DOÑA ROSITA LA SOLTERA O EL LENGUAJE DE LAS FLORES: Rueda de Prensa, por Francesc Mazón Camats

_DSC4095_V.21798870_10152045221633371_1122009402_n

Fotos:  MAY / ZIRCUS para el TNC

 “Es querer y no encontrar el cuerpo; es llorar y no saber por quién se llora, es suspirar por alguien que uno sabe que no se merece los suspiros. Es una herida que mana, sin parar, un hilito de sangre y no hay nadie del mundo, que traiga los algodones, las vendas o el precioso terrón de nieve” (Federico García Lorca)

Presentación de un nuevo montaje del TNC, de la obra de Federico García Lorca en su marco idóneo La Rambla de les Flors y el Ateneu Barcelonès.

Estrenada en Barcelona el año 1935, en el desaparecido Principal Palace de la misma Rambla por la compañía de su musa y amiga, Margarida Xirgú, la carismática gran actriz de las vanguardias republicanas.

Fue su último estreno teatral, en vida, puesto que el autor fue asesinado un año después por los fascistas en su Granada, donde había buscado refugio ante el estallido del golpe militar y el inicio de la Guerra Civil.

La obra debía suponer el  principio de un nuevo ciclo dramático, que lo alejaba de su trilogía trágica y sus obras más abstractas/vanguardistas, todo quedó fatalmente abortado por la barbarie…

De nuevo en La Rambla, 79 años después, todos los miembros del equipo artístico fueron recibidos por la propietaria actual de la parada de flores Carolina, que los obsequió con claveles rojos, en homenaje a su abuela  que de acuerdo con las otras floristas, hacía llegar diariamente y de forma anónima un ramo de flores al camerino de la Xirgú. Como agradecimiento  el autor las invitó a una función en su honor.

“Amigas floristas, con el cariño con que os saludo bajo los árboles como transeúnte desconocido, os saludo esta noche aquí, como poeta, y os ofrezco, con franco ademán andaluz, esta rosa de pena y palabras: es la granadina Rosita la Soltera “

image4image3

          Fotos:  ISABEL BUSQUETS para CINETFARÖ

La rueda de prensa se desarrolló en el cercano Ateneu Barcelonès, en la sala Pompeu Fabra, para hacer más explícito el vínculo de Lorca con Catalunya, no solo por sus profundos afectos a Salvador Dalí y a la Xirgú, también por las magníficas acogidas de sus obras anteriores (Mariana Pineda fue estrenada en el teatro Goya de Barcelona) frente a los recibimientos más discutidos del mundillo teatral de Madrid.

En el Ateneu, tomaron la palabra Xavier Albertí, director del TNC, que presentó el acto; Joan Ollé, director de este montaje y sus actores principales: Nora Navas, la nueva Rosita, Carme Elias y Enric Majó, los tíos, Mercè Arànega, el ama  y cerrando las intervenciones el veterano Joan Anguera.

Joan Ollé, en su larga intervención, señaló la notoria dificultad de una obra aparentemente sencilla, destacando la importancia de temas tan lorquianos como la familia y sus yugos, la adopción o el dolor/obsesión por la infertilidad, por  ”las cosas no nacidas”. Y sobre todo en esta obra, la asfixia, el temor tan pequeño burgués por las habladurías, por mantener las apariencias, en el marco de una Granada provinciana y cursi (recordemos que este tema de la solterona y “el qué dirán” ya se trató  anteriormente en “La Señorita de Trevélez” de Arniches o posteriormente en la obra cumbre de Bardem “Calle Mayor” o “La Tía Tula” de Picazo).

Ollé habló de la coralidad de la obra, donde todos y cada uno de los personajes tienen su jardín interior y de la complejidad de una representación con saltos temporales de diez y quince años entre sus tres actos. Señaló la importancia de la música de Paco Ibañez, con arreglos musicales del pianista Dani Espasa y la aportación del bailarín/coreógrafo Andres Corchero a la gestualidad y movimientos escénicos.

Nora Navas se centró en su entusiasmo con su personaje y la obra, sus miedos ante el desafío y su encuentro con la Rosita mítica de Núria Espert. Rememoró el aclamado montaje de Jorge Lavelli de 1980 en el María Guerrero de Madrid. Nora insistió en su visión del personaje, huyendo del victimismo o la autocompasión, para presentarla como una mujer enamorada y fiel a la palabra dada. Carme Elias insistió, entre sonrisas, en esas llamadas  a veteranas actrices  para aceptar o no una propuesta. En su caso habló con su gran amiga, la estupenda Julieta Serrano que fue la tía en el montaje del 2004 del Teatro Español, dirigida por Miguel Narros. Julieta la convenció con un sabio consejo “Ensumara’s aires de Txekov” (Respiraras aromas de Chejov). Recordó también su Marta al lado de Manelic-Enric Majó, ahora su marido, el tío floricultor de Rosita.

image2993image+

             Fotos:  ISABEL BUSQUETS para CINETFARÖ

Mercè Arànega se centró en la presencia rural, popular de su personaje, la otra madre de la protagonista, la única que dice las cosas por su nombre, desafiando ese mundo cerrado, esclerótico.

Enric Majó y Joan Anguera en breves e irónicas intervenciones cerraron el acto, cargado de buen humor y feliz química que parece presagiar una  excelente  puesta en escena.

El estreno en la Sala Gran del TNC, el próximo 27 de Febrero hasta el 6 de Abril, estará acompañado de una serie de actividades paralelas relacionadas con el mundo lorquiano de gran interés.

