17 Festival de Málaga Cine Español (PALMARÉS), por CineT Farö

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Fotos:  ELENA ANAYA y BEATRIZ SANCHÍS, ambas presentaron su película:  Todos están muertos.

La película “10.000 kilómetros”, dirigida por Carlos Marqués-Marcet, ha sido la ganadora de la Biznaga de Oro al mejor largometraje en el 17 Festival de Cine Español de Málaga.

El premio especial del jurado ha correspondido a la película “Todos están muertos”, dirigida por Beatriz Sanchís, y el premio del público ha recaído en ‘321 días en Michigan’, de Enrique García.

Como mejor actor ha sido reconocido Juan Diego por su trabajo en la película ‘Anochece en la India’, y el premio a la mejor actriz ha sido, ex aequo, para Natalia Tena, por ‘10.000 kilómetros’, y para Elena Anaya, por ‘Todos están muertos’.

Una edición que contó con el merecido reconocimiento a uno de nuestros mejores actores:  JOSÉ SACRISTÁN al recibir el premio Retrospectiva.  El actor manifestó que es “un reconocimiento al camino andado, sobre la base de que uno sigue caminando todavía” y quiere “celebrarlo y dar las gracias”.  El actoracudió al festival también para presentar el documental sobre su vida ‘Sacristán: delantera de gallinero’.

Aseguró que la película está “muy en la línea de lo que él quería” y que guarda “sobre todo la fidelidad al crío que fue –en la Castilla campesina de la posguerra– y al que tiene un gran respeto porque no lo tenía nada fácil” para llegar a ser actor.

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PALMARÉS COMPLETO DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA 2014:

– Biznaga de Oro al mejor largometraje: ‘10.000 kilómetros’, de Carlos Marqués-Marcet

– Biznaga de Plata Mejor Actor: Juan Diego por ‘Anochece en la India

– Biznaga de Plata Mejor Actriz: Natalia Tena por ‘10.000 kilómetros’ y Elena Anaya por ‘Todos están muertos’

– Biznaga de Plata Mejor Actriz de Reparto: Yolanda Ramos por ‘Carmina y Amén’

– Biznaga de Plata Mejor Actor de Reparto ex aequo: Salva Reina y Hector Medina por‘321 días en Michigan’

 Biznaga de Plata Premio especial del jurado: ‘Todos están muertos’, de Beatriz Sanchís

– Biznaga de Plata Premio del público: ‘321 días en Michigan’, de Enrique García

– Biznaga de Plata a la Mejor Fotografía: Nicolás Bolduc por ‘No Llores, Vuela’

– Biznaga de Plata al Mejor Guionista Novel: Carlos Marques-Marcet y Clara Roquet por ‘10.000 kilómetros’

– Biznaga de Plata al Mejor Montaje: José Manuel García Moyano por ‘Anochece en la India’

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Fotos:  IRENE RUBIO y SANDRA COLLANTES, ambas presentaron su película:  Historias de Lavapiés.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

KIM STANLEY (SI BRANDO FUESE MUJER), por Francesc Mazón Camats

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Actrices olvidadas 2 – Kim Stanley: Si Brando fuese mujer

Kim Stanley (Patricia Beth Reid) nacida en Tularosa-New Mexico el 11 de Febrero de 1925, criada y educada en Texas por su madre, después de la separación de su despótico padre. Una niña tímida, soñadora y fantasiosa que descubrió, en su adolescencia, su talento dramático en las funciones escolares. Estudió brevemente en la Pasadena Playhouse de California, antes de debutar muy joven en compañías de repertorio de teatros regionales del Sur. Estimulada por su madre, se traslada a Nueva York en 1947 en un largo viaje en autobús con los míticos Greyhound, que aparecerán frecuentemente en sus obras de Horton Foote. Sobrevive como camarera y modelo de ropa femenina en grandes almacenes.

