PREMIOS FEROZ 2015, por CineT Farö

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La Asociación de Informadores Cinematográficos de España entregó sus Premios Feroz en una ceremonia celebrada en el Gran Teatro Ruedo Las Ventas de Madrid.

Fueron presentados por Bárbara Santa-Cruz.

El premio de Honor fue para el gran director aragonés Carlos Saura, en reconocimiento a su intensa y prolífica carrera como director, y la película ‘Costa da morte‘, el debut cinematográfico del gallego Lois Patiño, galardonado con una mención especial por la brillantez con la que ha desarrollado una cinta que ha recorrido el mundo de certamen en certamen.

Además de ellos han destacado ‘La isla mínima’, que obtuvo cinco galardones, seguida por los 4 de ‘Magical Girl’.

Detallamos a continuación los ganadores de la segunda edición de los Premios Feroz.

Listado completo de ganadores

-Mejor película dramática La isla mínima, de Alberto Rodríguez
-Mejor comedia Carmina y amén, de Paco León
-Mejor dirección Alberto Rodríguez por La isla mínima
-Mejor actriz protagonista Bárbara Lennie por Magical Girl
-Mejor actor protagonista Javier Gutiérrez por La isla mínima
-Mejor actriz de reparto Itziar Aizpuru por Loreak
-Mejor actor de reparto José Sacristán por Magical Girl
-Mejor guión Carlos Vermut por Magical Girl
-Mejor música original Julio de la Rosa por La isla mínima
-Mejor tráiler Trailer de La isla mínima
-Mejor cartel Cartel 1 de Magical Girl
-Feroz de Honor Carlos Saura

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

El Rei Lear: el desafío de una oscura tragedia, por Francesc Mazón Camats

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Las dark tragedies  de William Shakespeare nos pueden parecer sombríos retratos de una humanidad destructiva y desesperada que se despedaza pero conserva aun retazos de poesía y de humor. Todo tan cíclicamente actual que nos sigue conmoviendo, siglos después.

El Rey Lear fue probablemente escrita hacia 1605, y representada en la corte del rey James I Stuard a finales del 1606. Debido a su compleja estructura de múltiples tramas, personajes y su larga duración, montar el Lear no es fácil, ni está al alcance de todo el mundo. En los escenarios anglosajones son más los estropicios y los vapuleos de la crítica que los éxitos absolutos. De los grandes del S. XX, solo John Gielgud alcanzó la unanimidad en uno de sus tres montajes, el de 1950, en el cual actuaba y dirigía. En el mismo, una Cordelia interpretada por la mítica Peggy Ashcroft se robaba la función, consiguiendo en su corto papel según la crítica, “personificar la bondad con una ternura conmovedora. Pronunciando las palabras “No cause, no cause…”  con tal emotiva sinceridad, que solo su postura y la atmósfera que conseguía destilar simplemente nos conmovía ”no hay pequeños papeles para grandes actrices”.

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El maestro Lluís Pasqual parece no obstante haber intentado acercarse/homenajear, especialmente en su atmósfera, otro montaje considerado unánimemente el mejor del S.XX: el de el gran Paul Scofield, dirigido por Peter Brook, en 1962, para la Royal Shakespeare Company. Ambientado en una sombría, desoladora e indeterminada sociedad posbélica, con vestuario y ambientes cercanos a los de Beckett (el mismo equipo hizo una versión para el cine, 9 años después, en 1971). Este montaje marcó una cima que no parece haberse superado.

Pasqual, de forma magistral, sabe crear una intensa atmósfera de la nada (un escenario vacío) un largo corredor entre la doble hilera de espectadores (propuesta en parte similar a la de su recordado Lorca de El Público) confiándolo todo a los actores (magníficos), con el apoyo de la luz (estupendo trabajo) de Pascal Mérat y ambientación musical perfecta de Dani Espasa (Bravo!)

Desde la impactante y épica escena inicial donde un grupo de jóvenes soldados introducen  a la luz de sus antorchas, a una regia Núria Espert/Lear hasta la fabulosa concepción del  segundo acto. Donde el mismo grupo asiste al complejo entramado de acciones paralelas como un coro griego, sentado a ambos lados del pasillo central, creando con sus voces  a modo de salmodia/ canto recitativo  una inquietante  tensión. Llegamos a la peligrosa y decisiva escena de la tempestad, donde el director  consigue el máximo clímax con los mínimos elementos (elevar escalonadamente el suelo). Por momentos sufrimos por la integridad física de Lear/ Espert y su Bufón/Lozano, tan bien amparadas  por su fiel Cayo- Kent/ Madaula. Lluís Pasqual ha apostado fuerte y ha ganado.

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Grandes, muy grandes, interpretaciones de un reparto inmejorable de afinadísimos instrumentos, TODOS! Si me permiten destacaré a Julio Manrique en su triple papel, el ingenuo Edgard, el enloquecido pobre Tom y el simple campesino de Dover. Perfectas las hijas: Goneril, una despiadada Míriam Iscla; Regan, una impactante Laura Conejero en su progresiva pérfida maldad, hasta llegar a su escena cumbre, puro gore isabelino de histeria y terror, la tortura de Gloster-Gloucester/ Bosch. Estupenda Andrea Ros/Cordelia en su casi única y sublime escena de la reconciliación y perdón final, dulce, sencilla hasta las lágrimas…

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Impecables Ramon Madaula/ Kent-Cayo y Jordi Bosch/ Gloucester, el otro padre engañado y finalmente destrozado física y anímicamente. Nunca mejor David Selvas, maquiavélico Edmund, tan cerca del  Iago  de Otelo.

Y claro está un emocionado homenaje a estas dos grandes actrices que a su edad y con una larga y acreditada carrera, no dudan en lanzarse a un desafío, incluso físico: Teresa Lozano, el Bufón, nuestra valenciana más querida, maravillosa, descarada, como un clown desharrapado, con su bolsita de plástico como toda protección contra la intemperie, como cualquier homeless que puebla nuestras ciudades, ovacionada en todas sus intervenciones.