****************************************************************************************

NOTAS:

Las fotografías oficiales insertadas en este post son propiedad de MAY / ZIRCUS para el TNC.

Las fotografías del photocall en Rambla de las flores y rueda de prensa en el Ateneo de Barcelona, son propiedad y autoría de ISABEL BUSQUETS para CINETFARÖ.

 

CARME ELIAS, en DOÑA ROSITA LA SOLTERA DE LORCA, por Yolanda Aguas

1957728_10152041878488371_2000391852_o1965513_10152041878713371_117965497_o1797970_10152045221898371_379202751_n1655900_10152045221828371_508165213_n1958463_10152045221718371_739177942_nFotos:   MAY / ZIRCUS para el TNC

Siguiendo con su espectacular temporada en teatro durante este 2014, la actriz catalana CARME ELIAS interpretará a la tía de Doña Rosita la Soltera o el lenguaje de las flores de Federico García Lorca en la Sala Gran del TNC (Teatre Nacional de Catalunya).

El estreno será el próximo día 27 de febrero y las funciones se realizarán hasta el 6 de abril de 2014.

A continuación, detallamos la ficha artística de la obra según figura en la web del propio TNC.

¡No se pierdan esta obra¡

Doña Rosita la Soltera o el lenguaje de las flores

Federico García Lorca

Dirección: Joan Ollé

Sala Gran  –   Del 27 de febrero al 6 de abril de 2014

Federico García Lorca mantuvo una estrecha relación con la ciudad de Barcelona, en la que llegaría a estrenar dos de sus obras, Mariana Pineda y Doña Rosita la Soltera. En 1935, la compañía de Margarita Xirgu estrenó Doña Rosita en el Teatro Principal Palace de Barcelona y esta fue la última obra que estrenaría en vida.

Rosita, una chica huérfana que vive en casa de sus tíos, en Granada, se ve obligada a separarse de su prometido, que marcha a Argentina con su familia. Antes de partir, sin embargo, este promete a Rosita que tan pronto como pueda volverá para casarse con ella, siempre que esté dispuesta a esperarlo. La chica espera, pero la situación se prolonga durante años, mientras el ambiente opresivo e indiscreto de la ciudad de provincias va cayendo sobre la familia como una losa cada vez más pesada.

Situando las fronteras del tiempo en el centro de la tragedia contemporánea, García Lorca hace patente las tensiones irresolubles de una cultura cronológica en la que la esperanza ocupa un espacio preeminente, a pesar de no saber a menudo qué se espera ni por qué. Con el espejo de la rosa mutabile cultivada por el tío de la protagonista, que en el curso de un solo día nace con un rojo intenso y va empalideciendo hasta perder los últimos pétalos, el poeta ofrece un ácido retrato de la vida de esta «Rosita» que cree tener que enfrentarse al paso de los meses y acaba topando contra su manera de vivir y de entender la espera.

Es querer y no encontrar el cuerpo; es llorar y no saber por quién se llora, es suspirar por alguien que uno sabe que no se merece los suspiros. Es una herida que mana, sin parar, un hilito de sangre y no hay nadie, nadie del mundo, que traiga los algodones, las vendas o el precioso terrón de nieve. 

(Federico García Lorca,  Doña Rosita la Soltera)

Intérpretes:
Carme Elias, Joan Anguera, Mercè Aránega, Marta Betriu, Enric Cambray, Oriol Genís, Laura Guiteras, Mireia Llunell, Enric Majó, Nora Navas, Victòria Pagès, Alba Pujol, Candela Serrat y Albert Triola.

Espectáculo en castellano

Dirección

Joan Ollé

Música original
Paco Ibáñez
Movimiento
Andrés Corchero
Ayudante de dirección
Iban Beltran
Escenografía
Sebastià Brosa
Vestuario
Míriam Compte
Iluminación
Lionel Spycher
Sonido
Damien Bazin
Arreglos musicales
Dani Espasa
Caracteritzación
Núria Llunell
Ayudanta de escenografía
Elisenda Pérez

Producción
Teatre Nacional de Catalunya

***********************************************************************************

NOTA:  Las fotografías oficiales insertadas en este post son propiedad de MAY / ZIRCUS para el TNC.

BAFTA 2014: PALMARÉS, por CineTFarö

descarga (1)descargaimages (2)images (7)

La madrugada del domingo 16 de febrero, la academia británica de cinematografía dió a conocer los ganadores de los prestigiosos premios BAFTA (British Academy of film and television arts).

“Gravity”, que partía como la gran favorita con 11 nominaciones, fue el film que más galardones obtuvo, con un total de seis, incluyendo el de mejor película británica y director. La otra gran triunfadora de la noche fue la película de Steve McQueen “12 años de esclavitud” que se llevó dos, incluyendo el de mejor película. “La gran estafa americana” es la segunda película que más estatuillas logró, con tres; destacando los obtenidos por Jennifer Lawrence, que va lanzada a por su segundo premio Oscar como mejor actriz secundaria.

Mención especial merece la estatuilla conseguida por la estupenda película de Paolo Sorrentino “La gran Belleza” a la mejor película de habla no inglesa; la de “Frozen: el reino del hielo” que mereció el de mejor largometraje de animación; y la de “The Act of Killing” en documental.

