FESTIVAL DE CINE DE ZARAGOZA (1er Avance 19 ed.), por Yolanda Aguas

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Se respiraba un gran expectación en los minutos previos a la presentación de la 19 edición del Festival de Cine de Zaragoza.  La convocatoria ha sido hoy. 29 de octubre, en el Salón de Actos de nuestro maravilloso Teatro Cesaraugusta.

Jerónimo Blasco (Consejero de Cultura del Excmo. Ayuntamiento) y José Luis Anchelergues (Director del Festival de Cine de Zaragoza), han sido los encargados de desvelar todas las – importantes e ilusionantes – novedades de esta 19 edición del certamen zaragozano:  el preestreno de la película de animación Mortadelo y Filemón, más sedes hasta completar las nueve y la incorporación del nuevo Premio Augusto para galardonar a los premiados, son las principales novedades de la 19 ed. del Festival de Cine de Zaragoza (FCZ), que se celebrará del 20 al 29 de noviembre.

Tal como ha explicado en rueda de prensa el director del Festival, José Luis Anchelergues, la consolidación y el interés que ha logrado el festival desde su primera edición en 1996, es un hecho, pero ahora se trata de hacerlo llegar todavía más a los aficionados al cine y a los ciudadanos en general.

Este año se han presentado 823 trabajos de los que se proyectarán 235, 277 y 46 más, respectivamente, que en el pasado año.

Del total de obras seleccionadas, 421 competirán en la sección de cortometrajes de ficción y 35 en los de animación; otros 153 en el de documentales, 62 en el encuentro de escolares, 55 en el de vídeo clips, 31 en el de largos ópera prima, 27 en el de microcortometrajes y 38 en el de cortos Aragón negro.  Anchelergues “Archy”,  ha señalado que aunque entre los trabajos presentados “hay de todo”, se han quedado fuera obras de mucha calidad.

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El número de trabajos presentados ha obligado a los miembros del jurado, además de a pasar fines de semana enteros seleccionándolos, aunque “cómodamente desde el sofá de casa”, a ampliar sesiones para poder dar cabida a más proyecciones, mientras que otras, como los microcortos, se podrán visualizar desde internet.

Entre las temáticas, el director del FCZ ha reconocido que hay mucho sobre la crisis o los desahucios, pero “muy bien tratado” y con abundancia de comedia, aunque lo que se ha tratado es de seleccionar una variedad de argumentos.

Como aspectos destacados del festival figura la denominación Augusto que a partir de esta edición recibirán los premios y que irán acompañados de la reproducción del retrato del fundador de la ciudad de Zaragoza, encontrada en Turiaso (Tarazona) y que se entregará en bronce a los cinco homenajeados y en resina de poliéster a los ganadores de cada concurso, junto a una cuantía económica que oscila entre los 300 y los 1.200 euros.

El festival contará además con siete secciones paralelas que se desarrollarán a partir de hoy y hasta la clausura del festival, como las jornadas de cine infantil en Educación y Valores, el Festival se acerca a los niños con películas dedicadas al público infantil, el ciclo Memoria Histórica en colaboración con el Instituto Francés o el Panorama Audiovisual.

Entre las películas de la Sección PANORAMA se encuentra la película Todos están muertos de Beatriz Sanchís, protagonizada por la gran Elena Anaya, que todavía no ha sido estrenada en Zaragoza.  Precisamente pude hablar con Elena hace dos días de esta circunstancia.  Elena Anaya – que es buena amiga de nuestra ciudad – tiene especial interés en que se estrene aquí.

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Habrá además un ciclo de películas dedicado al nuevo cine rumano, una mesa redonda y acuerdos de colaboración con Rumanía, como país invitado al evento. Asimismo como festivales invitados tendrán presencia el Cinespaña de Toulouse (Francia), el Timeline Film Festival de Carate Brianza (Italia) y el Clipmetrajes de Manos Unidas (España).

El 28 de noviembre se proyectará la película de animación “Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo”, dirigida por Javier Freser, y cuyo equipo viajará hasta Zaragoza para impartir una Clase Maestra, entre otras “sorpresas”, ha avanzado Anchelergues.

Como fase previa al festival se ha preparado una programación previa, que comienza hoy, entre la que destaca la sección panorama para acercar al público películas que no han llegado a las salas zaragozanas y que cuentan con distintos premios; los encuentros profesionales, el festival en la calle o el “Café con…”, un punto de encuentro con los invitados.

