una personalidad tan singular como la suya y una carrera profesional tan importante merecen muchos más análisis.

Poco a poco iremos hablando de alguna de sus mejores películas.  

ROMY SCHNEIDER se fue demasiado joven, pero nunca lo ha hecho de la memoria de todos aquellos que la conocimos, admiramos y respetamos en vida.  

Descanse en paz.

Por YOLANDA AGUAS, 29-05-2013

********************************************************************************************************

NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

PALMARÉS: 66ª FESTIVAL DE CINE DE CANNES

En la tarde-noche de ayer, 26 de mayo de 2013, se conoció el Palmarés de la 66ª edición del festival de cine más importante del mundo: CANNES.

'Zulu' Premiere And Inside Closing Ceremony - The 66th Annual Cannes Film FestivalA. Kechiche junto a sus actrices LEA SEYDOUX y ADELE EXARCHOPOULOS Foto Y. Herman (Reuters)Abdellatif Kechiche, ganador Palma de Oro Foto V. Hache (AFP)Amat Escalante, mejor dirección por HELI. con F. Whitaker FOTO A. Pizzoli (AFP)

Desde su presentación el pasado jueves se consideró a La Vie d’Adele del tunecino Abdellatif Kechiche como la película que marcaría esta edición. Ayer el film se llevó el premio FIPRESCI, concedido por los críticos, y hoy se ha alzado con la Palma de Oro. Los otros nombres que sonaban para figurar en el palmarés, como los hermanos Coen, Hirokazu Kore-Eda, Alexander Payne o Asghar Farhadi también han obtenido un importante reconocimiento. La gran sorpresa la ha dado el realizador mexicano Amat Escalante que se ha llevado el premio a la mejor dirección por Heli.

Desde el pasado 16 de mayo se ha desarrollado la presente edición con una Sección Oficial que ha contando con cuatro o cinco buenas películas, pero que a tenor de lo acontecido en la tarde-noche de hoy en la lectura del Palmarés, la película ganadora de la Palma de Oro era –claramente – la favorita de toda la prensa especializada: LA VIE D’ADELE de Abdellatif Kechiche.

Destacada por toda la prensa acreditada, la película francesa presenta un indudable valor cinematográfico, pero también político y mucho más dentro de unos días en los que ciertos sectores de la sociedad francesa siguen todavía protestando por la celebración de bodas entre personas del mismo sexo.   Como suele suceder casi siempre, la cultura y el cine van un paso por delante de la sociedad más reaccionaria.

El jurado presidido por Steven Spielberg ha vuelto a demostrarlo.  Era cierto que todas las apuestas indicaban que La vie d´Adele del director Abdellatif Kechiche iba destacada sobre todas las demás películas en competición, lo que demuestra que su valía cinematográfica está fuera de toda duda.  Es una historia de amor lésbico entre dos jóvenes (con escenas sexuales potentes y explícitas) que ha mandado un mensaje muy claro el mismo día que una manifestación contraria al matrimonio gay se celebraba en París.   Pero el cine, con su lenguaje pacífico que muestra en imágenes la realidad social actual, ha dictado serenísima sentencia.

Se trata, además, de un reconocimiento no sólo al realizador tunecido, sino también para sus actrices francesas, Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux, por “una gran historia de amor”.  Los miembros del jurado insistieron en que este premio lanza “un fuerte mensaje y que es muy positivo”.

La Palma de Oro, que cuenta en su financiación con un 10% de la productora española Vértigo Films, no creemos que sufra ningún problema de distribución en España. No podemos decir lo mismo del Gran Premio del Jurado que ha recaído en la notable “Inside Llewyn Davis”de los hermanos Coen. Una película que iba a distribuir Alta Films pero que, tras su desaparición, se ha quedado todo en el aire, aunque hay rumores que será GOLEM quien se encargue de su distribución.

El resto del palmarés contó con ciertas sorpresas: la mejor dirección para Amat Escalante por “Heli” fue una de las mayores. No entraba en ninguna lista de favoritos y, sin embargo, esta producción mexicana dirigida por este director, nacido en Barcelona, ha gustado mucho al jurado. Ultraviolenta, así la han definido los críticos. Cuando le preguntan al director el por qué las películas mexicanas retratan tanto la violencia, él se limita a contestar: “Es lo que vivimos cada día en nuestro país“.

El mejor guión recayó en Zhangke Jia, por la película “A touch of sin“, un retrato, a través de cuatro historias, de la China contemporánea. Desarrollo económico brutal pero que enmascara un país violento e inseguro.

También obtuvo premio especial del juradoLike father, like son” del maestro japonés Kore-eda, una íntima historia que cuenta un intercambio de bebés en un hospital y que, quizás, se esperaba algún premio más relevante.  A pesar de contar con películas magníficas, este director japonés no termina de lograr un reconocimiento “definitivo” en los festivales de cine en los que compite.  Hemos tenido el placer de verle en el Festival I. de Cine de San Sebastián en varias ediciones y tampoco logró alzarse con la Concha de Oro, lástima porque su obra lo merece.

Alexander Paynecon recoge premio de Bruce Dern como mejor actor Foto V. Hache (AFP)Berenice Bejo mejor actriz. Foto Valery Hace (AFP)Anthony Chen ganador Cámara de Oro con A. Varda y Jury Zhang Foto V. Hache (AFP)Hirokazu Kore-Eda Premio del Jurado FOTO Antonin Thuillier (AFP)cannes-normal-672xXx80Audrey Tautou Gala Clausura Foto A. Thuillier (AFP)

Los premios a los actores también han sorprendido. “Nebraska” de Alexander Payne como “Le passe” de Fahardi eran títulos a tener en cuenta en el palmarés. Lo que nadie esperaba era que fuera en el apartado actoral. Bruce Dern y Berenice Bejo (a la que todos reconocemos por “The artist”) superaron a Michael Douglas porBehind the candelabra” de Steven Soderbergh y Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux por la triunfadora “La vie d´Adele”.