En 1949 efectúa su debut profesional en el Off-Broadway, en el mítico Cherry Lane Theater de Greenwich Village, con una obra de Gertrude Stein y posteriormente en el papel protagonista de Saint Joan de Shaw. Estos trabajos iniciales, la lleva a sustituir a la carrera  a Julie Harris en Broadway, en la obra “Montserrat” adaptación de Lillian Hellman del original de E. Robles.

Poco después es aceptada en el Actor’s Studio, bajo la tutela de Elia Kazan y Lee  Strasberg. Algunos de sus compañeros del estudio como Marlon Brando, Geraldine Page o James Dean, establecerán el Método como novedoso sistema interpretativo, que los llevaba a vivir o habitar el personaje desde su interior.

Kim iniciará en 1951 una espectacular carrera teatral, convirtiéndose en la nueva reina de Broadway. Inicia el año con su personaje de Adela en “La Casa de Bernarda Alba”, estrena en el 1952 “The Chase” como Ann Reeves,  de Horton Foote (su dramaturgo de cabecera, tanto en el teatro como en la TV. en directo), sigue con su Millie Owens en “Picnic” de William Inge, que se convierte en su consagración, consiguiendo el Theatre World Award. La obra se mantiene en cartel más de un año, ahí nacen parte de sus ansiedades, mantener vivo el personaje después de tantas  funciones, superar el miedo escénico, la llevan a consumir más alcohol. Sus demonios personales y su confusa vida sentimental ahondan el problema. Frecuentemente abandona sus obras al cabo de varios meses, cuando siente que su interpretación es repetitiva o falta de verdad.

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En 1954, estrena en Broadway “The Travelling Lady” de H.Foote, será la primera vez que el nombre de la actriz preceda en los carteles al título o al  autor, su Georgette Thomas se convierte en mítica (repetirá por dos veces el papel en versiones para la TV.)

Toda una generación de actrices y actores reconocerán posteriormente su deslumbramiento y admiración.

La cima de esta meteórica carrera llegará en 1955 con su papel de Cherie en “Bus Stop” de nuevo de W. Inge, dando vida a la ingenua y desvalida cantante de cabaret atrapada en un café  de parada de autobús, en algún lugar perdido del Kansas profundo. Toda la crítica unánime alabó su interpretación luminosa y arrebatadora: “cuando Kim está en el escenario todo cambia de color”, le concedieron el New York Drama Critic’s Circle Award.

Pero ninguno de estos papeles creados por ella, le serán ofrecidos en sus versiones para el cine. Jane Fonda será Ann en The Chase (La Jauria Humana),

Susan Strasberg, hija de su maestro, será Millie en el aclamado  “Picnic” cinematográfico y Marilyn Monroe se transformará en Cherie, en “Bus Stop “ quizás el mejor trabajo de toda  su carrera.

Precisamente una versión libre y dramática de Marilyn Monroe en “The Goddess” (La Divina) supondrá su debut en el cine en 1958, un drama reconocido por la crítica pero de escaso éxito comercial (nunca estrenado en España).

Si el cine de la época la ignoró, no fue así con la incipiente TV en directo, donde trabajó incansablemente desde 1950, consiguiendo notables éxitos, dirigida por Sydney Pollack o Robert Mulligan. Su personaje de una adolescente en “A Young Lady of Property” de H.Foote, su intervención en el Clásico “The Scarlett Letter” o su extraordinaria creación de Faith Parsons, con la cual consigue su primer EMMY, en la miniserie “A Cardinal Act of Mercy”, acreditarán la ceguera de Hollywood.

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Su carrera teatral fue igualmente reconocida en el West End – Londres por su interpretación de Maggie en “Cat on a Hot Roof” en su estreno europeo de 1958. Pero en ese periodo su alcoholismo iba en aumento, agravando sus inseguridades. Empieza un periodo de altibajos, nuevos éxitos como “A Touch of the Poet” de O’Neill (nominación al TONY) y fracasos “Natural Affection” su último Inge, dirigido en 1963 por Tony Richardson, casado en aquella época con Vanessa Redgrave, fervientes admiradores ambos de la actriz ; pusieron a su segunda hija Joely Kim en su honor.

