ESTIMADA VANESSA: FELIÇ ANIVERSARI, por Francesc Mazón Camats

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El próximo 30 de Enero, nuestra  adorada  Vanessa Kempson Redgrave, cumple 77 años. Nació en Londres, 1937, en medio de una feroz tempestad de nieve. Sus padres eran Raquel Kempson y Michael Redgrave que actuaba aquella noche en el Old Vic, como Laertes de Laurence Olivier/Hamlet.

Nosotros la descubrimos en Diciembre del 1967, cuando se estrenó, en el recientemente desaparecido cine Alexandra, “Morgan, un caso clínico” una deliciosa y excéntrica tragicomedia de Karel Reisz, que nos conmovió.

El año siguiente su film “Camelot” desató una pequeña batalla local capitaneada por Ramón/Terenci Moix desde las páginas de Fotogramas, cuando se estrenó en el Waldorf Cinerama (otro desaparecido!) en una versión mutilada y dobladas sus canciones (Vanessa y su rey Arturo/ Richard Harris, impusieron sus propias voces al feroz Jack Warner).

Poco después, en el pequeño Alexis, se consiguió estrenar una versión completa y original (eso sí, sin subtítulos) musical de culto para algunos.

Después vinieron muchos y variados films y algún absurdo escándalo, como  cuando  recogió su segunda palma de oro en Cannes, embarazadísima de su tercer hijo, sin estar casada. Vanessa, como su  Isadora Duncan, era una mujer libre, que abría caminos a las que seguían detrás…

Pudimos verla en directo, durante la Transición, dando mitings como militante  izquierdista en nuestro país.  Manifestándose iracunda en la defensa  de sus ideales, otras actrices la siguieron como Jane Fonda, algunas lo pagaron caro como Jean Seberg.

Pero fue un poco más tarde, cuando llegamos a conocerla en persona.

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A finales de los setenta (terrible década!) muchos dieron por acabada su carrera cinematográfica después de su valiente y ferozmente atacado discurso de aceptación  del Oscar por “Julia” de Fred Zinnemann. Quizás su film más apreciado y una de sus emocionantes interpretaciones.

Vino de nuevo a Barcelona, a presentar en Las Cotxeres de Sants, su documental “The Palestinian“ (objeto de la controversia, en Hollywood). Su imagen alta, delgada, con el cabello muy corto (se lo afeitaron al rape, para su papel de Fania Fenelon, en “Playing for Time“) rizado y rojizo, sus gafas de miope, amabilísima, pero intentando separar absolutamente su carrera profesional, de su actividad política. Empezaba a dividir opiniones, se la  amaba o se la odiaba. Solo algunos respetaban sus ideas.

Luego vinieron las listas negras, la retirada de su carta verde en los USA, los intentos de boicot … pero Vanessa, la luchadora, presentó batalla en los tribunales por sus derechos laborales y su libertad de opinión.

Muchos la apoyaron, como Arthur Miller (autor del guión de Playing), como  Ed Asner, actor y sindicalista, o como Tennessee Williams que aceptó subir con ella a un pequeño escenario del off Broadway, para recaudar fondos en su defensa. Otros como James Ivory o Joseph Losey rompieron el boicot, contratándola para “The Bostonians” y “Steaming”.

Venció su batalla judicial, pero su carrera estaba herida. Fue de nuevo el teatro y su público fiel que la devolvieron a su lugar. Y en el teatro y con “Antonio y Cleopatra“ de su amado Shakespeare, en Santander en 1995, pudimos disfrutar de su única actuación (por el momento ) en España.

La abrazamos y felicitamos por su magnífica representación, en su tercera versión de Cleopatra, su papel preferido, junto al de Rosalind. Se mostró  conmovida de que hubiéramos hecho largos viajes para verla actuar, nos prometió intentar actuar alguna vez en nuestras ciudades…

Ha habido otras ocasiones, especialmente en Donostia, cuando recibió el premio a toda su carrera y sorprendió al público que la aclamaba, cantándonos Imagine de Lennon. O cuando luchaba como actriz y coproductora, defendiendo la versión de su hijo Carlo Nero, del extraordinario monólogo de su amigo Wallace Shawn “The Fever”.

Finalmente la primavera pasada, pudimos disfrutar de nuevo con su triunfo absoluto en el Off Broadway (todas las localidades vendidas) de la obra “The Revisionist”. Broadway que tanto tiempo la ignoró, se había rendido finalmente diez años antes, el 2003, otorgándole el Tony Award por su magistral  interpretación como Mary Tyrone en “The Long Voyage into  Night” de O’Neill.

Los últimos años han sido durísimos con ella, perdió en poco tiempo a su primogénita, la adorable Natasha Richardson, y poco después a sus hermanos Corin y Lynn, actores todos como ella. Vanessa ha sobrellevado con enorme dignidad estos golpes del destino. Igual como  ha mantenido una larguísima carrera, desde su debut en 1958, sin renunciar nunca a sus ideales. Felicidades y larga vida a esta auténtica gran dama  y entrañable amiga.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

El video insertado es propiedad del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

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CARME ELIAS: TEATRO, UN LARGO CAMINO DE RETORNO, por Francesc Mazón Camats

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      Fotos:  DAVID RUANO para el TNC (Teatre Nacional de Catalunya)

Carme Elias i Boada,  nacida en Barcelona un 14 de Enero de 1951, afirmó en una entrevista: “Si em preguntes pel que he fet, sempre penso en el Teatre”, mejor declaración de principios, imposible. El teatro como base, fuente de una carrera espléndida que la ha llevado a un lugar privilegiado entre las Grandes.