Para finalizar, creemos que han sido unos premios tan repartidos como justos en los que, como comentaba el propio Steven Spielberg, se ha enviado un mensaje claro y poderoso a la sociedad francesa en relación al matrimonio homosexual.

Por  YOLANDA AGUAS, 27-05-2013

*************************************************************************************************************

Sección Oficial:

– Palma de Oro: La Vie d’Adele. Chapitre 1 & 2 de Abdellatif Kechiche.

– Gran Premio del Jurado: Inside Llewyn Davis de los hermanos Coen.

– Premio del Jurado: Like Father, Like Son de Hirokazu Kore-Eda.

– Mejor dirección: Amat Escalante por Heli.

– Mejor actor: Bruce Dern por Nebraska.

– Mejor actriz: Bérénice Bejo por Le Passé.

– Mejor guión: A Touch of Sin de Jia Zhang Ke.

Cámara de Oro:

– Mejor ópera prima presentada en la 66ª edición del Festival de Cannes: Ilo Ilo de Anthony Chen (Quincena de Realizadores).

Cortometrajes:

– Palma de Oro al mejor cortometraje: Safe de Moon Byoung-gon

– Menciones especiales: Whale Valley de Gudmundur Arnar y 37º 4 de Adriano Valerio.

********************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

CRÓNICA: 66ª FESTIVAL DE CINE DE CANNES

festival_cannes_bandera_512_364Logo-del-Festival-de-Cine-de-C_54152593521_51351706917_600_226

Crónica de la 66ª edición del FESTIVAL DE CINE DE CANNES, celebrado del 16 al 26 de mayo de 2013:

Si acudir a un festival de cine, con la intención de trabajar seriamente (no para ir de vacaciones), supone un esfuerzo considerable (horarios exigentes, asistir a “casi todas” las proyecciones -ir a todo lo que se proyecta es humanamente imposible- presenciar las ruedas de prensa, sesiones fotográficas, realizar entrevistas personales, etc…), hacerlo en el marco del festival más importante del mundo les aseguro que el esfuerzo se multiplica por diez (cada uno de los días que dura el festival).  Dicho esto, intentaré resumir todo lo acontecido en este increíble y fascinante festival.

Con la presentación de El Gran Gatsby de Baz Luhrmann se inauguraba la 66ª edición del Festival de Cannes. El film no tuvo una buena acogida en los pases realizados a los críticos, era lo esperado, pero tampoco tuvo una gran acogida en el pase de gala, en donde lo normal es que se exagere una barbaridad y se aplauda a rabiar a los responsables que están en el patio de butacas. Al finalizar la proyección de El Gran Gatsby hubo aplausos, pero pocos, nada que ver con la ovación que el público le dedicó a Moulin Rouge en el 2001. A Luhrmann le quedará el consuelo de que no le abuchearon, tal y como le sucedió a Ron Howard cuando se celebró la premiere de El Código Da Vinci que inauguró Cannes en la edición del 2006.

Una de las primeras películas a concurso fueron, la mexicana Heli de Amat Escalante y la francesa Jeune et Jolie de François Ozon.

El realizador mexicano, nacido en Barcelona, Amat Escalante debutó en la Sección Oficial con Heli, previamente había participado en Una Cierta Mirada. El film, producido por Carlos Reygadas, muestra las consecuencias de la corrupción y el narcotráfico en México sin hacer concesiones. El protagonista es Heli, interpretado por Armando Epitia, un joven perteneciente a una familia humilde que trabaja con su padre en una fábrica de coches. Un buen día su hermana se enamorará de un policía que sirve en las fuerzas especiales anti-droga, y la vida de la familia se convertirá en una pesadilla. Al finalizar la proyección se pudieron escuchar algunos aplausos y más de uno se quedó con muy mal cuerpo , porque tal y como dice María Guerra de La Script es escalofriante y a ratos insoportable. En la rueda de prensa Escalante comentó que el film era extremo pero que la realidad de México lo es aún más.

En segundo lugar se presentó Jeune et Jolie de François Ozon, que el pasado mes de septiembre se llevó la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por la magnífica En la Casa. El film está protagonizado por Marina Wach, que da vida a una joven adolescente de unos 17 años, perteneciente a una familia acomodada y sin aparentes problemas con las personas que le rodean, pero que comenzará a llevar una doble vida, ya que se iniciará en el mundo de la prostitución.  Hubo aplausos tras su proyección pero también risas en escenas pretendidamente dramáticas. La sensación que dejó este remake inconfeso de Belle de Jour de Luis Buñuel ha sido decepcionante, para muchos tiene un guión bastante flojo. Aunque, el trabajo de la actriz y modelo Marine Vatch ha sido lo que más convenció.

Sofia Coppola, que en el 2006 optó a la Palma de Oro con María Antonieta, se encargó de inaugurar la sección Una Cierta Mirada con The Bling Ring. El film está basado en un artículo del Vanity Fair en donde se narraba la historia de un grupo de jóvenes obsesionados con la fama, una de las chicas participaba en un reality show, que llegaron a asaltar las casas de varias celebridades (Orlando Bloom, Paris Hilton, Rachel Bilson o Lindsay Lohan), haciéndose con un botín que ascendía a los 3 millones de dólares. El film está protagonizado por Katie Chang e Israel Broussard y les acompañan Emma Watson, Taisa Farmiga, Claire Julien y Leslie Mann.

El filme que se estrenará en los Estados Unidos el próximo 24 de junio ha sido emparentada con Spring Breakers de Harmony Korine y con Pain & Gain de Michael Bay por su reflejo de la estupidez. The Bling Ring ha tenido una acogida dispar en Cannes, hay quienes se han divertido mucho con ella y que la consideran una heredera espiritual de La Red Social de David Fincher, y otros la consideran vacía, como sus estúpidos personajes.

