GEORGES DELERUE (Música por la amistad), por Yolanda Aguas

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Aunque tan sólo fuera por la música que compuso para dos películas inolvidables: “Julia” de Fred Zinnemann y “Ricas y Famosas” de Georges Cukor, ya merece ser considerado como uno de los mejores compositores de la historia.  Un maestro del piano, cuya música vive para siempre en todos nosotros.

Pero Georges Delerue compuso mucho más…  grandes bandas sonoras de la Historia del Cine, que poco a poco iremos mencionando en este artículo.

Nació en 1925, en Roubaix (Francia). Su padre, un consagrado violinista, le ayudó a entrar en el Conservatorio de Música de París, donde se diplomó en composición en 1952.

En su juventud frecuentaba los ambientes bohemios de París y fue allí donde conoció a otros artistas.  Entre ellos se encontraban dos críticos cinematográficos que fueron muy especiales en su vida: Alan Resnais y François Truffaut.  Cuando ambos logran ser también directores de cine, Georges Delerue comienza a colaborar con ellos dentro del movimiento francés conocido como Nouvelle Vague.

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Con el genial François Truffaut mantuvo una amistad y colaboró asiduamente hasta la prematura muerte del director.  Destacando obras maestras como: “Las dos inglesas y el amor” (1971), “La noche americana” (1972), “La mujer de al lado” (1981) y “Vivamente el domingo” (1983).

Sus composiciones para cuerda están impregnadas de una enorme tristeza y una desesperada agonía: “Lo importante es amar” (1974), “Agnes de Dios” (1985) y “Dien Bien Phu” (1992).

En Francia compuso para los grandes directores de la Nouvelle vague, como he comentado anteriormente, y para grandes películas como “Hirosima mon Amour”, “Jules et Jim”, “Viva María”, “El último metro”, ó “El Conformista”, esta última de Bernardo Bertolucci. Probablemente, de la época francesa, su mejor composición, o por lo menos la más conocida sea para la película de Jean Luc Goddard “Le Mepris” (El desprecio), que estaba interpretada por Brigitte Bardot y el gran Michel Piccoli.

Fue un gran maestro del piano, autor de óperas, música de ballet, documentales sobre las pirámides que fueron patrocinados por el gobierno egipcio.  Su trabajó llegó a Hollywood que le abrió las puertas de par en par, y allí ganó un Óscar en 1979 por su composición para la película “Un pequeño romance”.   Como hemos indicado en el inicio de este artículo, trabajó con el gran maestro Fred Zinnemann con “Chacal” (1972) y “Julia” (1977).

Desde luego hay que mencionar de un modo un especial la trilogía medieval: “Un hombre para la eternidad” (1966), “Paseo por el amor y la muerte” (1966) y “Ana y los 1.000 días” (1966).

Posteriormente colaboró con el australiano Bruce Beresfrod: “Crímenes del corazón” (1986), “Su coartada” (1989), “Mr. Johnson” (1990), “Black Robe” (1991) y “Rich in Love” (1992).

Oliver Stone contó también con su talento para sus películas: “Salvador” (1985), “Platoon” (1986), aunque el famoso Adagio for Strings es de Samuel Barber.

Mike Nichols le buscó para sus películas: “El día del delfín” (1973), “Silkwood” (1983) y “Biloxi Blues” (1987).

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Sus maravillosas composiciones para el cine han quedado como una declaración a la belleza musical, son un  placer para los sentidos y reflejan la exquisita personalidad de su creador.  Georges Delerue fue un mago de las emociones y el mejor músico que existe para conseguir ambientes envolventes.

“Ricas y famosas” (1981) fue la última película del maestro Georges Cukor, aquel gran director de actrices del Hoollywood clásico. Está protagonizada por dos actrices que nunca han estado tan brillantes como en ésta película, Candice Bergen y Jacqueline Bisset. En ella se narra la historia de amistad a traves de los años de éstas dos mujeres, separándose por las circunstancias de la vida y volviendose a unir al cabo de varios años. “Ricas y famosas” es probablemente una de las mejores películas sobre la amistad que se hayan hecho nunca, y Georges Delerue transmite esa amistad con una evocadora y mágica melodía absolutamente inolvidable. Una película y una banda sonora altamente recomendable.

Y si “Ricas y Famosas” es un canto a la amistad, no podemos olvidar otro hito del cine de autor: “Julia” de Fred Zinnermann, con Jane Fonda y Vanessa Redgrave en sendas interpretaciones inolvidables.   Dos grandes películas y con un mismo compositor.