Estudió en el Institut del Teatre de Barcelona, en un momento de cambios y turbulencias a finales de los años 60s. Amplió estudios en el Laboratorio teatral de William Layton, discípulo del Actor’s Studio de Strasberg.

Debutó en el teatro semiprofesional  con “Les Arrels“ de Arnold Wesker i “Ball Robat“ de Joan Oliver Pere Quart. El año 1974, formó parte del pomposamente llamado TNB (Teatro Nacional de Barcelona) intento fallido de otorgar a la ciudad un teatro Nacional, Madrid tenía ya tres “nacionales”, Barcelona era casi un desierto, en su teatro comercial.

Carme Elias integraba (junto a Marta Angelat y Lurdes Barba) el coro de Las Troyanas de Eurípides. La obra iba a suponer el debut de la compañía bajo la dirección de Esteve Polls; una orden ministerial, fulminante, prohibió la versión catalana. La segunda obra prevista  fue “El Señor de Pigmalión“ de un olvidado y maldito Jacinto Grau, aquí los problemas fueron otros, lo cuenta profusamente Esteve Polls en sus interesantísimas memorias. Poco después Adolfo Marsillach la contrata para ”La señorita Julia” de Strinberg.

Carme Elias debe tantear, como la mayoría de sus compañeras de generación, las posibilidades del teatro comercial, escuálido en aquel momento, o el teatro alternativo que crecía entre el mundillo contracultural de la época. De “Pato a la Naranja” a “Granja Animal“ versión libre de la obra de Orwell. La muerte del dictador, abre en la ciudad un periodo de efervescencia libertaria que los teatreros hacen suya, se crea la  Assemblea d’Actors i Directors que en el verano del 1976 toman  el Teatre Grec de Montjuïc para presentar el teatro que desean, Carme colabora en “Faixes, Turbants i Barretines” sobre obras de Serafí Soler Pitarra, dirigida por Frederic Roda.

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El gran momento de este corto verano de la Anarquía, se produce con la escisión del AdAD, y la creación de la Assemblea de Treballadors del Espectacle que prácticamente ocupan el abandonado Born, para crear un Ateneo Popular. Allí producen un polifacético y proteico “Don Juan Tenorio”, en múltiples y desvencijados escenarios (los restos de las antiguas paradas del Mercado) se representan, simultáneamente, las diferentes escenas, con diferentes actores y directores. Una Doña Inés inaudita (Pau Riba vestido de pubilla) se iba literalmente al cielo (la Cúpula del Born) grúa mediante, una increíble locura que duró tres días, Carme también estaba ahí.

Más tarde con la ocupación de un cine, casi en ruinas, se intentara crear una sede estable alternativa, el mítico Saló Diana , en su corta vida actuaron el Living Theater, Dagoll Dagom o La Cuadra de Sevilla. Carme estrenó “Els Pispes” (los ladronzuelos) dirigida por Joan Potau, su compañero, con música de Pau Riba. Luego vino “La Reina ha relliscat” un vodevil sonoro y su primera ”La Gavina” de Chejov. Ella era Nina, dirigida por Herman Bonnín. El 1979 formó parte del reparto de “Victor o els Nens al Poder“ de Roger Vitrac, en el Romea.

En 1981/82, llega su primer gran éxito popular,  la Marta de “Terra Baixa” junto a Enric Majó, dirigidos por Josep Muntanyès, una larga gira que deberá abandonar para debutar en Madrid con “Absalón” oscuro drama de Calderón dirigida por José Luis Gómez. Establecida en la capital, substituye en el último momento  a una estrella de la Movida, tras su espantá, prepara a correvuela el difícil papel de Maggie en ”La Gata sobre el tejado de zinc“ de Tennessee Williams.

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Interpreta a Madame de Sade, en la obra del mismo título de Mishima, poco antes de ser reclamada por Josep Mª Flotats para la segunda temporada de su compañía, germen del futuro Teatre Nacional de Catalunya. En su sede del Poliorama de la Rambla barcelonesa, estrena sucesivamente: “El Dret d’Escollir” premio TP teatral a su papel de Dra. Rovira, “Lorenzaccio” de Musset, como  Marquesa Cibo y un discutido “El Misàntrop” de Moliere, como Célimène. El segundo éxito de Flotats, tras la apoteosis de su Cyrano, no exento de críticas a su gestión. Marcos Ordóñez decía: “Sirve de algo escribir todo esto cuando, para Flotats, una crítica se confunde con un ataque dictado por oscuras motivaciones” no obstante destacaba… ”La parte del león se la llevan las mujeres sabias…Carme Elias más guapa que el demonio, sabe dotar a su criatura (Célimène) de una luminosidad fascinante”. Las dos obras supondrán para la actriz su debut en escenarios parisinos.

De regreso a Madrid, se suceden obras muy diversas, una constante en su carrera: “El Hombre del Destino“ de Shaw, “La Quinta Columna” de Hemingway, “Casi una Diosa“ de Salom, sobre Gala  Eduard/Dalí  o en 1993 “La Doble Inconstancia” de Marivaux, que supondrá un enorme reconocimiento  para Carme, Haro Tecglen dijo en su crítica del País: “brilla especialmente…, muy en el marivaudage , muy medida, muy sentimental, muy sincera…” recogió por este papel el premio de la Unión de Actores.

