LA VIDA DE LOS OTROS (Dir. Florian Henckel von Donnersmarck), por Yolanda Aguas

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La vida de los otros, película alemana del año 2006, es una historia que empieza situándonos en la antigua República Democrática de Alemania (RDA), concretamente en el Berlín del año 1984, cuando la policía política (la Stasi) controlaba la vida de los alemanes.

Un cuerpo de policía temido y con poder absoluto, capaz de espiar e incriminar a aquellos ciudadanos supuestamente contrarios al régimen. Entre los miembros de dicho cuerpo, está Gerd Wiesler (Ulrich Mühe) el protagonista principal de “La vida de los otros”.

Gerd es un convencido comunista y oficial de la Stasi. En uno de los cursos de seguridad que imparte con Anton Grubitz, su superior, recibe el encargo directo del ministro de cultura de espiar al conocido dramaturgo Georg Dreyman (Sebastian Koch).  Con el paso de los días, Gerd se da cuenta de que Dreyman quizá no es el personaje subversivo que le han vendido, sino más bien un hombre culto y sencillo que vive con su novia, la actriz Maria Sieland.

Un día observa como un amigo de Dreyman le regala un libro que este devora con avidez. Preso por la curiosidad, en una inspección sustrae el libro sin dejar pistas y se pone a leerlo. Es un libro de Bertolt Brecht, y Gerd queda fascinado…  

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La película, basada en hechos reales, emociona por la transformación interior y el camino de redención emprendido por varios de los personajes. Escuchar a la propia conciencia y actuar en consecuencia puede costar la vida. Y, por eso, este hacer el bien auténtico y comprometido que ofrece La vida de los otros nos sobrecoge y nos recuerda la grandeza que está en la mano de cualquier ser humano.

La trama argumental es brillante, con una magistral producción de ambientación  lo que – junto al ritmo narrativo-  hacen que las más de dos horas de duración de esta película pasen sin apenas darnos cuenta.

El trabajo de los actores es deslumbrante: Ulrich Mühe, consigue transferir a su Gerd Wiesler una extraña combinación entre policía duro y hombre bueno que nos dejó conmovidos.

También asalta el amor, despojándolo de sus secretos y exhibiendo sin piedad sus costuras. Lo hace desde la oscuridad y el silencio, manejando los hilos con exquisitez y artillando un discurso temible que podría resumirse en aquello que se encontró Dante a las puertas del infierno: “Abandonad toda esperanza al traspasarme”.

Das Leben der Anderen (título original de la película),  logra una construcción de esa atmósfera agobiante en lo que incumbe a los personajes principales;  acompañada por una perfecta banda sonora,  bien utilizada para puntear el tono de la narración.

Gran película, que cuenta además con el trabajo de un actor que siempre me ha fascinado: Sebastian Koch.

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NOTA: 

Las fotografías oficiales de la película son propiedad de sus autores.

Las fotografías de Sebastian Koch (realizadas durante su presencia en el Festival I. Cine de San Sebastián en 2013), son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

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LAS GUERRAS CORRECTAS (Autor y Dir. Gabriel Ochoa), por Yolanda Aguas

“No es en la historia universal, como proclaman los filósofos,  

donde se encuentran la norma y el orden establecido,

sino en las vivencias de cada individuo”.

Arthur Schopenhauer

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El pasado mes de septiembre de 2014, durante la rueda de prensa de la película “Lasa y Zabala” del director Pablo Malo en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, tuve la oportunidad de formular una pregunta al gran actor catalán Francesc Orella (que interpreta en la película al General Galindo, máximo responsable del cuartel de la Guardia Civil en Intxaurrondo en los duros años de lucha contra ETA).

Cinet-Farö: Francesc, usted siempre nos tiene acostumbrados a grandes interpretaciones. ¿Este trabajo le ha exigido un mayor esfuerzo para poder mirar a su personaje con más comprensión que a otros?

Francesc Orella: En principio la obligación del actor cuando se enfrenta a un personaje, sea real o sea ficticio –en este caso real-,  tienes un poco la responsabilidad para acercarte con más fidelidad a él.  En este caso, además había documentación gráfica suficiente como para tener más datos ¿no?-  pero el trabajo del actor, tanto si el personaje es real o no, es el mismo: nuestra obligación es meterse en la piel, intentar entenderlo, intentar entender la cabeza de este hombre, su estructura mental, un poco sus ambiciones, sus miedos, sus obsesiones… Ese trabajo es el mismo, tanto un personaje sea real o ficticio, lo que pasa es que yo era perfectamente consciente de que Galindo ha significado lo que ha significado en Euskadi y esto te da un poco de presión, pero al mismo tiempo es un reto y para mí ha sido muy apasionante hacer este personaje”.