Falleció en Los Ángeles, el 20 de marzo de 1992, dejando para siempre el legado de su hermosa música.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

TEATRE LLIURE – 35 Aniversario -, por Francesc Mazón Camats

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Estreno en el Canal 33 de la TV de Catalunya, en el espacio “El documental “de: “HISTÒRIA D’UN TEATRE LLIURE“, dirigido por Manu Benavente y Marga Ninon. Celebración, aniversario y trayectoria de los 35 años de historia del Teatre Lliure, nacido el uno de Diciembre de 1976, en plena euforia esperanzada, tras la muerte del dictador.

El clima cultural en la Barcelona de los últimos años del franquismo era sorprendentemente activo en los márgenes contraculturales de la época , sobretodo en la música, los cómics y el teatro alternativos. Teniendo en cuenta el desierto cultural “oficial” y empresarial, tan solo sobrevivían tres o cuatro teatros comerciales y la oferta musical se concentraba en el Palau de la Música; la efervescencia de grupos como els Joglars y els Comediants, o formaciones musicales como Màquina, Música Dispersa o los ya consolidados miembros de los Setze Jutges… De hecho una movida avant la letre, pero sin subvenciones.

Un grupo de teatreros que habían crecido en esas laboriosas aguas, frecuente e inesperadamente underground , encontraban refugio y formación en la compañía Adrià Gual que tenía su sede en La Cúpula del Coliseum, y sus tutores en Maria Aurèlia Capmany y Ricard Salvat. De allí surgieron la escritora y actriz Montserrat Roig, la fotógrafa Pilar Aymerich o el hombre de teatro:  Fabià Puigserver.

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En torno a él se aglutinaran actrices y actores, escenógrafos, técnicos, diseñadores y músicos, bailarines… Encuentran un local destartalado, convertido en discoteca de barrio, el que fue Teatro de la Cooperativa La Lleialtat, recuerdo vivo de uno de los múltiples ateneos o cooperativas obreras que sobrevivieron al Desastre.

Allí en la calle Montseny, en el corazón del barrio de Gràcia (nuestro Greenwich Village, menestral y artesano) nació el LLiure.

El documental de unos 60’ de duración, cuya elaboración se intuye compleja y difícil, está narrado por el equipo de fundadores supervivientes, incluida la gran Anna Lizaran, que murió poco después, y a quien está dedicado.

Nos explica, con la ayuda de algunas impagables imágenes iniciales, el arduo proceso de restauración, los ensayos, la vida prácticamente comunal y el estreno de la que será su primera función “Camí de Nit“ de Lluís Pasqual, con música de Lluís Llach. Aquel ambiente mágico, lleno de esfuerzo y emoción que supuso la entrada a la modernidad dramática del Teatro en Catalunya. La intención clara desde el principio de crear un teatro público, estable que presentase un repertorio internacional, desde los clásicos a la vanguardia, especialmente europeos y en catalán.

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Trabajando incesantemente en todos los ámbitos: desde el diseño de su famoso Logo (creación de Cesc Esplugas) que unifica la T de teatro, la Ll de lliure (libre, una palabra aun peligrosa en aquel momento ) y la imagen de las cuatro barras catalanas, a los diseños de carteles. Las escenografías, decorados, vestuarios, creaciones artesanales del propio taller del Lliure; las luces y tramoyas, o el fotógrafo de escena, el fantástico Ros Ribas, hoy reconocido internacionalmente (Patrice Chereau habla de él, como uno de los suyos, el mejor).

El nivel de exigencia marcado por Puigserver y seguido por su mano derecha Lluís Pasqual, dará pronto sus frutos, “La Cacatua Verda” , “Mahagonny”, “Eduard II”, “La Bella Helena “, “La Flauta Màgica “, “Al Vostre Gust”…  Shakespeare, Chejov, Goldoni, Genet, Strinberg …

Sin  soslayar las crisis internas y hacer autocrítica de ellas. La primera y más grave en 1980, cuando la censura, aun activa, prohíba el estreno de “Concili d’Amor”, que supuso una escisión  y la marcha de un grupo de sus actores y algún director escénico.

Las posteriores crisis económicas que estimulan la novedosa creación de una Asociación de espectadores y abren paso a una mayor  participación pública, con la creación de la Fundación Teatre Lliure– Teatre Públic de Barcelona y las aportaciones de la Diputación y  el Ayuntamiento y más tarde la Generalitat y el ministerio de Cultura.