Las redes sociales también adquirirán protagonismo en esta edición del FCZ y se utilizarán para informar de las novedades del certamen, noticias o acuerdos o para visualizar reportajes de lo que ocurre en el festival y tráileres de los trabajos que integran la programación.

El Ayuntamiento de Zaragoza aporta 72.000 euros de los 120.000 euros que tiene de coste el festival, y el resto procede de patrocinadores y autofinanciación.

Hemos hablado con “Archy” y nos ha prometido una entrevista en exclusiva en la que hará un repaso a toda la historia del festival.  Una charla que esperamos muy ilusionados.  José Luis Anchelergues es un buen amigo…

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

COLOQUIO EN ZARAGOZA (Cine Latinoamericano), por Yolanda Aguas

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En la tarde-noche del 28 de octubre se celebró en ZaragozaC.M.A. Las Armas – un encuentro-coloquio entre las actrices Elena Anaya, Ingrid Rubio y Ariadna Gil, y el director de cine Agustín Díaz Yanes.  El motivo de su visita a nuestra ciudad fue reflexionar y debatir entorno al Nuevo Cine Latinoamericano en un coloquio moderado por el profesor y escritor Luis Alegre.  Son unas jornadas organizadas por el nuevo equipo que dirige y gestiona el Centro Artístico y Cultural.  

En una rueda de prensa previa a un coloquio que han mantenido en Zaragoza sobre el nuevo cine latinoamericano y su relación con el español.  “Algo hemos hecho mal cuando el cine español no se ve en el mundo de habla hispana con naturalidad”; ya que “somos 500 millones de espectadores”. Y esto que sucede con las películas de aquí también con las que se ruedan al otro lado del Atlántico… “y también con el cine europeo. Es un problema de distribución, que está dominada por el mercado estadounidense”

Tanto el director como las tres actrices han trabajado en diversos países de Latinoamérica y han conversado sobre las diferencias y similitudes del proceso cinematográfico en ambos lugares, y han coincidido en las dificultades de la distribución, dominada por las producciones estadounidense que, a su juicio, dejan poco lugar a las cintas latinas, españolas o europeas.

Agustín Diaz Yanes, que ya rodó en México la película Solo quiero caminar, ha reconocido que, en el caso concreto de este país, son muchas menos las películas que llegan a España, especialmente comparando con décadas pasadas en las que fueron tan populares.  “Algo hemos hecho mal cuando no hemos logrado que el cine en español se distribuya y se vea en el mundo de habla hispana con normalidad”. Ha indicado que los equipos son excelentes, más americanizados, que nada es imposible con ellos y que lo más diferente son los escenarios: “No creo que haya muchas ciudades más cinematográficas que México DF”.

Entre los problemas, el cineasta español ha destacado el del acento, que ha considerado una desgracia porque se debería poder trabajar con todos ellos sin ningún problema.

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Elena Anaya, ha reconocido que cuando le llegan ofertas del otro lado del Atlántico siempre pregunta sobre este asunto porque no tiene “tan buen oído”, por lo que ha alabado a su compañera Ingrid Rubio por su trabajo en el largometraje argentino ‘El faro del sur’ donde “se mimetizaba con el país”. Ingrid Rubio, que interpretó a una argentina en El faro del sur, el acento es un “estrés y además queda raro”; por lo que cuando Daniel Burhman le llamó para Las azafatas van al cielo fue un “alivio” porque el director me dijo que “las azafatas son de todos los lugares”.

En este sentido, Rubio, además de agradecer el elogio, ha incidido en que “molaría mucho estar rodeado con todos los acentos” y que lo más destacable para ella de su paso por Argentina o Colombia ha sido conocer otros lugares, otros paisajes y nutrirse, pero que técnicamente es lo mismo.

Por su parte, Ariadna Gil ha recalcado que en estos países reciben muy bien a los actores de otros países y hacen las experiencias muy fáciles.

Sobre la reputación de los actores en los diferentes países iberoamericanos, ha señalado que los que se llevan la mayor fama son los argentinos debido a la gran actividad teatral que se desarrolla allí.