Durante toda la función de “Las guerras correctas” – y conforme iba escuchando el magnífico texto de la obra- , iba recordando los acontecimientos de los que trata y el escenario social y humano en los que se desarrollaron.

Los protagonistas principales son Iñaki Gabilondo y Felipe González, además de los (falsos) secundarios Jordi García Candau, el entonces director de RTVE, y Alfredo Pérez Rubalcaba.  Las guerras correctas empieza con una voz en off que sitúa al espectador en un determinado contexto histórico. Los GAL estaban de plena actualidad en todas las noticias, y la sospecha de conexión entre esos grupos y el Gobierno socialista de Felipe González empezaba a ser algo más que un rumor.  García Candau tuvo la idea de hacer una serie de entrevistas a las principales figuras políticas del momento en España. El elegido para hacer esos programas, a pesar de su inicial precaución o duda, fue Iñaki Gabilondo. Felipe González y Alfredo Pérez Rubalcaba, intentaron que la entrevista no se centrara exclusivamente en los GAL, pero la firme personalidad del periodista no cedió ante sus presiones.

En los días previos al momento de la entrevista, se sucedieron diversas conversaciones entre periodistas y políticos hasta que las cámaras de tv estaban ya preparadas y listas para entrar en antena.  La entrevista se produjo en un ambiente tenso, en el que González se defendió y respondió tajante ante las inteligentes e incisivas preguntas del magistral periodista. Este es, precisamente, el momento más intenso de la obra y a partir del cual la función adquiere una mayor dimensión.

El  Presidente González se ha visto contra las cuerdas y casi derrotado por un periodista al que admira y respeta. Mientras, Rubalcaba y García Candau hacen su particular y calculado análisis del programa: una batalla dialéctica (en clave de humor en la obra) que más adelante le costará el puesto al director de la cadena.

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Años después, y tras varios encuentros, Felipe González coincidió con Iñaki Gabilondo y le propuso un nuevo encuentro privado para intentar solucionar la tensión profesional que quedó pendiente tras la entrevista. Fue en ese instante en el que González, en una acalorada discusión, al parecer terminó admitiendo el conocimiento de los GAL bajo su mandato y, en cierto modo, lo expresó como “una guerra correcta”.  Palabras que pretendieron justificar su actuación y que no convencieron al periodista.

Cuando al principio de este artículo hablaba del personaje del General Galindo, y de la exigencia que pudo tener Francesc Orella para interpretarlo con cierta comprensión, no pretendía decir que el impulso de tomar la venganza personal, aceptar esos actos de devolver el golpe a los que antes han asesinado sea justificable en modo alguno.    Intentaba apuntar que el espectador de la obra (y quizá cuantos vivimos aquellos hechos históricos) se pudiera poner en lugar de Felipe González y –por ello- comprender el impulso que éste pudo tener para autorizar las acciones del GAL al vivir en primera persona el dolor y la pérdida de compañeros bajo las acciones terroristas de ETA.  

Las Guerras Correctas propone una profunda reflexión acerca de unos hechos tan graves como inaceptables. El terrorismo – sea de estado o no – es inadmisible.  Según la obra de teatro, se da a entender que  Felipe González estaba al tanto de los GAL y, aunque no se sabe con certeza, es posible que él fuera el llamado Señor X. Vera y Barrionuevo, Secretario de Estado y Ministro del Interior respectivamente de aquella época, cumplieron  breves condenas por su relación con los GAL, ya que se beneficiaron de la amnistía del posterior gobierno de José María Aznar.

Las guerras correctas, es un acertado ejercicio de equilibrio entre las interpretaciones y los referentes que inspiraron el texto. escrito por Gabi Ochoa,  que no deja indiferente al espectador.  Y lo mejor y sorprendente, es que lo hace con un agudo y brillante sentido del humor.