Una última crisis de crecimiento, cuando Fabià Puigserver obtiene la promesa de Pasqual Maragall de conseguir un espacio mayor para el Lliure, que se concreta poco antes de su muerte en el Palau d’Agricultura de Montjuïc. Núcleo de un innominado Conjunto teatral Municipal de BCN, integrado por el Mercat de les Flors , hoy dedicado a la danza, el IT (Centenario Institut del Teatre ) y sus propios espacios teatrales y el nuevo Teatre Lliure con dos salas, la mayor llamada Sala Fabià Puigserver en su memoria y el pequeño Espai lliure. Todo ello alrededor de la plaza Margarida Xirgú, actriz tutelar de las vanguardias teatrales republicanas.

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El cambio, alargado en el tiempo por crisis políticas y económicas, fue posible por la  continuidad y el esfuerzo  de los sucesivos directores del Lliure,  Lluís Homar, Guillem-Jordi Graells y posteriormente, en su momento más crítico, por Josep Muntanyès que el 22 de Noviembre del 2001, consigue inaugurar las nuevas y magníficas instalaciones en Montjuïc, poco antes de su inesperada muerte.

Lástima que de todo este extenso recorrido, el documental nos ofrezca tan solo fotografías (espléndidas) y no exhiba imágenes en movimiento (existir, existen!  Quizás un problema de derechos…): Obras como la muy controvertida “Operació Ubú”, los olvidados  y muy radicales montajes de “El Balcó” o “Mahagonny” o bien los grandes éxitos populares de “La Bella Helena” o “La Flauta Màgica” y el último montaje de Fabià, en el vecino Mercat de les Flors, de nuestro clásico por excelencia “Terra Baixa” de Angel Guimerà en Julio de 1991. Las muy novedosas y recientes etapas bajo dirección de Alex Rigola y la actual, con el regreso del hijo prodigo Lluís Pasqual y los dos centros: el mítico de Gràcia, renovado en 2010,  y el  de Montjuïc en marcha.

Larga vida a nuestro Teatre Lliure y muy grato y profundo reconocimiento a los abnegados “monjes  y monjas” (Pepe Rubianes dixit) que lo hicieron posible.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad del TEATRE LLIURE (Autor: Ros Ribas).  

Las fotografías de los exteriores del Teatre Lliure en Montjuic y Grácia son propiedad de sus autores.

PALMARÉS de la 58ª ed. SEMINCI, por Yolanda Aguas

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La 58 edición de la Seminci, el Festival Internacional de Cine de Valladolid terminó con un magnífico balance tras atravesar ciertas dificultades en anteriores años por el bajo nivel de su programación a concurso. En esta ocasión, los nombres en la Sección Oficial de Kelly Reichardt, Agnès Jaoui, Sean Ellis, Hany Abu-Assad, así como el tradicional y prestigioso apartado Tiempo de Historia, dedicado a los documentales y la presencia de una figura internacional de la talla de Paul Schraeder, que vino a presentar “The Canyons”, completaron el buen nivel del festival.

La película “Una familia de Tokio”, del cineasta japonés Yôji Yamada, ha sido galardonada este sábado con la Espiga de Oro al Mejor Largometraje de la 58ª Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI). El cineasta japonés actualiza el clásico de Yasujiro Ozu con una parábola familiar en la que un matrimonio de ancianos viaja a la ciudad para visitar a sus hijos, sustituyendo el escenario de la historia original y lo lleva hacia un terreno marcado por el terremoto y el desastre de Fukushima que vivió su país.

La espiga de plata ha sido para la película “Run & Jump”, un relato optimista sobre la conexión humana a través de la aceptación de la directora novel estadounidense Steph Green. La presencia española en el palmarés ha venido de la mano de Nora Navas, que ha logrado el Premio a Mejor Actriz por ‘Todos queremos lo mejor para ella’ de la directora catalana Mar Coll.

Este año los homenajes han recaído en Paul Schrader y Jacques Audiard, que recibieron la Espiga de Honor en la gala de inauguración del festival y Concha Velasco y José Sacristán, que lo hicieron el martes 22 de octubre en una gala homenaje al cine español.

En ella ambos se otorgaron mutuamente el galardón de la 58ª Seminci tras la proyección de un vídeo sobre la trayectoria profesional de José Sacristán y otro vídeo homenaje a Concha Velasco (inolvidable su trabajo juntos en “La Comena” de Mario Camus).