1392635321_685032_1392636775_noticia_normalimages (1)

Facilitamos la relación completa del Palmarés 2014 – Premios BAFTA:

Mejor película (BEST FILM)12 años de esclavitud, de Steve McQueen
Mejor película británica (OUTSTANDING BRITISH FILM)Gravity, de Alfonso Cuarón
Mejor director (DIRECTOR)Alfonso Cuarón por “Gravity”
Mejor actor protagonista (LEADING ACTOR) Chiwetel Ejiofor por “12 años de esclavitud”
Mejor actriz protagonista (LEADING ACTRESS) Cate Blanchett por “Blue Jasmine”
Mejor actor secundario (SUPPORTING ACTOR)Barkhad Abdi por “Capitán Phillips”
Mejor actriz secundaria (SUPPORTING ACTRESS)Jennifer Lawrence por “La gran estafa americana”
Mejor guión original (ORIGINAL SCREENPLAY)Eric Warren Singer y David O. Russell por “La gran estafa americana”
Mejor guión adaptado (ADAPTED SCREENPLAY)Steve Coogan y Jeff Pope por “Philomena ”
Mejor película de animación (ANIMATED FILM)Frozen: El Reino del Hielo, de Chris Buck y Jennifer Lee
Mejor película documental (DOCUMENTARY)The Act of Killing, de Joshua Oppenheimer y Christine Cynn
Mejor película de habla no inglesa (FILM NOT IN THE ENGLISH LANGUAGE)La gran belleza, de Paolo Sorrentino (Italia)
Mejor Banda Sonora (ORIGINAL MUSIC)Gravity
Mejor fotografía (CINEMATOGRAPHY)Gravity
Mejor montaje (EDITING)Rush
Mejor diseño de producción (PRODUCTION DESIGN)El gran Gatsby
Mejor diseño de vestuario (COSTUME DESIGN)El gran Gatsby
Mejor maquillaje y peluquería (MAKE UP & HAIR)La gran estafa americana
Mejor sonido (SOUND)– Gravity
Mejor efectos visuales (SPECIAL VISUAL EFFECTS)Gravity
Mejor corto de animación (BRITISH SHORT ANIMATION)Sleeping with the fishes
Mejor cortometraje (BRITISH SHORT FILM)Room 8
Premio contribución sobresaliente al cine  (OUTSTANDING BRITISH CONTRIBUTION TO CINEMA)
Peter Greenaway

PREMIO FELLOWSHIP (HONOR)
– Helen Mirren

images (4)images (5)

*************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

PROXIMIDAD DE LOS OSCARS: ALABAMA MONROE / BLUE JASMINE, por Francesc Mazón Camats

unnamed (7)unnamed (1)

La cercana cita anual de los Oscars, nos lleva al estreno de un insólito film neerlandés (Flandes): “Alabama Monroe” (The Broken Circle Breakdown), algo así como” Romper el círculo del abatimiento” un posible título para algún trabajo final del gran Tennesse Williams, de nuevo presente con “Blue Jasmine”, otro gran título que debería estar entre las ganadoras, si la venganza y el amarillismo no lo impiden.

Vayamos por partes, “Alabama Monroe”, film que ha recogido ya diversos premios, desde su presentación en el Festival de Berlín del pasado mes de Febrero. Quizás el más justo, el de mejor interpretación femenina en los premios del Cine Europeo, para Veerle Baetens /Elise, si no tenemos en cuenta el injusto olvido del actor y autor del texto original Johan Heldenberg/Didier.

Probablemente estamos frente a un film discutible o como mínimo desigual, con multitud de aciertos y algunos excesos melodramáticos.

En pocas líneas “Alabama Monroe” es una película original, tan atractiva como excesiva. Tener un metraje  de casi dos horas  (110’) no es necesariamente negativo, en este caso sí. Un tema que me molesta ver tratado con fines espurios, es apelar al sentimentalismo para arrancar lágrimas del espectador, aquí se bordea. Los melodramas con niños muy enfermos son tan antiguos como el cine, pero incluso en melos añejos, como” Penny Serenade” (Serenata Nostálgica) 1943, menos era mucho más.

Sin embargo el film nos ofrece otros muchos y buenos atractivos. El apasionado encuentro entre dos magníficos y aparentemente contrarios personajes: racionalidad contra pensamiento mágico, un músico apasionado y una tatuadora compleja. La estupenda utilización de la música que hace avanzar la historia, como en los viejos /buenos tiempos del musical clásico. Ahí es nada, la música country, especialidad “bluegrass” que implican una actitud, un estilo de vida, aparentemente alejada del brumoso Flandes de la acción. A mí que no me apasiona la música country, acabó contagiándome el entusiasmo y el profundo sentimiento de unión y consuelo que ofrecen sus canciones.

unnamed (2)

Desde “Nashville” 1975, del reverendo iconoclasta  Bob Altman, no había disfrutado tanto con la utilización del country. Aunque me temo que ni en Nashville, ni en otros lugares del Medio Oeste o del Profundo Sur, no les encantará precisamente (en el caso dudoso que allí se estrenara) un film que tiene como artista invitado a Mr. Bush Jr. y que a pesar de las apasionadas declaraciones de amor iniciales a la Tierra de las segundas oportunidades, nos obsequia con un vehemente y visceral discurso final no apto para paladares republicanos.

El carrusel de amor/muerte, sexo/dolor y felicidad/duelo, se convierte a veces en una trágica montaña rusa, a punto de descarrilar. Pero a un film lleno de riesgo, pasión y (aparente) sinceridad, quizás no podemos pedirle mesura. Además ¿cuántos films hablados en neerlandés podemos ver en un año o en una década ¿ Desde aquellos ya lejanos “Mujer entre perro y lobo”, “Delicias Turcas” o “Antonia’s Line“  yo no recuerdo demasiados. Veremos si la muy conservadora Academia decide premiarlo como mejor film extranjero, teniendo en cuenta sus andanadas contra el creacionismo  y el fundamentalismo  del Tea Party.

unnamed (6)unnamed (4)unnamed (5)

Aunque ya estrenado en nuestro país hace  un tiempo, Noviembre del 2013, quizás ahora es el momento oportuno de hablar de “Blue Jasmine” de Mr. Woody Allen.

