GOYA 2015 (Mejor Película Iberoamericana), por Yolanda Aguas

La Academia de Cine exhibe las 15 películas iberoamericanas, presentadas por las Academias y los comités de selección de sus respectivos países, que competirán por ser nominadas al Goya a la Mejor Película Iberoamericana en la 29 edición de estos premios, que se celebrará el 8 de febrero de 2015.

Estos quince largometrajes iberoamericanos, que se exhibirán a las 19:00 horas, excepto el pase del 28 de noviembre porque hay doble sesión, a las 18:00 y a las 20:15 horas, tendrán como teloneros los quince cortometrajes preseleccionados a los Goya en la categoría de ficción (Absolutamente personal, de Julián Merino Díaz; Ahora, no, de Elia Ballesteros y Kate Campbell; Café para llevar, de Patricia Font; Ciudadano Torralba Redux, de Suso Hernández; Foley Artist, de Toni Bestard; La cañada de los ingleses, de Víctor Matellano; Loco con ballesta, de Kepa Sojo; Meeting with Sarah Jessica, de Vicente Villanueva Ribes; Pitahaya, de Alb ert Espinosa; Pulse, de Álvaro Giménez Sarmiento; Safari, de Gerardo Herrero Pereda; Sin respuesta, de Miguel Parra; Sinceridad, de Andrea Casaseca; Todo un futuro juntos, de Pablo  Remón;y Trato preferente, de Carlos Polo).

Un total de 110 películas competirán en los Premios Goya

110 películas. Esta es la cifra de las películas que aspiran a hacerse con algunos de los Goya de la próxima edición. Una de ellas sucederá así a Vivir es fácil con los ojos cerrados, ganadora de la pasada edición.

A la 29 edición de los Premios Goya, que se celebrará el próximo 8 de febrero, optan un total de 110 películas estrenadas en nuestro país entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2014. De estas producciones, 25 menos que en la anterior convocatoria, 64 son de ficción, 42 documentales y 4 de animación.

Respecto al cine de fuera de nuestras fronteras, concurren este año 118 filmes europeos y 35 cortometrajes – 15 de ficción, 10 documentales y otros 10 de animación –.

El calendario de proyecciones es el siguiente:

17 de noviembre: Relatos salvajes, de Damián Szifrón (Argentina).

19 de noviembre: Yvy Maraey-Tierra sin mal, de Juan Carlos Valdivia (Bolivia).

26 de noviembre: Tatuagem, de Hilton Lacerda (Brasil).

27 de noviembre: Matar a un hombre, de Alejandro Fernández (Chile).

28 de noviembre: Manos sucias, de Josef Kubota Wladyka (Colombia), y  Conducta, de Ernesto Daranas (Cuba).

1 de diciembre: Silencio en la tierra de los sueños, de Tito Molina (Ecuador).

2 de diciembre: La dictadura perfecta, de Luis Estrada (México).

5 de diciembre: Historias del canal, de Carolina Borrero, Pinky Mon, Luis Franco Brantley, Abner Benaim y Pituka Ortega Heilbron (Panamá).

9 de diciembre: Luna de cigarras, de Jorge Díaz de Bedoya (Paraguay).

10 de diciembre: El elefante desaparecido, de Javier Fuentes-León (Perú).

11 de diciembre: Os gatos nao tem vertigens, deAntónio-Pedro Vasconcelos (Portugal).

12 de diciembre: Código paz, de Pedro Urrutia (República Dominicana).

15 de diciembre: Kaplan, de Álvaro Brechner (Uruguay).
17 de diciembre: La distancia más larga, de Claudia Pinto (Venezuela).

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Evidentemente, hay dos películas muy importantes en esta lista de quince películas: Relatos salvajes de Damián Szifrón (Argentina), y La distancia más larga de Claudia Pinto (Venezuela).

Relatos salvajes, estrenada ya en España, cuenta con la producción y el apoyo promocional de la todopoderosa productora El Deseo de los hermanos Almodóvar.

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La distancia más larga, primer largometraje de una joven y brillante directora venezolana, Claudia Pinto, (afincada en España desde hace más de una década), es una película emocionanteCon un guión extraordinario en el que los personajes están impecablemente bien definidos.  Cuenta, además, con la mejor interpretación en cine de una actriz más que sublime: Carme Elias (ganadora de un Goya por Camino de Javier Fesser).

