LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI (Fotografías), por Yolanda Aguas

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En septiembre llegará una de las películas más esperadas del cine español en los últimos años: ‘Las brujas de Zugarramurdi’, una onírica historia de la mano de la inagotable mente de Alex de la Iglesia que junta a la pareja actual de guapos del cine español: Mario Casas y Hugo Silva, que vuelven a trabajar juntos tras el éxito de la serie Los Hombres de Paco.

La película cuenta en su reparto con un plantel de actores fantásticos: CARMEN MAURA, TERELE PÁVEZ, CAROLINA BANG, MACARENA GÓMEZ y muchos característicos de lujo en el cine español.

Como ya es sabido, la película tendrá su premier durante el próximo Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en la Sección Oficial (fuera de concurso).   Durante esa próxima edición del prestigioso festival de cine, la actriz CARMEN MAURA recibirá el Premio Donostia por su brillantísima carrera.

Hemos rescatado de la página de facebook oficial de la película:

https://www.facebook.com/lasbrujasdezugarramurdi

una serie de fotografías oficiales para que nuestros lectores puedan ir descubriendo (y adivinando) los divertidos momentos que sin duda disfrutaremos cuando podamos verla en los cines.

Ya quedan menos días para ese esperado estreno mundial.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.  Han sido utilizadas para promocionar la película.

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EL SÉPTIMO SELLO (Dir. Ingmar Bergman), por Yolanda Aguas

Hubieras gozado más de la vida despreocupándote de la eternidad. En este último instante, goza al menos del prodigio de vivir en la realidad tangible antes de caer en la nada. (…) 

Al borde de la vida el miedo nos hace crear una imagen salvadora y esa imagen es lo que llamamos Dios. (…) 

Sentado aquí, con vosotros, que irreales resultan todas esas cosas, pierden su importancia.

(Diálogos del filme)

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No descubro nada, lo sé…, al afirmar que EL SÉPTIMO SELLO (1957) de Ingmar Bergman es una de las grandes obras maestras del cine.

Película en la que se encuentran todas las posturas que uno puede tener frente a la existencia de Dios y todas quedan evidenciadas en el final cuando termina la última cena.  Preguntas como ¿existe Dios? Si es así ¿es el Dios del Corán o el de la Biblia? ¿Cuándo morimos hay otra vida?  Son las cuestiones que la Humanidad viene haciéndose desde el inicio de los tiempos en todas las culturas y creencias.

Para reflexionar sobre estas cuitas existenciales, el genial director sueco (para muchos de nosotros el mejor de la historia) se sirve de un caballero feudal que regresa de las Cruzadas adonde fue a luchar por su fe en los llamados Santos Lugares.  Regresa con un escudero y encuentra a su país devastado por la peste.

Bergman nos describe un mundo que se hunde en la incertidumbre, en su ignorancia y en su temor, que busca una respuesta que no encuentra, donde los personajes se ven perdidos.  El séptimo sello es una película de interrogantes, de búsqueda de la gran verdad que se esconde tras el misterio de la muerte y la presunta vida eterna que nos espera si es que los libros sagrados son ciertos.

La idea de una partida de ajedrez entre el caballero y la muerte atrapa desde el principio, aunque se vea poco de dicha partida, más que nada es el disparador de la trama y sirve de catalizador en algunas escenas fascinantes.  La grandeza es que esta película rodada en 1957 sigue de plena actualidad, ya que el mundo no sabe en qué creer, Dios ha muerto tanto para nuestros contemporáneos como también está muerto en la película.

La inspiración para componer este filme le llegó a Bergman por medio de las representaciones bajomedievales de las pequeñas iglesias suecas de los alrededores de Estocolmo a las que el director, cuando era niño, acudía en compañía de su padre, pastor luterano.

En ese sentido, no podemos observar el filme como una película de rigor histórico, ya que la cronología de las Cruzadas y el momento en el que el protagonista regresa a Suecia no tienen sentido sino como una visión subjetiva de una serie de hechos que impactan a Bergman y que por medio de su carácter existencialista y apocalíptico pueden buscar como referente estas pinturas góticas en tabla, así como las esculturas representativas del Apocalipsis y otros pasajes de la Biblia.