Díaz Yanes, por contra, ha destacado las características diferenciales del intérprete mexicano, “mucho más físico” que los españoles o los procedentes de otros países de la región, si bien ha resaltado que las diferencias existentes, que se amplían también a la forma de dirigir equipos, son lo bueno y más interesante.

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Por su experiencia, aseguró que no hay ciudad “más cinematográfica que México DF porque es una ciudad del siglo XVIII, XIX, XX, XXI e incluso XXII”. De hecho, dijo con humor que “vi sitios tan buenos que alargué el metraje innecesariamente”. Además, los equipos mexicanos están “americanizados por lo que para el director es muy cómodo, ya que todo es posible”.

Así todo, los cuatro han coincidido en que cuesta menos integrarse en el cine latinoamericano que en el europeo o cualquier otro.

En la rueda de prensa también les preguntamos sobre la Fiesta del Cine, gracias a la cual esta semana las salas españolas ofrecen las entradas a un precio mucho más reducido que el habitual, Díaz Yanes ha afirmado que es un asunto “complicadísimo” y ha reconocido que a lo mejor es mejor que se vea una película a que no se vea ninguna.

No obstante, ha querido dejar claro que “el cine es un negocio caro” y que “no se puede hacer todo low-cost”, por lo que habría que mirar hacia otros países para encontrar la solución y que los cines se volvieran a llenar de espectadores sin tener que recurrir a estas ofertas.

Ariadna Gil ha resaltado que iniciativas como la ‘Fiesta del Cine’ evidencian que “es mentira que la gente no quiere ir al cine”.

Por otro lado, Rubio ha sido más tajante y ha asegurado que lo más relevante para resucitar la industria cinematográfica es “que tengamos un gobierno que considere que lo que estamos haciendo es cultura”.

Tras la rueda de prensa, se celebró un divertido e interesante coloquio entre el director, las actrices y el público asistente, moderado por Luis Alegre.

¡Gran iniciativa del CMA Las Armas y de Luis Alegre, a quienes desde estas líneas felicitamos¡

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA (Aut. W. Shakespeare), por Yolanda Aguas

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La violación de Lucrecia, el poema dramático de Shakespeare, y una actriz – ya legendaria-  Nuria Espert, interpretando todos los papeles: el narrador, Lucrecia, Tarquino, Colatino, la doncella, Lucio Bruto.  Traducción  espléndida de José Luis Rivas. Escenografía y vestuario de Ikerne Giménez: apenas una silla, una mesa, una cama con dosel y una tela cubriéndola. Una capa negra para interpretar a Tarquino; una tela de seda violeta para Lucrecia. Luces mágicas y envolventes de Juanjo Llorens. Todos ellos coordinados y dirigidos por Miguel del Arco para dar forma a un texto de Shakespeare que durante mucho tiempo estuvo considerado un trabajo menor (quizá por estar escrito en su juventud).

Es un texto tremendamente difícil de poner en pie, complejo en su estructura narrativa, fascinante en su inicio, desarrollo y final.  Me pregunto si de haber sido interpretado por otra actriz (o actor) hubiera logrado todos los panegíricos de público y crítica.  Seguramente no…

Pero la encargada de estrenarlo y representarlo en España ha sido – nada más y nada menos – que una leyenda del teatro europeo: Nuria Espert.

Durante muchos años, en la década de los 80’s, la Sra. Espert venía a Zaragoza con sus montajes teatrales (siempre al Teatro Principal): La Tempestad, Las criadas, Maquillaje…  y una vez actuó – en una inolvidable noche de verano – en el Anfiteatro del Rincón de Goya (ubicado en el actual Parque Grande José Antonio Labordeta) con Salomé (texto de Óscar Wilde con versión libre de su entrañable amigo Terenci Moix).  Por cierto, quienes estuvieron (estuvimos) en aquella función recordarán que unos descerebrados (que no asistían a la obra como público) lanzaron piedras de enorme tamaño al escenario.  Obligaron a la compañía a suspender la función por unos minutos, hasta que el entonces consejero de Cultura del Excmo. Ayuntamiento de Zaragoza salió a escena, llevando de la mano a Nuria Espert, para pedirle disculpas por tan salvaje episodio.