Creemos que la lucha final para llevarse el codiciado Goya estará entre estas dos magníficas películas.

Nosotros tenemos predilección por La distancia más corta, por su profundidad, la belleza de los escenarios naturales, el talento de su directora y guionista (Claudia Pinto) y la interpretación de sus actores.

¡A ver qué sucede el próximo 8 de febrero de 2015¡

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

KRUM (el crosta) en el TEATRE LLIURE/GRÀCIA, por Francesc Mazón Camats

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Rueda de prensa y presentación  en España de “Krum“ de Hanoch Levin, quizás el autor israelí más prestigioso y desconocido, hasta ahora, en nuestro país.

Krum – el crosta – mote de nuestro protagonista, que según la traductora Roser Lluch i Oms equivale en hebreo a “el callado / el silencioso”, explicando la notable dificultad de traducción de la mayoría de nombres, a causa  de su sentido  simbólico.

Presente todo el equipo  artístico (11 actores y actrices) y parte del equipo técnico, su directora: Carme Portaceli, veterana del Lliure, desde el año 1982, donde inició su carrera como ayudante de dirección del fundador Fabià Puigserver y también de Lluís Pasqual, actual director del Teatre Lliure, también presente en la rueda de prensa.

Esta coproducción a múltiples bandas entre el Lliure, el Grec (que la presentó, brevemente, este verano en el Festival)  y la colaboración de la Generalitat, el INAEM – Ministerio de Cultura-, Ayuntamiento de BCN y la Embajada de Israel (tiempos de crisis obligan!)

Estrenada en Tel Aviv en 1975, supuso la consagración del autor, dramaturgo y poeta, el más importante y popular del teatro hebreo contemporáneo.

Hanoch Levin nacido en Tel Aviv, descendiente de una familia polaca, parte de ella, superviviente del Holocausto. Se dio a conocer a finales de los años 60, en el seno del teatro independiente. Después de trabajar para el teatro/cabaret alternativo, donde escribió sátiras políticas. Debuta en el Cameri Theatre de Tel Aviv (que se convertirá en su propio teatro) y estrena una serie de obras que son acogidas con entusiasmo y también con frecuentes polémicas, lo transforman en el autor/director más popular y apreciado del público teatral de Tel Aviv, la capital y ciudad más cosmopolita y progresista de Israel.

Morirá inesperadamente en 1999, a los 56 años. Desde entonces su compañía fundará el Institute of Israeli Drama, en su nombre, para difundir su obra.

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En la animada rueda de prensa, intervienen alternativamente la directora, Carme Portaceli que nos habla con entusiasmo de esta obra singular que cree muy cercana a nuestra sensibilidad mediterránea: “Discurre entre dos entierros y dos bodas, nos explica el regreso a casa, a su barrio, de un antihéroe, después de una larga ausencia … no ha conseguido nada, no ha triunfado, ni se ha casado, ni ha hecho dinero…

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Y descubre que ese barrio, su refugio, su idealizado paraíso, está tan apático y paralizado como él. La vida se escapa, solo puntuada por nacimientos, bodas y funerales…”

La traductora se extiende en la aparente incomodidad, dificultad de comprensión de una obra tan simbólica, con muchos niveles subterráneos y poéticos. Una obra circular llena de juegos temporales (avances y retrocesos) que el autor mezcla como agua y aceite.

Pere Arquillué, el protagonista, nos habla del viaje preparatorio que hicieron a Tel Aviv y su festival teatral, donde se representaban 6 obras del mismo autor, considerado el Lorca de su teatro y época.

“Esta colección de exhibicionistas neuróticos, como el mismo  Crosta, que sueña con escribir una novela en la que una mujer guapa y rica se case con él y lo saque  de este mundo fracasado que lo rodea…”

Lluïsa Castell, intérprete de la típica madre judía posesiva, aplica el humor, cuando explica la reflexión de su hermano, espectador de la obra en el Grec del pasado verano. ”Es igual como la vida en Montbau (barrio popular obrero del distrito de Nou Barris, al norte de Barcelona) vives o sobrevives en las circunstancias que te tocan, como puedes, con los sueños a nivel del suelo…”

Lluís Pasqual sentencia, esta obra tiene un Karma negro, pronto descubres que todo irá a peor, barranco abajo  (pel pedregar!).