La fabulosa fotografía de Gunnar Fischer en blanco y negro es impactante, con una planificación muy cuidada hasta el más mínimo detalle.  En algunos momentos, sin duda, resulta dantesca.  La espectacular procesión de penitentes en busca de la misericordia divina es inolvidable o la presunta bruja condenada a la hoguera porque dicen que ha visto al Diablo.

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El resto de personajes que habitan este filme conforman a la perfección el conjunto de seres que sortean con mejor o peor fortuna su tránsito por la vida y su camino hacia la muerte.

Jof y Mia, que acaban de tener un niño, cantan canciones simples – incluso parecen ridículas- que son una metáfora de la Sagrada Familia en su huida hacia Egipto para evitar la matanza de Herodes.  Son los únicos personajes que se salvan, que huyen de la muerte, gracias a las visiones de Jof que puede ver a la Muerte y, anteriormente, a la Virgen María.

El resto baila la danza de la muerte, condenación de los personajes que no son puros, que viven inmersos en sus miserias y pecados.  Evidentemente, es significativa la partida de ajedrez del caballero feudal, Antonius Block, con la Muerte en la que se juega la vida.  La Muerte es implacable, nadie escapa de ella, aunque momentáneamente se salve la familia de cómicos por su inocencia.  Pero también este filme representa la imagen de un mundo que se autodestruye, que se hunde en la pobre y la enfermedad.  Un mundo donde la Muerte acecha en cada rincón, donde nunca se sabe si tendremos futuro y donde los interrogantes reciben el silencio como respuesta.   Una gran obra maestra que debemos ver una y otra vez.

Es significativa la partida de ajedrez del caballero feudal, Antonius Block, con La Muerte en la que se juega la vida. La Muerte es implacable, nadie escapa de ella, aunque momentáneamente se salve la familia de cómicos por su inocencia e ingenuidad.
Pero también este filme representa la imagen de un mundo que se autodestruye, que se hunde en la pobreza y la enfermedad. Un mundo donde la Muerte acecha en cada rincón, donde nunca se sabe si tendremos futuro y donde los interrogantes reciben el silencio como respuesta.
Una gran obra maestra de revisión imprescindible.

La película obtuvo en 1957, el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.  Y en 1960, la Espiga de Oro como Mejor Película en la SEMINCI de Valladolid.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

TEATRO PRINCIPAL DE ZARAGOZA: Programación 2013-2014

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Ya conocemos la programación del magnífico TEATRO PRINCIPAL DE ZARAGOZA para el comienzo de la temporada 2013-2014.

Bajo la dirección de RAFAEL CAMPOS es innegable que los éxitos se han incrementado en cuanto a la calidad de las obras representadas y la asistencia de público a las mismas.  Esto se ha producido (y se produce) a pesar del difícil momento económico que estamos atravesando y con la despiadada subida del IVA para cualquier manifestación artística y cultural.

No cabe duda que asistir al teatro requiere una fidelidad y un esfuerzo para cualquier persona, mucho más si esa persona no tiene trabajo.

Por ello, desde estas líneas exigimos la bajada inmediata del IVA porque la CULTURA no es un lujo, es un ejercicio civilizado de aprendizaje y formación que dignifica a toda persona y a todo un país.

Vamos a detallar la programación para los meses de Septiembre a Diciembre de 2013, ordenados cronológicamente:

Obra: HERMANAS     Fechas: Del 12 al 15 de septiembre

Intérpretes: Amparo Larrañaga, María Pujalte, Marina San José, Amparo Fernández, Chisco Amado, Adrián Lamana.

Dirección: Carol López

Obra: HÉCUBA     Fechas: Del 27 al 29 de septiembre

Intérpretes: Concha Velasco, José Pedro Carrión, Juan Gea, Pilar Bayona, Alberto Iglesias, Luis Rallo, Alberto Berzal, Denise Peridkidis, María de la Aldea, Zaira Montes y María Isasi.

Dirección: José Carlos Plaza

Obra: EN EL ESTANQUE DORADO     Fechas: Del 2 al 20 de octubre

Intérpretes: Lola Herrera y Héctor Alterio.

Dirección: Magüi Mira

Obra: EL COLOQUIO DE LOS PERROS     Fechas: Del 25 al 27 de octubre

Intérpretes: Ramón Fontserè, Pilar Sáenz, Dolors Tuneu, Xavi Sais, Xevi Vilá

Dirección:  Ramón Fontserè

Obra: EL MANUAL DE LA BUENA ESPOSA     Fechas: Del 31 de octubre al 3 de noviembre

Intérpretes: Llum Barrera, Mariola Fuentes, Concha Delgado.

Dirección:  Quino Falero

Obra: EL VENENO DEL TEATRO     Fechas: Del 8 al 10 de noviembre

Intérpretes: Miguel Ángel Solá y Daniel Freire.

Dirección: Mario Gas

Obra: MASTER CLASS     Fechas: Del 22 al 24 de noviembre

Intérpretes: Norma Aleandro

Dirección: Agustín Alezzo

Obra: JULIO CÉSAR     Fechas: Del 13 al 15 de diciembre

Intérpretes: Mario Gas, Sergio Peris-Mencheta, Tristán Ulloa, José Luis Alcobendas, Agus Ruiz, Pau Cólera, Carlos Martos, Pedro Chamizo.

Dirección: Mario Gas

Una excelente programación, acompañada también de diferentes compañías de ballet y actuaciones musicales.

Para todos los públicos.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

61ª Festival de Cine de San Sebastián: presencia española

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Poco a poco vamos conociendo oficialmente los contenidos del 61 Festival de Cine de San Sebastián.

Ayer, y por segundo año consecutivo, se presentó en la sede de la Academia de Cine española la presentación de las 21 películas españolas que estarán presentes en las diferentes secciones del festival donostiarra.

Sin duda alguna el gran éxito de la película de Bayona “Lo imposible” y de Berger “Blancanieves” que arrancaron su exitoso periplo comercial el año pasado en el Festival de Cine de San Sebastián ha sido un aliciente para consolidar más la excelente relación entre el cine español y el prestigioso festival cinematográfico.

En la Sección Oficial podremos ver los nuevos trabajos de David Trueba “Vivir es fácil”, Denis Villeneuve “Enemy, la ópera prima del cineasta Fernando Franco “Herida y, especialmente esperada, Canibal” de Manuel Martín Cuenca quién ya compitió hace algunas ediciones con su maravillosa película “Malas temporadas” protagonizada por Nathalie Poza y Javier Cámara.

Uno de los momentos más esperados por toda la crítica especializada es el estreno (fuera de concurso) de la última película de Alex de la Iglesia con Las Brujas de Zugarramurdi, además una de sus actrices protagonista, CARMEN MAURA, recibirá merecidamente el prestigioso Premio Donostia en reconocimiento a toda su carrera.

Como información adicional, podemos contar que una de las películas a concurso en la Sección Oficial, La Herida de Fernando Franco se rodó precisamente en la hermosa ciudad de San Sebastián.

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En una de nuestras secciones preferidas, Zabaltegui, se presentará una excelente lista de largometrajes documentales y de ficción que se han producido este año, y que son:

Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate, Francesc Relea (España).

Mujer conejo, Verónica Chen (Argentina-España)

Family Tour, Liliana Torres Expósito (España)

Hotzanak, for your own safety, Izebene Oñederra (España)

El rey de Canfranc, Manuel Priede González y José Antonio Blanca (España-Francia)

Sigo siendo (Kachkaniraqmi), Javier Concuera (Perú-España)

Violet, Luiso Berdejo (EE.UU. – España)

Zela Trovke (Cortando hierba), Asier Altuna (España)

En la sección Nuevos Directores, competirán jóvenes directores:  Fran Araujo, Ernesto de Nova, Isabel Ayguavives y Aarón Fernández.

El árbol magnético, Isabel Ayguavives (España-Chile)

El rayo, Fran Araujo y Ernesto de Nova (España)

Las horas muertas, Aarón Fernández (México-Francia-España)

En la sección Horizontes Latinos, veremos:

La jaula de oro, Diego Quemada (México-España)

Wakolda, Lucía Puenzo (Argentina-Francia-España)

Ambos títulos ya estuvieron presentes en Un Certain Regard del último Festival de Cannes.  Y el otro título presente será Pensé que iba a haber fiesta de la directora Victoria Galardi (Argentina-España) que se presentó en el Foro de Coproducción de la 60 edición del Festival. La película está protagonizada por la actriz ELENA ANAYA.

Por último, destacar también que la ganadora del premio de Cine en Construcción de la pasada edición del Festival de Cine de San Sebastián y del Oso de Plata a la Mejor Actriz en el último Festival de Cine de Berlín, Gloria de Sebastián Lelio (Chile-España), optará al Premio del Público en la sección Perlas.

El Velódromo contará con el film Zipi y Zape y el Club de la canica de Óskar Santos, y con ella se completa la lista de films españoles en la 61ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

 

MULTIVERSIONES Y FILMS PARALELOS, por Francesc Mazón Camats

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Unos días después de visitar la estupenda exposición “Multiversions” inaugurada en el marco del 69 Congreso de la FIAF, celebrado en la nueva sede de la Fimoteca de Catalunya del Raval Barcelonés y abierta  hasta el 21 de Noviembre, recordaba un excelente artículo – creo de “Sight and Sound”-  sobre los parecidos razonables, las extrañas coincidencias temáticas entre films alejados en el tiempo, la época o el espacio…

Casualmente descubro en la red, un reciente artículo entusiasta de un film casi perdido de los años 60s “Petulia” y recuerdo como formó parte de mis films favoritos, asociado con otro film menor, descubierto en la filmoteca o quizás fue en una pequeña  sala de Arte y Ensayo de París…: “Caught”.

Caught” -Atrapados- de Max Ophüls, 1949. No estrenado en nuestro país (un adulterio con final feliz para los adúlteros!) es un melodrama Noir, con el inconfundible toque Ophüls.

Nos habla de una moderna Cenicienta en NewYork, Barbara Bel Geddes que ha dado un salto social, casándose con un atractivo y neurótico magnate, el muy potente Robert Ryan (personaje inspirado en Howard Hugues), para descubrir que es un sádico paranoico y pedir ayuda a un atractivo médico de quien se ha enamorado, el suntuoso (aquí bondadoso) James Mason.

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Este la rescata de la “bestia”, cuando descubre que su embarazo está en peligro. Perdida la criatura y después del divorcio, se intuye un final modesto y feliz.

Primera película del suave pérfido inglés James Mason en los USA, donde se instaló huyendo del acoso mediático por sus declaraciones y actitud abiertamente pacifista durante la 2ª Guerra Mundial (y también el encasillamiento como bello tenebroso, a pesar de su magnífica actuación en “Odd Man Out” ).

El fabuloso trío protagonista, la fotografía de Lee Games, música del exiliado Frederick Hollander, y la mano maestra de Ophüls no evitaron la consideración de film de serie B y su escasa distribución.

En este film pequeño 88’, nunca menor! Ophüls potenciaba el triangulo amoroso con un clima crispado y malsano, el mismo de la época: la temible Caza de Brujas desatada por el senador MacCarthy, que estalló en el mejor Hollywood de finales de los 40s, llevándose por delante vidas, honras, amigos y carreras.

La histeria desatada pretendía descabezar una supuesta conspiración comunista (“La invasión de los Ultracuerpos!”). Fue un Tiempo de Canallas como tituló Lillian Hellman sus memorias de esos  años.

Esta pequeña joya tuvo su pareja / díptico en otro film del dúo Mason-Opüls del año 1949 “The Reckless Moment” – Almas Desnudas- obra maestra absoluta versionada en clave contemporánea por el tándem Scott McGehee  y David Siegel , el año 2001. La irrepetible Tilda Swinton, en el papel de Joan Bennet, pero lástima sin un James Mason  actual (Goran Visnjic, aceptable)  supieron crear un remake a la altura del original.

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De un triangulo adúltero y violento, pasamos a otro en “Petulia “ de Richard Lester 1968, los parecidos son múltiples, la época totalmente diferente. Una nueva cenicienta, esta vez cockney, escapada del swinging London para trepar a la upper-class del muy ”in” San Francisco del verano del amor hippie de 1967.

Casada con un pobre niño rico, el muy ambiguo Richard Chamberlain que diseña yates en sandalias, viste de blanco impoluto y podría ser impotente o pederasta… Descubre en realidad a un violento maltratador, un sádico angelical (de nuevo se relaciona la riqueza y el poder con la violencia) a quién protege su papa, un maléfico patricio Joseph Cotten.

También aquí será un médico, el cirujano Archie, poderoso y humanísimo George C. Scott quien intentará proteger y salvar a  la lunática, romántica y muy infeliz Petulia (un personaje que vendría a ser la Holly Golightly de finales de los sesenta) la maravillosa y muy icónica JULIE CHRISTIE.

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Todos estaban magníficos, sin olvidar a una radiante Shirley Knight, en el papel de Polo, la ex-esposa de Archie, que casi se roba la película en una conmovedora secuencia central: el encuentro de ambos que focaliza la tristeza y violencia contenida de todos los personajes.

Este incomprendido film de Lester (hoy de culto) dividió a la crítica: Roger Ebert lo aplaudió, pero preguntándose por qué este cruel y frío film lo dejaba siempre tan infeliz. En cambio la papisa de la crítica Pauline Kael lo atacó sin piedad, sentenciándolo como una carta de odio de Lester a (su país) América.

La utilización por parte del director de una compleja técnica de puzle/collage que va y viene temporalmente (flashback y flashfowards múltiples) por asociación de ideas, de sentimientos… combina con un intenso uso del color de Nicholas Roeg y una maravillosa música de John Barry, romántica y triste, con la irrupción de fragmentos rock de Janis Joplin y los Big Brothers  o la psicodelia de Grateful Dead.

De nuevo Lester sabe reflejar el clima del momento: en casi todas las secuencias hay televisores encendidos, que nadie mira, pantallas que  vomitan compulsivamente imágenes terribles de la guerra del Vietnam. Bajo le estética pop y las imágenes casi documentales del “buen rollo” hippie, subyace una intensa violencia que estalla en el atropello del niño mexicano o la agresión homicida a Petulia.

La película se gestó el año 1966, se filmó durante el verano del 67, debía estrenarse en el Festival de Cannes de Mayo del 68, la revolución estudiantil y el colapso en Francia lo impidió.

Su estreno en los USA, coincidió con el asesinato de Robert Kennedy, que a su vez sucedía  a los de Malcom X y Luther King.

Entre las protestas y estallidos de violencia racial, el público no entendió de qué hablaba Lester, aquel encantador cineasta de los Beatles… “los tiempos estaban cambiando…”

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

LA DAMA DEL MAR (Aut. Henrik Ibsen), por Francesc Mazón Camats

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Fotografías:  VANESSA REDGRAVE interpretando “La Dama del Mar” de H. IBSEN

Su protagonista Ellida, la hija del farero que vivió su infancia y juventud junto al mar, está enamorada del mar, cree ser una criatura marítima que solo encuentra reposo en el mar. Hace años hizo una  promesa de amor a un marinero sin nombre, quizás real, quizás invención de su mente melancólica, angustiada y fracturada. Cuando empieza la obra, Ellida vive con su marido el Dr. Wangel, viudo con dos hijas mayores,  en un pequeño balneario junto a un fiordo remoto. Parece estar al borde de la locura, presa de un pánico irracional por la llegada, que presiente inmediata, del extranjero que huido de la justicia por un asesinato, volverá para hacer cumplir su promesa.

¿Debe escapar con él y conseguir realizar sus anhelados deseos de aventura y libertad, promesas de una extraña relación mística. O permanecer con su marido, del que está distanciada física y emocionalmente desde la muerte de su hijo?  Ese marido paciente y solícito, su anclaje  en la realidad y el sosiego (muchos críticos creen ver en el Dr. Wangel, la figura del psicoanalista,  en una obra que es junto a Rommeshold, de las más apreciadas por los especialistas psíquicos) e intenta ayudarla y aceptar su libre albedrío en la decisión que tome, aun a riesgo de perderla.

Estamos cerca de las dos heroínas por excelencia de Ibsen: Nora de Casa de Muñecas, y Hedda Gabler, pero estas pertenecen a su visión realista- naturalista de la sociedad victoriana y determinista. En cambio ”La Dama  del Mar” es puro simbolismo y Ellida una heroína mágica, una melancólica incurable, una sirena que desea volver al mar (ecos de La Sirenita de Andersen o El Holandés Errante de Wagner…).

Esta heroína tan ambigua del padre del teatro contemporáneo Henrik Ibsen, se ha convertido en un personaje complejo, sutil y muy difícil de interpretar; cercano al exceso o la indefinición y ha conseguido que esta sea su obra menos representada y apreciada por público y crítica.

Estrenada a la vez en Christania/Oslo y Weimar el año 1989. Se difundió por Europa cuando las dos grandes divas de la época: Sarah Bernhardt y Eleonora Duse la representaron en Paris y Roma, entre el 1906 y 1909. La gran Sarah renunciará poco después al teatro de Ibsen y será La Duse quien hizo suyo el personaje durante su gira americana, tras un largo paréntesis de  enfermedad y depresión. En España fue Lola Membrives en 1929 quien estrena la obra, de forma tardía y sin excesivo éxito. Después del largo periodo bélico, La Dama quedó olvidada (solo un intento infructuoso, de la muy mágica y volátil Luise Rainer en Brodway NewYork el 1950) hasta llegar a una actriz que parece haberse apropiado de la obra y cedido en herencia a sus hijas, también actrices: VANESSA REDGRAVE es ELLIDA de “ La Dama del Mar”.

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Vanessa escoge a Ellida para su debut teatral en Broadway- New York, el año 1976, prácticamente 20 años más tarde de su debut en el WestEnd londinense. Su primer contacto con la obra de Ibsen fue en el papel de Boletta (la hija mayor del Dr. Wangel) que le supuso su primer premio teatral, el prestigioso Evening Standard y el reconocimiento de  la crítica anterior a su consagración con la Rosalind de Shakespeare. Este aparentemente ilógico vacio en los escenarios neoyorquinos, tenía una única razón: su izquierdismo cada vez más radical en plena era maccarthista.

Dirigida por su ex-marido Toni Richardson en el teatro Circle in the Square del Off Broadway, las críticas son magníficas y la recepción pública entusiasta pero minoritaria. Vanessa milita en aquel periodo en un pequeño partido trotskista y acaba de financiar e intervenir en su documental “The Palestinian” apoyando a la causa palestina. No obstante su Ellida , le supone el reconocimiento de la izquierda americana en la respetada figura de la dramaturga  Lillian Hellman, que verá en ella la imagen ideal de su heroína antifascista “Julia”.

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El año 1978, pasada la terrible tempestad de su feroz, valiente y discutido discurso de aceptación del Oscar (que estuvo a punto de acabar con su carrera cinematográfica) regresa de nuevo a Ellida , esta vez en Inglaterra : primero en el Royal Exchange de Manchester, posteriormente en el Round House de Londres, dirigida por Michael Elliot y con Terence Stamp en el papel del extranjero. El éxito es apoteósico, confirma su prestigio sobre los escenarios y la pasión incondicional de sus muchos  admiradores.

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Mucho tiempo después, en el año 2003, será su hija mayor Natasha Richardson la que  regresará a los escenarios ingleses del famoso teatro Almeida con La Dama del Mar,  la crítica  la elogia sin reservas y destaca la verdad y la pasión de su actuación , tan cercana a la ya mítica  de su madre. Por cierto es el mismo año en el que Vanessa recibe el Tony teatral por su Mary Tyrone  de O’Neill en Broadway, consagración  de toda su larga carrera.