El punto de ruptura se produce en 1964, cuando estrena la versión más Actor’s Studio de Chejov “Three Sisters” acompañaban a Kim, como Masha, Geraldine Page, Shirley Knight y Shelley Winters entre otros… Lee Strasberg pretendía con este estreno crear su propia compañía estable y conseguir un teatro.

El éxito inicial, no consigue levantar comercialmente el proyecto, Strasberg propone llevar el montaje a Londres y de allí a una gira. Algunos actores renuncian y la crítica inglesa carga violentamente contra el montaje que se convertirá en un fracaso. Kim recibe las feroces críticas como un daño irreparable y decide abandonar para siempre los escenarios, a los 39 años (promesa que cumplirá a rajatabla).

Recibe una interesante propuesta cinematográfica de Bryan Forbes en UK “Seance on a Wet Afternoon” (Plan Siniestro) un angustioso triller psicológico, por el que recibe varios premios y su primera nominación al OSCAR.

Ninguna propuesta de Hollywood (un año antes acepta como un favor a su amigo  Horton Foote, ser la voz narradora, de forma anónima, en “To Kill a Mockingbird”). Decide retirarse a New Mexico, donde tras diversas curas de desintoxicación, empieza a trabajar en clases de interpretación en La Santa Fe Univ. of Art and Design. Tras un intento fallido de Tony Richardson de integrarla en su versión para el cine de “Un Delicado Equilibrio”, efectúa su comeback en 1982, cuando el dramaturgo y actor Sam Shepard la propone como madre de Jessica Lange en “Frances” un inesperado éxito sobre Frances Farmer, otra santa ,víctima de manual , de las actrices destrozadas por Hollywood. Nuevas nominaciones a los GLOBOS de ORO y a los Oscars para ambas.

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Pero su carrera acabará definitivamente en 1984, con su papel de Big Mama en la nueva versión para TV de “Cat on a Hot Tin Roof” de nuevo con Jessica Lange, por el que consigue su segundo EMMY. A mediados de los años 80s se retira definitivamente a Santa Fe- New Mexico-, donde morirá un 20 de Agosto del 2001.  Extraña y anémica carrera para una actriz de culto, quizás la más mítica y valorada del Broadway dorado de los 50s y primeros 60s.

Una reciente y fantástica biogafía “Female Brando: the Legend of Kim Stanley” y un documental del 2006 “The Needs of Kim Stanley” nos han devuelto la memoria  de esta fabulosa olvidada.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

LUISE RAINER (CENTENARIA EXQUISITA), por Francesc Mazón Camats

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Actrices Olvidadas 1: Luise Rainer Centenaria exquisita

Frecuentemente la industria de Hollywood, los grandes estudios cinema-tográficos, han descubierto y utilizado actrices fascinantes, nacionales o extranjeras que consiguieron reconocimientos críticos o incluso éxitos populares y poco después, por razones oscuras o mezquinas, de puro cálculo económico, fueron infrautilizadas o arrinconadas y olvidadas.

Este proceso se aceleró con la aparición del cine sonoro, toda una generación de maravillosas actrices desaparecieron, como Lillian Gish o Edna Purviance, con la excusa, peregrina, de que ¡no sabían hablar bien!  o que estaban pasadas de moda… Los cazatalentos multiplicaron sus esfuerzos, en los escenarios de New York, buscando voces agradables o dicciones claras.

También en Europa, intentando repetir los hallazgos de divinas irreales como Greta Garbo o Marlene Dietrich.

Devolvamos brevemente a la luz, dos casos extremos, dos magníficas e ilustres desconocidas: Luise Rainer y Kim Stanley.