En ese ir y venir, de Madrid a Barcelona, del castellano al catalán, tan característico de las diferentes generaciones de actores/ actrices catalanes (hoy, creo, poco frecuente). Carme Elias regresa de forma más permanente a su ciudad, curiosamente con una obra en castellano “Acreedores” de Strinberg dirigida por el maestro Juan Carlos Corazza. Pequeños trabajos de homenaje a Lorca, Brecht o Brossa, preparan su gran rentrée, la comtessa Ilse de “Els Gegants de la Muntanya” de Pirandello, su maravillosa carta de presentación en el flamante Teatre Nacional de Catalunya, en la temporada 98/99. Obra compleja e inacabada, con un espléndido, fascinante montaje del francés George Lavaudant. Una colaboración del TNC con el Odéon Théâtre de París, donde se representó posteriormente.

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La  Elias había llegado a su madurez artística y personal, las elogiosas críticas francesas  destacaron especialmente el reparto, en concreto de Lluís Homar, Sergi Mateu y de Carme Elias, que fue calificada de sublime por su mezcla de fragilidad y solidez profesional…”.

En Noviembre del 2001, estrena “La Dama Enamorada” de Puig i Ferrater, dirigida por Rafael Duran, la recuperación de una obra casi olvidada de principios del S.XX, devolviéndola a su longitud original, con leves reajustes. Se convirtió, inesperadamente, en un éxito de crítica y público.

La Elias como Lluïsa de Moran, una viuda aun atractiva, se enamora apasionadamente de un joven amigo de su hijo. Perfecta en edad y belleza, se llevó todos los aplausos. Se estaba convirtiendo en la nueva reina del TNC.

El año 2003, acepta volver a “La Gaviota “ de Chéjov (ya fue Nina en 1979). Esta vez, en el difícil papel de Irina Nicolayevna Arkadina. Desafío que solo algunas grandes han conseguido: La Redgrave fue Nina en 1964 (y en cine en 1968, con Sidney Lumet) y una multipremiada Arkadina en 1984.

Dirigida por Amelia Ochandiano, la Elias lo consigue, es aclamada y nominada otra vez, por la Unión de Actores. Pero esta 1ª década del S. XXI, parece llevarla siempre de regreso a casa. 2004, TNC, “Calígula“ de Camus, como Cesònia, con Ramon Madaula. Festival Temporada Alta de Girona, estreno de “84 Charing Cross” de y como Helene Hanff, un empeño teatral de su amiga, la cineasta Isabel Coixet. Un mano a mano de Carme Elias y Josep Minguell, que se convertirá en su doble versión catalana/castellana en una larga y exitosa gira por toda la península.

De nuevo en la sala Gran del TNC, en el 2007 como Mrs. Erlynne en “El Ventall de Lady Windermere” de Wilde, dirigida por Josep M. Mestres. Esta ácida comedia se convierte en una apoteosis popular, con un exquisito y glamouroso vestuario Belle époque, firmado por Nina Pawlowsky.

De la comedia a la tragedia, como Goneril, la hija mayor y terrible del “Rey Lear” de Shakespeare, dirigido por Gerardo Vera. El mismo año 2008, sobre el magnífico escenario del teatro Romano de Mérida, La Elias vuelve a los clásicos con “Edipo Rey” de Sófocles, Yocasta, bajo la dirección de Jorge Lavelli.

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Al TNC (Teatre Nacional de Catalunya), que parece haberse convertido en su sede barcelonesa, aunque Carme Elias, mujer y actriz libre, siempre ha seguido su camino, regresa el 2009 con “La Casa dels Cors Trencats” de Shaw. Es una de sus obras más complejas y desconcertantes. Como la fascinante Hesione Husbye, Carme lucía de nuevo maravillosa, un poco frívola, un poco venenosa y en el fondo, frágil. Dirigida again  por Josep Mª Mestres.

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Un fustrante y agotador para la actriz “Prometeo” de Esquilo / Heiner Muller inauguró el Grec del 2010, con escasos entusiasmos.  Su impecable interpretación estaba un peldaño (o dos…) más arriba que la propuesta teatral firmada por Carme Portaceli.

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Se resarció sobradamente con la obra “Purgatorio” de Ariel Dorfman, la muy mediática presentación de Viggo Mortensen en los escenarios de Madrid, con dirección (por tercera vez para Carme, del gran Josep Mª Mestres).  Con un personaje sin nombre Ella/la Mujer,  que puede ser una paciente, una torturada… o también lo contrario una doctora. Víctimas o verdugos, ambos, marido y mujer… Jasón y Medea. Enorme expectación, la crítica dijo: “La Elias confirma una vez más, su talento a la hora de asumir papeles de enorme complejidad (…) Se la echa de menos en nuestros escenarios (de Madrid)” “Carme Elias está muy por encima de su compañero, incluso del texto”. Muchos pensaron (y nosotros también) que esta vez el premio Max, le correspondía.  Carme Elías realizó en “Purgatorio”  una de las mejores interpretaciones teatrales de su carrera, todavía nos emocionamos al recordarla.

Esta nueva temporada 2013/14 la tendremos en casa, por partida doble: “Fum” y “Doña Rosita la soltera”, su primer Lorca, disfrutémosla. Es una maravillosa ave de paso.