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Detallamos a continuación el Palmarés completo:

Palmarés de la 58ª edición SEMINCI

ESPIGA DE ORO

Tokyo Kazoku (Una familia de Tokio), de Yoji Yamada (Japón)

ESPIGA DE PLATA
Run & Jump, de Steph Green (Irlanda, Alemania)

MEJOR DIRECTOR
Joanna Kos-Krauze y Krzysztof Krauze, por Papusza (Polonia)

MEJOR ACTRIZ
Nora Navas, por Tots volem el millor per a ella (Todos queremos lo mejor para ella) (España)

MEJOR ACTOR
Zbigniew Walerys, por Papusza (Polonia)

MEJOR NUEVO DIRECTOR
Diederick Ebbinge, por Matterhorn (Países Bajos)

MEJOR GUIÓN
Agnés Jaoui y Jean-Pierre Bacri, por Au bout du conte (Al final del cuento) (Francia)

MEJOR FOTOGRAFÍA
Christopher Blauvelt, por Night Moves

ESPIGA DE ORO AL CORTOMETRAJE
Boles, de Spela Cadez (Eslovenia)

ESPIGA DE PLATA AL CORTOMETRAJE
Subconscious Password (El juego de la memoria), de Chris Landreth (Canadá)

PREMIO EFA AL CORTOMETRAJE
The Missing Scarf (La bufanda perdida), de Eoin Duffy (Irlanda)

PUNTO DE ENCUENTRO LARGOMETRAJE
Wajma (An Afghan Love Story) (Wajma, una historia afgana de amor), de Barmak Akram (Afganistán)
Mención especial: 82 dagen in April (82 días en abril), de Bart Van den Bempt (Países Bajos)

PUNTO DE ENCUENTRO CORTOMETRAJE
Extranjero: Ata lunch (Hora de comer), de Sanna Lenken (Suecia)
La noche del corto español: Inside the Box, de David Martín-Porras
Mención especial: Cold Warrior (Guerrera fría), de Emily Greenwood (Reino Unido) y Habitantes, de Leticia Dolera (España)

PREMIO DEL PÚBLICO
Sección oficial: Short Term 12, de Destin Daniel Cretton.
Punto de encuentro: Benur, de Massimo Andrei.

PREMIO ‘CASTILLA Y LEÓN EN CORTO’
Los dinosaurios ya no viven aquí, de Miguel Ángel Pérez Blanco

PREMIO DE LA JUVENTUD
Papusza, de Joanna Kos-Krauze y KrzysZtof Krauze

Y en la sección Punto de Encuentro a:
Hide your Smiling Faces, de Daniel Patrick Carbone

PREMIO SEMINCI JOVEN
Marina, de Stijn Coninx (Bélgica/Italia)

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NOTA: Las fotografías oficiales de la película insertadas en este post son propiedad de sus autores.

LA MIRADA DEL AMOR (Dir. Arie Posin), por Yolanda Aguas

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“The face of love” (La mirada del amor), inauguraba la sección PERLAS de la pasada 61 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.  Es una película que aparentemente desarrolla una historia de amor, pero cuando finalizó la proyección comprobamos que es mucho más que eso.

La protagonista (interpretada magistralmente por Annette Bening) pierde a su marido de forma trágica y cinco años después se enamora a primera vista de un hombre muy atractivo (Ed Harris, con la presencia potente a la que nos tiene acostumbrados) que resulta ser casi idéntico físicamente al amor perdido.  Consigue entablar conversación con él y, poco a poco, ambos se van acercando hasta crear entre ellos una complicidad amorosa por la que ambos apuestan. Todo sería casi perfecto si no fuera porque él no sabe nada de lo que la animó a ella a acercarse. Es entonces cuando el personaje interpretado por Bening decide involucrarse en una nueva relación pensando que ha llegado a su vida una especie de reencarnación de su marido muerto.  Todo ello conlleva la reacción de su hija y de un vecino que está enamorado de ella (Robin Williams).

Este es el punto fuerte del guión y de una película en la que su director, el israelí Arie Posin “Historia de un secuestro” le reserva a Annette Bening algunas conmovedoras frases que van directamente al corazón.

La magnífica actriz Annette Bening, una intérprete que llegó relativamente tarde al cine tras muchos años de trabajo en los escenarios teatrales, es la protagonista de este drama romántico.  Ed Harris, coprotagonista del filme, es uno de los motivos por los que Annette Bening aceptó el papel, con el que suma uno más a la lista de personajes de mujeres independientes y complejas, que tan poco habituales son en el Hollywood de hoy. El filme está escrito y dirigido por Arie Posin.