En lo que sí se han puesto más o menos de acuerdo es en destacar las interpretaciones de Emma Watson y Taissa Farmiga.

También en Una Cierta mirada se presentó  Fruitvale Station de Ryan Coogler, la gran triunfadora de la pasada edición del Festival de Sundance y que fue comprada por The Weinstein Co para su distribución en los Estados Unidos. Fue recibida con aplausos aunque más de uno la calificó de simple telefilm.

'Jeune & Jolie' Photocall - The 66th Annual Cannes Film Festival'The Bling Ring' Photocall - The 66th Annual Cannes Film FestivalOpening Ceremony And 'The Great Gatsby' Premiere - The 66th Annual Cannes Film Festival'Heli' Photocall - The 66th Annual Cannes Film Festival

Uno de los títulos más comentados en la 66ª edición fue Philomena de Stephen Frears que se convertió en uno de los mejores títulos de Le Marché du Film de esta edición. Seis millones y medio de dólares ha pagado The Weinstein Co por sus derechos de distribución en Estados Unidos, Canadá y España. El film, que se encuentra en proceso de postproducción, está protagonizado por Judi Dench y Steve Coogan, que ha coescrito el guión, y está basado en el libro del periodista británico Martin SixmithThe Lost Child of Philomena Lee, y narra la historia de una mujer irlandesa que busca al hijo que dio en adopción hace medio siglo. También hay que destacar la presencia de Martin Scorsese en La Croisette que lo está dando todo, para vender Silence, porque tiene que convencer a los futuros compradores de que por fin va a rodar este proyecto que se ha estado desarrollando durante 23 años.

Con A Touch of Sin el director Jian Zhangke habla de la situación económica de la China actual a través de cuatro personajes desesperados. Un minero alterado por la corrupción, un hombre que se ve obligado a emigrar, una recepcionista acosada por un cliente y un empleado que trabaja en condiciones cada vez peores. Todos están a punto de explotar. Un film duro y angustioso que ha sido muy bien recibido por la prensa. El director comentó que se ha inspirado en una serie de hechos reales. He observado hasta qué punto abundaban los incidentes violentos en mi país. Me inquietó mucho comprobar cómo individuos normales reaccionaban de forma violenta y consideré que el cine debería hablar de ello.

Una de las películas que marcó el 2011 fue la iraní Nader y Simin: Una Separación de Asghar Farhadi. El film triunfó a lo grande en el Festival de Berlín y se llevó el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa, era la primera cinta iraní que lo lograba. Su siguiente proyecto Le Passé es una coproducción franco-iraní que está protagonizada por la actriz de origen argentino Bérenice Bejo, que fue candidata al Oscar por The Artist, en un principio iba a ser Marion Cotillard, Tahar Rahim, la revelación de Un Profeta, y el director y actor iraní Ali Mosaffa. La historia gira en torno a una ex pareja que ha tenido dos hijas se reencuentra en Francia para firmar los papeles de divorcio, él ha viajado desde Irán para oficializar la separación, y ella ha rehecho su vida con una nueva pareja con la que tiene un hijo. La llegada del ex marido hará que todos los secretos del pasado salgan a la luz. Farhadi tuvo una gran acogida con Le Passé en Cannes, aunque para la crítica está un peldaño por debajo de Nader y Simin: Una Separación. Se aplaude al director por la naturalidad con la que rueda los conflictos emocionales. Su protagonista, Bérenice Bejo se convirtió desde el principio en una gran candidata al premio a la mejor actriz.

Uno de los acontecimientos más curiosos sucedidos en La Croisette fue el robo de un millón de dólares en joyas. Todo sucedió en el hotel Novotel en donde un empleado de nacionalidad americana se encargaba de custodiar las joyas de la firma Chopard que algunas actrices iban a lucir durante estos días en los eventos que se realizan a lo largo del certamen. La organización de Cannes suspiró hondo porque en el botín no se encontraba la Palma de Oro.

'Soshite Chichi Ni Naru' Photocall - The 66th Annual Cannes Film Festival'Le Passe' Premiere - The 66th Annual Cannes Film Festival'Jimmy P. (Psychotherapy Of A Plains Indian)' Photocall - The 66th Annual Cannes Film Festivalimages (5)

El festival también contó en esta edición con un momento de pánico. Con motivo del festival de Cannes, el programa Le Grand Journal, de Canal + Francia, se  estaba emitiendo en directo desde el boulevard de La Croisette, y tenía como invitados a los actores Daniel Auteuil (nos fascina este actor) y Christoph Waltz, miembros del jurado de la sección oficial, y lo que prometía ser un programa ameno se fue al traste cuando un hombre que estaba en el público sacó un arma y efectuó dos disparos al aire. Waltz y Auteuil, así como los espectadores, fueron desalojados por la parte de atrás del escenario, y la emisión del programa se interrumpió. El agresor, de 42 años, que también tenía una granada de juguete y una navaja, fue reducido por miembros del equipo de seguridad, y tras su detención dijo que lo había hecho en nombre de Dios. Una vez superado el incidente el programa volvió a emitirse.

En su quinto intento por llevarse la Palma de Oro el francés Arnaud Desplechin presentó Jimmy P (Psychotherapy of a Plains Indian). El film que está protagonizado por Benicio del Toro y Matthieu Amalric, se basa en un hecho real, y narra la historia de Jimmy Picard, un indio americano, veterano de la Segunda Guerra Mundial, con problemas de alcoholismo y traumatizado por la guerra que es admitido en un sanatorio, pero los médicos le encuentran perfectamente. La única que ayuda que tendrá vendrá de la mano de un afamado antropóligo y psicoanalista francés, Georges Devereux. El film no tuvo una buena recepción en el certamen, de hecho hubo quien se quedó dormido durante la proyección. Eso sí, se destacó el trabajo de sus dos protagonistas.