Mónica López (Tuiti) y Jordi Brunet (Shkite) sustituyen a Rosa Boladeras y Ferran Carvajal que estrenaron la obra en el Grec.

Una breve visita a nuestra entrañable sala y al espléndido decorado horizontal (en cinemascope!) de Paco Azorín, nos abren el apetito…

Su estreno el 13 de Noviembre  y en cartel hasta el 7 de Diciembre en el Lliure de Gràcia.

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NOTA:  Las fotografías originales de la obra KRUM insertadas en este post son autoría del gran maestro ROS RIBAS.

Las fotografías de la rueda de prensa de hoy, 7 de noviembre, en el Lliure de Gràcia, son propiedad y autoría de FRANCESC MAZÓN para CINET FARÖ.

DESDE BERLÍN (Dir. Andrés Lima), por CineT Farö

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“No me gustaba la escuela
No me gustaban los grupos
No me gustaba la autoridad…
Estaba hecho para el Rock&Roll”
(Lou Reed)

Estrenada el 9 de septiembre en el Teatro Romea de Barcelona y actualmente (hasta el 7 de diciembre) en Las Naves del Español de Madrid.

Desde Berlín, es un espectáculo que va más allá de la biografía de Lou Reed, basado en la obra poética, musical y visual del ya desparecido Lou Reed.  Andrés Lima firma la dramaturgia y dirección de esta obra escrita por Juan VilloroJuan Cavestany y Pau Miró.

Pablo Derqui y Nathalie Poza nos invitarán a hacer un paseo por este universo mágico, contradictorio y extremadamente brillante que ha marcado el paso a tantos y tantos artistas de todas las disciplinas del arte de los últimos 60 años.

Desde Berlín  trata sobre la dificultad de vivir la convención de la sociedad, de la búsqueda de un espacio diferente para las pasiones, sobre cómo vivir el lado salvaje de una manera normal y cotidiana. Un canto a una generación que enseñó actitudes desde el recuerdo de Lou Reed, un artista excepcional que, con su obra y actitud vital, mostró diferentes caminos para estar vivos.

Nueva York, The Factory, Warhol, creación explosiva, mucha poesía, realidad e irrealidad, mucha ambigüedad y sobretodo, mucho Rock and Roll. Por encima de todo este panorama, un músico, poeta, agitador, ciudadano de su ciudad y no de otra, heredero de la más pura tradición poética urbana de Delmore SchwartzSaul Below oAllen Ginsberg y alguien que se convierte en una influencia fundamental para diversas generaciones de músicos, poetas y personas de la cultura, Lou Reed.

Desde Berlín es una historia de amor. De amor constructivo y destructivo, peligroso y seguro, verdadero y falso, conseguido y perdido. Es una obra de contrarios, la música y el silencio, el ruido y la melodía, lo concreto y lo ambiguo. Son unas maneras que han marcado a una generación detrás de otra y que han supuesto un posicionamiento ante el arte y ante la vida. Caroline y Jim, los personajes de BERLÍN, la obra maestra de Lou Reed, son una pareja que encarna esa manera de afrontar la vida y la muerte, la pasión y el abandono, lo cotidiano y lo excepcional, la necesidad del otro y el ansia de soledad. BERLÍN es lo dividido, es un símbolo de lo inalcanzable, de lo que está siempre del otro lado y separado de uno mismo. Se trata de recuperar la memoria, de mostrar lo que el legado, no sólo de Lou Reed, sino también de Warhol, de Dalmore Schwartz, de Gensberg, de Pati Smith, de Bowie o de Kerouac y de otros, ha significado para tantos, casi sin darte cuenta.

Borja Sitjà

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FICHA

Autores: Juan Villoro, Juan Cavestany y Pau Miró
Música Jaume Manresa y Lou Reed
Espacio Visual Miguel Angel Raió
Escenografía Beatriz San Juan
Dirección y dramaturgia: Andrés Lima
Reparto: Pablo Derqui y Nathalie Poza
Producción: Teatre Romea

Fechas: Del 6 de noviembre al 7 de diciembre
De martes a viernes, 20.30h. Sábados doble función: 18.30h y 21h. Domingos 19.30h.

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NOTA: Las fotografías oficiales insertadas en este post son propiedad del Teatro Romea de Barcelona.

 

LA ISLA MÍNIMA (Dir. Alberto Rodríguez), por Yolanda Aguas

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La isla mínima de Alberto Rodríguez es una de las pocas películas que he visto dos veces en una edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.  Con esto creo que digo muchas cosas.

Quienes asisten acreditados como prensa al festival, saben perfectamente a qué me refiero.  Es muy difícil ver dos veces una película en el marco de uno de los mejores festivales de cine del mundo, simplemente por razones de tiempo.  Si esto sucede, quiere decir que la película elegida tiene algo especial.

La vida, la muerte, la culpa y el perdón.  Quizá sean estos los fundamentos principales en los que se apoya esta historia.

El argumento es muy claro, Juan y Pedro (Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo), son dos policías destinados a un pueblo de las marismas para investigar la desaparición de dos chicas adolescentes.  Cada policía tiene distintos hábitos, diferentes modos de trabajo y comportamiento. Es muy importante destacar la época en que esta historia se desarrolla: la España inmediatamente posterior a la dictadura de Franco.  Los dos policías deben tratar con los habitantes de un pueblo que se resiste a vivir fuera de la moral adquirida de su reciente historia política y social.

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Alberto Rodríguez plasma la atmósfera en las marismas del Guadalquivir, con unos movimientos de cámara que nos atrapan desde el minuto uno.  Sin darnos cuenta estamos sumergidos en el interior más profundo de lo que se conoció como  la “España Negra”.

Es una película con un indudable recorrido de suspense, como en muchas de las mejores películas del cine negro americano.

Destaco, por encima de todo, el trabajo del director de fotografía Alex Catalán.  De él son también la Fotografía de “Camino” de Javier Fesser y “Habitación en Roma” de Julio Medem.  Su trabajo en La isla mínima es prodigioso.  Muy merecido su premio en el Palmarés de la 62 ed. del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Las interpretaciones son de un nivel muy alto, especialmente la de Javier Gutiérrez (obtuvo la Concha de Plata como Mejor Actor del Zinemaldia) que borda su papel. Un actor conocido por sus trabajos televisivos como Los Serrano o Águila Roja, donde no podía desplegar ni mostrar todo su potencial interpretativo.  La actriz Nerea Barros, que muestra en su rostro una intranquilidad perturbadora, una falsa contención emocional ya que es su personaje quien ayuda a descubrir la verdad de lo sucedido.  Está magnífica en su corto pero importante papel.

El resto del reparto, incluido Raúl Arévalo, resuelven con oficio sus interpretaciones.

Una gran película española, que estoy segura tendrá un largo recorrido.

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NOTA:

Las fotografías oficiales de La Isla Mínima insertadas en este post son propiedad de sus autores.

Las dos fotografías del equipo de La Isla Mínima, durante su estancia en la Universidad de Zaragoza, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

CINES PALAFOX (Zaragoza), por Yolanda Aguas

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Es una pena que esta preciosa exposición esté pasando casi desapercibida.  Creo sinceramente que esto se debe a su ubicación.  No es la correcta.

Los dueños del centro comercial donde se ubica son los mismos que el Grupo de cines Palafox, de ahí la decisión.  Aunque lo comprendo, no me parece lo más acertado ubicarla allí.  Creo que hubiera sido mejor, por ejemplo, en la entrada de los actuales Multicines Palafox, en el Paseo de la Independencia, donde antaño estaba el maravilloso Cine Palafox (el más importante de Zaragoza).

En el C.C.Aragonia (propiedad de Zaragoza Urbana, que también poseen varios cines de la ciudad además del histórico Cine PALAFOX) se rinde homenaje a toda su historia. Con una gran exposición en la que los visitantes pueden conocer mejor la historia de este icono cinematográfico de la ciudad a través de ilustraciones, pósteres y diverso material relacionado con el mundo del cine.  Los Cines Palafox cumplieron el pasado mes de octubre 60 años. En todo este tiempo, sus salas han proyectado miles de películas.