Y Núria Espert, nuestra Nurieta, La Espert, una de las grandes, como un Lear magnífico y arrogante al principio, confuso y progresivamente desesperado hasta llegar a la locura.  Abatido y enfermo al final, como un gran árbol caído. En su reencuentro con Cordelia, su desheredada y tan querida hija, una Núria exhausta física y emocionalmente, pronuncia su sentencia y nos lleva a las lágrimas: “No, no, no…¿no hay vida?  ¿Por qué un perro, un caballo, una rata pueden tener vida? Y tú (Cordelia) ¿ni un soplo? Nunca, nunca, nunca….”

Estamos ante un montaje que hará historia, no se lo pierdan…

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NOTA: 

Las fotografías oficiales de EL REI LEAR son autoría del maestro ROS RIBÁS para el TEATRE LLIURE.

El resto de fotografías son propiedad de sus autores.

87 Ed. OSCAR: Nominados, por CineT Farö

J.J. Abrams, Alfonso Cuarón y Chris Pine han sido los encargados de anunciar los nominados de la próxima edición de los Oscar que otorga la Academia de Hollywood.

Birdman‘ y ‘El Gran Hotel Budapest‘ han acaparado el mayor número de nominaciones a la 87 edición de los Oscar con nueve candidaturas cada una.

The Imitation Game‘ cierra la terna en el podio con ocho nominaciones. ‘Boyhood‘, una de las grandes favoritas, optará a premio en seis categorías. Mismo número al que optará ‘El francotirador‘ de Clint Eastwood.

La ceremonia de entrega de los premios OSCAR se celebrará el 22 de febrero, durante una gala que será presentada por Neil Patrick Harris.

MEJOR PELÍCULA

El francotirador

Birdman

Boyhood

El gran hotel Budapest

The Imitation Game

Selma

La teoría del todo

Whiplash

MEJOR DIRECTOR

Alejandro G. Iñarritu, Birdman

Richard Linklater, Boyhood

Bennett Miller, Foxcatcher

Wes Anderson, El gran hotel Budapest

Morten Tyldum, The Imitation Game

MEJOR ACTOR

Steve Carell, Foxcatcher

Bradley Cooper, El francotirador

Benedict Cumberbatch, The Imitation Game

Michael Keaton, Birdman

Eddie Redmayne, La teoría del todo

MEJOR ACTRIZ

Marion Cotillard, Dos días, una noche

Felicity Jones, La teoría del todo

Julianne Moore, Siempre Alice

Rosamund Pike, Perdida

Reese Witherspoon, Alma salvaje

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Robert Duvall, El juez

Ethan Hawke, Boyhood

Edward Norton, Birdman

Mark Ruffalo, Foxcatcher

K. Simmons,Whiplash

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Patricia Arquette, Boyhood

Laura Dern, Alma salvaje

Keira Knightley, The Imitation Game

Emma Stone, Birdman

Meryl Streep, Into the Woods

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

Big Hero 6

Los Boxtrolls

Song of the Sea

El cuento de la princesa Kaguya

Cómo entrenar a tu dragón 2

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Birdman, Alejandro G. Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr. y Armando Bo

Boyhood, Richard Linklater

Foxcatcher, Max Frye y Dan Futterman

El gran hotel Budapest, Wes Anderson y Hugo Guinnesy

Nightcrawler, Dan Gilroy

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

El francotirador, Jason Hall

The Imitation Game, Graham Moore

Puro vicio, Paul Thomas Anderson

La teoría del todo, Anthony McCarten

Whiplash, Damien Chazelle

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA

Ida

Leviatán

Mandarinas

Timbuktu

Relatos salvajes

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

El gran hotel Budapest, Adam Stockhausen y Anna Pinnock

The Imitation Game, Maria Djurkovic y Tatiana Macdonal

Interestelar, Nathan Crowley y Gary Fettis

Into the Woods, Dennis Gassner y Anna Pinnock

Mr. Turner, Suzie Davies y Charlotte Watt

MEJOR FOTOGRAFÍA

Birdman, Emmanuel

El gran hotel Budapest, Robert Yeoman

Ida, Lukasz Zal and Ryszard Lenczewski

Mr. Turner, Dick Pope

Invencible, Roger Deakins

MEJOR VESTUARIO

El gran hotel Budapest, Milena Canonero

Puro vicio, Mark Bridges

Into the Woods, Colleen Atwood

Maléfica, Anna B. Sheppard y Jane Clive

Mr. Turner, Jacqueline Durran

MEJOR MONTAJE

El francotirador, Joel Cox y Gary D. Roach

The Imitation Game, William Goldenberg

Whiplash, Tom Cross

El gran hotel Budapest, Barney Pilling

Boyhood, Sandra Adair

MEJOR EFECTOS VISUALES

Capitán América: El soldado de invierno, Dan DeLeeuw, Russell Earl, Bryan Grill and Dan Sudick

Interstellar, Paul Franklin, Andrew Lockley, Ian Hunter y Scott Fisher

Guardianes de la Galaxia, Stephane Ceretti, Nicolas Aithadi, Jonathan Fawkner y Paul Corbould

X-Men: Días del futuro pasado, Richard Stammers, Lou Pecora, Tim Crosbie y Cameron Waldbauer

El amanecer del planeta de los simios, Joe Letteri, Dan Lemmon, Daniel Barrett y Erik Winquist

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

Foxcatcher, Bill Corso y Dennis Liddiard

El gran hotel Budapest, Frances Hannon y Mark Coulier

Guardianes de la Galaxia, Elizabeth Yianni-Georgiou y David White

MEJOR EDICIÓN DE SONIDO

Birdman, Martin Hernández y Aaron Glascock

El francotirador, Alan Robert Murray y Bub Asman

El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos, Brent Burge y Jason Canovas