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“La mirada del amor” no es sólo una historia de amor o de pérdida, en realidad son ambas cosas a la vez.  Es una historia de duelo y obsesión, de sacar fuerzas para seguir viviendo con ilusión.  Cuando se transita en la vida por un largo período de duelo, la pasión (una nueva) puede ayudar a mitigar el dolor. En el caso que nos ocupa, la protagonista no es muy consciente del nivel de duelo que tiene.

El director del film, Arie Posin, se basó en la historia de su propia madre.  Annette Bening manifestó que “la historia familiar de Arie es muy interesante y, por eso quizás es tan poderosa la película. Mi personaje es el de una mujer que ha vivido y ha sufrido el dolor, pero que no es sentimental”.

Otro de los aspecto fundamentales en esta película, es la presencia de uno de los mejores actores del Hollywood “más crítico con el sistema”, el gran Ed Harris.  Fue decisivo para que Annette Bening aceptara incorporarse a este proyecto. Estaba convencida que trabajar con él iba a significar que “todo iría muy bien”.  La implicación con este personaje por parte de Bening fue total, hasta el punto de: “me influyó el que la historia tuviera para mí muchas intrigas y hablar de una relación que me hacía pensar. Era como una pregunta que necesitaba contestarme. Es una historia única, intrigante, conmovedora. Es como si la hubiera seguido la vida”.

El papel protagonista femenino es un bombón para una actriz, más en el difícil mundo del cine, que ya no es joven: Antes vivía en Los Ángeles  y veía todo el tiempo el lado del negocio y aprendí  a no valorar todo el rato y a que no me afectara demasiado todo, porque sé que es muy comercial. Ahora es un momento en que el control lo toma la tecnología y, por supuesto, el dinero.  Ellos, Hollywood, necesitan proyectos que reflejen lo que quieren retratar. En  medio de ese panorama, encontrar personajes femeninos interesantes, complejos… es dificilísimo. Yo me siento muy afortunada por tener los papeles que he tenido. Encontrar hoy, en medio del panorama de  Hollywood, personaje femeninos interesantes, complejos… es dificilísimo”.

Como mujer inteligente que es, reflexiona con sabiduría sobre su trabajo: “Antes pensaba que cuanto más ensayabas, más puntos ganabas respecto del personaje. Pero ahora me doy cuenta de que lo más útil, lo más jugoso, es la intuición. Pero todo tiene que ver con la edad. A mis años miras el pasado de otra forma, las cosas cambian a medida que nosotros mismos nos transformamos y nosotros cambiamos mucho con la experiencia. Aparte de eso, para mí es importante investigar la cultura y la situación de los personajes”.

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Disfrutamos mucho cuando vimos esta película – en su estreno en España – durante el pasado certamen de cine de San Sebastián.  La película tiene momentos inolvidables, principalmente cuando la cámara se enamora del hermoso rostro de Annette Bening, rostro que comienza a mostrar las huellas del paso del tiempo y que enseña a apreciar – todavía más – su infinito talento como actriz.

Una delicia, no se pierdan esta película.

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NOTA:

1.- Las fotografías oficiales de la película son propiedad de sus autores.

2.- Las fotografías de Annette Bening y Arie Posin en el interior y la salida del Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián, así como de la Alfombra Roja de la Gala de Inauguración de la 61 Ed. Festival de Cine de San Sebastián son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS.

 

WAKOLDA (El médico alemán) (Dir. Lucía Puenzo), por Yolanda Aguas

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Acaba de estrenarse en las salas de cine de España una película que vimos hace unas semanas en la sección Horizontes Latinos de la 61 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián:  Wakolda (El médico alemán) de Lucía Puenzo.

Escritora y directora de cine nacida en Buenos Aires en 1976, su primera película “XXY”, ganó el Gran Premio de la Crítica en Cannes (2007), un Goya a la Mejor Película Extranjera, más de veinte premios internacionales y formó parte de la programación del prestigioso Ciclo New Directors New Films del MOMA de Nueva York.

Su segunda película “El niño pez” abrió la sección Panorama del Festival de Berlín (2009) y ganó premios en España, Rumania, Torino y Tokio. Además fue parte de la selección oficial de Tribeca y La Habana, entre otros festivales. Del 2004 al 2011 publicó las novelas El niño pez, 9 minutos, La maldición de Jacinta Pichimahuida, La furia de la langosta y Wakolda. En el 2010 fue elegida por la prestigiosa revista literaria GRANTA como una de los 20 escritores jóvenes más importantes de la lengua española. Becaria de la Cinefondation del Festival de Cannes en el 2005 y jurado en numerosos concursos nacionales e internacionales de cine y literatura.