Una de las películas más esperadas de la Sección Oficial fue sin duda la del director japonés Hirokazu Kore-Eda:  Like Father, Like Son. El film narra la historia de dos familias cuyos hijos de seis años fueron intercambiados al nacer por fallo del hospital, y ahora el centro quiere enmendar su error y que los niños regresen con sus familias biológicas. Un argumento que está narrado con una naturalidad y una sutileza que conquista totalmente al espectador. El film contó una gran acogida y se convirtió en otra seria aspirante a la Palma de Oro.

'Le Passe' Photocall - The 66th Annual Cannes Film Festival'The Bling Ring' Premiere - The 66th Annual Cannes Film Festival

Durante todos los días que duró el festival, cada vez que se celebraba un pase de prensa de las películas que optaban a la Palma de Oro los cronistas se preguntaban cuál sería la que se ajustara al eslogan de “la película que emocionó a Spielberg”.

Mientras se hablaba de candidatas al palmarés, se confirmó que Sony Pictures Classics se encargaría de la distribución en los Estados Unidos de Le Passé de Asghar Farhadi. La compañía ya distribuyó la oscarizada Nader y Simin: Una Separación. Aunque no se ha fijado aún su fecha de estreno en los Estados Unidos lo más probable es que sea antes de que finalice el año, para que pueda entrar en los Oscars.

Y llegó a  la Sección Oficial una de las más esperadas:  Inside Llewyn Davis de los hermanos Coen.

Esta edición del Festival de Cannes se caracterizó por sus continuos problemas de organización. Y es que muchos son los acreditados que se quedaron fuera de los pases de prensa, a pesar de haber conseguido las invitaciones. Esto se agudizó aún más cuando se presentaban películas de perfil alto, como Inside Llewyn Davis de los hermanos Coen. Los de Minneapolis que ya lograron la Palma de Oro por Barton Fink y que también fueron premiados por Fargo y   volvían a intentar figurar en el palmarés con Inside Llewyn Davis que narra la historia de un joven -interpretado por Oscar Isaac- que quiere triunfar en la música folk en el Nueva York de la década de los sesenta, el relato se basa levemente en la vida de Dave Van Ronk. Acompañan a Isaac, John Goodman, Garreth Hedlund, Carey Mulligan, Justin Timberlake. Y no podemos olvidar que de la producción musical se ha encargado T Bone Burnett. Las primeras críticas que se publicaron no podían ser más entusiastas y los comentarios tras los pases de la mañana seguían la misma tónica. Calificaron a Inside Llewyn Davis como un film muy divertido, salpicados del humor surrealista de los cineastas, algo que se agradeció enormemente en Cannes después de varias películas especialmente dramáticas y violentas, y se ha aplaudió muchísimo el trabajo de Oscar Isaac, que aprovecha al máximo la oportunidad brindada por los Coen y que se convirtió en el primer gran candidato al premio al mejor actor de Cannes. Inside Llewyn Davis se estrenará en los Estados Unidos el 6 de diciembre con la distribución de CBS Films.

En la Semana de la Crítica se presentó  Ain’t Them Bodies Saints de David Lowery. El film está protagonizado por Cassey Affleck y Rooney Mara y se convirtió en una de las sensaciones del pasado Festival de Sundance. Narra la historia de un hombre que se ha fugado de la cárcel para reencontrarse con su mujer y su hija a la que no ha podido conocer.

'La Vie D'Adele' Photocall - The 66th Annual Cannes Film Festival'Only God Forgives' Premiere - The 66th Annual Cannes Film Festival'Nebraska' Photocall - The 66th Annual Cannes Film Festivalimages (6)

Nicolas Winding Refn salió este año de La Croisette con las manos vacías. Pero nadie podrá negar que Only God Forgives ha sido el título que más ha dado que hablar de esta edición, tanto antes como después de su proyección. En los Estados Unidos se estrenará el próximo 19 de julio y de momento Vértigo Films no ha fijado la fecha de estreno en España.  Por supuesto destacamos la presencia en esta película de la siempre fascinante actriz británica KRISTIN SCOTT THOMAS.

Kristin-Scott-Thomas-In-Giambattista-Valli-Only-God-Forgives-Cannes-Film-Fesitval-Photocalldescarga

Uno de los miembros del jurado de la pasada edición fue Alexander Payne. El ganador de dos Oscars por los guiones de  Entre Copas y Los Descendientes  ya estuvo presente en la sección oficial con A Propósito de Schmidt y ahora ha presentado Nebraska, un film rodado en blanco y negro con un presupuesto de unos 13 millones de dólares. La cinta narra la historia de Woody Grant, un hombre de avanzada edad y con problemas de alcoholismo que ha ganado un millón de dólares en una lotería, y que deberá reclamar el premio en las Grandes Llanuras de Nebraska. El hombre emprenderá el viaje con la compañía de uno de sus hijos, pero el camino no será nada apacible ya que ambos rendirán cuentas con el pasado. También se esperaba mucho de Nebraska y no decepcionó en absoluto. La acogida fue fantástica y para algunos Payne pudo ganar la Palma de Oro. Esta película fue comparada con esa joya de David Lynch que es Una Historia Verdadera, que no se llevó nada de Cannes cuando se presentó en el año 1999. La crítica se ha rendido ante su protagonista, Bruce Dern, que llegó al proyecto después de que Gene Hackman le dijese que no a Alexander Payne. Dern, clásico secundario, nominado al Oscar por El Regreso, ha trabajado con leyendas del cine como Elia Kazan, Aflred Hitchcock o Roger Corman, podría convertirse en uno de los principales nombres a seguir cuando arranque la temporada de premios previos a los Oscars. Era, sin duda, uno de los más firmes candidatos para alzarse con el galardón al mejor actor de esta edición del festival de Cannes, aunque se enfrenta a un rival muy fuerte como era Michael Douglas.