Interstellar, Richard King

Invencible, Becky Sullivan and Andrew DeCristofaro

MEJOR MEZCLA DE SONIDO

El francotirador, John Reitz, Gregg Rudloff y Walt Martin

Birdman, Jon Taylor, Frank A. Montaño y Thomas Varga

Interstellar, Gary A. Rizzo, Gregg Landaker y Mark Weingarten

Invencible, Jon Taylor, Frank A. Montaño y David Lee

Whiplash, Craig Mann, Ben Wilkins y Thomas Curley

MEJOR BANDA SONORA

El gran hotel Budapest, Alexandre Desplat

The Imitation Game, Alexandre Desplat

Interstellar, Hans Zimmer

Mr. Turner, Gary Yershon

La teoría del todo, Jóhann Jóhannsson

MEJOR CANCIÓN

Everything is awesome de La LEGO película, Shawn Patterson

Glory de Selma, John Stephens y Lonnie Lynn

I’m not gonna miss you de Glenn Campbell: All be me, Glen Campbell y Julian Raymond

Lost stars de Begin Again, Gregg Alexander y Danielle Brisebois

Grateful de Beyond the Lights, Diane Warren

MEJOR DOCUMENTAL

Citizenfour, Laura Poitras, Mathilde Bonnefoy y Dirk Wilutzky

Finding Vivian Maier, John Maloof y Charlie Siskel

Last Days in Vietnam, Rory Kennedy y Keven McAlester

La sal de la tierra, Wim Wenders, Juliano Ribeiro Salgado y David Rosier

Virunga, Orlando von Einsiedel y Joanna Natasegara

MEJOR CORTOMETRAJE

Aya

Boogaloo and Graham

Burter Lamp

Parvaneh

The Phone Call

MEJOR CORTO DOCUMENTAL

Crisis Hotline

Joanna

Our Curse

The Reaper

White Earth

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO

The Bigger Picture

The Dam Keeper

Buenas migas

Me and My Moulton

A Single Life

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ROD TAYLOR: Un chico duro simpático, por Francesc Mazón Camats

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Nacido Rodney Stuart Taylor en Sidney, Australia, un 11 de Enero de 1930, murió pocos días antes de su cumpleaños, el 7 de Enero de 2015.

Fue el segundo actor australiano, después de Errol Flynn en conseguir acceder a una sólida carrera en Hollywood en los turbulentos finales de los cincuenta/primeros sesenta. Considerado por la industria el prototipo de guapo duro y algo estólido, a pesar de su innegable encanto  y una apostura risueña que compensaba su empaque de fornido boxeador.

Su carrera empezó en su país natal en pequeños papeles, obteniendo sus primeros éxitos en la radio, gracias a su magnífica voz y su habilidad para los acentos (australiano/ americano o británico) cualidad que casi nunca pudimos apreciar en nuestro país. De hecho toda una generación lo reconoce en la voz original de Pongo, el prota  de “101 Dálmatas”.

En una escala en Los Ángeles camino de Londres, consigue trabajo (no acreditado) en un par de films, lo que abre su acceso a los estudios de Hollywood, el año 1956 con tres films de carácter (y acentos) diversos: “The Catered Affair” comedia costumbrista, neorrealista, ambientada en Brooklyn, como novio clase media de una chica working class Debbie Reynolds, con madre trabajadora Bette Davis (papel robado a Thelma Ritter). Siguió como el pretendiente de clase alta de una joven Liz Taylor en el culebrón de lujo Gigante y continuó con el accidentado y larguísimo rodaje de “El Árbol de la Vida” de nuevo con la Taylor, como némesis odiosa del pobre Monty Cliff (aquí con acento sureño), otra novela rio inacabable y pretenciosa.

Después de intervenir en un drama serio “Mesas Separadas” y una comedia “Ask Any Girl” con la adorable Shirley McLaine, llega su pasaporte a la fama, como el protagonista H.G.Wells de “The Time Machine”El Tiempo en sus manos– ciencia ficción de serie B, al lado de una actriz, hoy olvidada, Yvette Mimieux. Película convertida en un pequeño clásico y film de culto, su film preferido.

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La década de los 60s confirma su categoría de galán protagonista con éxitos como “Los Pájaros” del gran Hitchcock, su film más conocido , “Un Domingo en New York” junto a una ascendente Jane Fonda, un par de comedias rosa con Doris Day o un film de acción brutal “The Mercenaries”- Último Tren a Katanga- ambientado en la guerra civil de CentroAfrica. Su versatilidad parecía probada pero el desorientado Hollywood de la época solo veía en él, a un macho fornido y rudo.

A principios de los 60s, Rod acepta trabajar para la TV. ABC, en una serie que se mantuvo dos temporadas 60/61 (y se estrenó en nuestros hogares de Blanco y Negro hacia 1964). Rod Taylor era el periodista /corresponsal Glenn Evans, investigador en una éxotica colonia inglesa: Hong Kong acompañado por el muy inglés inspector Campbell (Lloyd Bochner) y la Ginger Rogers china, Mai Tai Sing. Serie extremadamente popular (toda una generación de adolescentes se enamoraron del risueño Rod). En algunos episodios de su segunda temporada, apareció una fascinante actriz euroasiática:  France Nuyen, de la que se enamoró el actor y con él bastantes espectadores. La magnífica banda sonora, una mezcla original de jazz y orientalismo de Lionel Newman, sigue imborrable en nuestro cálido recuerdo.

La segunda mitad de los sesenta supuso su mejor momento y mis títulos preferidos del actor. En 1965 acepta un papel, en principio inadecuado, el del dramaturgo irlandés Sean O’ Casey en Young Cassidy – El Soñador Rebelde- junto a unas maravillosas y aún desconocidas, Julie Christie y Maggie Smith. Iniciado el rodaje por John Ford (era un proyecto muy querido por el maestro) quien abandonó el rodaje por enfermedad y acabó el film, dignamente, el operador Jack Cardiff. Rod demostró que masculinidad no estaba reñida con sensibilidad, ofreciéndonos el que quizás sea su mejor trabajo.