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NOTA:  

Las fotografías insertadas en este post son propiedad (en su mayoría) del gran DAVID RUANO.  

El resto son propiedad de sus autores.

FUM (HUMO): EL SILENCIO DESPUÉS DEL CAOS, por Francesc Mazón Camats

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                Fotos:  DAVID RUANO

“Fum”, nueva obra del joven dramaturgo catalán Josep Mª Miró (Vic 1977), dirigida por el mismo.  Autor de una quincena de obras, guionista de series para TV3, además de periodista; la temporada anterior, su obra “El Principi d’Arquímedes” supuso un notable éxito crítico y de público.

Humo de revueltas, de confusión, de violencia. En un país innominado de África, dos parejas se encuentran atrapadas en un lujoso hotel, cercados por una revolución o quizás una de las múltiples guerras civiles que asolan  el continente africano, despedazado por el colonialismo.

¿Qué  hacen estos occidentales acomodados en el corazón de las tinieblas y el caos? La pareja joven, Àlex y Eva, pendientes de una adopción que quizás salve su matrimonio; la pareja madura, Laura y Jaume, en su casa de vacaciones, buscando en ese paraíso salvaje, estímulos  a su decadencia y tedio vital… nuevas formas del neocolonialismo…

Ingmar Bergman utilizó en 1963, un esquema parecido en su obra maestra “El Silencio“, allí las atrapadas eran dos hermanas: frígida, una; ninfómana, la otra en un país extraño en guerra (puede que centroeuropeo o del este) y en un hotel vacio, oscuro y silencioso.

La obra resuelta en escenas cortas y frías como fogonazos, nos presenta en un primer encuentro a Laura, una impecable, elegante y espléndida Carme Elías, en el zénit de su madurez interpretativa. Laura juega a “bitchy” de cine negro, perversa, manipuladora y provocadora, intentará tender una trampa al confuso/ ingenuo hombre joven Álex, personaje y actor (Joan Carreras) muy desdibujados. Por cierto ¿por qué Carreras frecuentemente estupendo en los montajes de Rigola, en el Lliure, actúa aquí tan aceleradamente?  De hecho la obra duró 10’ menos de los 95’ que señala el programa.

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                Fotos:  DAVID RUANO

La escusa, el tabaco, los cigarrillos, en ese hall de ese país africano aun se puede fumar, le dice sarcástica la mujer adulta. El otro humo de la obra, fumadores compulsivos (la pareja mayor) y ex fumadores angustiados (la pareja joven) que se mueren por una calada… ¡humo, humo! “Verano y Humo“ del gran Tennessee Williams: sexo y represión  en un clima tropical, cómo se fumaba entonces en el cine y el teatro, ahora un cartelito en la entrada de la Sala Petita del TNC (Teatre Nacional de Catalunya) nos advierte que es de broma, que son hierbas buenas… políticamente correctas.

Empieza una ronda de confesiones, de mentiras, medias verdades, personajes insatisfechos y a la deriva en el marco claramente político de un “tercer mundo” que se hunde en el caos.

El autor  escoge la sombra alargada de Harold Pinter (presente esta temporada en el TNC con su obra más difícil y compleja “Terra de Ningú”) pero los personajes parecen pedir a gritos la pasión, algo de la poesía de las últimas y malditas obras de Tenn, por ejemplo “En el Bar de un hotel de Tokyo“ 1969, donde una pareja de americanos agonizantes, un pintor en crisis y su mujer insatisfecha y ninfómana se hunden  en la desesperación.

Todas las interesantes propuestas  iniciales, encallan y pierden fuelle  a media obra. Se recupera la atmósfera en las escenas de la mujer joven Eva (una muy convincente actuación de Anna Sahun) y el decadente escritor mayor, Jaume (Lluís Marco), especialmente la confesión de Eva que da un giro a su escapada del hotel y su extraño contacto con un hombre del exterior…

Cuando en sus últimas (y mejores instantáneas) el hombre y la mujer adultos, descubren su máscara, la obra recupera su vuelo… Jaume, explica su vergonzosa huida en coche abandonando tras él a  su mujer y su retorno, al descubrir que se ha llevado también las llaves de la casa. La reencuentra sola, aterrorizada en medio de la nada.

Una súbita imagen vino a mi memoria: Isabelle Huppert en el extraordinario film del 2009 “White Material“ (Una Mujer en África) de Claire Denis, cuando hacia  el final  de la película la descubrimos sola, perdida en una carretera polvorienta y percibimos en sus ojos que la locura que la rodea  se ha apoderado de ella.

Carme  Elías tiene también esa conmovedora escena casi al final, cuando su personaje nos descubre su fragilidad, su dependencia y su desolación.

Obra pues muy interesante pero necesitada de una revisión y algunos ajustes, es lo que hacían los grandes autores. También lo harán las jóvenes promesas que en este inteligente proyecto nos propone cada temporada el TNC.

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Fotos:  YOLANDA  AGUAS

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NOTAS:

Las fotografías oficiales de la obra insertadas en este post son propiedad y autoría de DAVID RUANO para el TNC.

Las dos fotografías de los actores recibiendo los aplausos al final de la obra, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINETFARÖ.

El video insertado en este post es propiedad de TV3 – Els Matins.