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Luise nació en Düsseldorf, un 14 de Enero de 1910 (sigue viva en Londres, cuando escribo estas líneas, con 104 años en su apartamento del elegante barrio de Belgravia, vecino al que tuvo Vivien Leigh), creció en el seno de una acomodada familia judía/austríaca, su padre un empresario con nacionalidad americana y su madre una exquisita pianista le dieron la mejor educación, dispuestos a convertirla en una dama de la alta sociedad europea, pero Luise, una rebelde, escapó a ese destino incorporándose a la prestigiosa escuela de arte Dramático de Max Reinhardt, debutando bajo su dirección en Berlín y convirtiéndose en la más  distinguida joven actriz del momento. Actuó indistintamente en los escenarios de Viena y Berlín, con obras de Shaw, Pirandello o Shakespeare, llamada a convertirse  en la heredera de Elisabeth Bergner.

Una corta carrera en el cine alemán (tres films menores) le suponen ser descubierta por Hollywood; un ventajoso contrato con la MGM, donde su hombre fuerte Irving Thalberg (el todopoderoso wonder boy  del momento) la tutelará. Debuta con “Escapade” 1935, al lado del actor de moda William Powell, e inicia una meteórica carrera el año siguiente, 1936, al substituir a Mirna Loy, como esposa de Powell en “The Great Ziegfeld”. Consigue inesperadamente el Oscar a Mejor actriz y a pesar de la oposición de Mayer, el codiciado papel de la china O-Lan en “The Good Earth” (La Buena Tierra) 1937, alcanzando un segundo Oscar como intérprete, record de dos Oscars sucesivos (solo igualado por Katherine Hepburn).

El mismo año se casa con el prestigioso dramaturgo izquierdista Clifford Odets y sufre el caso más extremo de la llamada Maldición de los Oscars, una fulgurante popularidad y una presión extrema: el estrellato excesivo y prematuro. Mujer inquieta y progresista, cofundadora con Gale Sondergaard de un Comité de apoyo a las Víctimas del Fascismo en la Guerra Civil española, impulsa campañas para obtener ambulancias y leche en polvo para los niños.

La inesperada muerte de Thalberg y los enfrentamientos con el muy conservador Mayer frenan su carrera, no consigue buenos papeles. Apenas cinco films de valor escaso, el más popular “The Great Waltz”1938. En su último encontronazo con Mayer, este le lanza “Yo la cree, yo puedo destruirla”

Pero será Luise quien decide no renovar su contrato y abandonar su carrera cinematográfica. Se traslada a New York y debuta en sus escenarios, con obras como “Joan of Lorraine”, “Behold the Bride” y especialmente su aclamada  Ellida en “The Lady from the Sea”. Forma parte del inquieto Group Theater, donde establece fuertes vínculos con los núcleos más liberales, gentes como Charles Chaplin, Einstein, Kazan… no obstante su matrimonio con Odets fracasa. Luise decide reemprender sus estudios de Medicina y acabada la Guerra, regresar a Europa con su segundo marido, el editor Robert Knittel y su hija Francesca, viviendo entre Suiza y Londres donde se establecerá definitivamente. A partir del año 1946 se convierte en activa embajadora de UNICEF. Solo algunos pequeños trabajos para la TV, mantendrán su vínculo con la interpretación. A los 86 años efectuará el más longevo y curioso comeback, en el film inglés “The  Gambler”.

Para muchos españoles, su imagen y su entusiasta entrega del 1er Oscar a un film español “Volver a empezar” de José Luis Garci en 1982, como mejor film extranjero, resulta inolvidable.

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NOTA: Las fotografías insertadas son propiedad de sus autores.

INDOCHINA (Dir. Regis Wargnier), por Yolanda Aguas

Conocí a Regis Wargnier cuando era ayudante de dirección de la directora alemana Margarethe von Trotta.   Además de realizador, Regis Wargnier es un extraordinario fotógrafo.  Una de sus fotografías cuelga de una pared de mi despacho.   Es un hombre amable, culto y con un gusto exquisito.   No es extraño que la película de la que vamos a hablar en este artículo sea estéticamente tan hermosa, con unas localizaciones naturales situadas en lugares espectaculares de Malasia y Vietnan.