El realizador tunecino Abdellatif Kechiche presentó el film La Vie d’Adele – Chapitre 1 & 2. La cinta protagonizada por Adéle Exarchopoulos y Léa Seydoux está basado en el cómic de Julie Maroh, El Azul es un Color Cálido y aborda varios años de Adéle, una joven que a la edad de quince años iniciará una relación con una pintora algo mayor que ella y que pertenece a un mundo totalmente opuesto al suyo. La reacción del público asistente fue de lo más entusiasta y muchos periodistas la consideraron desde el principio la película que había de marcar esta edición. Destacan que es un film rodado con exquisitez, y que no se hace denso a pesar de durar casi tres horas, que cuenta con un guión magnífico, que sus personajes centrales son muy complejos, y que está muy bien interpretada, especialmente por Adéle Exarchopoulos que se perfilaba como una gran candidata al premio a la mejor actriz. La cinta contiene largas escenas de sexo y eso probablemente no ayude a su carrera comercial, por los problemas con la censura o por el miedo de los distribuidores.

La 66ª edición del Festival de Cannes contó, como siempre, con la presencia de diferentes personalidades del cine, como SHARON STONE que deslumbró una vez más, y con una de las actrices fetiche de Alfred Hitchcock , KIM NOVAK, que presentó una copia restaurada de la mítica película VÉRTIGO (considerada como la mejor de la Historia del Cine).

606x396_sharon-stone-cannes-red-carpetSOH000832MC_Sharon_Stone_brilla_Cannes21366917162_065154_1366922187_noticia_normalimages (2)2013-05-25T132946Z_651432814_GM1E95P1NOF01_RTRMADP_3_FILM-CANNESkim-novak_principalGaleriaApaisada

Esta ha sido nuestra crónica de un festival “muy grande”, entendiendo como grande la cantidad de películas proyectadas de las que hemos intentado hacer un breve resumen con lo más relevante.   Como indicamos al inicio de este artículo, es imposible contarlo todo.

Por YOLANDA AGUAS, 26-05-2013

******************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

SELECCIÓN PROYECTOS: 41ª FESTIVAL CINE DE HUESCA

_huesca41_59461faeimages

Como todos los años, semanas antes del inicio de la nueva edición del Festival de Cine de Huesca, su Fundación cerró el pasado 23 de mayo la selección del centenar de cortometrajes que competirán por los Danzantes en los tres concursos convocados para la 41ª edición de la tradicional cita oscense, que tendrá lugar del 10 al 16 de junio próximos y cuyo contenido se dará a conocer en la presentación oficial fijada para la semana próxima en el Teatro Olimpia de la Fundación Anselmo Pie. Dos de los tres máximos galardonados (Danzante Iberoamericano ficción y Danzante Internacional ficción) del concurso de cortometrajes se ganarán el derecho a competir en la categoría de cortometrajes en la próxima edición de los Oscars.

De entre los 1.687 proyectos presentados para los distintos concursos, el Festival Internacional de Cine de Huesca ha seleccionado para su cuadragésimo primera edición un global de 102 películas que se distribuyen de este modo: 30 seleccionados para el Concurso de Cortometraje Documental, 38 para el Concurso de Cortometraje Iberoamericano y 34 para el Concurso de Cortometraje Internacional. El público podrá visionar el centenar largo de obras seleccionadas en distintas sesiones de mañana y tarde que se proyectarán en el Teatro Olimpia y en el Salón de Actos de la Diputación Provincial entre el miércoles 12 de junio y el sábado 15. Como es habitual, en la sede del Festival Internacional de Cine de Huesca, se habilitarán monitores para visionados individuales bajo solicitud.

De entre las obras seleccionadas destaca la presencia de varios premiados en la 40 edición (2012) como la directora danesa Mette Föens, que obtuvo el Premio Especial de la Juventud a la mejor ópera prima en 2012 por su película “Sleeping Bear”, y que presenta en esta ocasión su segunda película “Mit navn” –Mi nombre- al Concurso Internacional. Por su parte, el director vasco Ibán del Campo, que en el 2012 obtuvo el premio Cacho Pallero , dentro del Concurso Iberoamericano de Cortometrajes por su obra Katebegitik, regresa a Huesca para competir, esta vez en el Concurso de Cortometraje Documental, con la película “Con tramontana”.

Por último, también repite en 2013 Manuel Jiménez, el galardonado en 2012 con el Premio Especial del Jurado en el Concurso Iberoamericano de Cortometraje Documental por “La aldea perdida, el lado oscuro” y que también recibió, entre otros, el Remi de Bronce en el WordFest de Houston (EEUU). En esta ocasión competirá con su nueva película “Proyecto Mágico”, que ya fue seleccionada para ser la proyección inaugural de la Muestra Cinematográfica del Atlántico ALCANCES 2013, en Cádiz, donde también había obtenido el premio especial del jurado en la edición del 2012.

En cuanto a la procedencia de los filmes presentados, destaca la nómina del Concurso Internacional de Cortometraje Documental, con películas de hasta 19 países distintos (solo España, Reino Unido, México, Alemania y Francia tienen más de una película a concurso); los seleccionados del Concurso Internacional de Cortometraje, de muy diversa procedencia también (21 países). Respecto al Concurso Iberoamericano de Cortometrajes, domina la presencia española –más de la mitad de los seleccionados- pero es de destacar la participación de filmes de Brasil, México, Venezuela, Perú, Argentina, Chile, Portugal, Colombia o Bolivia. Un total de 41 países estarán representados en la 41 edición del Festival Internacional de Cine de Huesca.

Deseamos mucho éxito de público para esta próxima edición y que los profesionales acreditados en todas las áreas participativas disfrutemos de ella, algo que es –afortunadamente- habitual.

****************************************************************************************************

NOTA:  El autor del cartel oficial de la 41ª Edición del Festival de Cine de Huesca es JOSÉ LUIS CANO.

El resto de fotografías y logos insertados en este post es propiedad de sus autores.