Anécdota aparte, lo cierto es que Nuria Espert venía con frecuencia a nuestra ciudad, luego estuvo muchos años sin pisar nuestros escenarios.  Regresó con El cerco de Leningrado, junto a Maria Jesús Valdés (yo vi la obra en el María Guerrero de Madrid) pero no en Zaragoza capital, sino al Teatro Municipal Miguel Fleta del Centro Social de Utebo.  La madre de Carmen París, nuestra querida Adelina, fue determinante para que estas dos insignes damas de la escena pisaran el palco escénico de Utebo.

Y ahora, Nuria Espert, se sirve  del autor inglés que nos proporciona un texto denso, expresivo y de una pasión arrebatada. La violación de Lucrecia pone sobre las tablas algo tan actual como es el abuso del poder, los deberes del gobernante o los derechos del ciudadano. La violación de una muchacha a manos de un intocable y el posterior suicidio de ésta conllevan consecuencias políticas: el destierro perpetuo para el violador y la familia real de Tarquino, lo que supone el final de la monarquía y el origen de la república romana.

Nuria Espert, dominando completamente la escena,  nos hace creer que este mágico mundo de sueños y realidades que es el teatro cobra vida y la presenta con la verdad de quien la vive con plenitud.  Mi momento preferido de la interpretación es cuando Espert se convierte en el narrador.  Su voz queda más nítida, su dicción más clara.  Es la Nuria Espert que me enseñó a amar el teatro en los primeros años de mi juventud, con el montaje de Las Criadas del año 1984.  Julieta Serrano y Mayrata O`Wisiedo (actriz nacida en Zaragoza) la acompañaban en el montaje que ella misma dirigió. El primero fue autoría de Víctor García.

El Teatro de las Esquinas de Zaragoza, ha tenido el enorme acierto de traer esta obra a nuestra ciudad.

La violación de Lucrecia, de Espert-del Arco, es un montaje espectacular, emocionante, histórico e imprescindible. 

Aforo completo, como no podía ser menos, donde el público puesto en pie aplaudió a una actriz mítica e irrepetible.

Desde estas líneas nuestra felicitación y agradecimiento al Teatro de las Esquinas

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NOTAS:

Las fotografías oficiales de La violación de Lucrecia insertadas en este post son autoría de JAVIER NAVAL para el Teatro de la Abadía y Juanjo Seoane.

Las fotografías de NURIA ESPERT saludando al público tras la representación en Zaragoza, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.   Para poder realizar las fotografías obtuvimos la autorización previa de José Ángel García (Dir. Producción) de  JUANJO SEOANE.

LA SAL DE LA TIERRA (Dir. Wim Wenders), por Francesc Mazón Camats

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LA SAL DE LA TIERRA: Sebastião Salgado

El film documental de Wim Wenders se inicia con el sonido obsesivo y las fotos (impactantes en su magnífico Blanco y Negro) del proyecto más conocido  de un fotógrafo singular Sebastião Salgado: la explotación de una mina de oro en Serra Pelada, Brasil. Una ingente multitud de hombres descienden a un cráter infernal de barro y desolación, para intentar conseguir alguna pepita de oro. Wenders descubrió entonces su absoluta fascinación por el autor. Pasamos al color y a la vida, el proyecto que filmaba desde hacía un tiempo su hijo Juliano Ribeiro Salgado; una extraña secuencia en el Ártico, donde el grupo humano queda atrapado en una cabaña por un oso polar hambriento, intentando fotografiar una muy gregaria manada de leones marinos…

Nos enfrentamos a un documental sobre un fotógrafo social, especializado en reportajes casi antropológicos sobre grandes Temas entorno a la Condición Humana (La Sal de la Tierra): Éxodos, Otras Américas, Guerras, Trabajadores, Hambrunas…

Wenders recoge la historia de Tião, desde su propia obra comentada por él mismo (Inteligente utilización de un espejo semitransparente, en una cámara oscura, donde el rostro de Tião  y su voz se superponen a sus sobrecogedoras  fotos) puntuada con elementos de su biografía como hijo de un hacendado. Nacido en Aymorés-Minas Gerais, Brasil en 1945, donde transcurre su feliz infancia en el espacio de la selva atlántica. Sus estudios de economía, su matrimonio con Lélia Wanick y posterior exilio en París por la feroz dictadura militar. Ya reconvertido, casualmente, en fotógrafo, sus largos viajes por todo el mundo (frecuentemente periodos de diez años) transformados en libros reportajes de enorme éxito. Un nuevo Ulises viajero y extraño, alejado de su familia y sus raíces, pero unido por esas fotografías a su Penélope/ Lélia, su fuerza motriz.