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INDOCHINE (1992) narra principalmente la historia de la Princesa Roja, una niña vietnamita de 16 años, que Wargnier presenta bajo el cuidado y la educación de una mujer excepcional sobre la que gira toda la película:  Elianne Devries (Catherine Deneuve – magnífica, altiva y deslumbrante – en una de sus últimas grandes interpretaciones), heredera de un propietario de grandes plantaciones del árbol de caucho, que nunca ha estado en Francia, pero que ha recibido una educación occidental y que esconde su vulnerabilidad bajo una máscara de poder y responsabilidad al frente de las vastas posesiones.

Es una mujer que aparenta ser desapasionada y calculadora y cuyo amor se concentra en esa niña adoptada: Camille (Linh Dan Pham), una princesa indígena, heredera y huérfana que descubrirá el reverso de la colonia, las entrañas de su país y de su raza, de su gente y de su pasado y de cuya fuga, tras un sonado homicidio, saldrá la legendaria historia de la Princesa Roja.   Entre ellas, y tras su separación, se cruza un joven oficial Jean Baptieste Le Guen (Vincent Pérez, un actor que prometía ser el nuevo galán del cine  francés pero que no logró asentarse como un intérprete importante de la cinematografía gala).

Indochine, es un film dotado de momentos magníficos, en las interpretaciones, en la trama, en la música (creada por el siempre preciso Patrick Doyle).  Los decorados son autoría de Jacques Bufnoir y tienen una importancia vital en la estética de la película ya que reconstruyen perfectamente el Vietnam de los años treinta, y crean una atmósfera casi irreal que ayuda a desarrollar el aspecto novelesco con el que quería narrar Régis Wargnier.

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Catherine Denauve, la gran musa del cine francés de los últimos treinta años, está perfecta en esta película: sabe mostrar altivez (algo consustancial en ella) y al mismo tiempo, en los momentos más logrados del filme, una vulnerabilidad conmovedora.

Una película preciosa, con imágenes mágicas de una época en la que los valores humanos todavía se tenían muy en cuenta.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

DAMAGE (Dir. LOUIS MALLE), por Yolanda Aguas

“La gente herida es peligrosa, sabe que puede sobrevivir”.

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Esta frase me ha acompañado desde que vi, en 1992, esta profunda, desgarradora y extraordinaria película del maestro francés Louis Malle.

De la novela escrita por Josephine Hart, David Hare escribió un guión que desprende sensualidad, erotismo, tristeza, culpa y desolación por partes iguales.

Tan sólo en la inolvidable y hermosa escena final (cuando Jeremy Irons narra lo que el personaje de Juliette Binoche ha dejado dentro de él una vez separados) presidida por la fabulosa fotografía en blanco y negro que llena toda la habitación en la que sobrevive un Jeremy Irons que me deslumbró con su interpretación, la película alcanza esa serenidad que casi siempre termina por llegar cuando el alma ha sido completamente devastada por un desamor.

Esta escena final (magníficamente fotografiada, como toda la película, por Peter Biziou), es uno de los momentos que más me han conmocionado y maravillado en los muchos años que llevo disfrutando del Séptimo Arte.

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El reparto de la película está formado por muchos de los mejores actores del cine europeo: Jeremy Irons, Juliette Binoche, Miranda Richardson, Leslie Caron, Rupert Graves e Ian Bannen.

Realmente, el argumento de la película no plantea nada nuevo:  Una mujer joven, enigmática y con un pasado trágico y destructivo (Juliette Binoche), llega a la vida de una familia de clase alta.  Es la novia del hijo de un matrimonio compuesto por un político inglés (Jeremy Irons) al que perturba con su sola presencia provocando en él una pasión sin límites que le lleva a ignorar el amor que su propio hijo siente por la que era su prometida.

La escena del cruce de miradas entre Irons y Binoche cuando se conocen en una recepción revela que son dos almas que se han reencontrado para no separarse jamás.   Sólo el sentimiento de culpa de ambos (al traicionar al hijo y prometido respectivamente) hace que sus encuentros sexuales, violentos como si de ese modo liberaran todo el dolor que llevan dentro, les lleven a comprender que están moviéndose en terrenos prohibidos.  Lo saben, y son conscientes que ese camino peligroso les llevará a su propia autodestrucción.