Una familia argentina conoce en la Patagonia a un médico alemán que se presenta bajo el nombre de Helmut Gregor (Àlex Brendemühl) y se muestra fascinado por la “belleza perfecta” de Lilith (Florencia Bado), la hija de doce años que, por un problema hormonal, no ha crecido lo suficiente para su edad. Los padres, Eva (Natalia Oreiro) y Enzo (Diego Peretti), quedan a su vez seducidos por el carisma y los conocimientos del doctor Gregor, y aceptan que le aplique a la niña un tratamiento que le permita alcanzar su estatura normal.

Con este argumento de thriller, Lucía Puenzo aborda la figura del médico nazi Josef Megele, el Ángel de la Muerte de Auschwitz, célebre por sus bárbaros experimentos científicos, de quien se sabe que vivió clandestinamente en Argentina entre 1949 y 1961 y ficcionaliza sobre sus terribles experimentos genéticos. “La esencia de su ideología consistía en aspirar a la perfección biológica y a destruir todo aquello que podía alejarlo de ella”, ha dicho Puezo sobre su película y refiriéndose a Mengele. “Esa visión biomédica se situaba en el corazón del movimiento nazi, independientemente del contexto de la guerra”. 

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Wakolda, es una coproducción argentino-española con apoyo de Ibermedia y cuyo título alude a la fabricación de muñecas de porcelana.

Lo mejor de la película es la gran interpretación de Àlex Brendemühl, junto a quién vimos la película en la proyección de la tarde en el Kursaal 2 del pasado 61 Zinemaldia.  Gran actor al que hemos visto en trabajos muy importantes, por ejemplo el profesor de la película de Cesc Gay “En la ciudad”, y que aquí realiza una composición admirable del criminal nazi.

Sin embargo, hay algo en el guión y en algunos momentos claves de su puesta en escena de que no terminan de convencernos.  El personaje de la espía israelí trabaja con “demasiada facilidad” alrededor de un criminal que seguro contaba con grandes protocolos nazis de seguridad.  El modo en que ella oculta las pruebas reunidas en torno a la figura del supuesto honrado médico en Argentina, etc…

Naturalmente que podemos seguir la historia sin dificultad, pero esto sucede porque conocemos perfectamente todo lo que sucedió con los dirigentes nazis exiliados y ocultos por el mundo tras la segunda Guerra Mundial.  De otro modo, quedarían importantes lagunas de comprensión en esta historia.

Existe otra “historia paralela” en la película, y que es la que narra el proceso de creación de la fábrica de muñecas (que da origen al nombre de la película, antes novela de la misma Puenzo), es el caso más emblemático de ello. Supongo que está puesta ahí para decirnos algo en relación a la búsqueda de la perfección que perseguían los nazis y en especial el Dr. Mengele. Uno podría extirparle de raíz todas las escenas referidas a ese tema y la película no se resentiría (más); todo lo contrario, mejoraría en condensación y en un mejor dibujo del personaje que interpreta (tan genial como siempre) el gran actor argentino Diego Peretti.

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Con todo, y a pesar de las incomprensiones antes señaladas, Wakolda es una interesante película.  Técnicamente muy bien filmada, y que cuenta con una magnífica fotografía que se recrea en los impresionantes paisajes argentinos.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

EL LEGADO DE UN GENIO: PATRICE CHÉREAU, por CineT-Farö

El director de teatro y cineasta Patrice Chéreau, murió en París el pasado 7 de octubre a los 68 años, tras luchar contra un cáncer de pulmón.  Nacido en 1944 en el seno de una familia de pintores, Chéreau era una de las más grandes figuras de la escena francesa, e igualmente un reconocido director de cine y director de escena de ópera.

Actor, director, realizador, guionista, «hombre orquesta» de la escena francesa y europea del último medio siglo, Chéreau deja la leyenda de un creador muy fuera de lo común.

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En su liceo, como estudiante, Chéreau ya echó los cimientos de su larga carrera iconoclasta. Actor de montajes estudiantiles, no se contentaba con realizar su trabajo. Proponía alternativas al director, sugería nuevas iluminaciones, creaba nuevos decorados…

Esa condición de «hombre orquesta» marcaría toda su vida artística, excepcional. Una docena de películas. Una veintena de guiones. Más de un centenar de grandes montajes de obras de teatro y óperas, del gran repertorio clásico a las versiones más «subversivas» de los actores nuevos y menos nuevos.