Queda un epílogo dulce-amargo, el regreso en 2012  a los escenarios de Joely Richardson, la segunda hija actriz de Vanessa y Toni, después del que esta definió como un tsunami de tristeza y duelo familiar: las muertes de Tash, Corin y Lynn Redgrave a lo largo del año 2009. Joely se atrevió con una nueva Ellida, con la compañía del Rose Theater en Kingston y posteriormente en Londres. La misteriosa heroína de Ibsen, dirigida por Stephen Unwin, esta vez con una visión quizás más optimista y luminosa. La crítica dijo que tal vez fuese esa belleza vikinga del clan Redgrave, esa energía y verdad que transmiten lo que las hace poseedoras de este esquivo y mágico personaje.

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CUANDO VUELVAS A MI LADO (Dir. Gracia Querejeta), por Yolanda Aguas

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Película estrenada en la Sección Oficial de la 47 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián el 23 de septiembre de 1999.

Sinopsis:

Después de algún tiempo sin verse, tres hermanas – Gloria, Ana y Lidia – se reúnen en torno a la madre que acaba de morir.  Aunque la madre, Adela, había pasado los últimos treinta años de su vida sin decir un sola palabra, no dejó por ello de expresar su voluntad en una hoja de papel.  Las hijas descubren así que su madre quiere que sus cenizas se dividan en 3 partes y que cada una de ellas vaya a parar a tres destinatarios distintos.

Gloria  – 47 años, soltera y aficionada a bailar boleros -, Ana – prostituta de lujo de la que nadie diría que ha pasado los 40 – y Lidia – embarazada por 1ª vez a sus 34 años -, inician un recorrido que terminará al borde del mar.  En el maletero del coche, las tres ánforas con los restos de Adela.  El viaje será la llave que abrirá viejos secretos familiares.

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Nuestra opinión:

La película refleja las relaciones entre las tres hermanas, la madre y una tía muy unida a ella, mediante la utilización no arbitraria de los flahsblacks sino como consecuencia de un espléndido e inteligente guión (escrito por la propia directora, Elías Querejeta y colaboración final de Manuel Gutiérrez Aragón).  Estos flahsblacks le sirven a la directora para reflejar el presente con el recuerdo subjetivo del pasado.

La excelente dirección de los actores y la puesta en escena que realiza Gracia Querejeta, explora los rostros y los silencios de los personajes (es tan esencial lo que vemos en ellos como lo que callan los protagonistas).  A todo esto se suma un uso impecable del paisaje gallego y de la ambientación (debemos hacer una mención especial a la música de Ángel Illarramendi – siempre sublime – y a la fotografía de Alfredo Mayo, que son determinantes para crear la atmósfera subyugante de este hermoso y conmovedor film).

Película recomendable, muy recomendable, para encontrar el cine que es capaz de hacernos daño también, porque –como sucede en la vida, una vez más- nos transporta a los recuerdos y a los silencios.

El punto de vista es principalmente femenino. Son ellas las que rememoran, las que marcan los acontecimientos tanto en el pasado como en el presente.  Como ya hemos apuntado, esta historia está contada en dos tiempos y va relacionando lo que se sabe y lo que se oculta hasta ir formando el puzle de estas tres hermanas, que se quieren pero no se ven, que se necesitan pero están distanciadas por una frialdad que ellas mismas no saben definir muy bien, ni cuál es su origen.

La principal virtud de esta película es, a mi juicio, la capacidad de esta gran directora en contener las emociones y no dejar que el relato, salpicado de experiencias dolorosas, se hunda en un simple melodrama convencional.

Sin duda lo consigue gracias al trabajo deslumbrante del plantel de actrices con las que cuenta, especialmente Mercedes Sampietro, Adriana Ozores y Julieta Serrano.  La interpretación de ésta última roza la perfección.

Dirección serena y precisa de Gracia Querejeta, que ya nos ilusionó con su primera y magnífica película de 1996: El último viaje de Robert Rylands.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.