ESTIMADA ANNA, recordando a la Lizaran, por Francesc Mazón Camats

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Ha pasado ya un año desde el 11 de Enero del  2013, cuando Anna Lizaran i Merlos nos dejó. Un año sombrío, incluso durante el tórrido verano, interminable en este otoño/invierno de nuestro descontento. En este largo túnel que parece conducirnos de nuevo al temible punto de partida, nos consuela recordar la voz, la risa, la presencia de nuestra Anna.

La Gran Lizaran, de orígenes humildes, padre mecánico, madre modista; nacida  un 31 de agosto de 1944 (Leo magnífica) en Esparreguera, a los pies de Montserrat, un pueblo que cualquier catalán de cierta edad, asocia con “La Passió”, una tradición teatral de origen medieval que convoca a la mayoría de sus habitantes en sus representaciones. Anna y su hermana mayor, Lola, iniciaron en La Passió sus primeros pasos teatrales, siempre la pasión por el teatro. Poco después de sus estudios en el Centre d’Estudis Experimentals, se incorpora en la creación de un grupo mítico del  teatre del carrer  “Els Comediants” (1972/74), posteriormente marcha a París para seguir los cursos de Jacques Lecoq (1974/75) y finalmente, imantada por Fabià Puigserver participa como fundadora del Teatre Lliure, el año 1976, en la sala de la Cooperativa La Lleialtat del Barrio de Gràcia, el resto es Historia del Teatro Catalán contemporáneo.

Generosa, divertida, trabajadora (infatigable ), tozuda y ACORAZADA como dijo la estupenda Elisenda Roca en su funeral. Esa auténtica primera dama, esa “alma” del espacio mágico que es el Lliure de Gràcia, nos obsequió a los teatreferits barceloneses con un auténtico recital del mejor teatro clásico y contemporáneo. Aprendimos a disfrutarla a unos escasos dos palmos de distancia, desde aquel “Camí de Nit“ del 1976 inaugural, hasta su emocionante despedida temporal, el 2000, como Mme. Ranevski, Lubov Andreivna en “L’Hort dels Cirerers” de Chejov, nuestro espacio de los sueños debía cerrar por graves problemas estructurales.

Como un soplo, habían pasado 34 años, 34 temporadas ininterrumpidas. Parecía mentira en el frágil panorama teatral catalán, disponer de un teatro estable, que nos ofrecía la posibilidad de conocer en montajes siempre creativos y con una compañía de actores y actrices que crecían artísticamente ante nosotros, a tantos autores, obras y géneros. De Shakespeare a Genet, de Moliere a O’Neill, de Tennessee Williams a Bertolt Brecht, de Offenbach a Koltés…. La Lizaran se atrevía con todo: el drama, la comedia, la tragedia y la opereta… Nos deslumbró en cada entrega, aprendimos a admirarla y no poder prescindir de ella.

En Madrid fue Pedro Mari Sánchez quien la dirigió en “El Cántaro Roto” de Heinrich von  Kleist, su presentación en los escenarios de la capital. Almodóvar, siempre al tanto, le ofreció un papel en “Tacones Lejanos”, pero el cine no era su medio natural, no le ofreció trabajos a su altura como acostumbra a suceder con las divinas de los escenarios.

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Fotos: ROS RIBAS

 (Las tres fotografías de “El cántaro roto” incluídas en este artículo son cortesía de Pedro Mari Sánchez, quien aparece en la tercera fotografía en un momento de los ensayos en el Teatro Albéniz de Madrid. Gracias)

Además, su mundo, su jardín estaba aquí en Barcelona (lo comprenderán,  era culé hasta las cachas…) y en nuestros escenarios se convirtió en nuestra Peggy Ashcroft, también nuestra Elaine Stritch. Fue nominada y recibió todos los premios teatrales nacionales. Cuando el TNC, donde había debutado en 1998 con “Galatea” obra y personaje poco conocidos de J.M. de Sagarra, le ofreció a Galàctia, la pintora de “Escenes d’ una Execució” de Howard Barker, el Julio de 2002, el triunfo fue absoluto. Nuestra Anita del Lliure, era ya La Lizaran, la mejor actriz del cambio de milenio.

Su De Filippo “Dissabte, Diumenge i Dilluns“ donde substituía a otra magnífica, Mercè Sampietro, fue uno de los éxitos más populares y apoteósicos  del TNC. Única, irrepetible, en un país que se lanzaba por la senda de los recortes en Sanidad, en Educación y especialmente en Cultura, que parece ser para nuestros gobernantes una anticualla, algo prescindible, lleno además de personas “non gratas”, “no afectos”. Anna tuvo aun la suerte de protagonizar una doble (e inesperada) despedida, en el viejo Lliure, Marzo del 2011, “Dues Dones que Ballen“ de Josep M. Benet i Jornet, su compañero generacional, que le regaló su mejor papel cinematográfico en “Actrius” de Ventura Pons.

Y en el TNC (Teatre Nacional de Catalunya), como  Violet la madre monstruosa de “Agost”, con la que reímos y lloramos. Se la veía algo cansada en el escenario, pero lo atribuimos a aquellas endiabladas escaleras de la gigantesca casa de muñecas, decorado algo grandilocuente, donde una familia tejana disfuncional se despedazaba.

Un resfriado, un problema médico inconcreto… Anna ya no pudo estrenar “La Bête“. Su muerte tan brutal, impactó a todos. Ahora que tanto la necesitábamos… ¡Queremos tanto a Anna…!