Su visión del género humano se ensombrece progresivamente, especialmente cuando retrata las grandes tragedias de su continente más amado: África. Las terribles sequías, seguidas de éxodos y hambrunas terribles en la región del Sahel (la enorme zona de transición entre el Sahara y la sabana), hasta llegar a la catástrofe dantesca, el conflicto en CentroÁfrica (Genocidio de Ruanda) entre las etnias hutus y tutsies. Al llegar a este punto, especialmente en una secuencia que te rompe el corazón: el descubrimiento/ reaparición fantasmal de los antiguos verdugos, ahora víctimas espectrales surgidas de la selva “El Corazón de las tinieblas” condenados a la locura y la muerte, abandonados. El trayecto del fotógrafo parece tocar fondo, se nos habla en off de su hundimiento, desea abandonar la fotografía, su vida…

Vino a mi mente, el vivo recuerdo de mi Antonioni preferido “Profesión Reportero” 1975, tan menospreciada en su momento. Donde un alter ego de Tião, David Locke /Jack Nicholson se hundía en la desesperación en algún lugar del Sahel, para intentar después desaparecer en la persona de otro. Su fulminante y maestro final en el Hostal de la Gloria de algún lugar de Almería, tan parecido físicamente al Sahel inicial, sigue en mi memoria como una secuencia única e irrepetible.

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Sebastião Salgado tuvo más suerte, su Ariadna particular, Lélia, procura su salvación, devolviéndolo a su paraíso perdido, sus raíces en el valle del Rio Doce, la finca familiar en proceso de desertización, desaparecida la floresta infantil por la deforestación. Su familia, mujer e hijos le propondrán un nuevo proyecto, reforestar con miles de árboles autóctonos, para devolver la vida, la fauna y el agua perdidas, a lo que hoy es un parque nacional. Aquí recuperamos al fotógrafo con un nuevo proyecto diferente, lleno de vida: Génesis, regresar a todos los paraísos terrestres que conservan, casi intacta, su belleza y armonía con la naturaleza. El proyecto que ha durado 8 intensos años y ha sido filmado por su hijo, coautor pues del documental, se exhibe en el Caixafórum de Barcelona, estará abierto hasta el 8 de Febrero próximo. No se pierdan ambas cosas.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

SEMINCI (Palmarés de la 59 ed.), por Yolanda Aguas

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Terminó la 59 edición de la Seminci de Valladolid, después de una semana intensa de películas, ciclos y conferencias en torno al mundo del séptimo arte.

Con una película que reflexiona y plantea dudas sobre los atajos para eliminar el dolor y el sufrimiento innecesarios. Ambivalencias ante el destierro de la crueldad y lo inhumano en nombre de una mejor calidad de vida. Ese es el tema de La fiesta de despedida, de los israelíes Sharon Maymon y Tal Granit que se han alzado con la Espiga de Oro de la 59 Ed. Semana Internacional de Cine (SEMINCI).

RELACIÓN DE PREMIADOS:

-Premio Castilla y León en corto: Gerardo Herero por su cortometraje “Safari”

-Premio Pilar Miró al mejor director nobel: Damien Chazelle por “Whiplash”

-Premio Tiempo de Historia: “Sacromonte (Los labios de la tribu)” de Chus Gutierrez

-Premio largometraje Punto de encuentro: “Utoelet” de Virág Zomborácz

-Premio largometraje Punto de encuentro: “Birk fincanturk kahvesi”

-Premio mejor actor: Niels Arestrup por “Diplomatie”

-Premio mejor actriz: Levana Finkelshtein y Aliza Rozenpor “Mita Tova”

-Premio mejor guion sección oficial: Kutlug Ataman por “El corderito”

-Premio mejor cortometraje europeo: “El corredor” de Jose Luis Montesinos.