En 1967, produce, colabora en el guión e interpreta un western absolutamente atípico Chuka de Gordon Douglas, crepuscular, claustrofóbico y desesperadamente romántico. En el film, Rod un héroe sombrío y circunspecto se sacrifica y redime por el amor de una mujer (una inesperada y estupenda Luciana Paluzzi, olvidada actriz sexy, en su mejor momento). Una pequeña joya maldita que merece su revisión.

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Acabará la década con la filmación en el Valle de la Muerte del primer film americano del gran Antonioni: “Zabriskie Point“, absolutamente despreciado por la crítica de la época, supuso el inicio de la caída del maestro. En el film, Rod era el contrapunto sólido (y capitalista!) de una pareja de hippies nihilistas (algo despistados) con los hermosos rostros de Daria Halprin y Mark Frechette. El tiempo ha resituado al film, la voladura a cámara lenta de todos los iconos de la sociedad de opulencia y consumo, considerado entonces un ingenuo mensaje, es hoy una imagen emblemática del psicodelismo y el abrupto final del sueño lisérgico de los 60s.

En los 70s su carrera (¡y la de tantos otros!) se difumina entre títulos olvidables, refugiándose en la TV y abandonando prácticamente el cine en los 80s.

Tarantino, admirador del actor, en su labor de recuperación vintage, le ofrecerá su último pape: un cameo como Wiston Churchill (¡de nuevo su magnífico acento british!) en “Inglourious Basterds” del 2009.

Un recuerdo entrañable para un actor sólido y amistoso que nos deleitó tantas tardes desde el televisor y en las grandes pantallas de un tiempo desaparecido.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

EL REI LEAR: Desafío para una gran actriz, por Francesc Mazón Camats

(Rueda de prensa: TEATRE LLIURE, 2015-01-09 – 12:00 h)

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El Teatre Lliure nos propone escalar una cumbre “El Rei Lear“ con la gran Núria Espert  al frente. Ante la crisis y el desánimo inacabable, montar una obra considerada inaccesible para algunos o un desafío peligroso para otros: La tragedia de la ingratitud filial, la vejez, la locura y la muerte, según William Shakespeare; solo puede ser considerado un paso de madurez y grandeza, para los admiradores del Lliure.

Con 25  intérpretes y otros tantos colaboradores técnicos/artísticos, esta tragedia de múltiples capas, zénit de toda una carrera teatral en el ámbito anglosajón: Olivier, Redgrave, Gielgud… parece para Lluís Pasqual una meta adecuada para una de nuestras insignes actrices: Núria Espert, La Espert.

Lluís Pasqual toma la palabra, en una concurrida rueda de prensa, como director y también adaptador (según él, tan solo para acortar en lo posible la magnífica traducción de Joan Sellent, dejando el original en 2h 40’), se extiende como un erudito apasionado en la dificultad de abarcar esta Catedral dramática y encontrar el punto exacto del dolor, más cercano, para él, a la emoción que transmite Bach, matemática, inteligente, sin lágrimas que a la grandeza de Beethoven.

Su propuesta nació de una especie de iluminación, substituir el  Eduardo De Filippo que estaba preparando, por esta tragedia oscura y terrible, nacida de un momento de error, fruto de la vanidad y la adulación, tan cercano a muchos que estamos viviendo. Eso sí, siempre que pudiese contar con la Espert como Lear, sin ella no había Lear!

Nuria Espert a su lado asiente, llena de temor y dudas al principio, aceptaría si encontraba un equipo de intérpretes espléndido junto a ella para intentarlo. Afortunadamente todo parece haberse conjurado a favor, alrededor de ambos, 7 magníficos: Marcel Borràs, Jordi Bosch, Míriam Iscla, Teresa Lozano, Ramon Madaula, Òscar Rabadán y Andrea Ros, en representación  de otros tantos ausentes por motivos de trabajo (¡afortunadamente!).

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Un arco temporal espléndido que iría desde la veteranía de la magnífica y muy querida Teresa Lozano como el Bufón, hasta la brillante y prometedora Andrea Ros ( transparente mirada cristalina que me recordó a la gran Vanessa Redgrave – Cordelia, también, junto a su padre Michael en la que fue su despedida teatral).

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Núria Espert se enfrenta al desafío, después de su Hamlet y su Próspero, a lo largo de más de medio siglo de extensísima carrera. Con profundidad, no exenta de ironía y a ratos, insospechada sinceridad, lejana a divismos, nos convence  que fue la lectura de esta admirable traducción al catalán, lo que la animó a volver a actuar en su lengua materna y aceptar este arduo ascenso. ¿Una cumbre final?, preguntó un temerario crítico… “mientras me sigan llamando y proponiendo estas obras, no me sacan del escenario ni los Geos!” estupenda Núria…

Shakespeare observa a toda esta compleja, contradictoria y autodestructiva humanidad, sin juzgar a sus personajes. Así ese espejo roto por un acto de vanidad, según la actriz, que arroja a Lear a la oscuridad, al dolor y a la muerte; podrá encontrar poesía en la desolación y algo de paz espiritual tras tanta crueldad insoportable.

Estupenda rueda de prensa, a la que el resto de actores poco pudieron añadir a la sabiduría y pasión de estas dos bestias teatrales: Pasqual / Espert.

Estreno el próximo día 15 de Enero, para una temporada limitada que no podrá girar con estos excelentes mimbres. Expectantes ante lo que parece una de las joyas teatrales de la temporada.

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NOTA:

Las fotografías oficiales de “El Rey Lear” son autoría del maestro ROS RIBAS para el Teatre Lliure.

Las fotografías de la rueda de prensa, son autoría y propiedad de ISABEL BUSQUETS para CineT Farö.

PABLO DERQUI: Actor de emociones, por Yolanda Aguas

Es amable, agradable en el trato que envuelve con su preciosa voz.  No le conocía personalmente, pero fue verle y de inmediato me gustó.  Otras veces no sucede eso: llegas para entrevistar a alguien a quien admiras y descubres que esa atracción profesional no se extiende a la personal.

Pablo Derqui llega a Zaragoza para representar – en el Teatro de las Esquinas – la obra dirigida por Andrés Lima, “Desde Berlín”, junto a la magnífica actriz Nathalie Poza.

Y desde estas líneas confesamos que ya se ha unido a los actores que amamos de verdad: Peter O’Toole, Daniel Auteuil, Jeff Bridges, Kevin Spacey, Jeremy Irons, Josep María Pou, Eduard Fernández, José María Rodero, José Bódalo, José María Prada…

Pablo Derqui ha llegado… y lo ha hecho para quedarse.

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En su “Paradoja del comediante”, Diderot decía que “un actor no debe sentir nada, son los espectadores los que deben sentir”.  ¿Estás de acuerdo?

Yo personalmente tiendo a pensar un poco así.  Quizás otros compañeros pensarán de otra manera.

Me gusta pensar que el que tiene que emocionarse en el teatro es el espectador y no tanto el actor.  Es cierto que cuando tú tiendes a repetir o a fingir muchas veces, porque los actores no dejamos de ser fingidores (sonríe…), una emoción durante bastante tiempo… al final acabas supuestamente sintiéndola o padeciendo las consecuencias como si eso lo hubieses sentido de verdad.  Eso sí que es cierto.   Tú finges que estás muy triste durante unas cuantas horas y acabas estando jodido al final (se ríe…), pero precisamente por la repetición.

A mí me gusta pensar que los actores somos deportistas de la emoción.  Al fin y al cabo las emociones, o lo que nos lleve a sentirlas no dejan de ser músculos, son músculos emocionales.  Somos gente que ejercita el músculo emocional, y claro… es poco inteligente padecerlo de verdad porque acabarías muy hecho polvo.

En este caso, en “Desde Berlín”, salimos tocados al final de la función, es cierto… pero es más catártico que otra cosa.  Estás relajado, pues eso sí que daría la razón a esta manera de pensar.

¿Qué es para ti el teatro? ¿Cómo lo definirías?

Me gustaría decir que es un acto ceremonial.  Se crea cierta liturgia extraña.  El actor es diferente con público que sin él, pero muy diferente…  No sé qué tipo de conexión se genera, ni qué tipo de cosas se nos ponen en marcha a los actores cuando hay público, pero sí es cierto que es muy diferente.  Del mismo modo que para una persona cuando está en un teatro, pasa de ser una persona a ser público.  Y la sugestión que vive en el día a día es muy diferente a la que tiene o siente en un teatro.  Se crean magias, se crean sinergias diferentes.  Sí, tiene algo de litúrgico y eso es lo que lo hace mágico.

Debido a tus trabajos en televisión, “El síndrome de Ulises”, “Ventdelplá”, “Hispania” o, más recientemente, tu magnífico  Enrique IV de Castilla en la serie “Isabel”, eres un actor muy conocido, más popular.   Yo sé que normalmente todavía puedes pasear por Barcelona muy tranquilo, nadie te molesta por la calle… pero es evidente que ya debes sentir el cariño del público. 

¿Te agrada ese reconocimiento? Y, quizá, ¿ser también respetado por tu trabajo?

Yo siento que existe una diferencia fragrante entre la televisión y el cine o el teatro…  Más en concreto con la televisión.  Si uno hace un personaje que llega o que se ve mucho es exponencial la cantidad de gente que te ve en la televisión.  Es muy grande la diferencia con el teatro.  Desde que he hecho más televisión he notado más que la gente me dice cosas cuando me ve en la calle.  Y cuando se te reconoce el trabajo, es cierto que es muy, muy agradecido porque al fin y al cabo tú trabajas para ganar dinero, sí…para pagar el alquiler y tal, pero sobretodo – y eso lo he descubierto ahora – para que la gente te diga que le gusta tu trabajo.  Lo haces para que la gente se emocione.

Retomando lo de antes, a mí me gusta trabajar mi músculo emocional pero para que el que se emocione de verdad sea el público.  Y cuando te lo reconocen por la calle es un subidón, es decir “¡Hostia¡ vale la pena que yo siga haciendo esto porque de repente todo es armónico ¿no?”.  Luego también hay otra cosa que sí, que hay reciprocidad en positivo pero también la hay en negativo.  Uno cuando está expuesto sabes que inevitablemente también le vas a caer mal a mucha gente, y eso también lo he notado.  He notado que le caigo bien o que le interesa mi trabajo a mucha gente y a otros no sólo no les gusta sino que lo detestan…

O simplemente sienten envidia, que es parte de la condición humana…

Me da igual ¡eh¡, porque eso ya sería justificarlo.  Pero es cierto que uno cuando más se expone, más recibe.  Para bien o para mal.

Pues ahora me gustaría contarte una cosa: hace unos meses entrevisté a Josep María Pou.  Durante aquella inolvidable y preciosa hora de conversación con él me atreví a preguntarle que me indicara aquellos actores que, en la actualidad, él consideraba unos maestros.  Me citó a Josep María Flotats, José Luis Gómez y Miguel Rellán… y luego añadió: Me gustaría poderte dar nombres de actores más jóvenes….  De todas maneras me atrevo a darte el nombre de un actor joven (de las últimas generaciones) que hace mucho teatro, ha hecho algo de televisión, no es demasiado conocido quizá todavía y que yo creo que es un actor sublime:  Pablo Derqui.  Es un actor que en Barcelona ha hecho unos trabajos brutales, es un actor que a mí, cada vez que le veo, me pone la piel de gallina y eso para mí significa algo, me indica que es un grandísimo actor

¡Madre mía¡ Gracias…  que lo diga este hombre…  Gracias…

Antes de comenzar la entrevista te he comentado que me gustaría mucho que me hablaras de tu trabajo junto a Eduard Fernández en la serie “Pere Casaldàliga”.  La serie basada en el libro que Francesc Escribano escribió “Descalç sobre la terra vermella”, Premio Gaziel de 1999, en el que habla de la vida difícil y ejemplar del obispo y poeta catalán en la comunidad brasileña de São Félix do Araguaia, en la selva del Mato Grosso.

Hace poco volví a ver un encuentro que ambos tuvisteis entorno a vuestra común interpretación del Roberto Zucco de Koltés, y que me parece una delicia para el espectador que ama el teatro.  En esa serie trabajas también con una actriz que en CineT Farö adoramos: Mónica López.

De entrada, y mucho antes de conocerle,  a Eduard ya le admiraba mucho por su trabajo. Creo que es un actor con mucha veracidad en su manera de hacer.  Sé que puede sonar a repetir tópicos, pero es lo que siento de verdad.  Lo admiro y me encanta siempre verle trabajar.  Tuve la suerte de poder interpretar un personaje mítico que él hizo antes y que fue un pelotazo, el primer éxito que él tuvo…

Sí, su Roberto Zucco en el Teatre Lliure en 1993

Sí, y dirigido por Lluis Pasqual.

A un periodista, se le ocurrió que Eduard y yo nos encontráramos y habláramos de nuestra experiencia al interpretar el testamento teatral de Koltés.  Simplemente el hecho de compartir esto con él fue muy bonito.  Pero antes tuvimos la oportunidad de conocernos mucho más cuando rodamos “Pere Casaldàliga” en Brasil.  Nos fuimos al Mato Grosso, en medio de la nada, donde todavía reside este misionero que allí está considerado como un santo y que interpretó fantásticamente Eduard Fernández.

Allí pude disfrutar del trabajo de Eduard y, sobretodo, nos conocimos mucho más a nivel personal.  Eduard es alguien muy apasionado con lo que hace y eso es algo admirable.  Yo me ponía cerca de él para ver si se me “pegaba algo” (sonríe…).  Es alguien que se deja el alama.  Para ponerte un ejemplo, Casaldàliga era mucho más flaco que él en ese momento, y él tenía que perder mucho peso, pero de una manera bárbara.  Imagínate que, en Brasil y con 40ºC,  se ponía bolsas de basura debajo del vestuario, tomaba té e infusiones cada dos por tres, líquido y líquido…  y perdió como 15 ó 20 kilos, ¡fue una barbaridad¡  Es alguien que se toma el trabajo así de apasionadamente.
Y así consigue las cosas que consigue… Ha sido un placer disfrutar con él.

Y luego Mónica López, que también es una actriz fantástica y pude compartir muchos momentos con ella.  Estuvimos dos meses y medio perdidos de la mano de Dios, a diez horas en autobús de la civilización, y por eso tuvimos tiempo de hablar y compartir cosas del trabajo y de la vida.  Mónica es una actriz con un gran recorrido y con una amplia capacidad.  Tiene un amplio registro, además de ser super bella.  Una de las cosas que dice mucho a su favor es que, ella es canaria…

Y habla perfectamente catalán…

¡Y hace teatro en catalán¡ Eso dice mucho de ella porque los catalanes son muy suyos con su teatro… ya sabes  … (nos reímos… y pensamos: “y cuánto nos gusta el teatro que hacen”)

Pues ella es una de las referentes actuales del teatro en Cataluña.

Pablo, felicidades por tu reciente Premio Butaca por la obra L’orfe del clan dels Zhao” (El huérfano del clan de los Zhao)  dirigida por Oriol Broggi.

¡Muchas gracias¡

Te espera pronto un nuevo trabajo junto a él, Una jornada particular, junto a Clara Segura…

Otra que tal…

Sí… ¡otra¡ 

¿Oriol es el director que mejor te comprende o el que mejor te va comprendiendo?

(me mira y sonríe ampliamente…)

Repetir, ya sabes lo que significa… (nos reímos) puede ser una relación tan potente como la que, por ejemplo, tienen Andrés Lima y Nathalie Poza…

Bueno… ¿quién sabe?  Las relaciones con los directores son diferentes.  Cada uno es diferente, se crean relaciones muy curiosas de amistad que rayan la familiaridad “amigo-familia”.   Con Oriol nos hemos hecho muy amigos, nos hemos entendido mucho y a mí es un director que me interesa porque está haciendo un tipo de teatro que a mí me gusta.

No es que yo vaya a trabajar siempre con él, no tengo ni idea… pero también él me está reconociendo el trabajo, proponiéndome textos que también me interesan mucho.  Tanto Oriol, con el que me gusta trabajar,  como con las propuestas que me hace.   Un actor es él mismo pero también los papeles que consigue.  O sea, yo puedo hacer trabajos buenos pero gracias a papeles buenos, y Oriol me los está proponiendo.

De todos los personajes que has interpretado, ¿has tenido la necesidad de juzgar a alguno de ellos? O ¿tu forma de enfrentarlos ha sido siempre con comprensión?  Y ya te hago otra pregunta, en la vida ¿estás liberado de juzgar a los demás?