VI Festival ECOZINE – Zaragoza, por Yolanda Aguas

logo2greenfilm

El cine más comprometido con el Medio Ambiente ha tenido su espacio privilegiado durante la VI edición del Festival ECOZINE de Zaragoza.

Todo el equipo de la Organización y el público que ha asistido a las proyecciones ha quedado muy satisfecho de cómo se ha desarrollado.

Ayer, durante la Gala de Clausura, se anunció que Ecozine volverá a finales de enero del 2014 con más proyecciones en diferentes espacios de la ciudad, entre ellos la Filmoteca de Zaragoza.  También presentarán la Exposición “Un árbol es un árbol” del colectivo <<Les Sardines>> en el IAACC Pablo Serrano, dentro de la Sección Otras Perspectivas.

La programación cinematográfica contará con la colaboración del Goethe Institut de Madrid, las producciones premiadas en las últimas ediciones de Ecozine y diversas películas de la red internacional de Festivales de Cine de temática medioambiental.

Durante la Gala de Clausura, celebrada en la tarde-noche del jueves 23 de mayo, se dieron a conocer los ganadores de la VI Edición:

PALMARÉS ECOZINE 2013:

Mejor corto: BENDITO MACHINE IV, de Jossie Malis (España, 2012)

Mejor largometraje: RAISING RESISTANCE, de David Bernet y Bettina Borgfeld (Alemania-Suiza, 2011)

Premio sección joven: Dos tomates y dos destinos, de Aníbal Gómez y David Rodríguez (España, 2012)

Mención honorífica largometrajes:  El gigante de Bruno Federico (Colombia, 2012) y Love Me a Tender, de Manu Coeman (Bélgica, 2011)

Mención honorífica cortometrajes:  Kolodets, de Yury Evdokomov (Rusia, 2013) y The only flower, de César Pérez Herranz (España).

proxyproxy (2)20-mayo-2013-13-40-00-ecozine-se-consolida-como-referencia-del-sur-europeo-para-realizadores-internacionales_detalle_mediaDSC_0973

Indicar que durante el discurso de agradecimiento al mejor largometraje uno de sus directores, David Bernet, manifestó que la intención de su filme era contar la situación de una comunidad campesina de Paraguay que lucha incansablemente por mantenerse ante la expansión de la soja genética.

Durante la Gala de Clausura la periodista zaragozana Mavi Doñate, destacó en sus palabras que “no debemos olvidarnos de la realidad de nuestro medio más cercano y que los recursos naturales deben ser respetados”.

BK-Io9QCAAAdolrecozine

Para finalizar, el director del Festival ECOZINE, Pedro Piñeiro,  pronunció unas palabras en la Gala con las que destacó que los participantes del festival y sus producciones presentadas pertenecen a “la vanguardia de lo que acontece ya que prima la cultura y la educación”.

La película con la que se clausuró el festival fue LE SOIF DU MONDE del director Yanna Arthus-Bertrand.

********************************************************************************************************

NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores. (Se han utilizado sin ánimo de lucro).

LA CASA DE EMAK BAKIA (Dir. Oskar Alegria), por Yolanda Aguas

FILMOTECA DE ZARAGOZA, 18-05-2013 (dentro del ciclo de proyecciones del VI Festival Internacional de Cine y Medio Ambiente de Zaragoza <ECOZINE>)

https://www.youtube.com/watch?v=oDFeSSymHEY

images (2)+images (3)img_16643cerradp

Proyectada en la pasada edición 2012 del 60 Festival I. Cine de San Sebastián en Zabaltegi Especiales, esta primera película del realizador navarro Oskar Alegria, nos acerca a una película vanguardista de MAN RAY llamada Emak Bakia (en castellano significa “Déjame en paz”) que desata la historia de una búsqueda.  Ese “!déjame en paz¡” pronunciado en forma cortante dejando claro al espectador que lo que uno quiere es que le dejen –sencillamente- en paz.

La casa donde se rodó en 1926, cerca de Biarritz, tuvo ese peculiar nombre y el autor decidió emprender un camino a pie hacia su localización.  Tenemos esta información porque un diplomático americano la alquiló en 1926, cuando financió la película de Man Ray con 10.000 dólares, pero no porque hoy exista en Biarritz un edificio con esa denominación.

De aquella mansión sólo se conocen la imagen de su puerta y dos columnas.  Nada hay en los archivos y nadie recuerda hoy la casa. Por eso se pedirá ayuda y colaboración a otros informantes como el azar y el viento.  El autor retrata en él su búsqueda de la legendaria casa y, de paso, aprovecha para retratar la obra de Man Ray, el surrealismo que tan magistralmente representó Ray y su propio itinerario.  Al final de la película “La casa de Emak Bakia” el director nos entrega un final que nos deja totalmente sorprendidos.

1347564013_397924_1347564359_noticia_normalimages (1)emakbakia_27737_11348597984_876080_1348598167_noticia_normal

Lo único que se sabía era que Man Ray, artista norteamericano, pasaba parte de sus vacaciones en una mansión cuyo nombre Emak Bakia le fascinó hasta el extremo de convertirse en uno de sus lemas artísticos.  Ese nombre, que como hemos indicado anteriormente, significa en castellano “¡Déjame en paz!”, fue un nombre más que acertado para que alguien construyera esa preciosa mansión junto al mar.

https://www.youtube.com/watch?v=L1y-OA6yf5s

Pasados 80 años, Oskar Alegria inicia la búsqueda de esa casa, con tan sólo cuatro pistas: el misterio de ese  nombre, una imagen del mar y varios fotogramas: de una ventana y de una puerta.  Al mismo tiempo que el camino para buscar la casa, sinuoso y complicado, reclamará esa misma libertad para seguir su proceso vital de creación.