-Espiga de oro al mejor cortometraje: “Symphony Nº42” de Réka Bucsi

-Premio del público: “What we did in our holiday” de GuyJenkin y Andy Hamilton

-Premio mejor fotografía: Feza Caldiran por “El corderito”

-Premio mejor director: Volker Schlöndorff por “Diplomatie”

-Premio Espiga de plata: “Kreuzweg” de Dietrich Brüggermann

-Premio Espiga de oro: “Mita Tova” de Sharon Maymon y Tal Granit

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El jurado internacional de la Seminci estuvo presidido por el realizador mexicano Eduardo Rossoff.

En esta 59 edición han participado nombres muy relevantes de la cinematografía actual, como los hermanos Jean Pierre y Luc Dardenne, con dos palmas de oro en Cannes, que acercaron a la Seminci su película Dos días, una noche, y otro viejo conocido del festival vallisoletano, el realizador Zhang Yimou, que presentó en la sección oficial Regreso a casa, que incomprensiblemente se han ido de vacío.

Como hemos comentado, la ganadora fue  La fiesta de despedida. Se trata de una tragicomedia sobre la eutanasia que cuenta la historia de un grupo de amigos de avanzada edad que afrontan el tramo final de su existencia con el presagio de la muerte en forma de enfermedades como el alzhéimer o el cáncer en fase terminal, ante las cuales adoptan diferentes posturas que oscilan y finalmente evolucionan a lo largo del metraje. El jurado, aplaudido por su decisión en la lectura del palmarés, ha premiado la “maestría narrativa” y “la maravillosa interpretación” de los actores de esta producción de Alemania e Israel. Las dos protagonistas, Levana Finkelshtein y Aliza Rozen, han conseguido el premio a mejor actriz exaequo por hacer “reír y llorar con sus interpretaciones”.

La Espiga de Plata recayó en Camino de la cruz, del alemán Dietrich Brügemann. La película ha sido una de las triunfadoras del palmarés, al recibir también el Premio Fipresci de la crítica internacional y el Premio del Jurado Joven de la sección oficial.

El veterano realizador alemán Volker Schlöndorff fue distinguido como mejor director de la 59 Seminci por la película Diplomacia con la que también ha conseguido el galardón al mejor actor Niels Arestrup. El debut en el largometraje de Damien Chazelle, de 29 años, Whiplash, ha obtenido el premio Pilar Miró al mejor nuevo director, un galardón muy aplaudido en la lectura del palmarés por el director coreano Bong Joon Ho, miembro del jurado.

El mejor guion, premio Miguel Delibes ha ido a la coproducción turco alemana El corderito, de Kutlug Ataman, mientras que Feza Çaldiran ha sido distinguido con la mejor dirección de fotografía.

Los niños que han tenido una gran presencia con varias películas han sido recordados. El jurado ha dedicado una mención especial a los jóvenes intérpretes de Camino de la cruz, Nuestro último verano en Escocia, Marie Heurtin, Alguien a quien amar, Parking y Little Feet.

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PUNTO DE ENCUENTRO y TIEMPO DE HISTORIA

El Jurado de la sección ‘Punto de Encuentro’ (primeras y segundas películas) formado por Paula Astorga, Javier Rebollo y Basak Emre, ha premiado el largometraje ‘Utóélet’ (‘El más allá)’, de la directora húngara Virág Zomborácz. Asimismo ha otorgado una mención especial a la película ‘Gözümün Nûru’ (‘Eye Am’), de los directores turcos Hakki Kurtulus y Melik Saracoglu. En el apartado de cortometrajes ha sido reconocido como Mejor Corto de la sección ‘Bir Fincan Türk kahvesi’ (‘AuCp of Turkish Coffee’), de Nazli Eda Noyan y Daghan Celayir,

En el apartado ‘La noche del corto español’ de esta sección ha resultado premiado ‘La buena fe’, de Begoña Soler.

En la sección documental ‘Tiempo de Historia’ se ha concedido el Primer Premio a ‘Sacromonte, los sabios de la tribu’, de la directora Chus Gutiérrez, que se encontraba en la sala de prensa y recibió el aplauso de los presentes. El segundo premio ha sido para el documental ‘Once my mother’ (‘Érase una vez mi madre’), de Sophia Turkiewicz. ‘Planeta Asperger’, de los directores María Barroso y Ricardo de Gracia, ha recibido una mención honorífica.

Por último, el Primer Premio de la sección ‘Castilla y león en corto’ ha sido para ‘Safari’, de Gerardo Herrero. ‘Cristales’, de Juan Ferro ha logrado una mención especial del jurado de esta sección.