Célebre desde finales de la década del 60 del siglo pasado con sus primeros éxitos teatrales, el director y también actor conquistó el mundo de la ópera, junto al compositor Pierre Boulez, dirigiendo de 1976 a 1980 “La Tetralogía”, de Wagner, en el Festival alemán de Bayreuth.

Mítico director del Teatro des Amandiers de Nanterre, en las afueras de París, entre 1982 y 1990, el realizador de “La Reina Margot”, filme protagonizado por Isabelle Adjani en 1994, dio al teatro clásico una poderosa impronta contemporánea.

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Con la misma potencia, impulsó el teatro más actual y, como recuerda el diario que acaba de anunciar su fallecimiento, su encuentro en la década con el dramaturgo Bernard-Marie Koltès marcó su creación.

Su último triunfó en el mundo de la lírica tuvo lugar este verano en el Festival de Aix en Provence, donde dirigió la escena de la ópera “Elektra”, de Richard Strauss, junto al director de orquesta Esa-Pekka Salonen y el bailarín y coreógrafo Thierry Thieû Niang, uno de sus grandes cómplices artísticos de los últimos años.

Con él esperaba participar esta nueva temporada en los Teatros del Canal de Madrid en la pieza “…du Printemps”, obra para bailarines no profesionales de más de 60 años inspirada en “La consagración de la primavera”, de Igor Stravinsky, como hiciese ya en 2012 en París.

Apasionado por el teatro desde muy joven, en 1969, a los 25 años, Patrice Chéreau dirigió el Théâtre de Sartrouville cinco años después de haber formado parte del grupo teatral del Liceo Louis-le-Grand de París, con el que montó “L’intervention”, de Victor Hugo.

Descubridor de actores como Dominique Blanc y Pascal Gregory, su nombre estuvo asociado a algunas de las principales figuras e instituciones europeas relacionadas con su arte -el Piccolo Teatro de Milán, el director escénico Roger Planchon, el director de orquesta Daniel Barenboim y el cineasta Andrzej Wajda, para quien protagonizó “Danton” (1982).

Entre sus memorables montajes teatrales figuran “La Douleur”, de Marguerite Duras (2008); “Phèdre”, de Jean Racine (2003); “Hamlet”, de Shakespeare (1988-1989); “Dans la solitude des champs de coton”, de Bernard-Marie Koltès (1987); “La Fausse suivante”, de Marivaux (1985); “Peer Gynt”, de Henrik Ibsen (1981); “Le Massacre à Paris”, de Christopher Marlowe (1972); “Richard II”, de Shakespeare (1970), y “Les Soldats”, de Jacob Michael y Reinhold Lenz (1967). 

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En la ópera trabajó sobre composiciones de Wagner, Strauss, Wolfgang Amadeus Mozart, Offenbach y Rossini, entre otros, mientras que para el cine realizó una decena de filmes entre 1974 y 2009, como “Ceux qui m’aiment prendront le train” (1998) y “L’homme blessé” (1983), cinta en la que, con su osadía, profundidad y elegancia habitual, divulgó su homosexualidad en una época en la que era un tema tabú. En 2001 estrenó “Intimidad”, una cinta que causó una feroz controversia por sus escenas de sexo explícito, pero que ganó el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín.

En el otoño de 2010 y hasta enero de 2011, el Louvre le convirtió en su invitado especial y le dio carta blanca para elaborar un programa, que él llenó de arte, teatro, danza, lecturas, música y, por supuesto, teatro, bajo el título “Les visages et les corps”.

UN GENIO MUY VERSÁTIL

Patrice Chéreau podía adaptar un cuento de Joseph Conrad para mejor hablar de problemas de la actualidad más tormentosa. Y era capaz de alternar entre dos de las tres grandes líneas del teatro contemporáneo. De Bertolt Brecht intentaba adaptar a nuestro tiempo la dimensión «pedagógica»: un teatro altamente político, radical. De Antonin Artaud intentaba adaptar la vocación de un teatro que instalaba la “revolución” en la escena teatral. Chéreau, por el contrario, trabajó muy poco a los grandes maestros del teatro español contemporáneos de la pareja Brecht – Artaud: el Lorca de El Público y el Valle-Inclán de los esperpentos -los «paralelos» españoles de Artaud y Brecht- nunca estuvieron muy presentes en sus investigaciones.