Co-producción del Teatro de Barrio de Alberto San Juan, Teatro del Temple de Zaragoza y La Rambleta de Valencia, “Las guerras correctas” pretender dar  “información alternativa en un sistema donde los mayores medios de comunicación son -por voluntad de sus propietarios, no de quienes trabajan en ellos- uno de los principales obstáculos para el desarrollo democrático”, según palabras del propio Alberto San Juan.

Manolo Solo (Felipe González), Luis Callejo (Iñaki Gabilondo), Chani Martin (Alfredo Pérez Rubalcaba) y César Tormo (Jordi García Candau) dan vida de un modo sobresaliente a los protagonistas de la obra.

Muy interesante producción de teatro, ¡no se la pierdan¡

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NOTA:

Las fotografías oficiales de la obra insertadas en este post son propiedad de Producción de “Las guerras correctas”.

Las fotografías de los cuatro actores saludando al finalizar la función son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

PHOENIX: Resurgir de las cenizas, por Francesc Mazón Camats

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El tándem Christian Petzold, director, y Nina Hoss, actriz, nos proponen en su sexta colaboración, un thriller (quizás simbólico) de trasfondo histórico que no acaba de funcionar, a diferencia de su magnífico film anterior  “Barbara”: El resurgir de una mujer y un país de las cenizas del Holocausto y la destrucción, en clave de enigma.

“Speak low when you speak, love. Our summer days withers away, too soon, too soon… (…) We’re late, darling , we’re late. The curtain descends, everything  ends, too soon, too soon…”

Suena Speak Low, el maravilloso tema de Kurt Weill, música, y Ogden Nash, letra,  en la estupenda secuencia de apertura, la protagonista parece retornar desde el reino de los muertos; apenas murmura algo y su rostro terriblemente desfigurado, permanecerá oculto totalmente bajo las vendas. Estamos en el terreno del terror fantástico de ”Ojos sin rostro” del maestro Georges  Franju, solo que aquí la música y la imagen (el Berlín destruido del final de la Segunda Guerra Mundial) no parecen encajar del todo.

Speak Low, que se convierte en el leiv motiv del film, desde la espléndida escena inicial hasta el hermoso aunque muy discutible final, es el tema más conocido e interpretado del musical “One Touch of Venus“ de Weill (compositor judío exiliado), estrenado  a finales del 1943 en Broadway, New York y popularizado en 1948 por su versión, no musical, en cine con Ava  Gardner. Las fechas no parecen pues plausibles, para que la intérprete, cantante,  y su marido pianista la convirtiesen en su canción, en la Europa en guerra de 1942.

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Después de la reconstrucción del rostro de Nelly, a la que el cirujano propone diferentes parecidos cinematográficos, ”nadie quiere volver a su antigua imagen”, la frágil superviviente se obsesiona con encontrar a su marido, ante el temor y las sospechas de su abnegada amiga Lene, defensora de la causa sionista y del retorno a Palestina de los  supervivientes. Pronto esta subtrama  de aroma lésbico desaparece del film. Y éste se concentra en el reencuentro de Nelly (una espléndida Nina Hoss, que expresa fragilidad, confusión y enigma a partir de su fascinante rostro) con Johnny/ Jonathan que no reconoce a su esposa, a la que cree muerta,  y apreciando un leve parecido le propone suplantarla, vistiéndola y maquillándola a la imagen de Hedy Lamarr, para quedarse con su fortuna, sin herederos.

En este punto la deuda con Vértigo del maestro Hitchcock  es notable (parece una obsesión, un deja vu del cine contemporáneo). Aquí la verosimilitud del film, peligra, y toda la trama posterior se resiente. El director Christian Petzold, obsesionado por restituir en su cine los traumas de su país, nos propone un sutil trasfondo histórico, el de todo un país que se niega a saber, a reconocer a los supervivientes del Holocausto, para no aceptar su parte de responsabilidad en el crimen.

El ambiguo pero hermoso desenlace, apunta hacia otra dirección, el hombre culpable al que ama desesperadamente Nelly, quizás no la ha reconocido pos esa amnesia histórica o porque nunca la quiso, como en los mejores melodramas de  Max Ophüls o Douglas Sirk.

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Theatrical composer Kurt Weill and his wife, performer Lotte Lenya, are seen at the piano at their home in New City, in the Rockland County suburb of N.Y., Aug. 17, 1942.  (AP Photo/Robert Kradin)

Theatrical composer Kurt Weill and his wife, performer Lotte Lenya, are seen at the piano at their home in New City, in the Rockland County suburb of N.Y., Aug. 17, 1942. (AP Photo/Robert Kradin)

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

68ª ed FESTIVAL DE CANNES (PALMARÉS), por CineT Farö

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Acabamos de conocer el Palmarés de la 68ª edición del festival de CannesDheepan de Jacques Audiard se ha alzado con la Palma de Oro, y ha sido una sorpresa ya que no estaba en las quinielas como posible ganadora.

El cine francés ha sido el claro vencedor en los premios de interpretación, Emmanuelle Bercot se ha llevado el premio a la mejor actriz por Mon Roi, compartido con la norteamericana Rooney Mara por Carol, y Vincent Lindon ha conseguido el de mejor actor por La loi du marche.

La húngara Son of Saul, que ayer se alzó con el premio FIPRESCI de la crítica, se ha llevado la medalla de plata de esta edición, y una de las películas que más pasiones ha despertado en los últimos días, The assassin ha materializado el galardón a la mejor dirección para Hou Hsiao Hsien.

Lanthimos se hizo con el premio del jurado mientras que el mexicano Michel Franco ha sido reconocido por el guión de Chronic.

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PALMARÉS OFICIAL:

– Palma de Oro: Dheepan, de Jacques Audiard.

– Gran premio del jurado: Son of Saul, de László Nemes.

– Premio del jurado: The lobster, de Yorgos Lanthimos.

– Mejor dirección: Hou Hsiao Hsien, por The assassin.

– Mejor actor: Vincent Lindon por La loi du marche.

– Mejor actriz: Ex aequo: Emmanuelle Bercot por Mon Roi y Rooney Mara por Carol.

– Mejor guión:  Chronic, de Michel Franco.

– Mejor ópera prima presentada en la 68ª edición del Festival de Cannes: La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo (CÁMARA DE ORO)

– Palma de Oro al mejor cortometraje: Waves’98, de Ely Dagher

Totalmente incomprensible la ausencia en el palmarés de Cate Blanchett y Kore-Eda.

Veremos lo que sucede en los Globos de Oro, Oscars…

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

PALMARÉS PREMIOS MAX 2015, por CineT Farö

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Los veinticinco galardones entregados en la XVIII edición de los Premios Max de las Artes Escénicas han distinguido a los siguientes espectáculos y creadores:

– Autoría revelación Miguel Ángel Sánchez

– Adaptación o versión Ana María Ricart

– Composición musical Sabin Bikandi

– Coreografía Rocío Molina

– Autoría teatral Laia Ripoll / Mariano Llorente

– Producción privada artes escénicas “Duet for one”

– Contribución a las artes escénicas Bienal Flamenco de Sevilla

– Diseño de espacio escénico Arturo Martín Burgos

– Diseño de vestuario Felipe de Lima

– Diseño de iluminación Juan Gómez-Cornejo

– Dirección de escena Julián Fuentes Reta

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– Actor de reparto Pepón Nieto

– Actriz de reparto Susi Sánchez

– Interpretación de danza Kukai Dantza

– Aficionado: Aula de Teatro de la Universidad de Murcia

– Bailarín principal Israel Galván

– Bailarina principal Olga Pericet

– Actor protagonista Lluís Homar

– Actriz protagonista Blanca Portillo

– Max de Honor Rosa María Sardà

– Espectáculo infantil/familiar “DOT”

– Espectáculo revelación “Los nadadores nocturnos”

– Espectáculo musical “L’eclipsi”

– Espectáculo de danza “Free Fall”

– Espectáculo de teatro “Cuando deje de llover”

Destacamos especialmente la gran ovación con la que el público recibió a la periodista Rosana Torres, en una de sus primeras apariciones públicas tras su grave enfermedad.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

COMANDOS (Dir. Manuel Labordeta), por Yolanda Aguas

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El pasado jueves 21 de mayo, asistimos en la Fundación José Antonio Labordeta a la proyección del cortometraje de Manuel Labordeta ‘Comandos’, una película realizada en 1955, de 16 minutos de duración, grabada en 9,5 milímetros en la localidad de Belchite.

Se trata de la primera película en la que intervenía José Antonio Labordeta, que tenía 20 años. El cortometraje se visionó por primera vez este jueves. Este corto,  ‘Comandos’, se quedará en la Fundación como parte del contenido expositivo y podrá ser vista por el público con cita previa, siempre en horario de apertura.