El Consejo de la Juventud también ha entregado sus premios con el final de la Seminci. De la sección oficial ha resultado galardonada ‘Camino de la cruz’ y de Punto de encuentro ‘Más oscuro que el anochecer’.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

ANTONIO BANDERAS (Goya de Honor 2015), por Yolanda Aguas

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Ayer, 24 de octubre, el actor malagueño Antonio Banderas ofreció una conferencia de prensa para agradecer la concesión del GOYA DE HONOR 2015 por parte de la Academia de Cine española.

Antonio Banderas se convertirá el próximo 8 de febrero de 2105 en el cineasta más joven que recibe el Goya de Honor, un reconocimiento a una carrera que llegará pronto a los cien títulos y que valora como recompensa y como estímulo”, porque en su vocabulario solo hay sitio para dos palabras: “Arriba y adelante.

Es un privilegio y un honor. Me siento increíblemente bien tratado por una institución como la Academia, que representa a todos los profesionales del medio. Me produce dos cosas: la primera, pararme, con una vida tan agitada como la mía, echar la vista atrás, hacer recuento. Y ahí me surgen muchas caras, muchos nombres, gente que me ha enseñado, que me ha ayudado, que me ha dado ánimos. Y, al mismo tiempo, me sirve como estímulo: es la mirada hacia el futuro y al compromiso que adquiero, a pesar de no abandonar la cinematografía norteamericana, de apostar por el talento español”.

Con cuatro nominaciones (en ninguna ganó), el actor sonríe al reflexionar: “te imaginas el doblete el de Honor y por ‘Autómata’. Autómata, película estrenada en la Sección Oficial del pasado Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que protagoniza y produce bajo la dirección de Gabe Ibáñez, es para Banderas su apuesta más querida y que espera que “pronto encuentre su público”, como está pasando en lugares tan lejanos como Taiwan, Hungría o Rusia.

Y no entiende que, cada vez que emprende un proyecto arriesgado, “le den palos”, en lugar de empujarle y darle ánimos: “Yo nunca pensé que meterme en la producción iba a ser un camino de rosas. Ha sido un trabajo de hormiguita y a veces me he sentido muy solo (…) Aunque una película no haya salido bien, a mí no me quita el orgullo de haberlo intentado”“La idea es seguir hacia adelante, arriba y adelante”. Y después de asumir y analizar, “dar el segundo paso”. “No me voy a rendir”, afirmó.

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Sin embargo, dedicará el premio no solo a los compañeros, sino al público: “El mensaje debe ir dedicado a la recuperación y a la reconquista de nuestro público. Hay que hablarle con cariño, trabajar con honestidad y atraerlo para que llenen nuestras salas y se sientan orgullosos de sus profesionales”.

Desde su estreno en “Laberinto de pasiones” (1982), la primera de sus colaboraciones con Pedro Almodóvar, hasta “Autómata”, más de 90 películas acreditan a este profesional ganador además de la Medalla de Oro de la Academia en 2004 y que calcula que en 2015 llegará al centenar: le esperan los estrenos de “Los 33”, “Knight of Cups”, la nueva de Bob Esponja y “Altamira”.

Estos, entre otros proyectos, porque ha desvelado que es posible, e “incluso, probable” que haga teatro en España.

Y además, el también director de “Locos en Alabama” y “El camino de los ingleses” trabaja en tres guiones de los que espera “sacar alguno adelante”, si bien entiende que una película lleva “mucho tiempo”, y ese no es hoy uno de sus mayores bienes.

“Si pienso en todo lo que me ha pasado, sería impensable, no entraba en mi cabeza”, comenta el mismo chico que, cuando se arriesgó a salir de Málaga para venir a Madrid, con veinte años, hubiera sido feliz con “estar en la quinta fila del teatro con una lanza, pero que me llamaran actor”.

Hoy, y a pesar de su trayectoria, no se siente suficientemente sabio para dar consejos a los que empiezan. Si acaso, uno: “Aunque suene cursi en este mundo tan confuso y tan raro en el que vivimos, el consejo es amor por aquello que haces“.

“No busques lo que hay detrás del tiempo que empieza cuando dicen, ‘Corten’. Lo hermoso de esta profesión -reflexiona- está entre ‘acción’ y ‘corten’. Hay muchos mundos paralelos (…), que se enganchen a la esencia de lo que significa esta profesión, tanto si son directores como actores, porque todo lo demás vendrá”.