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Como director de cine, Chéreau deja un legado complejo, ambicioso, hermético (por momentos), muy alejado de las tendencias impuestas por los industriales y distribuidores.

Como guionista y director de cine, Chéreau intentó dialogar con los más grandes: adaptaciones de fragmentos de Proust, tentativas muy similares a las de Lucino Visconti e Ingmar Bergman. Experiencias visuales y cinematográficas muy emparentadas con la ópera clásica.

Personaje atormentado y complejo, Chéreau dirigió media docena de los grandes teatros de París y la periferia parisina. Siempre dispuesto a «romper» con todo para embarcarse en nuevas aventuras. Ganó casi todos los premios de la profesión y el Estado. Pero, en el fondo, todo eso no le interesaba mucho. Lo esencial era continuar investigando, «remando» a contracorriente de las «nuevas tradiciones mercantilistas».

Con Chéreau desaparece uno de los grandes hombres de teatro de la escena europea del último medio siglo.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

CANÍBAL (Dir. Manuel Martín Cuenca), por Francesc Mazón Camats

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Bajo un título tan explícito, pero quizás también algo disuasivo, se acaba de estrenar una de las mejores películas de la temporada.

El film se abre con la secuencia de créditos más original, hermosa, intrigante  y atmosférica que recuerdo del cine español. Es de noche, una gasolinera desierta de una carretera secundaria, una pareja joven de aspecto extranjero hablan, quizás discuten; parece una de esas inquietantes pinturas de Edward Hopper, silencio, vacio… Suben al coche, se alejan y entonces observamos  el reflejo en una guantera de alguien, un depredador al acecho los vigila… acabará con ellos.

Descubriremos lentamente que estamos muy lejos de lo que el título podría sugerir. No, no es un gore, tampoco un film de psicokillers  al uso. Estamos ante un retrato muy complejo de un monstruo tranquilo y cercano. Plagado de referencias, algunas explicitas, otras no tanto: la relación entre el último gran TABÚ – la antropofagia- con la religión católica, sus rituales y su imaginería: comer el cuerpo del Amado/a, beber su sangre, la liturgia de la Comunión, la iconografía de los pasos procesionales, Cristos yacentes, cuerpos desnudos que se ofrecen en un sacrificio ritual.

También  la oscura pulsión necrófila, EROS/THANATOS (sexo y muerte) tan querida por los maestros Buñuel- Viridiana y Hitchcock-Vértigo (De entre los muertos, como se llamó en España)

O su ya explícito homenaje en Pippermint Frappe de Carlos Saura.

También aquí la mujer es dual, son dos (una pelirroja y una morena)

Una muerta y otra viva, extranjeras supervivientes o desaparecidas en un país hostil, una Andalucía invernal y helada, de gentes silenciosas, ordenadas, a diferencia de los gritos/ discusiones de esos inmigrantes. De forma curiosa, todas las víctimas son extranjeras, están de paso, extrañas y deseables, comunicativas (a pesar de la dificultad idiomática ) ante el silencio o la parquedad de los nuestros.

Nuestro Monstruo es alguien de apariencia normal, anodino, un sastre pulcro y ordenado, un buen vecino y posible ciudadano ejemplar, pero en su nevera solo hay carne, mucha carne, perfectamente cortada, preparada y ordenada. Uno más de esa Mayoría silenciosa, tan querida por algunos. La Banalidad del Mal, en palabras del director, que ha querido huir de la trivialización de la violencia y la sangre tan usual desgraciadamente, hoy día.

La ausencia del sentimiento de culpa, tan común en los países surgidos de dictaduras totalitarias y la necesidad de confesión que borre nuestros pecados… hasta cometer los próximos.

Una sobria y matizada interpretación de Antonio de la Torre y Olimpia Melinte, magnífica fotografía de Pau Esteve Birba, premiada en el 61 Zinemaldia y un soberbio uso del sonido/silencio de Eva Valiño, que nos inquieta y produce mayor desasosiego que las músicas conductivas de imitadores del maestro Bernard Herrmann.

Un film que permanece en nuestra memoria, días después de su visionado. Vayan a verlo, no esperen a que se convierta en un film de Culto, como algunos de sus referentes, perfectamente integrados por el autor Manuel Martín Cuenca, de quien seguro, seguiremos hablando.

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NOTA: Las fotografías oficiales de la película  insertadas en este post son propiedad de MOD PRODUCCIONES y LA LOMA BLANCA Producciones Cinematográficas.

Las fotografías de la rueda de prensa – celebrada el lunes 23-09-2013 –  en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS.