MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA (Dir. Woody Allen), por Yolanda Aguas

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Ambientada en la lujosa Costa Azul de la Francia de los años 20, Magia a la luz de la luna, de Woody Allen, es una comedia romántica que cuenta la historia de un mago (Colin Firth) que intenta desenmascarar a una médium (Emma Stone).

El hechicero chino Wei Ling Soo es uno de los magos más populares de su época, pero poca gente sabe que no existe en realidad, pues tras el disfraz del famoso mago se encuentra Stanley Crawford (Colin Firth), un personaje británico, gruñón y arrogante con el ego por las nubes que siente verdadera aversión por los falsos espiritistas que afirman poder hacer magia de verdad. Su amigo de toda la vida, Howard Burkan (Simon McBurney) le convence para que se embarquen en una misión en la Costa Azul, concretamente en la mansión de la familia Catledge. Jacki Weaver interpreta a Grace, la matriarca, y Hamish Linklater (Brice) y Erica Leerhsen (Caroline), interpretan a los hijos de ésta. Stanley se presenta allí haciéndose pasar por un hombre de negocios llamado Stanley Taplinger con el objetivo de desenmascarar a la joven vidente Sophie Baker (Emma Stone), quien se aloja en la mansión con su madre (Marcia Gay Harden). Sophie llegó a la casa Catledge porque Grace está segura de que puede ayudarla a contactar con su difunto esposo, y nada más llegar consiguió llamar la atención de Brice, quien se ha enamorado perdidamente de ella.

Cuando conoce a Sophie por primera vez, Stanley opina que es una mocosa insignificante a la que descubrirá en un santiamén y así se burlará de la credulidad de la familia. Sin embargo, para su gran sorpresa y malestar, Sophie realiza numerosas hazañas en las que consigue leer la mente y realizar otros actos sobrenaturales que desafían toda explicación racional, lo que le deja perplejo. Pronto, Stanley le confiesa a su querida tía Vanessa (Eileen Atkins) que está empezando a pensar que los poderes de Sophie podrían ser reales. De ser así, todo podría ser posible, o incluso positivo, y, todo en lo que Stanley creía firmemente se derrumbaría.

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A continuación ocurren numerosos acontecimientos mágicos, en el más amplio sentido de la palabra, que hacen que las historias de los personajes den mil vueltas. Finalmente, Magia a la luz de la luna, consigue que todos creamos en la magia.

No era fácil para Woody Allen, tras el gran éxito de público y crítica con Blue Jasmine, la presentación de una nueva película.  No lo era, entre otros motivos porque de él siempre se esperan obras maestras.  Y cuando presenta una comedia brillante y divertida (como las últimas de su filmografía: AliceLa maldición del escorpión de JadeUn final made in Hollywood  etc,) la crítica injustamente las califica de “obras menores”.

Magia a la luz de la luna es una película deliciosa, mágica (acorde con su título) y llena de ésos momentos que nos hacen pasar dos horas inolvidables.

Cuenta, además, con la presencia de una actriz que venero: Eileen Atkins, y con eso, si me permiten decirlo, ya soy inmensamente feliz.

Una película preciosa, que disfrutarán y desearán volver a ver.

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NOTA: Las fotografías oficiales insertadas en este post son propiedad de sus autores.

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DESDE BERLÍN: aromas de Bergman, por Yolanda Aguas

(Viernes, 26 de diciembre de 2014. TEATRO DE LAS ESQUINAS de Zaragoza).

“Nadie pregunta si es real o irreal,

Si tú eres verdadera o falsa.

La pregunta sólo importa en el teatro.

Y casi ni siquiera allí”.

Ingmar BERGMAN  (Persona)

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No tengo duda que si Bergman hubiera visto “Desde Berlín” habría querido hacer suyos los textos de Juan Cavestany, Juan Villoro y Pau Miró.  Y menos duda aún, que se habría identificado con la dirección magistral de Andrés Lima.

Lima dibuja, con la maestría de un genio del Renacimiento, el cuadro más hermoso de los últimos años en nuestra escena nacional.

La dramaturgia establece una serie de conceptos que permiten analizar el comportamiento de dos seres que viven al límite, física y emocionalmente.  La historia sugiere un componente de dependencia total que subyace de manera latente a lo largo de la función.  Pero cuidado, que este componente no difumine el profundo amor que existe entre los dos protagonistas.

Andrés Lima “que está en una época en la que aúna disciplinas y trabaja tirándose cada vez más al abismo”, confiesa su gran amiga Nathalie, junta diferentes elementos para alcanzar la inabarcable dimensión de esta propuesta teatral.   Escenografía, Vestuario, Iluminación (¡muy grandes Txema Orriols y Walter Scophervill¡), Video (Miguel Ángel Raió), magníficas imágenes en blanco y negro…

Todo funciona perfecto, “Si se ha de hacer, que se haga bien” decía nuestra añorada Anna Lizarán.

Para lograr que esta historia atrape y emocione tan inmensamente, Lima recurre al potencial dramático de dos grandes actores: Nathalie Poza (Caroline) y Pablo Derqui (Jim).

Tan jóvenes, tan maestros…

Andrej Wajda me dijo una vez que la verdadera misión de un actor es “crear la realidad”.   “Persona” y “máscara” se funden en una perfecta simbiosis.  Creo que conscientemente cada uno de nosotros desempeña un rol, y que en estos roles es donde llegamos a conocernos a nosotros mismos. Ése es el recorrido que realizan ambos personajes.

“Esta función es el viaje que hace ella hasta que se suicida.  De alguna manera, también es un acto de generosidad: para que uno sobreviva, el otro tiene que desaparecer”, así define Nathalie Poza a su Caroline.  “Es una historia triste que consigue transformar el dolor en belleza”¡Y qué belleza¡   Inolvidable la escena en la que Jim ilumina con una vela el rostro de Caroline.  Puro Bergman, again

“Jim es un chico de la calle que vive bastante al límite de todo, sin aspiraciones concretas. Aspirándolo todo pero sin tener nada en la cabeza.  Se enamora loca y obsesivamente de Caroline y ambos empiezan una relación de dependencia, de maltrato y de amor mal llevado”, así define Pablo Derqui a su personaje.

Poza-Derqui, Derqui-Poza… ¡qué desgarro, qué deslumbrantes, qué “creación de la realidad”¡

Y un  momento que emociona hasta las lágrimas por ser demasiado duro y hermoso, cuando Jim, antes de dejarla marchar,  le pregunta a Caroline: ¿Cuánto tiempo tarda la gente en morirse?, mi reina…   Su María Estuardo (que inevitablemente nos evoca la creación que Vanessa Redgrave hizo en la  película de Charles Jarrott).

Y Derqui acariciando el rostro de Poza proyectado en la pantalla, en la penumbra, en su memoria…   Puro Bergman, y esencias de “Persona”…  

Y Poza en su monólogo, conmoviendo hasta el infinito, mientras Derqui yace en la cama… 

Durante toda la función respiré aromas de Bergman, aromas que me acompañarán toda la vida…

¡Dios salve a los reyes de Berlín¡

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ,

LA SEÑORITA JULIA: ascensos y caídas, por Francesc Mazón Camats

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Una nueva versión para el cine de un clásico teatral devastador, “La Señorita Julia” de August Strindberg. Escrita en 1888 pero estrenada, no sin escándalo, en Estocolmo en 1906, con el nuevo siglo. De fuerte carácter naturalista/determinista, el drama fue ofrecido por el autor a su esposa, la actriz Siri von Essen, un auténtico regalo envenenado…

Casi ninguna actriz ha conseguido un éxito con esta obra; las grandes lo evitan, la mayoría lo sufren como una enfermedad, como recuerda con lucidez la añorada Anna Lizaran, en el magnífico libro/homenaje de reciente aparición que le ha dedicado su Teatre Lliure. Ella tuvo su primer y casi único trompazo  en el Teatre Lliure en 1985, interpretando una Júlia, directamente situada en el psiquiátrico, dirigida por el maestro  Fabià Puigserver.

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Ahora es Liv Ullmann, una actriz y directora para siempre relacionada (en exceso) con el gran Ingmar Bergman, quien nos propone esta nueva versión para el cine. Desde el principio Liv aporta su propia lectura; en un prólogo inexistente en la obra, Julia apenas adolescente, acaba de perder a su madre y vaga solitaria por los dominios de su padre, el barón. La escena de la niña en la habitación tapizada de rojo intenso y reclinada en la cama deshecha, donde probablemente agonizó su madre,  parece una evocación obvia de “Gritos y Susurros” (aparquemos la sombra del maestro, tan deudor él mismo de Strindberg). La directora marcará desde el inicio una versión más feminista, menos misógina. La señorita Julia fue educada por su madre para “pensar como un hombre y actuar como tal“ pero vive encerrada en los dominios de su padre, cuyas botas de montar aparecen  obsesivamente en la cocina del castillo donde se desarrolla, prácticamente, toda la acción.

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Por otro lado Liv Ullmann es absolutamente fiel a la obra de Strindberg, aunque cambie la ubicación de Suecia a la Irlanda rural de inicios del S.XX, consecuente con la elección de los actores anglosajones, ahí reside el mayor mérito del film: tres únicos actores/actrices en estado de gracia, perfectos en su elección, tanto por su físico adecuadísimo, como por sus intensas y matizadas actuaciones.

La caprichosa, tenaz  y desesperada Sta. Julia es aquí Jessica Chastain, en una interpretación febril, desde su aparición leemos en sus ojos la terrible melancolía que la consume, con una mezcla de altivez y fragilidad, de oscura desolación.

Muy bien secundada por John su contrafigura, el lacayo de su padre (todo sucede a lo largo de la mágica y peligrosa Noche de San Juan),  un inmejorable  Colin Farrell, con ese aire de macho alfa que irá mostrando sus anhelos, sus propias fisuras. Mientras John sueña en subir a un árbol, ascender, trepar y escapar de su clase; la Srta. Julia tiene frecuentes pesadillas donde se precipita, cae, desciende y se hunde. La directora conduce  con mano firme, esta batalla de sexos y clases sociales, aquí más cerca del deseo del control y poder que otorga momentáneamente  el sexo y el dinero. Una cuidadísima y clásica puesta en escena, que encierra, asfixiando a los personajes en un huis clos infernal, ese pasadizo a ningún lugar, cuya puerta cerrará simbólicamente la criada Cristine, estupenda (casi irreconocible) Samantha Morton, en esta versión, mucho más despierta , testigo  casi  mudo  de la cruenta batalla que avanza inexorable hacia el desastre de sus combatientes.

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Puntuada por una selección musical de Chopin, Schumann y especialmente Schubert, y una acertada fotografía de Mikhail Krishman.

Esta magnífica versión, corre el peligro de ser ignorada por el público a causa de algunas de las injustas críticas aparecidas: “la sensación de estar ante una lujosa antigualla ” o “mi falta de sensibilidad para conectar con este arte ( el teatro) (…) no puedo evitar mirar de vez en cuando el reloj y pensar en mis cosas”. No hagan mucho caso, los críticos tienen también sus malos días!  Veanla y juzguen Uds mismos.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

 

EL AMOR ES EXTRAÑO (Dir. Ira Sachs), por Yolanda Aguas

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Proyectada en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en la siempre interesante Sección PERLAS, el director Ira Sachs nos cuenta la historia de dos hombres que comparten su vida sentimentalmente desde hace 39 años.

Cuando en 2011 se legaliza en Nueva York el matrimonio homosexual, Ben y George (magníficos John Lithgow y Alfred Molina) deciden casarse. Poco después, despiden a George sin explicación alguna de la escuela católica donde enseñaba música y pierden su piso en Chelsea. Una pareja gay de policías acoge a George, y Ben se va a vivir a casa de su sobrino en Brooklyn. El verse obligados a vivir en casa ajena, el esfuerzo por ser amables más la preocupación por su futuro incierto son motivos de estrés para todos.

Conmueve especialmente la incomodidad de todos los personajes implicados en esa extraña convivencia a la que están obligados. La pareja ha sido reubicada en hogares distintos, donde son víctimas de los problemas (ocultos) de las casas en las que viven.  Testigos de dramas adolescentes y sordos conflictos conyugales como el que atraviesa Marisa Tomei.

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Ésta es una película en que la comedia y el melodrama se mezclan exponiendo una felicidad que se quiebra en el momento más inesperado. Indaga, además, en la observación de las diferentes conductas (de los dos protagonistas y de su primer entorno de amigos y familiares).

Un excelente guión, con diálogos muy precisos y una puesta en escena sobresaliente: donde la elipsis previa en un precioso plano general del desenlace es impagable.

Incluso hay momentos que, inconscientemente, parece que estemos asistiendo a otra de las maravillosas películas del gran Woody Allen.

Una película bonita.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

IDA (Dir. Pawel Pawlikowski), por Yolanda Aguas

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Ida (Agata Trzebuchowska), una joven novicia que ultima los preparativos para tomar los votos, descubre un gran secreto sobre su propia identidad, una revelación que la conducirá a una búsqueda de sus raíces.

En un convento católico, la Madre Superiora le ordena que visite a su única pariente viva en Lodz antes de tomar los votos. Anna nació en ese convento, nunca ha salido de él, y no sabe nada de su familia. Su tía Wanda Gruz (Agata Kulesza), una jueza, miembro del Partido Comunista Polaco y antigua activista política, le cuenta a Anna fríamente que su verdadero nombre es Ida Lebenstein, y que es judía, una “monja judía”, le dice, mientras uno de sus amantes sale del apartamento.  El encuentro con su tía Wanda, que al principio comienza como un mero trámite, acaba perturbando el equilibrio sobre el que la joven había construido ya no sólo su pasado, sino también su futuro.

De entrada las personalidades de estas dos mujeres salen a flote, contraponiéndose. La una parece disfrutar revelándole a Ida su doloroso y desconocido pasado. Ida calla y acepta oír pasiva y sumisamente la historia.

Tras esa revelación austera y parcial de un origen ensombrecido hasta el momento, ambas emprenden un viaje que se convierte no solamente en el acto de un duelo aplazado, de rememoración para la una y de descubrimiento para la otra, sino, también, en un proceso de conocimiento y auto conocimiento, sobre todo en el caso de la joven cuya vida, de un día a otro, da un giro radical e inesperado.

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El director, Pawlikowski, realiza un planteamiento de “road movie”. Acompaña a las dos protagonistas a través de la geografía y la historia de una República Popular de Polonia devastada y empobrecida, controlada férreamente por el Partido Obrero Unificado Polaco bajo la tutela de la antigua U.R.S.S.

La decadencia del entorno será el reflejo de la degeneración personal de los sueños e ilusiones de aquellos que vivieron en ese entorno, durante y después de la guerra, una imagen que la joven Ida contempla casi ajena.

En medio del silencio, aparecen las imágenes; los lugares presentes, desolados, de tranquilidad aparente, que evocan un pasado que no desaparece y sigue actuando en el presente de ambas protagonistas.

La película muestra todo el tiempo, entonces, la presencia de una ausencia, que es traída al presente mediante el acto de memoria; una ausencia que el director no recupera, que no puede ser captada por nosotros, los espectadores, ni por la misma Ida. Sin embargo está siempre ahí, presente, subyacente, impulsando los acontecimientos. Lo único que queda es la experiencia de un recuerdo que atormenta, y la imposibilidad de Ida de comprenderlo a cabalidad, de acceder a él, de incluirlo en su cotidianidad y de, por él, cambiar su rumbo.

Magníficas interpretaciones, preciosa fotografía…

Cierto que Pawlikowski no es Bergman, pero ¡qué gran película¡

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NOTA: Las fotografías originales insertadas en este post son propiedad de sus autores.

LUISA GAVASA: Profeta en su tierra, por Yolanda Aguas

Luisa Gavasa, actriz aragonesa, recibe innumerables muestras de cariño cuando visita Zaragoza, la ciudad donde nació.  Ella sabe que es querida y admirada.  José Antonio Labordeta decía que nuestra tierra es una tierra dura y exigente en sus afectos, pero que cuando entrega el cariño lo hace a manos llenas y sin fecha de caducidad.

El pasado mes de junio, se presentó el rodaje de la última película de Paula Ortiz, otra mujer aragonesa, basado en la obra “Bodas de sangre” de Federico García Lorca y que Paula ha titulado “La Novia”.   Ya entonces, Luisa fue la reina de la rueda de prensa celebrada en el Festival de Cine de Huesca.

Ahora, el Festival de Cine de Zaragoza le ha concedido el Premio Augusto a su trayectoria.  Premio que recibió arropada por su familia, amigos y profesión, y donde el público, una vez más, la ovacionó interminablemente.

Esta conversación con Luisa, se celebró en los encuentros patrocinados por Cafés Orús “Cafés de Cine” dentro del marco del Festival de Cine de Zaragoza.   Espero que disfruten de esta entrevista tanto como lo hice yo.

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¿Una actriz puede separar el momento de la interpretación con los sentimientos que provoca en el público y alejarse de sus propias sensaciones?

Sí y no.  Estoy de acuerdo en la medida que tú no puedes creer constantemente todo lo que estás interpretando.  Sin embargo, sí es cierto que si no sientes algo no puedes comunicar.  Es realmente una paradoja.  No sé si te lo sabré explicar bien porque ni siquiera sé si sabría explicármelo a mí misma.

Yo no puedo trabajar sin la emoción, también es cierto que la trabajas desde la ficción.  Tú trabajas desde lo verosímil, más que desde la verdad, tienes que hacerte creer.

¿En qué fuentes bebes para lograrlo?

Las fuentes para que el espectador te crea son muchas.  Unas te llegan desde la verdad, otras te llegan desde cómo representas esa verdad.

Sí que creo que tiene que haber una emoción, sobre todo en el cine.  Una cosa que he aprendido en el cine, quizá es una realidad que me ha llegado tarde, es que es más difícil mentirle que al espectador del teatro.

En el teatro, a partir de la fila 8 nadie te ve la cara.  Hay una serie de técnicas, y no lo digo en el sentido peyorativo, una serie de armamentos que los actores disponemos para trascender a partir de la fila 9.  Sería dramático que la fila 20 no te vean, no te entiendan, no te crean.  Yo creo que con un primer plano en cine, no le puedes mentir a la cámara.  Creo yo…

Me has hecho dos preguntas muy complicadas para empezar, querida mía… (sonríe)

Toda actriz tiene un comienzo, ese momento en que decide que quiere ser actriz.  Tu camino comenzó en Barcelona, estudiaste en la Escuela Adrià Gual junto al inolvidable director Ricard Salvat.  ¿Cómo fueron esos primeros años de formación?

Llegué a esa Barcelona de una manera absolutamente casual.  Yo había terminado aquí (en Zaragoza) Filología Inglesa, gracias al empeño de mis padres yo hablaba 4 idiomas y a mi padre le hacía ilusión que me matriculase en Periodismo y así lo hice.  Mi destino iba a ser Madrid, aunque yo por supuesto pensaba hacer allí teatro.  A esa edad yo lo tenía muy claro.

Como te decía, de forma casual, una gran amiga mía (lo somos desde hace cuarenta años) era la pareja de un gran pintor catalán: Armand Cardona Torrandell.  Armand era un grandísimo pintor, de la época de Tàpies y Ràfols-Casamada, y muy amigo de la familia Salvat.  Viajé a Barcelona para ver a mi amiga Maite y a Armand y ellos me llevaron a un colegio maravilloso que lo dirigía Joan Salvat, el hermano de Ricard Salvat.  Llegué con 22 años y cargada de la fuerza de mi juventud.  Le conté a Joan todos mis proyectos y, principalmente, que quería ser actriz.  Ese día, casualmente, Ricard fue al colegio y Joan le habló de mi y de mis sueños y quiso conocerme.

A partir de entonces, yo le di un giro copernicano a mi vida y decidí quedarme en Barcelona para ser actriz profesional.  Regresé antes a Zaragoza para comunicárselo a mis padres.  Mi padre lloró amargamente, fue la primera vez que le vi hacerlo, cuando le dije que yo no quería ser periodista, que yo quería ser actriz y quería prepararme en Barcelona.  Lloró profundamente, pero al día siguiente mis padres me dijeron: “te queremos, eres nuestra hija y eres libre para elegir tu camino.  Te vamos a apoyar siempre y si quieres ser actriz adelante con los faroles…”. Así que me fui a Barcelona a estudiar en la Escuela de Teatro Adrià Gual.

Yo no pertenezco a la generación que estudió en la Cúpula porque llegué cuando la Escuela se reconstruyó en Hospitalet de Llobregat, con gente como Jordi Cadena, el nieto de Adrià Gual…  Fue una etapa bellísima que duró dos años, me permitió aprender catalán, me permitió interpretar a Espriu…  El carnet de actriz profesional que yo tengo es de Barcelona, con el yugo y las flechas, cuando lo enseño por aquí a gente joven se mueren de risa…

(nos reímos)

¡Estábamos las putas, los toreros y las actrices… todos incluidos en el mismo sector con el mismo carnet¡

Cuando estábamos rodando “Amar en tiempos revueltos”, recuerdo cuando les enseñé el carnet a mis compañeros jóvenes… es que no podían contener la risa.

Me estás haciendo preguntas, Yolanda, que me tocan la vida….  Yo conozco a las hijas de Ricard Salvat desde niñas, y a la más pequeña la vi nacer.  Sigo teniendo mucha relación con Joan y Neus Salvat y con Ricard estuvimos hablando justo una semana antes de su muerte.  Me estás hablando de personas que van mucho más allá de mi carrera.

Ricard Salvat era un gran especialista en la obra de Bertolt Brecht.  ¿Trabajaste Becht con él?

No.  Hice con él un proyecto que era trabajar la vida de un poeta, Joan Salvat-Papasseit.  Yo entonces no hablaba catalán, hice el personaje de Margot, la enfermera francesa, con lo cual mi catalán con acento era perdonable y como yo hablaba francés pude defender el papel bastante bien.  Hice “Ronda de muerte en Sinera” (Ronda de mort a Sinera) de Salvador Espriu…

¡Qué bonita¡

¡Sí…¡  De las grandes experiencias de mi vida, la representamos en el Grec.

Después hice “Urfaust”, el Fausto primigenio de Goethe, lo recordaré siempre porque yo estaba embarazada de mi hijo.  Allí trabajé con Vicky Peña, ella interpretaba a Margarida y yo a Marta.  Más tarde, en Madrid, hicimos “Noche de guerra en el Museo del Prado” de Alberti…  y espera… me dejo algo, me dejo algo…  (sonríe), porque creo que hicimos algún montaje más.  En cualquier caso, Ricard es una persona que me marcó en la vida, como actriz y como persona.

Yo era profesora en el colegio de su familia y hacía teatro por las tardes y algunas mañanas.  Fíjate, hace cuatro días hablé con Joan, todavía mantengo la relación con él.

Ricard Salvat es uno de los grandes referentes de mi vida como actriz.

Dicen que la felicidad depende, en buena medida, del tipo de gente de la que nos rodeamos. ¿Con qué tipo de personas te gusta estar?

Con la gente generosa.  Eso lo tengo clarísimo.  Luego hay gente con la que te puedes entender mejor a nivel intelectual, etc… pero con la que gente con la que siempre voy a estar bien es con la generosa.

Y si yo les preguntara a tus amigos ¿qué crees que destacarían de ti?

La generosidad… (sonríe)

¿Crees en el principio de reciprocidad?

Sí.  La vida me lo ha demostrado.  Creo profundamente.

Cuando conoces a alguien, ¿eres más de escuchar o de hablar?

De piel.  Soy de piel.

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A nivel profesional, ¿qué vivencia te ha marcado más?

(reflexiona unos segundos y se emociona)

Fíjate… me cuesta todavía hablar de ello.  (Sus ojos se llenan de lágrimas)

Creo que haber rodado las “Bodas de sangre” con Paula Ortiz.  Creo que es el personaje que más me ha tocado.  Sí…, hacer esa madre que va al encuentro del hijo muerto.

Tengo muchas ganas de ver la película de Paula Ortiz – “La novia” -.  Estuve con vosotros en el Festival de Cine de Huesca, cuando se hizo la presentación del rodaje.  Me encanta Alex García…

¡El primer corto que él hizo, lo hicimos juntos¡  ¡Es tan rico¡

Es un hombre tan atractivo, y a veces esa belleza puede jugar en contra de un gran actor.  Ojalá tenga suerte y encuentre en su camino a directores que confíen en el gran talento que él tiene.

Yo creo que sí, en “La novia” hemos sido tan bien cuidados por Paula…  Creo que el guión que ha escrito Paula es de una gran belleza.  La fotografía… y los actores nos hemos dejado el alma.  Desde luego, hablo en nombre de todos, porque ha sido un rodaje difícil y si no hubiera existido esta implicación conjunta no saldría lo que creo que va a salir.

Luisa, eres una mujer que siempre tiene la sonrisa en la cara…  ¿Crees que sonreír es una forma de expresar belleza?

Creo que es un elemento de empatía, de demostrar “estoy feliz, estoy bien, estoy a gusto…”.

No podemos obligar a nadie a que nos escuche, pero podemos llamar su atención e involucrarlo en una conversación con algo que sea de su interés ¿no?

Totalmente de acuerdo.

La capacidad de escucha tiene que ver también con la capacidad y la voluntad de querer comprender al otro.  ¿El teatro podría ser un medio para ejercitar esta afirmación?

Yo creo que el teatro ha sido un medio que ha pretendido siempre empatizar, mostrar, defender, cuestionar…  El teatro es un arma para todo.  Según el momento, sirve para despertar conciencias, para arrancar sonrisas, para provocar emociones.  No deja de ser un arma, por eso nos tienen tanto miedo.

¿Qué recuerdos tienes más presentes o con mayor intensidad de tu recorrido inicial como actriz?

Mariano Cariñena, siempre…  Era un ser especial, y ¡la persona más divertida que yo he conocido en mi vida¡  Su humor, evidentemente, provenía de su gran inteligencia.  Era fantástico.

Luisa, la interpretación puede ser una forma de terapia para una actriz, sin embargo… ¿algún personaje o alguna obra te ha sacado puntualmente de tu equilibrio?

Sí, y curiosamente las dos veces han sido dos madres.  En teatro, la madre de “Seis personajes en busca de autor” de Pirandello.  En cine, la madre de “La novia”.  No es que me hayan sacado de mi equilibrio, más bien me han llevado a situaciones de mucha angustia.

¿Qué repercusión tuvo en tu carrera el éxito de la película “De tu ventana a la mía”?

No lo sé… desde luego las productoras de cine no se volvieron locas llamándome (sonríe).  Para mí tuvo una gran repercusión de poder darme cuenta de que podía entrar en el cine, de que entraba por la puerta grande de la mano de Paula, de que por fin una espina se me iba y que con eso ya me conformaba.  Todo lo que pudiera venir después sería por añadidura.

Yo me acordaré siempre que tras el pase de la película para los actores, Maribel Verdú me abrazó llorando y me dijo “Luisa, ¿tú sabes que hay un antes y un después para ti?”.  Yo le dije “mira no sé… porque este oficio es muy raro”.

Fue más significativo a nivel personal para mí, al comprobar que yo podía hacer un trabajo que nunca hubiera creído ser capaz de hacer o que no sabía si podría hacerlo.

¿Puedes compartir con nosotros las amistades importantes que mantienes dentro de la profesión? 

Sí.  Con Ana Turpin (desde hace muchos años), creo que soy casi como su madre.  Y desde hace muy poco, con Ana Fernández que ha sido uno de los grandes regalos que me ha hecho Paula también con la película.  Ana es una gran persona, una gran actriz, una gran amiga.  Y Consuelo Trujillo, son dos regalos que me ha hecho esta película.

Y, desde luego, tengo una gran amistad y desde hace muchos años, con María Luisa San José.  Fuimos vecinas de urbanización durante quince años.

También hicisteis teatro juntas…

Sí, trabajamos juntas en teatro.  María Luisa es una bellísima persona.

Has trabajado en teatro, cine y televisión.  Siendo medios tan diferentes ¿cuál prefieres?

En este momento el cine.  Quizá porque me ha llegado más tarde.  Yo soy feliz ante la cámara, lo reconozco.

Con una carrera tan amplia como la tuya, Luisa, has trabajado con grandes compañeros.  Yo quisiera destacar a dos actores que me gustan especialmente: Álvaro de Luna y Luis Bermejo.

¡Maravillosos¡  Quiero creer que la calidad humana no va reñida con la calidad artística y que esa gente maravillosa y generosa como es Álvaro y como es Luis, luego lo muestran delante de la pantalla o encima de un escenario.  También es cierto que luego hay actores estupendos que no tienen esa talla humana…

No… he vivido alguna decepción.

¡Claro¡  Pero yo quiero creer, porque me gusta creerlo, que las bellezas del alma se ven luego en los escenarios y en las pantallas.

Álvaro es un ser profundamente hermoso, somos amigos.  Ahora vamos a interpretar juntos a un matrimonio en una película.  Nos queremos mucho y tenemos el mismo representante.

Le das un abrazo de mi parte cuando le veas…  De todas las entrevistas que he realizado a lo largo de mi vida, la que le hice a él es una de mis preferidas.

Lo haré…

Y con Luis me sucede igual, es un actor generoso y trabajé muy a gusto con él en la película de Paula.

Para finalizar, Luisa, a los espectadores nos gusta mucho saber qué hace un actor en su “media hora” previa a salir a escena.  ¿Qué haces tú?

¡Morirme¡  (rie)  Estar callada, estar sola… y en el último momento, cuando voy a salir al escenario, digo “papá échame una mano”. Pienso en él.

Es una sensación que hay que vivir para comprenderlo.

Muchas gracias Luisa, he disfrutado mucho de este encuentro contigo.

Gracias a ti.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son autoría y propiedad de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

LOREAK (Dir. José Mari Goenaga y Jon Garaño), por Yolanda Aguas

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Reconozco que he tenido que ver esta película dos veces para que me haya llegado parte de ese entusiasmo que provocó en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (donde compitió en la Sección Oficial).  Cuando la vi en el pase de prensa del Zinemaldia, sentí un sentimiento agradable pero no me quedó el deseo de volver a verla rápidamente (como ocurre cuando una película me ha gustado mucho).

La película retrata muy bien esos momentos de choque que se producen en las familias cuando una tragedia las invade, en este caso el fallecimiento del hijo, del hermano, del marido…  Racionalizar los hechos no siempre es fácil cuando se trata de vivir (o malvivir) las emociones que una pérdida produce en cada ser humano.

Regalar flores, ese es el detonante de toda la historia de esta película.  Y  ese hecho aparentemente tan inocente desencadena todo un tsunami de acontecimientos entre personas normales, en una ciudad normal, en un país como cualquier otro.  La historia va de menos a más gracias a la labor de un grupo de actrices muy creíbles en sus respectivas composiciones.

Para mí, lo más destacable de esta película es que muestra las diversas formas y actitudes frente al duelo.  Ese proceso tan difícil, tan doloroso y tan hermoso al mismo tiempo.

Todo ello es mostrado de un modo sereno, sin que el conflicto que viven sus protagonistas estalle.  Para ello se apoya en un buen guión, en un excelente montaje y en unos planos que están envueltos de la atmósfera adecuada con una fotografía que, para mí, es muy acertada.

Los tres personajes femeninos son brillantes en matices: una mujer hipersensible y desorientada por una menopausia precoz, una esposa que ve duda de todo lo vivido en su matrimonio, y una madre que sufre la pérdida de su hijo. Las tres están perfectamente interpretadas por las actrices: Nagore Aramburu, Itziar Ituño e Itziar Aizpuru.

Loreak es una película de miradas, ésas que muestran todos los cambios internos de los personajes.  También reflexiona sobre la memoria y la pérdida de ella, ese momento tan atroz para todo ser humano.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.