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son autoría y propiedad de:

ROS RIBAS para el Teatre LLiure y Teatro Albéniz (El cántaro roto).

DAVID RUANO para el TNC (Teatre Nacional de Catalunya)

las utilizamos rogando vuestro permiso al tratarse de un sentido homenaje a la gran ANNA LIZARAN.  ¡Gracias¡

GLOBOS DE ORO 2014, por Yolanda Aguas

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En la noche de hoy, 13 de enero de 2014, se celebraron en los Ángeles, la ceremonia de entrega de los prestigiosos Globos de Oro que todos los años celebra la Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood.  Llamada “prensa extranjera” por decir algo porque sus componentes son más americanos que extranjeros.  No me hagan mucho caso… hoy estoy un poco escéptica.

Si tenemos en cuenta la cantidad de premios obtenidos, sin duda la gran triunfadora de la noche fue “La gran estafa americana”: mejor comedia o musical, mejor actriz protagonista (Amy Adams) y mejor actriz secundaria (Jennifer Lawrence).  La película está dirigida por David O. Russell y producida por la nueva “estrella” Megan Allison.

“Dallas buyers club”, estrenada en España en el pasado Festival I. de Cine de San Sebastián, obtuvo dos Globos: mejor actor de drama (Matthew McConaughey) y mejor secundario (un extraordinario Jared Leto).  Los demás premios fueron muy repartidos:

Mejor película drama:  “12 años de esclavitud”, de Steve McQueen

Mejor actriz drama:  Cate Blanchett, por “Blue Jasmine”

Cate Blanchett Jeff Vespa WireimageLeo DiCaprio Jeff Vespa WireimageLO-MAS-INESPERADO_principalGaleriaRetratoJon Voight  mejor actor reparto por Ray Donovan  Lucy Nicholson ReutersJared Leto Lucy Nicholson ReutersRobin Wright  mejor actriz tv House of cards  Lucy Nicholson ReutrersPaolo Sorrentino La gran belleza  Paul Drinkwater Reuters

Premio Cecil B deMille:  Woody Allen, que fue recibido por gran amiga Diane Keaton.  Fue de lo mejor de la velada: su precioso discurso y el broche de oro cuando le cantó su cariño al que fue compañero sentimental y amigo.

Leonardo DiCaprio ganó su segundo Globo de Oro por “El lobo de Wall Street” del director Martin Scorsese.

Mejor dirección: Alfonso Cuarón, por su magnífica “Gravity”.

Mejor guión original: Spike Jonze, por “Her”

Mejor largometraje animado: “Frozen”, de Disney

Mejor película de habla no inglesa: “La gran belleza”, de Paolo Sorrentino

Mejor actriz drama en miniserie de tv:  Jacqueline Bisset, por “Dancing oin the edge”

Mejor actor drama en miniserie de tv:  John Voigh, por “Ray Donovan”

Hubo grandes derrotadas en la pasada noche de Los Ángeles, como la película de Alexander Payne (Nebraska) y “A propósito de Llewyn Davis” de los hermanos Coen.

Además, ni Meryl Streep, Julia Roberts, Judi Dench y Robert Redford lograron vencer en las categorías en las que competían.  Está claro que hay un interés en el relevo generacional, pero a nuestro parecer ese relevo nos parece demasiado precipitado.   No vemos estrellas del calibre de los mencionados en el párrafo anterior, ni presentes ni futuros…

¡Y cómo lo sentimos¡

Nuestro momento preferido de la velada:  el momento (ácido y encantador) del agradecimiento de la siempre espléndida Jacqueline Bissett, y el Globo de Oro a Cate Blanchett por la última obra maestra de Woody Allen: “Blue Jasmine”.

A ver qué sucede en los Óscars…

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

LOS LIMONEROS (Dir. Eran Riklis), por Yolanda Aguas

LOS LIMONEROS, película que obtuvo el Premio del Público en la Berlinale de 2008, y que pudimos ver en la sección PERLAS – de otros festivales-  en la edición de ese mismo año del Festival de Cine de San Sebastián, es una clara muestra de cine político.

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Cine político que es al mismo tiempo un reflejo simbólico y realista, una metáfora sobre las barreras que lamentablemente seguimos levantando los seres humanos.  El drama universal de la intolerancia está reflejado aquí con una sencillez fluida, pero captando la atención del espectador que se identifica con la protagonista, una mujer valiente.   Es un film que encuentra inteligentes puntos de reflexión sobre un conflicto sobre el que parecía que se había escrito y filmado todo.   Como casi siempre, lo más importante y lo mejor surge de lo más profundo y auténtico.

El director de la película, ERAN RIKLIS, realizador israelí aunque educado en Estados Unidos, es autor de películas como “Final de copa” (1993), “Tentación” (2002) y la premiada “La novia siria” (2004).

La protagonista de esta película, Salma Zidane (una extraordinaria Hiam Abbass), es una viuda de unos cuarenta y cinco años residente en un pequeño pueblo palestino de Cisjordania.  Es propietaria de un campo de limoneros, y de pronto ve como el ministro de Defensa israelí se ha hecho construir una casa en la línea de demarcación que divide Israel de los territorios ocupados.  La propiedad del ministro bordea el único patrimonio y herencia de su familia de la mujer palestina: una parcela de limoneros.  El ejército israelí no tarda en declarar que los árboles ponen en peligro la seguridad del ministro y su familia y ordena que sean arrancados.

El hijo de Salma – que vive en Estados Unidos – y sus hijas están lejos, pero la viuda decida luchar por sus árboles.  De este modo emprende una guerra legal que la llevará hasta el Tribunal Supremo de Israel.  Contrata a un joven abogado palestino (Ali Suliman), que ha de desafiar a un auténtico ejército de abogados militares que cuentan además con el apoyo del Gobierno.   El letrado Ziad, de unos treinta y cuatro años, divorciado de una mujer rusa a la que conoció mientras estudiaba Derecho en Moscú, se enamora de Salma.   Sin embargo, su relación es complicada y peligrosa porque las viudas palestinas no pueden hacer lo que quieren, ni enamorarse, y menos aún de un hombre más joven que ellas.

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Dispuesta a seguir adelante en su propósito de salvar sus limoneros, y llena de coraje a pesar de las presiones que soporta de ambos lados –el israelí y el palestino -, se empeña en salvar los árboles que su padre plantó hace cincuenta años y que representan mucho más que una propiedad, son el símbolo de un dolor de generaciones y la propia dignidad de todo un pueblo.

En el otro lado del campo de limoneros, se encuentra Mira Navon (fantástica y correcta en su interpretación, Rona Lipaz-Michael) la esposa del ministro, que experimenta un despertar con ese conflicto.  Es la esposa perfecta de un político en ascenso, pero infeliz en su nueva, moderna y custodiada casa.  Es una mujer que se siente vacía y sola, que descubre con horror con el hombre con quién está casada.

Los limoneros constituyen la metáfora de dos pueblos y son el detonante de este drama compuesto de seres humanos con sus sufrimientos y sueños cotidianos, en una absurda confrontación.  Las dos mujeres, diferentes y parecidas al mismo tiempo, aunque nunca llegan a hablar entre ellas, parecen unidas en silencio y la comprensión de una misma causa.

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La película está realizada con un gusto exquisito, con hermosos planos (como al inicio cuando la mujer palestina corta enérgica y delicadamente –al mismo tiempo- los limones), o cuando pasea entre sus limoneros.  El director dirige su mirada con igual afecto y sentido crítico a ambos bandos, dejando que sea el propio espectador quien  se identifique o no con la historia que plantea.

Pero de justicia es reconocer que la grandeza de esta película radica en la interpretación y presencia de una actriz en estado de gracia, HIAM ABBASS, que otorga luminosidad al personaje que interpreta, Salma (la mujer palestina propietaria de los limoneros), que llena de serenidad y belleza toda la pantalla.

Ella es la encarnación de la naturaleza, de la dignidad de una mujer, de un pueblo, de unos limoneros que deben permanecer en alto como la dignidad que merece todo ser humano honrado.

Una película grandiosa en su aparente sencillez.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

UN MURO DE SILENCIO (Dir. LITA STANTIC), por Yolanda Aguas

“Temamos más bien que el dolor termine.  Así como se debilita la memoria.

Recuerda que no terminamos de nacer pero que ellos, los muertos, ya terminaron de morir.

Regresa de dónde has venido sólo para unirte a esos muertos cuyos nombres mudos en la piedra nos recuerdan a nosotros, que soñamos con sobrevivir”.

Louis-René des Forêts

https://www.youtube.com/watch?v=dqp-2W4Fujg

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Fotografías:   VANESSA REDGRAVE y LITA STANTIC durante el rodaje de Un Muro de Silencio, en 1983

LITA STANTIC  narró en su única película como directora, “UN MURO DE SILENCIO” (1983), cómo fueron los años de la dictadura militar en Argentina (1973-1983) y el período posterior de lucha social en busca de los desaparecidos.  Como otros muchos intelectuales hicieron, antes y después que ella, a través de documentos escritos, sonoros, fotografías y películas.

Un muro de silencio, reflexiona sobre cómo un Estado puede utilizar la represión y la sociedad civil, organizarse para buscar memoria, verdad y justicia.  A través del personaje interpretado por VANESSA REDGRAVE, la película indaga en los momentos más oscuros de intolerancia del ser humano, que son los genocidios.

En esa búsqueda de la verdad, la parte central del recorrido de esa lucha está en el trabajo y en la lucha que iniciaron las Madres y hoy Abuelas de la Plaza de Mayo.  La famosa frase del “Nunca más”, recordar para que un crimen y similares no vuelvan a ocurrir.  El Nunca más se convirtió en la frase estandarte en busca del respeto a los derechos humanos.  Un proceso histórico que, desgraciadamente, es universal, demasiado universal porque tocan aspectos de la búsqueda de la identidad y de la justicia que creo todos compartimos.

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Recuerdo ahora la magnífica novela de la escritora colombiana Laura Restrepo, Demasiados héroes, que narra las vivencias de una madre y un hijo que retornan a Argentina.  El hijo adolescente se afana en averiguar quién es su padre, de quien no recibe noticias desde que tenía dos años de edad.  La autora relata el “episodio oscuro” en la vida del padre desaparecido.  Detrás de toda esta historia se encuentra el relato de cientos de mujeres y niños abandonados, que fueron arrebatados a sus familias durante la dictadura y dados en adopción a los verdugos: la lucha de las madres de la Plaza de Mayo, su valentía y el miedo ante la persecución política.   Esa ausencia se vuelve un fantasma permanente.  Un desaparecido puede tener incluso más presencia que la gente que tiene a su alrededor.  La obra plantea un drama humanitario acompañado por un proceso psicológico.

Es evidente: que maten a un familiar es una tragedia, pero que el mismo desaparezca es peor.  Uno no lo puede aceptar.  No se sabe si la persona está viva o muerta y la espera es angustiosa e interminable.  La historia guarda una relación con la experiencia personal de Laura Restrepo, quien militó en Argentina contra la dictadura.

Lita Stantic refleja en su película que la violencia es inmanente a la existencia natural o social.  Situarla como un fenómeno diferenciado, como si pudiera suprimírsela, no hace más que ocultarla, anestesiar el dolor de los desaparecidos y de sus familias.

Sucede con los seres “desaparecidos” que aunque se sepa que no queda ninguna esperanza, siempre se sigue esperando.  El familiar vive en acecho, en expectación.

Ese es el gran drama: ¿quién los transformó en desaparecidos? Ese interrogante es crucial porque qué distinto hubiese sido si se hubiese sabido la verdad, si se hubiese eliminado los desaparecidos para transformarlos en muertos.  El fantasma del padre de Hamlet pide venganza porque el rey fue asesinado.  Se sabe que el rey murió, con seguridad.  La mentira radica en la causa.  El desaparecido no es un muerto ni un fantasma.  Es otra figura.  Afirmar que las víctimas de los genocidas desaparecieron no implica la negociación de la sepultura (como el drama de Antígona), sino la negación de la muerte misma.   El humo de los crematorios se huele.  El cielo y el mar fueron receptáculos de masas anónimas de víctimas asesinadas para que su recuerdo quedara indeleble por haber sido borrado en forma tan extrema.  El mal, entre todos nosotros, leyó la historia.

La escena final de UN MURO DE SILENCIO refleja con absoluta claridad lo que acabamos de expresar.   Ante el edificio abandonado donde se cometieron innumerables atrocidades, la adolescente le pregunta a su madre: ¿Y no se sabía lo que sucedía aquí?, la madre le responde: Si, se sabía.

El trabajo en la dirección de la Sra. Stantic fue magnífico, no olvidemos que fue su primera y única película como directora.   La película se rodó inmediatamente después del fallecimiento de María Luisa Bemberg, con quien llevaba trabajando muchos años en la producción de todas sus películas (ver lo que escribimos en Yo, la peor de todas).

Se rodeó para su debut como directora con un extraordinario plantel de actores:  Vanessa Redgrave, Ofelia Medina, Soledad Villamil y Lautaro Murúa.

El guión fue escrito por Graciela Maglie y Lita Stantic (según idea de la propia Stantic). La música fue compuesta por Néstor Marconi y la fotografía es de Félix Monti.

Sinopsis de la película:

Silvia Cassini quiere mirar hacia adelante; intenta rehacer su vida y reencontrar la felicidad perdida junto a María Luisa, única hija de su truncado primer matrimonio, y junto a Ernesto, su nuevo esposo.  Pero un hecho inesperado la obliga a volver su mirada hacia el pasado.   Kate Benson (Vanessa Redgrave), directora de cine inglesa, ha llegado a Buenos Aires para filmar una película basada en el guión de un argentino, Bruno Tealdi, a quien conoció durante el exilio de éste en Europa.  Tealdi, ex profesor y amigo íntimo de Silvia años atrás, ha centrado su guión en un doloroso fragmento de la vida de Silvia ligada a un momento trágico de la historia del país.  Silvia ignora este hecho. A medida que la directora inglesa avanza en los ensayos y en el rodaje de la película, presiona a Tealdi para conocer al personaje real que se esconde tras la ficción, en el intento de descifrar ciertas claves del drama de esa mujer y de este país que le son ajenos.  Silvia aunque se empeña en eludir los intentos de aproximación de Bruno y se rehúsa a conocer a la cineasta, comienza a revivir, primero compulsivamente y luego conscientemente, ese pasado que creyó superado.  Pasado y presente se entrelazan en el relato.  Mientras las escenas de la filmación reconstruyen la historia de Silvia a instancias de Kate, Silvia, a riesgo de poner en juego su felicidad presente, inicia un inexorable reencuentro con el ayer.  Testigo silencioso de este proceso, y en parte también su motor, será María Elisa, la hija adolescente, quien elaborará una síntesis y reafirmará para ella y para su madre el rescate de su propia memoria y de su propia historia.  Así, en la íntima trama dramática de unos pocos personajes, cobra fuerza la idea de que individuos y sociedades sólo pueden construir con vigor un futuro libre de las  repeticiones del pasado cuando se animan a recuperar y a valorizar los recuerdos, aún los más dolorosos.

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Esta película es muy especial para las personas que formamos el Equipo de Redacción de CINET-FARÖ.  

Es especial, obviamente,  por la importancia cinematográfica que tiene y  porque la copia que tenemos en nuestra videoteca nos la facilitó la propia Sra. LITA STANTIC.  Nos pusimos en contacto con ella, gracias a la ayuda de nuestros amigos de la SEMINCI de Valladolid, y en apenas unos días ella nos envió una de las copias que tenía en formato VHS.   

Siempre estaremos en deuda con usted, Sra. Stantic, y como ya le dijimos en nuestra última conversación, estamos deseando encontrarnos con usted para agradecérselo personalmente.

Un abrazo muy sincero y nuestro respeto siempre.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.