¡Jo¡ …  (me mira riendo…)

Sí…  (nos reímos mucho por mi última pregunta)

En el trabajo sí que evidentemente, con algunos más que con otros, hay personajes que sin querer te vienen los prejuicios.  Estaba pensando precisamente ahora en el Roberto Zucco del que hablábamos antes.  Éste es un personaje complicado a nivel moral, es un asesino en serie y que Koltés sitúa en el centro de su obra y le pone como protagonista de esta elegía, es un héroe en el Roberto Zucco, y claro… justificar a un asesino en serie es muy complicado.  Sobre todo este tío que tiene un referente histórico real, si bien no es tal cual porque Koltés lo toma como excusa y hace un canto alegórico al sinsentido de la vida.  Pero sí, es un personaje real con víctimas por el camino, dejó viudas, etc.  Al principio yo tuve muchos reparos porque tenía que defenderle, y en este caso lo que hice y lo que tiendo a hacer en muchos casos cuando me asaltan algunos reparos, es seguir la partitura o enamorarme del texto.  Si te gusta el texto es por alguna razón y entonces debes centrarte básicamente  en lo que quería contar el autor a través de ese personaje, que quizá pueda ser reprobable a nivel moral, pero despreocuparte de todo eso y seguir la partitura, que es lo que hice con Roberto Zucco.

¿En la vida?  No, no…  yo tengo prejuicios como creo que casi todo el mundo.  Me parece natural que todo el mundo los tenga.  La cuestión es cómo lo llevas ¿no?  Cómo los gestionas, que la gente actúe prejuiciosamente me parece un error.  Como decíamos antes, en mi caso estando tan expuesto, más expuesto que una persona de la calle que no trabaja en el teatro, cine o televisión, me tengo que comer los prejuicios que puedan tener conmigo.  No lo justifico pero lo entiendo.  Yo intento no tenerlos, pero los tengo.

Pablo, ¿qué es actuar para ti? ¿Una pasión, una forma de terapia o sólo un trabajo?

Es… sólo un trabajo, ¡que me apasiona¡  Y a veces me resulta bastante gratificante a nivel moral, psicológico sí… , pero es un trabajo.

Y como todos nos movemos entre las luces y las sombras, ¿esta faceta tuya de actor te permite caminar mejor en las zonas oscuras que puedas tener?

¡Sin duda¡ No sé si para bien o para mal, pero ¡sin duda¡  Sí, sí… las exploro y las transito todo lo que puedo y más.

A mí me suelen dar personajes “oscuritos” siempre, y en un principio yo tenía como reparos y pensaba: “pero ¿porqué? ¡coño¡”  Yo quería ser un ídolo de adolescentes. (se ríe…)

¿Te gustaría hacer comedia?

¡Por ejemplo¡  Sí, además la comedia también tiene muchísimas sombras.  De hecho, cuantas más sombras tiene la comedia mejor es.  Yo pensaba al principio: “¡joder¡ ¿yo nunca voy a tener éxito entre los adolescentes, ni ser galán de moda? ¿No se van a enamorar de mi las mujeres?”…

(me hace reír mucho…, me gusta su sentido del humor)

Y ya… ¡desistí¡  Y ahora mismo me doy cuenta que es un valor, es una suerte que me surjan personajes que tengan más claroscuros que claros, o que tengan las dos cosas por igual.  En lo claroscuro está siempre lo más interesante, precisamente.

¿Hay algo que te incomode de tu profesión?

Sí, hay muchas cosas.  De entrada, y ahora que se habla tanto de eso, el pánico escénico.  Es algo que yo tengo muy presente.  Pasa mucho ¡eh¡  Antes de entrar en escena, sientes un terror muy curioso.  Con el tiempo te acostumbras a él, pero no se te pasa, te acostumbras.

Esta es una de las cosas que más me incomoda, puede ser… sí.

Hablando con un compañero hace un tiempo, me contaba que es común también en actores que pueden haber llevado cuarenta años de profesión ¡o más…¡ que de pronto les sobrevenga esto: el pánico escénico.  Puedes pensar “no puede ser”, pues sí… somos humanos.

¿Cómo es tu “media hora” antes de salir a escena? La famosa media hora… ¿Tienes algún ritual o no?

Sí, yo tengo mi hora.  Es una hora que la tengo medida.  Tengo que entrar una hora antes al escenario en el que vamos a hacer la función y tengo que hacer mis estiramientos, que tienen que ser siempre los mismos y con su orden determinado.  Yo soy muy consciente de que no tiene ningún sentido, pero es más mental que otra cosa.

Estiro siempre el cuerpo con el mismo orden, después ejercito la voz, y después paso el texto entero de la función corriendo…  en la escena.  Y entonces ya puedo hacerla tranquilo.  Y si no lo hago, estoy bastante inquieto.

Pablo, ¿quiénes son tus actores de referencia? ¿En quiénes te has mirado o te han aportado más enseñanza?  Y no me refiero sólo a aquellos con quienes hayas tenido contacto personal…

Hay muchísimos actores que me muestran cosas de las que yo tengo que aprender, me doy cuenta…

Claro, los más inmediatos son con los que yo he trabajado y que he admirado más de cerca.  En el cine hay muchísimos…

Eduard Fernández es un actor que admiro.  El fallecido Philip Seymour Hoffman, ¡Dios mio,  vaya pedazo de bestia como actor¡  Son gente que transmite una tranquilidad, una paz interior a la hora de hacer que hace lo complejo aparentemente super simple.  Tú los ves actuando y esos son los que realmente me fascinan.

El otro día, por ejemplo, estaba viendo de nuevo “Lolita” de Kubrick.  Es una de mis películas favoritas, y James Manson me parece un actorazo.  En un principio me daba tirria porque me parece un British y tal… pero hay unas escenas…   Hay una en concreto de “Lolita” que es cuando él – que está casado con Shelley Winters, ¡otra actriz increíble¡, y le dice que se quiere casar con él y él está deshecho porque se llevan a la niña de excursión y no sabe si la volverá a ver…  La escena empieza con él llorando, le llega la carta de amor de que se quiere casar y entonces es como la oportunidad de volver a ver a la niña… y entonces acaba riendo.  Esa escena es un ejemplo de maestría interpretativa.

Y casi para terminar, Pablo, no quiero entretenerte demasiado…

No… es un placer hablar contigo, ¡es un gusto¡

Ya tendremos tiempo más adelante, espero…  En San Sebastián, cuando vayas a la Sección Oficial para defender alguna película y te vea en la rueda de prensa en el Kursaal.  Nathalie ya estuvo allí con “Malas Temporadas”…

¡Ah, vale… eso¡  ¡Dios te oiga¡

(reímos…)

Ya como espectador, no tanto como actor, ¿qué textos son los que más te llegan? ¿Qué autores están más cerca de ti?

Igual yo me siento más cercano a autores costumbristas.  Yo suelo ser muy ecléctico, pero por inercia lo primero que me sale es Mike Leigh.   ¿Te refieres a autores teatrales?

Sí…

Me viene a la cabeza un texto emblemático, aunque hay muchos, de verdad hay tantos…

Tengo en la cabeza un texto que para mí ha sido una piedra de toque en mi vida teatral, y es “Unas voces” (Some voices) de Joe Penhall, dramaturgo inglés.  Habla de la esquizofrenia, es una historia preciosa sobre un personaje que es esquizofrénico, de la que creo hay también una película que la hizo Daniel Craig basada en la obra de teatro de Joe Penhall.

Habla de la esquizofrenia pero desde el costumbrismo un poco afectado que luego acaba siendo abrumador.  Es tremendo, cuanto menos carga o cuanto menos se le nota el interés efectista al autor, yo creo que es más punzante después para el espectador y en este caso, Joe Penhall lo hace con esta obra.

Yo tiendo a pensar que, de entrada, el costumbrismo que aparentemente no quiere contar nada y nos la cuela.  Como cuando notas la intención de los autores… ¡ay¡

Hace como un año y medio, Héctor Alterio me hablaba de la suerte que él había tenido en su larga carrera porque había tenido a grandes mujeres a su lado.  Bromeaba y mencionaba que estar entonces con Lola Herrera y Magüi Mira era casi como “tener un pequeño harem”.  Yo le dije inmediatamente que él había tenido “muchos harenes” y le puse ejemplos…

Tú tampoco puedes quejarte…  Nuria Espert, Nathalie Poza, Bárbara Lennie, Mónica López… y muy pronto, Clara Segura.  Compañeras de trabajo muy buenas…

¡Muy buenas¡ ¿Ves? Otra de las cosas que te contaba antes, una es un buen texto – que es el gran salario que podemos tener los actores – y unos buenos compañeros.

En este caso, Nathalie es más de la mitad de mi trabajo.  Ella es una tremenda actriz y es lo que hace que yo pueda crecer en escena.

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He tenido la suerte de poder hacerlo con compañeras muy buenas.

Próximamente trabajaré con Clara Segura, que me parece la atleta emocional número uno.  Y claro, son oportunidades para aprender más todavía.

¡Muchas gracias Pablo¡

Un placer… gracias a ti.

Mientras le veo alejarse, me vienen a la mente esos actores british que a él inicialmente le producen tirria…  y que yo creo se acercan, con respeto, -como presencias – para protegerle y hacerle el pasillo, sabedores que ahí va un gran actor.

Guardo mi grabadora, y pienso ya en el próximo encuentro con él para seguir disfrutando de su excelente conversación y de su agudo sentido del humor.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

ANTES DEL FRÍO INVIERNO (Dir. Philippe Claudel), por Yolanda Aguas

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Hace algunos años Philippe Claudel, con su primera película, deslumbró en el festival de Berlín, obteniendo, entre otros,  el Premio del Jurado y recibiendo elogios por la gran interpretación de Kristin Scott Thomas (sin duda de las mejores de su carrera). Se trataba de la magnífica  Hace mucho que te quiero (Il y a longtemps que je t’aime, 2008), un drama sobre las secuelas de una mujer tras pasar 15 años en la cárcel.

De todos es sabido que Kristin Scott Thomas, que vive desde su juventud en París, habla un francés perfecto.  Había trabajado ya en el film La doublure (Francis Veber, 2006), junto a Daniel Auteuil.  En Antes del frío invierno (2013), Scott Thomas vuelve a reunirse con Auteil bajo las órdenes de Claudel, formando una pareja maravillosa ya que ambos son dos actores a los que admiramos en CineT Farö.

La película arranca en parte de un encuentro que viene a trastocar el acomodado matrimonio entre Paul (Auteuil) y Lucie (Scott Thomas).   Paul ha alcanzado todas las metas que se propuso en su juventud. Cirujano respetado, lleva una vida familiar perfecta junto a su bella esposa tras más de una década de matrimonio. Sin embargo, ramos de flores empiezan a llegar compulsivamente a su casa y Paul descubre que una ex paciente suya, Lou, de 20 años, se ha obsesionado con él. La irrupción de esta chica comienza a hacer mella en la relación con su mujer mientras se da cuenta de que su vida conyugal no era tan perfecta como pensaba.

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Claro exponente del género melodramático, con los secretos y confesiones que le suelen identificar. Claudel y el director de fotografía Denis Lenoir ruedan las escenas en pocos o únicos planos, renunciando a menudo al primer plano y recurriendo al travelling, no tanto para acompañar el movimiento físico de los actores como para reflejar el movimiento interno que ellos reprimen. La música es envolvente, lo que contribuye a crear esa atmósfera intimista tan característica del cine francés.  Es una película de miradas y gestos.  No hay gritos, ni malas formas…  Los silencios, ya sabemos, pueden hacer más daño que una voz alta.

Son importantes en esta película los personajes secundarios, muy importantes… historias paralelas entre el hijo del matrimonio y su pareja o entre el compañero del protagonista y su mujer. Es decir, se emplean personajes secundarios para alimentar el conflicto que realmente interesa al director, Philippe Claudel: el interno, no el externo.

Antes del frío invierno es una película donde lo que no se dice adquiere gran importancia, donde las miradas son sentencias.  Sólo observen la escena final, en la que (una deslumbrante) Kristin Scott Thomas lo dice todo con su mirada.

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NOTA: Las fotografías oficiales insertadas en este post son propiedad de sus autores.