Asistimos con HERIDA (Damage) a una pasión amorosa destructiva, pero al mismo tiempo muy verdadera, demostrando una vez más que el corazón no entiende de precauciones o autolimitaciones.   Louis Malle filmó estas sensaciones con valentía, ahondando en la complejidad de esos personajes: en sus emociones y comportamientos más primarios.

Hay una escena especialmente dura para el espectador por la empatía que se establece con el personaje interpretado magníficamente por JEREMY IRONS.  Es la que se desarrolla en el hotel de París, en esa habitación donde Stephen (J. Irons)  muere de dolor y angustia  al ver (a través de la ventana) cómo su hijo está junto a Anna (Juliette Binoche).

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Leslie Caron interpreta a la madre de Anna, Miranda Richardson está sobresaliente como la esposa de Stephen (J. Irons), defendiendo su personaje con seguridad y convicción (gran escena la del enfrentamiento final con su marido).

Juliette Binoche, cuyo rostro es único para mostrar la pena que se arrastra del pasado, y Jeremy Irons que vive su desasosiego interior a través de su mirada, crearon una de las relaciones cinematográficas más desgarradoras de las últimas décadas.  Son ellos, con su clase y magnitud interpretativa, los que dotan a DAMAGE de la categoría que tiene.  

Una película que se recuerda con emoción, pero una emoción no exenta de gran inquietud.  Como la vida, cuando la transitamos sin la presencia de la persona que quisiéramos estuviera en ella.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores. 

 

UNA VANESSA INÉDITA: COMEDIA Y MÚSICA, por Francesc Mazón Camats (Fotografías: Yolanda Aguas)

PREMIO DONOSTIA 1999, FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SAN SEBASTIAN

(c)  Festival Internacional de Cine de San Sebastián y RTVE

La entrega del Premio Donostia, en el Festival Internacional de cine de San Sebastián 1999, a la extensa y variada carrera de Vanessa Redgrave, ha situado de nuevo en primer plano a esta incansable actriz y luchadora progresista.  Durante muchos años ninguneada y perseguida por la industria de Hollywood y la mayoría de la prensa,  a causa de sus ideas izquierdistas.

En la extensa y emocionante rueda de prensa anterior a la entrega del premio, la sensación de reencuentro y de reconocimiento a esta extraordinaria actriz y mujer por parte de la crítica presente, era palpable.

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La mayoría de las preguntas formuladas giraron alrededor de sus facetas más conocidas, repitiendo algunos de los tópicos asociados a ella:  La Gran Dama Roja, La Hija de Laertes (Michael Redgrave), La Aristócrata de las pantallas y escenarios, la gran intérprete de tragedias, dramas o films históricos como ISADORA, JULIA, MARÍA REINA DE ESCOCIA O HOWARDS END

Pero casi nadie recordó que alcanzó la fama y el estrellato con una original y excéntrica comedia (o tragicomedia) “Morgan, un caso clínico” de Karel Reisz, por la que consiguió su primer premio de interpretación en el Festival de Cannes del año 1966.

En esta película, deliciosa y desoladora a la vez (punto final del Free Cinema inglés) la interpretación de Vanessa, en el papel de una burguesa snob casada con un bohemio trotsquista de origen obrero, era radiante.   Su maravillosa carcajada en los planos finales del film, cuando descubre que su ex marido, ingresado en un psiquiátrico, está componiendo en sus labores de jardinería, una enorme hoz y martillo, resulta inolvidable.

Esta Vanessa, deliciosamente cómica, ha quedado inédita frecuentemente para el gran público.  Su padre, el insigne actor Sir Michael Redgrave, la preparó a consciencia debido a su talla y características físicas para el teatro cómico o de music hall, siguiendo el trabajo de célebres damas británicas como Margaret Rutherford, Edith Evans o Sybil Thorndike.