La exposición muestra, con planos y diversos objetos, las distintas salas que ha promovido y gestionado como el Cine Coso, Coliseo Equitativa, Fleta, Rex, Elíseos, Don Quijote, Cervantes o VictoriaEn todos ellos aprendimos a amar el cine y es un recorrido histórico y emocional también por nuestra propia vidaHan sido muchas tardes viendo nuestras películas preferidas, descubriendo actores o, quizás, aprendiendo a vivir.  Todavía recuerdo cuando vi en el cine Rex “Pasaje a la India” de David Lean, o en el cine Palafox “La mujer del teniente francés” con Meryl Streep y Jeremy Irons.

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Se trata de una emotiva exposición para rendir homenaje a la historia del celuloide y de esta emblemática sala zaragozana. Para ello, se ha diseñado una muestra que, a través de cuatro grandes bloques temáticos, despierta la pasión por el séptimo arte y permite revivir a los más nostálgicos algunos de sus más hermosos recuerdos en el cine.

En el primero de los bloques se analiza la labor de Zaragoza Urbana, una empresa que desde su fundación ha sido parte fundamental de la historia del cine en la Comunidad y que, en el 60 aniversario de su sala más popular, merece una mención especial por su pasión y apuesta por esta industria.

La segunda zona temática rinde tributo al nacimiento de los Cines Palafox en octubre de 1954. A través de fotografías antiguas se enseña el contexto en el que vio la luz este referente de la vida cultural zaragozana. También se muestra su influencia a nivel urbanístico, ya que junto a las salas de cine, el arquitecto José Yarza proyectó un pasaje comercial que trasladó a la capital aragonesa influencias de la arquitectura europea más innovadora.

Bajo el título de “La memoria del Cine Palafox”, la tercera área temática de la exposición muestra una serie de objetos como entradas, mobiliario, maquinaria de proyección, material promocional o revistas y periódicos que ayudan a configurar mejor un recuerdo global de esta sala.

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Finalmente, y como no podía ser menos, también encuentran su espacio las películas que han pasado por los Cines Palafox y que han quedado para siempre en la memoria colectiva de los zaragozanos. El objetivo es que salten de la gran pantalla y que se muestren en forma de carteles, proyecciones y breves explicaciones para comprender la importancia de cada una de ellas.

El horario de visita de la exposición es de lunes a viernes de 17.00 a 21.00 horas, y sábados y festivos de apertura de 11:00 a 21:00 horas.

Hay también un panel en el que cada visitante puede expresar por escrito alguna vivencia de su vida relacionada con los cines Palafox (Rex, Victoria, Elíseos, Coliseo Equitativa, Fleta, Coso, Don Quijote, Cervantes).

Es la historia de un grupo de cines, es la historia de nuestra vida. 

No se la pierdan, les gustará y se van a emocionar…

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

MAGIA EN LA MÚSICA, SUEÑOS DE CINE (FSO), por Yolanda Aguas

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Constantino Martínez-Orts y los casi 70 músicos que le acompañan en la Film Symphony Orchestra han conseguido algo muy importante: que ya sean referencia en cuanto a las grandes orquestas a las que todo buen aficionado al cine – y a la música – debe seguir.

El pasado viernes 31 de octubre, en la Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza (el de mejor acústica de todos los auditorios de España, según palabras de la sublime pianista portuguesa Maria João Pires), vivimos una velada cultural de primer orden.

Todo era emoción, en el público asistente, en los profesores de la orquesta y – muy especialmente – en el maestro Martínez-Orts.  Su pasión por la música contagia y la hace partícipe a todos.

El primer concierto de este Tour 2014 se celebró en la plaza de toros Monumental de las Ventas de Madrid.  Han seguido otras ciudades: Sevilla, San Sebastián…  hasta llegar a Zaragoza.  Quedan muchas más y estamos seguros que también en ellas colgarán el cartel de “no hay entradas”.

El repertorio seleccionado por el maestro y Director Artístico de la FSO está relacionado con grandes clásicos del cine y varias series de televisión de gran éxito.

Películas como El Señor de los AnillosIndiana Jones, Star Wars, El último mohicano, Lawrence de Arabia (magnífica interpretación), Forrest Gump (gran composición de Alan Silvestri), Encuentros en la Tercera Fase (otra vez John Williams), Braveheart, Batman, Regreso al futuro, Ben-Hur (del gran Miklós Rózsa), Harry Potter, Los siete magníficos (Elmer Bernstein), Piratas del Caribe, Origen, Robin Hood: Príncipe de los ladrones, Juego de Tronos, Los Simpsons, Indiana Jones, Superman…

Casi tres horas de concierto y nadie quería irse…   ¡Qué bien se está cuando se está bien¡

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Fue bonito ver entre el público a niños pequeños que aplaudían entusiasmados.  Y, no se sorprendan, más hermoso aún que a ellos se unieran el niño/a que todos los adultos que asistimos al concierto llevamos dentro… ¡Genial el momento Simpsons¡  

Ésa es la magia del cine y de lo que puede lograr esta maravillosa FSO (Film Symphony Orchestra) que el maestro Constantino Martínez-Orts dirige excepcionalmente.

Tras el concierto tuvimos acceso a camerinos para felicitar al maestro y nos prometió que volverán el próximo año.  Nuestro amigo José Luis Anchelergues (Archy) – Director del Festival de Cine de Zaragoza– así nos lo confirmó.

Y nosotros le solicitamos al maestro Martínez-Orts que incluya a dos grandes compositoras en el repertorio: Rachel Portman y Eleni Karaindrou.  Confiamos que suceda algún día…

Un gran concierto de cine en el Auditorio con mejor acústica de España.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este post son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

MAGICAL GIRL (Dir. Carlos Vermut), por Yolanda Aguas

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Vayamos por partes…

Me irritaron profundamente los aplausos de un grupo de acreditados de prensa (curiosamente estaban sentados juntos, en la misma zona del Teatro Principal de San Sebastián) durante la proyección para la prensa en la pasada edición del Zinemaldia.

Tuve la sensación que estaban allí para “sugestionar” a los demás asistentes a esa proyección.  Y eso, no me gustó.

Hice todo lo posible por aislarme de este molesto episodio porque lo que veía en la pantalla me estaba cautivando poco a poco.

La película se ancla a partir de tres hilos, de tres personajesLuis (Luis Bermejo), un profesor de literatura en paro, quiere regalarle a su hija (Lucía Pollán), enferma de leucemia, el traje de la protagonista de su serie japonesa favorita, ‘Magical Girl Yukiko’. Está dispuesto a hacer lo que sea para pagar el elevado precio del vestido. Por su camino se cruza Bárbara (Bárbara Lennie), una joven atractiva con trastornos mentales. El tercero en discordia es Damián (José Sacristán), un anciano que ha pasado un tiempo en la cárcel por un oscuro episodio del pasado.  De forma casual, estas vidas se cruzan dando lugar a una serie de chantajes en la que las piezas del rompecabezas comienzan a encajar, pese a que algunas de ellas quedan difuminadas para que sea el espectador el que complete el puzzle.

Uno de los grandes aciertos del film, es la maestría de Vermut con la elipsis y su capacidad de perturbar y causar miedo, angustia y desasosiego sin necesidad de mostrar escenas explícitas.

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Pero lo más impactante de la cinta es el inesperado final, a cargo de un soberbio José Sacristán (cada día mejor actor).  Y este final, es precisamente lo que menos me gusta de la película.  Me causó una profunda decepción.  Esperaba “algo más”.

Esta película es un combinado de géneros cinematográficos.  Es también un magnífico retrato de la España actual, con su profunda crisis económica, con el abismo (cada vez mayor) entre ricos y pobres.

Con tan solo dos largometrajes en su haber, Carlos Vermut ya se ha consagrado como uno de los directores españoles del momento. El segundo de ellos, ‘Magical Girl’, triunfó en la reciente edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián obteniendo la Concha de Oro a la Mejor Película y la de Plata al Mejor Director. También logró el reconocimiento de la prensa especializada.

Para mí, a pesar de la decepción que me produjo su final, esta película tiene un mérito enorme.

Los planos están rodados de un modo exquisito, son de una belleza abrumadora.  Con la duración justa y precisaTécnicamente, Magical Girl, es un prodigio.

Y los actores, Bárbara Lennie, José Sacristán, Luis Bermejo y Elisabet Gelabert , no pueden estar mejor.  Todos ellos merecen ganar premios y más premios…

Es una película que todo buen aficionado al cine debe ver.

Elisabeth Gelabert+++++

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NOTA:

Las fotografías oficiales de la película insertadas en este post son propiedad de sus autores.

Las fotografías de la rueda de prensa en el Festival de Cine de San Sebastián, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.