Ese hermoso filme se desarrolla a través de un trayecto a pie que elogia los recorridos alternativos y rinde homenaje al viento.  Nada es línea recta y así el azar de la búsqueda y sus desvíos regalarán sorpresas como la historia de un payaso inmortal, los recuerdos de una princesa rumana campeona de ping pong, las pesadillas de una piara de cerdos o los silbidos de un roble solitario que habita alejado del bosque lanzando una última pregunta: “¿Por qué los ríos tratan de posponer su final?”

La presencia de esta película en el VI Festival Internacional de Cine y Medio Ambiente de Zaragoza (ECOZINE) viene dada –entre otros motivos- porque en ella aparecen nada menos que 238 animales, algo de lo que Oskar Alegría no fue consciente durante el rodaje.

Una película preciosa, extraña y emotiva, con grandes dosis de lirismo, como ya indica el inicio del filme con un horizonte oceánico invertido: el cielo está abajo y el mar arriba.  Nada es lo que parece y la realidad es más surrealista de lo que invita a pensar.

2013041281casaemak_ampliEmakBakiaEtxea-ha

EL DIRECTOR DEL FILME: OSKAR ALEGRÍA:

Periodista de formación, comenzó trabajando de reportero en Madrid en los informativos de Canal Plus y CNN+. Ha sido redactor en programas culturales y coordinador de espacios dedicados a la literatura en los canales de televisión Telemadrid (Los Cinco Sentidos) y Euskal Telebista (Sautrela).

En el terreno del documental gastronómico, ha escrito y co-dirigido la serie de “maestros de la cocina vasca” para ETB-televisión con los cocineros Arzak, Subijana, Aduriz, Berasategui y Arbelaitz.

Desde 2002, escribe reportajes de viajes en el suplemento El Viajero de El País y es autor de un proyecto artístico de fotografía llamado “Las ciudades visibles”, avalado por el escritor Enrique Vila-Matas. Desde 2009, es profesor de guion de documentales en el Master de Guión Audiovisual de la Universidad de Navarra y ha dirigido un Taller de Fotografía Abstracta para niños en el Museo Chillida-Leku.

CRÉDITOS DEL FILME: LA CASA DE EMAK BAKIA:

Dirección, Guión, Fotografía y Montaje: OSKAR ALEGRIA

Música: Abel Hernández

Duración: 83 m

Producción: Oskar Alegria

Emak Bakia Films

Plaza Merindades, 3, pral. Izda.

Pamplona (España)

info@oskaralegria.com

www.emakbakiafilms.com

FESTIVALES EN LOS QUE HA PARTICIPADO:

-BAFICI 2012, Sección Oficial

-Distrital 2012, Meridianos

Edinburgh Film Festival 2012, Sección Oficial

-Telluride Film Festival 2012, The Backlot

Festival I. Cine de San Sebastián 2012, Zabaltegi Especiales

-FIC Valdivia 2012

-Doclisboa 2012, Riscos

MORELIA Film Festival 2012

-RIDM, Festival de Documentales de Montréal, Mención de Honor

FESTIVAL L’ALTERNATIVA – CCCB Barcelona. Sección Oficial

VI Festival I. Cine y Medio Ambiente de Zaragoza (ECOZINE) 2013

images (6)images (5)346966161_64060_27_004859img_172206780488914_947171907e_z

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores: Emak Bakia Films  (Se han utilizado sin ánimo de lucro).

Las fotografías de Oskar Alegría durante su intervención en Zabaltegi Especiales (Festival I. Cine San Sebastián) son propiedad del mencionado festival, así como las que aparece junto al director de ese festival: JOSÉ LUIS REBORDINOS. (Se han utilizado sin ánimo de lucro).

El  video de YouTube insertado, que es propiedad de Emak Bakia Films. (Se ha utilizado sin ánimo de lucro).

“BACH” (MAL PELO), por Yolanda Aguas

TEATRO DEL MERCADO DE ZARAGOZA,  17-05-2013

“Yo simplemente bailaba y, un día, sin saber cómo, me encontré escribiendo con mi propio cuerpo. Quería buscar una manera de decir lo que necesitaba de una forma fuerte, poderosa. Igual que en los años de mi infancia, quería expresarme”.

PINA BAUSCH

Mal Pelo.2005.Bach.foto Ferran Mateo_2IMG_0025MalPelo30

La música de Bach es especialmente amada por los grandes coreógrafos.  Responde sin duda a la extrema belleza que desprende y a que, como pocas, es capaz de transportar al espectador a lugares de máxima emoción.

En enero de 2006, en el Gran Teatro del Liceu, Heinz Spoerli con su Ballet de Zurich  finalizaba su segundo encuentro con Bach con la obra In den Winden im Nichts.  Años atrás, en junio de 1998, ya fascinó al público de Barcelona con la interpretación coreográfica de las Variaciones Goldberg, de magistral desarrollo dancístico.

https://www.youtube.com/watch?v=YrfkKhf4EnE

El precioso espectáculo de danza al que asistimos ayer en el Teatro del Mercado de Zaragoza, es uno de los más hermosos al que he tenido el placer de asistir.   Si la música de Bach es un sistema de ecuaciones que se convierten en milagro, la coreografía de la siempre fascinante María Múñoz es la constatación de lo que puede significar contemplar un milagro en movimiento.

http://www.youtube.com/watch?v=AfV0BZvPV9c

Su modo de danzar – lleno de pequeños matices y detalles sobre el trazado escénico, con un poderío físico fuera de toda duda y una sutil sensibilidad – llegaba hasta las filas en las que estaba un público totalmente fascinado por su elegante plasticidad.

Alineaciones de movimientos complejos, giros prodigiosos y expresión corporal que enamoraron al público asistente.  Y una María Muñoz pletórica de facultades a la que parecía que los 50 minutos de expresión corporal  ininterrumpida no parecían agotar.  Sin duda, ésa es una de las señas de identidad que definen a los grandes bailarines.

<<BACH>> es una producción de Mal Pelo con la colaboración del Teatro Real y el Teatre Lliure (cuando Alex Rigola era todavía su Director Artístico).  Se estrenó en el Espai Lliure de Barcelona el 26 de febrero de 2004 en su primera versión y en Temporada Alta 2005 / Festival Internacional de Teatro de Girona en su versión definitiva.

En <<BACH>> el discurso se articula únicamente a través del cuerpo y la música de Bach.  Una aproximación al Clave bien temperado de J.S. Bach, donde María Muñoz combina la danza de algunos preludios que suenan en directo con la memoria de algunas fugas bailadas en silencio.

Decía Pina Bausch, que el intérprete ya era creador desde el mismo momento en que su cuerpo se ponía en movimiento.  Y que sólo había que librarle de ataduras, de pasos y rutinas preestablecidas, para que emergiera desde lo más íntimo de su ser la expresión más pura y auténtica.

MARÍA MUÑOZ es la intérprete y la coreógrafa de la obra “BACH”, de ahí que sea doble su grandeza y su mérito.

El diseño de iluminación del espectáculo (autoría de August Viladomat)  consta únicamente de un foco en diferentes posiciones, en varios momentos de la representación acompañando magníficamente la figura en negro de la bailarina.  Creando así una atmósfera de tranquilidad en un dulce acompañamiento.  Es fascinante el juego introducido con un video (realizado por Núria Font) de la propia bailarina proyectado en la pantalla;  su silueta negra perfilada con lápiz blanco es deslumbrante.

Kandinsky dijo: “Cada obra de arte proviene de una necesidad interna del alma. La verdadera obra de arte nace del artista: una misteriosa, enigmática y mística creación. Se separa de él, adquiere vida propia, se transforma en una personalidad en sí misma; un sujeto independiente animado por un viento espiritual, el vivo fundamento de una verdadera existencia humana”.

MARÍA MUÑOZ logró hacernos sentir eso precisamente, que su creación de danza se acercara a nosotros, como si ya convertido en sujeto estuviera sentado a nuestro lado, para deleitarnos también con su amable compañía.

22495_gBach4_web_0

*****************************************************************************************************

MARÍA MUÑOZ:

María Muñoz (Valencia, 1963). De padres nacidos en Chera (Guadalajara) y Panticosa (Huesca), crece en Valencia donde estudia música y práctica el atletismo de competición.  Allí se inicia también en la danza y, posteriormente, viaja a Amsterdam y a Barcelona para ampliar su formación.  Tiene su primera experiencia profesional con la compañía japonesa residente en Holanda Shusaku & Dormu Dance Theater en el espectáculo “ERA” en 1982.

En 1985, la formación junto a Mariantònia Oliver del grupo La Dux marca el inicio de su propia trayectoria en la creación escénica.  En el año 1988 colabora con Pep Ramis en la creación del solo Cuarto trastero y en 1989 forman el grupo MAL PELO en el que ambos comparten desde entonces la creación y la dirección.  Dentro del grupo desarrolla una faceta investigadora y pedagoga del movimiento.

También edita y estimula la creación de textos para la escena.  Actualmente es coreógrafa, bailarina y codirectora del centro de creación L’animal a l’esquena en Celrà, Girona.

El siguiente video es de uno de sus trabajos más importantes e inolvidables: TESTIMONI DE LLOPS

http://www.youtube.com/watch?v=AfV0BZvPV9c

COMPAÑÍA DE DANZA MAL PELO:

La Compañía MAL PELO obtuvo el Premio Nacional de Danza, en la categoría de Creación, del año 2009.  Según el fallo del premio, fue distinguida por “su trayectoria tanto en el ámbito de la creación coreográfica, como en la apertura de nuevos caminos en la danza contemporánea española”.  El jurado señaló también la singularidad y propio sello de su trabajo, la investigación y el proyecto formativo interdisciplinar de ‘L’animal a la esquena’.

En enero de 1989 Pep Ramis y María Muñoz crearon el grupo de danza Mal Pelo. Desde entonces, han presentado trabajos de creación como  ‘Quarere en Kalpstuk’, en Bélgica (1989); ‘Lucas’, en Danse a Aix, Aix en Provence (1990); ‘Sur, perros del sur’, en la Biennale de la Danse de Lyon (1992); ‘Canción para los pájaros’ en Outdoors, Londres (1993); ‘Recuerdos de Chera’, estrenado en el Festival Madrid en Danza de 1994 o ‘Orache’, estrenada en el Festival d’Estiu Grec de Barcelona en 1998. Durante el año 2001 la compañía creó el espectáculo ‘L’animal a l’esquena’, estrenado en Teatro Nacional de Cataluña.

También han realizado coreografías para creaciones de vídeo-danza como ‘Quarere’, de Walter Verdin; ‘Sau, sobre Lucas, aral i mundana’, de Jordi Teixidó; ‘Tango i María Muñoz’, de Joan Pueyo, y ‘Dique seco’, de Agustín Fernández. Han colaborado con otros artistas en proyectos como: ‘Saó’, dúo coreográfico de Ángels Margarit y María Muñoz y para la obra teatral ‘Trabajos de amor perdidos’, de William Shakespeare, dirigido por Helena Pimenta del grupo Ur Teatro.

La compañía ha llevado a cabo espectáculos como ‘Atrás los ojos’ (2002), dentro de Sitges Teatre Internacional; ‘An (el silencio)’ dentro del Festival d’Estiu de Barcelona de 2003 o ‘Atlas (o antes de llegar a Barataria)’, en coproducción con el Festival d’Estiu Grec en 2005. Entre sus obras más recientes figuran ‘He visto caballos’ (2008) y ‘Donde nadan los caballos’ (2009), con motivo del 20 Aniversario de la compañía, un largo y minucioso trabajo sobre los temas que han inspirado las creaciones de Mal Pelo en los últimos años.

*****************************************************************************************************

NOTA:  Las fotografías insertadas en este post ,así como los videos de YouTube,  son propiedad de sus autores. (Se han utilizado sin ánimo de lucro).