Pero en su ya extensísima carrera de cuatro décadas y unos noventa films, ha tenido pocas ocasiones para demostrar ese talento cómico, recordemos algunas:

  • En el año 1983, el momento más duro del ostracismo y persecución a que era sometida por la industria de Hollywood, acepta el papel de la Reina Elizabeth II de Inglaterra en “Sing Sing” de Sergio Corbucci.  En esta burda comedia italiana de episodios, Vanessa está absolutamente irresistible en su papel, entre la sátira y la sutil ironía, en el episodio de un ladrón en la alcoba de la reina.
  • En el año 1988, encarna a Mrs. Garza, desenfrenada ninfómana maltesa en la subvalorada “Consuming Passions” (Pasión Devoradora) de Giles Foster basada en un guión de los Monty Phyton.  Su desternillante parodia de la Melina Mercouri de “Nunca en domingo” no fue demasiado apreciada por la crítica.
  • En el año 1995, interpreta el papel protagonista de “Un mes en el Lago” de John Irving, en esta agradable comedia sentimental, muy cercana en el tono a “Locuras de Verano” de David Lean, Vanessa vuelve a demostrarnos su inmenso talento para pasar de las risas a las lágrimas.

Finalmente hemos recuperado a esta Vanessa cómicamente inédita, viendo “Uninvited” la película que si hijo Carlo Nero presenta en la sección Zabaltegui del Festival.  En este filme, un thriller dramático, Vanessa compone en clave cómica, un pequeño papel:  el personaje de una severa y algo descacharrante profesora de mates.

La otra Vanessa inédita, vino a mi mente en la extraordinaria gala de entrega del Premio Donostia que le fue ofrecido por Núria Espert (magnífica en su parlamento y su actitud).

Una Vanessa emocionada y auténticamente sorprendida por las muestras de cariño y el entusiasmo de todo el público en pie, confesó que le hubiese encantado ofrecer algo propio a este público tan generoso: una canción, quizás “Imagine” su preferida.

Esta faceta musical empieza ya en edad temprana, su primera gran pasión fue la danza clásica, truncada en la adolescencia por su elevada estatura.  También recibió una formación musical, aprendiendo piano y canto bajo la supervisión de su padre.

Pocos hemos olvidado a su reina Ginebra en “CAMELOT” de Joshua Logan, uno de los últimos grandes musicales de Hollywood, donde cantaba temas inolvidables como “The Lusty Month of May” o “Take me to the Fair”.

Su canción “Vivre et mourir” en “Mary Queen of the Scots”.  Quizás algunos recuerden sus bailes con el bajito Dustin Hoffman en “Agatha” y la preciosa canción “Close Enough for Love” del mismo film.

Pero la joya más oculta de esta Vanessa musical está en “Red and Blue” mediometraje del año 1967, dirigido por su ex – marido Tony Richardson que debía formar parte de la trilogía “Red, White and Zero”.

En esta historia sobre una cabaretera, Jacky, Vanessa interpretaba las canciones de Cyrus Bassiak, el famoso compositor del tema “Le Tourbillon” de “Jules et Jim” especialmente el maravilloso “Sometimes Red, Sometimes Blue”.  Esta pequeña, casi invisible y olvidada joya merecería ser recuperada para completar así la imagen de esta actriz de múltiples talentos.

La mejor actriz contemporánea”, en palabras de Núria Espert y en el corazón de los que la adoramos en silencio: “I Loved you once in Silence”.

Nota:  (Texto escrito por Francesc Mazón Camats, en septiembre de 1999)

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DOÑA ROSITA LA SOLTERA, de F.G. Lorca (Dir. Joan Ollé), por Francesc Mazón Camats

Doña Rosita la Soltera o el Lenguaje de las Flores

Nuevo montaje en Barcelona, del TNC (Teatre Nacional de Catalunya), de la obra que Federico García Lorca definió como un Poema para Familias o una comedia dramática sobre la cursilería española. Obra muy poco representada aquí, a pesar de haberse estrenado en nuestra ciudad en 1935. La versión más recordada sigue siendo la del 1985, de Jorge Lavelli, con Núria Espert haciendo suyo el personaje de Rosita, en una larga y exitosa gira.