“Si te enganchas a esta profesión porque te puede dar dinero o fama, cometes un gran error y, probablemente, acabes siendo muy infeliz.  Una carrera “marcada por el riesgo y el compromiso”, como le reconoce la Academia, que no siempre tiene el brillo “de lo guapos” que salen “en la alfombra roja”.

“Viajo mucho, vivo de hoteles. Mi casa son los set, imagínate el tiempo que he pasado fuera de casa, en tantos años”, aunque de inmediato asegura rotundo“Sí, mereció la pena”.

Nosotros nos alegramos mucho por este importante y merecido galardón para Antonio Banderas.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

ANTÓN GARCÍA ABRIL (Medalla de Honor de la AACCE), por Yolanda Aguas

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La Junta Directiva de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España decidió conceder la Medalla de Oro al veterano y reconocido compositor aragonés, Antón García Abril, que cuenta con una filmografía para la que ha compuesto más de doscientas bandas sonoras.

Autor de una extensa obra sinfónica y de cámara que abarca la mayoría de las formas musicales, que goza de gran popularidad por haber puesto música a numerosas piezas teatrales, películas: Vente a Alemania, Pepe, La ciudad no es para mí, Los santos inocentes, Sor Citroen, y programas de televisión, como la serie documental El hombre y la tierra de Félix Rodríguez de la Fuente o dramáticos como Fortunata y Jacinta.

Unido profesionalmente a grandes directores de cine como Mario Camus, Pilar Miró, Antonio Isasi-Isasmendi y Pedro Lazaga, el compositor manifestó en la rueda de prensa previa a la ceremonia de entrega de su Medalla de Honor que:

“Me es difícil decantarme por una forma musical porque en todo lo que he hecho he procurado siempre dar lo mejor de mí. He participado en películas espléndidas, otras menos, pero en todas tuve la posibilidad de expresar lo mejor de mí mismo. La música es un lenguaje, independientemente de su forma o género, y cuando está bien escrita hay un momento en la que se convierte en pura imagen. Es una música que se alimenta de muchos parámetros y cuando hay una perfecta comunión con la imagen induce a la reflexión. El músico de cine, por naturaleza, debe ser una persona muy culta y su música debe tener una flexibilidad natural para amoldarse a todo tipo de discursos y narrativas, así como la habilidad suficiente para abordar estéticas dispares desde la música de cámara, la electroacústica o el sinfonismo. La música es como el perfume, evoca sensaciones”.

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Antón García Abril recibió este premio de manos de Enrique González Macho, presidente de la Academia de Cine. “No existe cineasta en España que no haya trabajado tanto”, dijo un González Macho emocionado en referencia a la figura del compositor.

“Pensé que mi obra se había olvidado y, de repente, aparece este ‘honor'”, comentó sorprendido Antón García Abril, a quien la noticia de este premio le pilló trabajando. Su labor como músico continúa hoy en día, aunque ya no en el cine. Y, como cuenta, no por decisión propia: El cine me dejó a mí. Fue una historia de amor que terminó, pero de la que ha quedado un sentimiento muy profundo”.

“La música en el cine tiene que ser buena, si no daña la película”, manifestó Antón García Abril con la veteranía de alguien que ha enlazado miles de fotogramas con sus partituras, “la mejor melodía en el cine es el silencio, hasta que suena la música”.

Antón García Abril ha sido el último en recibir este prestigioso reconocimiento, esta condecoración que en ediciones anteriores se entregó a Vicente Casanova -responsable de la productora CIFESA-, Fernando Rey, Carlos Saura, Francisco Rabal, Alfredo Matas, Ana Belén, Sara Montiel, Elías Querejeta, Gil Parrondo, José Luis Borau, Fernando Fernán Gómez, Carmelo Bernaola, Concha Velasco, Antonio Banderas, Basilio Martín Patino, Geraldine Chaplin, Pablo Núñez, Maribel Verdú, Carmen Maura, Rosa María Sardá, José Luis Alcaine, Manuel Gutiérrez Aragón y Ángela Molina.

¡Enhorabuena¡ al maestro Antón García Abril.  Un premio muy merecido.

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