En vísperas de la entrega de los Oscars y con la opinión crítica y el favor del público (especialmente el norteamericano, frecuentemente desdeñoso o bien hostil con él) se ha iniciado en los USA, una nueva cacería, un disparar a matar contra Mr. Allen, en este caso intentar hundir su reputación y acabar con las posibilidades del  reconocimiento en su país.

Convendría decir que recelé de ir a ver el film, a pesar del beneplácito crítico; todos sus últimos films tanto los turísticos, como los en teoría personales me habían decepcionado absolutamente, a excepción de “Match Point”, la sensación de deja vu  era total. Empezaba a estar bastante harto de que su legión de fans local, me vendiese el ahora sí…, las delicias de por ejemplo “Midnight in Paris”. Hace escasos días revisitada en TV3, confirmando mis primeras impresiones: más turismo, bonitas postales, personajes de relleno totalmente insulsos, léase la muy a la mode  Lea Seydoux, o la muy nada, Mme. Carla Bruni. Una historieta central más vista que el TBO, con un enésimo alter ego del Sr. Allen y como gran novedad unas viñetas pseudo cultas e infumables, tipo Reader’s Digest…

Con este estado de ánimo, me enfrenté a su penúltimo (siempre tiene otro acabado) opus.  Me entusiasmó, el primer Allen sin el neurótico Woody a la vista. Su primer retrato veraz y bastante terrible de nuestra realidad (poca comedia permiten estos tiempos atroces!).

Su Jasmine/Janette/ Blanche, una megapija de Park Avenue (tan lejos ya, Annie Hall o Alice) lanzada por el huracán financiero y el desastre personal de sus delitos y faltas ( sin duda, su obra maestra! ) a un San Francisco de  obreros chungos, macarras horteras con muy poco glamour de camisetas sudadas, tipo Brando/Kowalsky. Aquí su despreciada hermana  Ginger/Stella es solo una pringada sin ningún futuro y nuestra heroína, una Blanche DuBois, sin rastro  de la poesía del original  (malos tiempos para la lírica), una mujer extraviada, a la que Allen no ofrece al final, ni siquiera la amabilidad de los extraños. Increible, espléndida actuación de Cate Blanchet, también de su hermana  Sally Hawkins, nominadas ambas y esperemos no se conviertan en daños colaterales de esta nueva Guerra de los Rose.

Memorables todas las escenas finales, especialmente su reencuentro con el hijastro (otro superviviente sin futuro, del naufragio) y la secuencia final donde Jasmine parece encontrar un penoso refugio en la locura.

unnamed (9)unnamed (10)

*******************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

BERLINALE 2014: PALMARÉS, por CineTFarö

imagen-berlinaleimagen-hermanos-anna-y-dietrich-brueggemann-reciben-el-oso-de-plata-al-mejor-guion-por-kreuzweg

La película china “Bai Ri Yan Huo” (Carbón Negro, Hielo delgado), ganó el último sábado el Oso de Oro a la mejor  película en el Festival de Berlín (BERLINALE).  Dirigida por el Yinan Diao,  la película fascinó al jurado de ocho personas y encabezado por el director y productor estadounidense James Shamus después de 11 días de competición donde se proyectaron 400 películas, 23 de ellas en lucha directa por los principales galardones.

El cine asiático también fue reconocido con los Osos de Plata a las mejores interpretaciones: la japonesa Haru Kuroki, se llevó el premio a mejor actriz por “Chiisai Ouchi”, Liao Fan a mejor actor por el filme ganador del Oso. Asimismo, se fue a China el premio a la mejor contribución artística, que recayó en “Tui Na” (Blind Massage), de Ye Lou.

El Premio Especial del Jurado fue para “The Grand Budapest Hotel” de Wes Anderson, que no se encontraba entre los favoritos, mientras que el estadounidense Richard Linklater fue nombrado como mejor director por su largometraje “Boyhood”.

Por parte del cine anfitrión, “Kreuzweg”, dirigida por Dietrich Brügemann y centrada en el calvario de una muchacha sometida a los dogmas del fundamentalismo católico de la Hermandad de Pío XII, ganó el Oso de Plata al mejor guión.

imagen-actriz-japonesa-haru-kuroki-con-el-oso-de-plata-a-mejor-actriz-por-chiisai-ouchiimagen-actor-chino-liao-fan-con-el-premio-oso-de-plata-a-mejor-actor-y-el-oso-de-oro-a-mejor-pelicula

Detallamos la relación completa del Palmarés 2014 con los premios oficiales:

Oso de Oro: “Bai Ri Yan Huo” (“Black Coal, Thin Ice”), de Yinan Diao (China)

Oso de Plata, Gran Premio del Jurado“The Grand Budapest Hotel”, de Wes Anderson (Reino Unido, Alemania)

Premio Alfred Bauer“Aimer, boire et chanter”, de Alain Resnais (Francia).

Oso de Plata al mejor directorRichard Linklater, por “Boyhood” (Estados Unidos)

Oso de Plata a la mejor actrizHaru Kuroki, por “Chiisai Ouchi” (“The Little House”), de Yoji Yamada

Oso de Plata al mejor actorLiao Fan, por “Bai Ri Yan Huo” (“Black Coal, Thin Ice”), de Yinan Diao.

Oso de Plata al mejor guión“Kreuzweg”, de Dietrich Brüggemann (Alemania).

Premio a la mejor ópera prima“Güeros”, de Alonso Ruizpalacios (México).

Oso de Plata a la mejor contribución artística“Tui Na” (Blind Massage), de Ye Lou (China, Francia)

Oso de Oro al mejor cortometraje“Tant qu’il nous reste des fusils à pompe”, de Caroline Poggi y Jonathan Vinel (Francia)

Oso de Plata al mejor cortometraje“Laborat”, de Guillaume Cailleau (Francia).

Premio de la Crítica Internacional FIPRESCI, sección oficial: “Aimer, boire et chanter”, de Alain Resnais (Francia).

Premio de la Crítica Internacional FIPRESCI, sección Panorama: “Hoje eu quero voltar sozinho”, de Daniel Ribeiro (Brasil).

Premio de los Jurados Ecuménicos“Kreuzweg”, de Dietrich Brüggemann (Alemania).

Premio “Gilde” de la Asociación de Cines y Teatros de Arte“Boyhood”, de Richard Linklater (EEUU)

Premio Teddy al cine homosexual“Hoje eu quero voltar sozinho”, de Daniel Ribeiro (Brasil).

Premio Amnistía Internacional“Al midan”, de Jehane Noujaim (EEUU, Egipto).

Gran Premio del Jurado de la sección Generation Kplus“Ciencias Naturales”, de Matías Lucchesi (Argentina, Francia).

*************************************************************************************

NOTA:  Las fotografías oficiales insertadas en este post son propiedad de sus autores.

ROBERT ROSSEN: ¿Víctima o Traidor?, por Francesc Mazón Camats

unnamed (2)unnamed (1)

Este mes de Febrero se cumplen 48 años de la muerte de Robert Rossen, guionista, director y productor del mejor Hollywood clásico, el de los años 40s y 50s que fue diezmado por la terrible caza de brujas McCarthista.

Algo que parece tan lejano que muchos lo ignoran o pretenden haberlo olvidado, pero que con diferentes nombres parece volver cíclicamente.

El gran crack del 1929, la terrible depresión de  los años 30s que alcanzó como un tsunami  escala mundial y acabó  con la más devastadora guerra conocida. El periodo que siguió la guerra fría, significó una época de terror, atrapado el mundo científico, cultural y especialmente el cinematográfico entre  totalitarismos. En este clima de angustiosa ansiedad,  debemos situar a Robert Rossen, sentenciado con simplismo como un traidor/ delator.

Rossen nació el 16 de Marzo de 1908 en New York, en el entonces obrero y miserable Lower East Side. Sus padres judíos rusos habían emigrado al Nuevo Mundo, huyendo de la miseria y los pogroms antisemitas. Creció en las calles muy pobres de una ciudad muy rica, rodeado de delincuentes, buscavidas y obreros al borde de la marginalización. Tuvo multitud de pequeños trabajos, llegando a ejercer de boxeador semiprofesional  y jugador, pero el Sueño Americano le ofreció la posibilidad de estudiar Literatura en la New York University. Con el estallido del crack económico empieza a trabajar en el mundo, muy activo, del teatro radical de carácter social/ realista. Colabora como dramaturgo y director con diferentes grupos, especialmente con el llamado Group Theater, auténtico semillero de dramaturgos, actores y escenógrafos como: Clifford Odets, Harold Clurman, Elia Kazan o John Garfield… todos resultarán heridos por la caza de Brujas, unos como víctimas, otros como delatores.

unnamed (4)unnamed (8)

El éxito de algunos trabajos suyos, especialmente su obra “The Body Beautiful“ que llegó e presentarse el 1936 en Broadway, atrae el interés de los cazatalentos de Hollywood. La Warner Bross, una de las majors  más interesadas en temas sociales, le ofrece un ventajoso  contrato  como guionista. Seguirán diez años 1937/1947, en los que ofrecerá magníficos trabajos, de carácter variado pero siempre interesados en el contexto social: “Marked Woman”, “They Won’t Forget”, “The Roaring Twenties” o sus tres trabajos para el actor más carismático del periodo, John Garfield: “Dust Be My Destiny” (Defiendo mi vida) ,“The Sea Wolf” y “Out of the Fog”. Se cerrará este periodo con una obra maestra del cine negro “The Strange Love of Martha Ivers” el mismo año 1947 que debuta en la dirección con “Johnny O’Clock” (la mayoría de estos films fueron prohibidos por la censura franquista). Rossen trabaja en este periodo en el Sindicato de guionistas, enfrentándose enérgicamente a la Warner en la mejora de salarios y de condiciones laborales, también será uno de los organizadores del Comité de Escritores de Hollywood movilizados contra la guerra civil española y el auge del fascismo. Aproximadamente desde el año 1937 hasta el 1947, Rossen militará en el partido comunista.

Será el film “Body and Soul“ (Cuerpo y Alma) con guión de Abraham Polonsky (otro blacklisted)  del 1947 que lo consagra, un enorme éxito crítico y de público, mítico film noir del mundo del boxeo, de nuevo con el primer rebelde con causa  John Garfield.

Este reconocimiento le permite debutar como productor independiente, consiguiendo por tanto el control final de sus películas. En 1949 estrena la que será una de sus obras maestras “All the King’s Men” (estrenada en TVE, a finales de los 60s con el ambiguo título de “El Político”), recogerá la mayoría de premios anuales: cuatro Globos de Oro (dos de ellos para Rossen como guionista y productor/director), y tres Oscars.

El mismo año 1949 empiezan sus problemas y los de la mayoría del mundo cinematográfico izquierdista, progresista o simplemente liberal.

La HUAC (Un American Activities Comittee) que había iniciado sus actividades hacia 1947, en el ámbito científico y la creciente histeria del espionaje en torno a la bomba atómica. El senador Joseph McCarthy dirigirá sus pasos hacia Hollywood para obtener mayor publicidad y difusión a su cacería anticomunista. En este primer ataque, Rossen formará parte de los 19 testigos inamistosos (que se negaron a declarar) con la confección de las primeras listas de comunistas y radicales, teóricamente  infiltrados en Hollywood, los llamados 10 de Hollywood. Rossen intentará escapar del enrarecido y crispado clima, viajando con su familia a México donde produce y rueda un extraño film taurino “The Brave Bulls”, boicoteado por Hollywood, supone un fracaso económico. El mismo año 1951 es citado de nuevo a declarar, Rossen sin escapatoria, acepta declarar su antigua militancia, pero afirma no pertenecer ya al partido y se niega a dar ningún nombre.

En ese mismo periodo descrito como A Season of Fear, la época del miedo, se desata en el mundillo cultural y del cine el pánico a ingresar en las listas negras (también la hubo de grises) que suponía la total exclusión y la pérdida de cualquier trabajo. El director  Edward Dmytryk , condenado a la cárcel, abre la veda de la delación, para blanquearse y recuperar el trabajo, facilita al comité una lista de 26 nombres de antiguos compañeros. Elia Kazan, Clifford Odets y otros  hacen lo mismo. Y empieza una histeria  terrible que supuso denunciar a amigos, incluso a la propia pareja para salvar la piel. Tiempo de Canallas como definió en su libro, la ilustre Lillian Hellman (blacklisted y compañera del escritor Dashiell Hammet, que fue enviado a la cárcel).

Muchos actores o directores escapan a Europa. Joseph Losey, Jules Dassin, Sam Wanameker… otros se autoexilian como Charles Chaplin, John Huston o Orson Welles que sentenció este periodo:

“De mi generación somos muy pocos los que no hemos traicionado nuestra postura, los que no dimos nombres de otras personas. Es terrible y uno no se recupera de semejante traición. Es muy diferente la delación de un francés ante la Gestapo, para salvar la vida de una esposa o un amigo. Lo malo de la izquierda americana es que se traicionó para salvar sus piscinas (…) fueron las mismas izquierdas las que se demolieron, dando paso a una generación de nihilistas“.

Después de dos años en paro, en los que morirán dos actores muy vinculados a él, Canada Lee y John Garfield, ambos por colapsos cardíacos,  por el feroz hostigamiento a que fueron sometidos por la HUAC y el FBI. A Robert Rossen se le retira el pasaporte y con ello la posibilidad de encontrar trabajo en Europa. En 1953, acorralado, Rossen solicita declarar, a puerta cerrada, para rehabilitarse. Confirma una lista de nombres, previamente delatados. Consigue de nuevo el pasaporte, pero su mundo interior y su salud se hunden. Según posteriores declaraciones de su hijo, empieza a beber en exceso, lo que agravó su diabetes. Se rompe su primer matrimonio y Rossen viaja a Europa , donde permanece cuatro años. Acepta en Italia un encargo “Mambo” con Silvana Mangano y filma en España “ Alejandro el Magno “ con producción y guión propios, un digno fracaso que supone una triste reflexión sobre el poder político. Después rueda un anodino melodrama interracial “ Island in the Sun” que supuso su regreso a los estudios de Hollywood en 1957. La decadencia y muerte por alcoholismo de MacCarthy y el encarcelamiento por corrupción de su mano derecha Joseph Pernell, suponen el fin del MacCarthismo, no sus consequencias.

Robert Rossen inicia su última etapa, en 1959 con “They Came to Cordura” extraño y mal recibido western, mutilado y alterado su final por la productora. Le seguirán  sus dos obras maestras absolutas: “The Hustle “ y “Lilith “.

En 1961 se estrena “The Hustler” (El Buscavidas) magnético y muy atmosférico film sobre un compulsivo jugador de billar, perdedor/ganador, en un denso ambiente  de corrupción y desengaño.

unnamed (7)unnamed (5)unnamed (9)

Filmado en una soberbia fotografía en B/N  y cinemascope de Eugen Shuftan y el control absoluto de Rossen que volvía a ser productor, guionista y director, se convierte inesperadamente en un absoluto éxito de crítica y público (hasta el extremo de relanzar la afición por el billar), una galería de actores en estado de gracia, desde Paul Newman (sin duda en su mejor trabajo, hasta el momento) a Piper Laurie (casi olvidada actriz menor de los 50s) o los inmejorables George C. Scott y Jackie Gleason ). Nueve nominaciones a los Oscars y mejor director para la Asociación de Críticos de NewYork, entre otros muchos reconocimientos.

Para Rossen el juego representaba otra forma de expresión artística, las diferencias entre perdedores y ganadores (tan obsesivas en la mentalidad americana) podían ser mínimas. Sobre un esquema argumental parecido al de Body and Soul, Rossen profundiza al máximo creando un tapiz de personajes mucho más complejos, más turbios y profundamente humanos en su fragilidad, su torpeza o su maldad.

Animado por la entusiasta acogida, Rossen se dispone a trabajar en el que se convertirá en su film/testamento, su salud se había agravado. Quizás consciente de ello, el director intentará con su adaptación de una  novela de psicopatología sexual de J.R. Salamanca, ofrecernos su obra más personal, oscura y compleja. La que plantea a la vez un lirismo extremo y un ambiente más convulso, malsano y pesimista.

Tanto su protagonista, una enferma mental, Lilith (llamada así, como la primera mujer, diabólica, de Adán, por independiente y sexualizada) como su teórico cuidador/enamorado/salvador Vincent Bruce, tan frágil y enfermo como ella, acabarán destruidos.

Magnífico e incomprendido film (en su época), de una belleza extraña y fascinante (como un cristal, dañado en su interior) con una excepcional fotografía de  Eugen Shuftan (de nuevo! ) y una partitura musical extra-ordinaria de Kenyon Hopkins. Un rodaje agotador, agravado por la actitud narcisista y caprichosa del divo Warren Beatty, el único fallo  de un film que fue maltratado  (incomprensiblemente) en su presentación en el Festival de Venecia, por su propio presidente Luigi Chiarini, en septiembre del 1964, hará  pronto 50 años.

Cahiers du Cinema en abril del 1966, poco después de su muerte el 18 de febrero de 1966, le dedicará un extenso homenaje, donde incluirá  el sincero  y profundo artículo  de Jean Seberg “Lilith et Moi” consciente de que Rossen le había regalado su mejor papel y trabajo para el cine: “Rossen era un hombre complejo, angustiado, analizándose, preguntándose continuamente… Quizás deberíamos ver la causa de esta angustia, en el enorme trauma del McCarthismo, cuando su época y su mundo (interior) literalmente se hundieron”.

(… ) “Recuerdo la Pascua judía que pase con la familia de Rossen, la comida, las miles de velas encendidas en toda la casa, mientras Rossen cantaba canciones rituales, en compañía de sus hijos y tengo la impresión que había en él, y en su film Lilith, algo muy precioso y secreto, que no encontraré nunca más”.

Los films “All the King’s Men” y “The Hustler” fueron declarados en 1997 y 2001, respectivamente, por el Archivo Nacional de los Estados Unidos, significantes cultural, histórica y estéticamente.

El 2002, el prestigioso crítico David Thomson  escribía: “Lilith es una rareza, el único de los films de Rossen, que parece hoy apasionado, misterioso y extremadamente personal, merece seguir creciendo…”.

unnamedunnamed (10)unnamed (3)unnamed (11)

*************************************************************************************

NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

PREMIOS GOYA 2014, por CineTFarö

En la noche del pasado 9 de febrero se celebró la Gala de los Premios Goya 2014 que entrega la Academia de las Artes y las Ciencias de España.

Una ceremonia que  tuvo un seguimiento en televisión algo menor que en años anteriores, y según la mayoría de comentarios en redes sociales no fue especialmente divertida.  ¡Se echa de menos a la gran Rosa María Sardá¡

Para nosotros, la mejor película del año pasado fue sin duda, “Canibal” de Manuel Martín Cuenca, que tan sólo obtuvo el Premio Mejor Fotografía.

Y las mejores interpretaciones principales más importantes eran: Eduard Fernández por “Todas las mujeres” y Nora Navas por “Todos queremos lo mejor para ella”.

Sí estuvimos de acuerdo con el Goya a la mejor actriz secundaria para TERELE PÁVEZ, lo de secundaria es anecdótico… porque si Alex le da un día un papel protagonista, estamos seguros que el Goya Mejor Actriz sería también para ella.  ¡Amamos a Terele¡

picimages

Detallamos a continuación la lista de ganadores de la pasada noche:

Mejor Película:

  • 15 años y un día.
  • Caníbal.
  • La gran familia española.
  • La herida.
  • Vivir es fácil con los ojos cerrados. (Ganadora).

Mejor Dirección:

  • Gracia Querejeta, por 15 años y un día.
  • Manuel Martín Cuenca, por Caníbal.
  • Daniel Sánchez Arévalo, por La gran familia española.
  • David Trueba, por Vivir es fácil con los ojos cerrados. (Ganador).

Mejor Interpretación Masculina Protagonista:

  • Tito Valverde, por 15 años y un día.
  • Antonio de la Torre, por Caníbal.
  • Eduard Fernández, por Todas las mujeres.
  • Javier Cámara, por Vivir es fácil con los ojos cerrados. (Ganador).

Mejor Interpretación Femenina Protagonista:

  • Inma Cuesta, por 3 bodas de más.
  • Marián Álvarez, por La herida. (Ganadora).
  • Aura Garrido, por Stockholm.
  • Nora Navas, por Tots volem el millor per a ella (Todos queremos lo mejor para ella).

Mejor Interpretación Masculina de Reparto:

  • Carlos Bardem, por Alacrán enamorado.
  • Juan Diego Botto, por Ismael.
  • Antonio de la Torre, por La gran familia española.
  • Roberto Álamo, por La gran familia española. (Ganador).

Mejor Interpretación Femenina de Reparto:

  • Susi Sánchez, por 10.000 noches en ninguna parte.
  • Maribel Verdú, por 15 años y un día.
  • Terele Pávez, por Las brujas de Zugarramurdi. (Ganadora).
  • Nathalie Poza, por Todas las mujeres.

Mejor Dirección Novel:

  • Fernando Franco, por La herida. (Ganador).
  • Neus Ballús, por La plaga.
  • Jorge Dorado, por Mindscape.
  • Rodrigo Sorogoyen, por Stockholm.

Mejor Guión Original:

  • Pablo Alén y Breixo Corral, por 3 bodas de más.
  • Daniel Sánchez Arévalo, por La gran familia española.
  • Fernando Franco y Enric Rufas, por La herida.
  • David Trueba, por Vivir es fácil con los ojos cerrados. (Ganador).

Mejor Guión Adaptado:

  • Santiago A. Zannou y Carlos Bardem, por Alacrán enamorado.
  • Manuel Martín Cuenca y Alejandro Hernández, por Caníbal.
  • Alejandro Hernández y Mariano Barroso, por Todas las mujeres. (Ganador).
  • Jorge A. Lara y Francisco Roncal, por Zipi y Zape y el club de la canica.

Mejor Música Original:

  • Emilio Aragón, por A Night in Old Mexico.
  • Óscar Navarro, por La mula.
  • Joan Valent, por Las brujas de Zugarramurdi.
  • Pat Metheny, por Vivir es fácil con los ojos cerrados. (Ganador).

Mejor Canción Original:

  • “Rap 15 años y un día”, de Arón Piper, Pablo Salinas y Cecilia Fernández Blanco, por 15 años y un día.
  • “Aquí sigo”, de Emilio Aragón y Julieta Venegas, por A Night in Old Mexico.
  • “De cerca del mar”, de Fernando Arduán, por Alegrías de Cádiz.
  • “Do You Really Want To Be In Love?”, de Josh Rouse, por La gran familia española. (Ganador).

Mejor Actor Revelación:

  • Berto Romero, por 3 bodas de más.
  • Hovik Keuchkerian, por Alacrán enamorado.
  • Patrick Criado, por La gran familia española.
  • Javier Pereira, por Stockholm. (Ganador).

Mejor Actriz Revelación:

  • Belén López, por 15 años y un día.
  • Olimpia Melinte, por Caníbal.
  • María Morales, por Todas las mujeres.
  • Natalia de Molina, por Vivir es fácil con los ojos cerrados. (Ganadora).

Mejor Dirección de Producción:

  • Marta Sánchez de Miguel, por 3 bodas de más.
  • Carlos Bernases, por Las brujas de Zugarramurdi. (Ganador).
  • Josep Amorós, por Los últimos días.
  • Koldo Zuazua, por Zipi y Zape y el club de la canica.

Mejor Dirección de Fotografía:

  • Juan Carlos Gómez, por 15 años y un día.
  • Pau Esteve Birba, por Caníbal. (Ganador).
  • Kiko de la Rica, por Las brujas de Zugarramurdi.
  • Cristina Trenas, por New York Shadows.

Mejor Montaje:

  • Alberto de Toro, por 3 bodas de más.
  • Nacho Ruiz Capillas, por La gran familia española.
  • David Pinillos, por La herida.
  • Pablo Blanco, por Las brujas de Zugarramurdi. (Ganador).

Mejor Dirección Artística:

  • Llorenç Miquel, por Alacrán enamorado.
  • Isabel Viñuales, por Caníbal.
  • Arturo García “Biaffra” y José Luis Arrizabalaga “Arri”, por Las brujas de Zugarramurdi. (Ganador).
  • Juan Pedro de Gaspar, por Zipi y Zape y el club de la canica.

Mejor Diseño de Vestuario:

  • Cristina Rodríguez, por 3 bodas de más.
  • Paco Delgado, por Las brujas de Zugarramurdi. (Ganador).
  • Tatiana Hernández, por Los amantes pasajeros.
  • Lala Huete, por Vivir es fácil con los ojos cerrados.

Mejor Maquillaje y Peluquería:

  • Eli Adánez y Sergio Pérez, por 3 bodas de más.
  • Ana López-Puigcerver y Belén López-Puigcerver, por Grand Piano.
  • Lola López e Itziar Arrieta, por La gran familia española.
  • María Dolores Gómez Castro, Javier Hernández Valentín, Pedro Rodríguez “Pedrati” y Francisco J. Rodríguez Frías, por Las brujas de Zugarramurdi. (Ganador).

Mejor Sonido:

  • Eva Valiño, Nacho Royo-Villanova y Pelayo Gutiérrez, por Caníbal.
  • Carlos Faruolo y Jaime Fernández, por La gran familia española.
  • Aitor Berenguer, Jaime Fernández y Nacho Arenas, por La herida.
  • Charly Schmukler y Nicolás de Poulpiquet, por Las brujas de Zugarramurdi. (Ganador).

Mejores Efectos Especiales:

  • Juan Ramón Molina y Juan Ventura Pecellín, por La gran familia española.
  • Juan Ramón Molina y Ferrán Piquer, por Las brujas de Zugarramurdi. (Ganador).
  • Lluís Rivera Jove y Juanma Nogales, por Los últimos días.
  • Endre Korda y Félix Bergés, por Zipi y Zape y el club de la canica.

Mejor Película de Animación:

  • El extraordinario viaje de Lucius Dumb.
  • Futbolín. (Ganador).
  • Hiroku. Defensores de Gaia.
  • Justin y la espada del valor.

Mejor Película Documental:

  • Con la pata quebrada.
  • Guadalquivir.
  • Las maestras de la República. (Ganador).
  • Món Petit (Mundo Pequeño).

Mejor Película Iberoamericana:

  • Azul y no tan rosa, de Miguel Ferrari. (Ganador).
  • El médico alemán. Wakolda, de Lucía Puenzo.
  • Gloria, de Sebastián Lelio.
  • La jaula de oro, de Diego Quemada-Díez.

Mejor Película Europea:

  • Amor, de Michael Haneke. (Ganador).
  • La caza, de Thomas Vinterberg.
  • La gran belleza, de Paolo Sorrentino.
  • La vida de Adèle, de Abdellatif Kechiche.

********************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.