En esta ocasión el responsable es Joan Ollé, actor y director. Inclasificable y brillante heterodoxo, vinculado al Institut del Teatre, al Grec, al Teatre Lliure o al Centre Dramàtic de la Generalitat, germen del actual TNC. Siempre con montajes novedosos y de riesgo, desde su debut escénico en 1974 con Alberti o Salvat-Papasseit, o el mítico “No hablaré en Clase” de Dagoll-Dagom. Aun recordamos con entusiasmo, su inolvidable espacio con Joan Barril, “L’Illa del Tresor” en el Canal 33 del TV3 o su imborrable, emocionante “Coral Romput” de Vicent Andrés Estellés- Ovidi Montllor, el 2008 en el Lliure de Montjuïc.

Se enfrenta ahora a su segundo Lorca (el primero “Así que pasen cinco años” en 1998), una comedia dramática, con mucho riesgo que Ollé trabaja como tres obras o tres puntos de vista diferentes: Poesía, Cursilería y Drama, con un aire musical y unas pinceladas feroces, pero humanísimas. Siempre el miedo, tan español, al ridículo, a las apariencias, al que dirán.

Un primer acto muy lírico, etéreo. Rosita es una joven soñadora, casi adolescente, estupenda Nora Navas, enamorada y feliz. Mimada por sus tíos/padres que la adoran, ajustados y brillantes Carme Elias y Enric Majó y su ama (el papel bombón de la obra) que borda, por físico y por temperamento,  Mercè Aranega. Con una imaginería de postal antigua y un preciosismo musical y funámbulo (intervención de Andrés Corchero), pasa ligero como un soplo. A recordar la viñeta divertidísima de Joan Anguera y la entrañable canción del gran Paco Ibáñez.

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El segundo acto se convierte en el “arrebato de la Cursilería granadina”, el  escenario se llena de mujeres de toda edad y condición, también de rosas rojas encendidas. Quizás un cierto exceso de risas, bailes, canciones y colores pastel (vestuario apoteósico de Míriam Compte, mi preferido el vestido rojizo de la imperial Carme Elias). Se produce un ligero exceso con las visitas de las tres Manolas casaderas, su angustiada madre (excelente, por otro lado, composición de Victòria Pagès) y las dos Zipi/Zape modernistas  que arrinconan a la pobre Rosita y  su afligida tía a los laterales, dejándolas casi sin juego escénico. Han pasado quince años.

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Y llegamos a un contrastadísimo tercer acto, un escenario vacío, en blanco y negro, con un mar de rosas marchitas (Bravo por la hermosa escenografía de Sebastià Brosa), tres mujeres solas y enlutadas: una Doña Rosita, tan marchita como las rosas; la tía, imagen de la desolación y la decadencia y el ama, animosa superviviente. Puro Chejov, resuelto como si se tratase del final de Las tres Hermanas o de El jardín de los Cerezos. Incluso la magnífica escena del otro personaje de este acto, el acongojado maestro, tan patético como ellas, pero con un punto de humor e ironía, suena a Chejov (magnífico Oriol Genís, que fue un inolvidable tío Vania).

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Aplaudimos esta creativa puesta en escena, con un plantel de actores y actrices excelentes que nos ofrece el TNC, en cartel hasta el 6 de Abril. ¡Disfrutenla!

http://www.tv3.cat/videos/4935391/DONA-ROSITA-LA-SOLTERA

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NOTAS:

Las fotografías oficiales de la obra son autoría y propiedad de MAY / ZIRCUS para el TNC.

El video insertado de Youtube: Doña Rosita la Soltera, está realizados por TeatralNet para el TNC.

El reportaje sobre Doña Rosita la Soltera del programa Ànima33, es propiedad de TV3.