Se trata de una película al estilo del cine mudo, con toques surrealistas y muy divertida, en la línea de Charles Chaplin y Jacques Tati, dos de los ídolos de Manuel Labordeta. Rodada en los olivares de Belchite, no está exenta de mensaje ideológico ya que en ella aparece un individuo en un burro, con boina calada y vestido con guerrera que simboliza a Franco y recrea sus andanzas con un comando de olivareros.

Manuel Labordeta (Zaragoza, 1923-1983) era químico farmacéutico, pero dada la prematura muerte de su padre, se entregó de lleno a la docencia y fue director del Colegio de Santo Tomás de Aquino, propiedad de la familia.

Manuel vivió con pasión la cultura, tanto literaria como plástica, aunque destacó en la cinematográfica. Miembro de diversas tertulias, entre ellas la del café Niké, fue una de las grandes figuras del cine independiente aragonés no sólo como actor y realizador, sino como impulsor de otros proyectos y como miembro activo de tertulias cinematográficas.

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Trabajó en películas de José Luis Pomarón, Fernando Manrique, Luis Pellegero y Miguel Vidal. Su filme más ambicioso, realizado por Miguel Vidal, quedó inconcluso con su muerte. Se trataba de una adaptación de ‘La rosa de papel’ de Valle Inclán.

Como director, realizó las cintas ‘Estación internacional’, ‘Primera misa’ y ‘Comandos’, mientras que como intérprete estuvo en ‘El desafío’, ‘Hacia el silencio’, ‘Retorno’, por la que recibió el premio a la mejor interpretación masculina en el Concurso Nacional de Barcelona; ‘El rostro del asesino’ y ‘El pisador de sombras’, entre otras.

Formado en las filas del pionero Cine Club de Zaragoza, entró en contacto con otros aficionados al cine amateur como Sesé, Madre, Vidal, Pellegero, Marqueta, los hermanos Sánchez Millán y Pomarón. Con el Club Cine Mundo, junto a Moreno, Cerced, Rodero y otros, realizó una labor de promoción del cine amateur  que culminó con la celebración de varios concursos nacionales. Posteriormente, esta actividad nacional quedaría ampliada a nivel internacional con los intercambios de Pau.

Fue un encuentro de amigosEl corto fue presentado por su hija Sara, y antes su sobrina,  la actriz  Ana Labordeta, leyó un texto familiar.  También asistió Juan Manuel, hijo de Manuel Labordeta, quien contó anécdotas del rodaje (él tenía entonces cuatro años).  Hubo después un coloquio, emotivo y entrañable, en el que participaron Luis Alegre, Manuel Moreno, presidente que fue del Club Cine Mundo, y Julio Sánchez, fotógrafo y cineasta aragonés y algunas personas del público asistente.

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NOTA:

Las fotografías originales del cortometraje “Comandos” son propiedad de la Fundación JOSÉ ANTONIO LABORDETA.

Las fotografías realizadas durante la presentación del corto + coloquio, son autoría y propiedad de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

JULIE CHRISTIE: Poesía, Melancolía y Revolución, por Francesc Mazón Camats

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La mítica It Girl  de los sesenta y setenta, se presentó en el auditorio de la Casa Milà – La Pedrera- dentro de la “Setmana de la Poesia de Barcelona”.

Casi de incógnito, de forma discreta y muy minimalista, la oscarizada  e icónica actriz inglesa apareció ante un numeroso y entregado público que había esperado formal y pacientemente  en una larga cola, ante la extrañeza de los numerosos turistas que inundan el famoso edificio de Gaudí.

El escenario desnudo, dos atriles, un piano de cola tenuemente iluminado desde el interior y tres únicos actuantes: dos lectoras, Julie Christie y Marta Pessarrodona, poetisa y traductora al catalán de los siete poemas ingleses, cuidadosamente escogidos por la actriz. Puntuados por la estupenda actuación de Xavi LLoses y sus composiciones para el piano. Al fondo una proyección sobre el telón de delicadas flores abriéndose, sobre teclados de máquinas de escribir…

La furtiva Julie Christie se presentó, vestida de forma muy simple: Camisa blanca de amplio cuello levantado, pantalones tejanos oscuros, zapatos planos y un pañuelo rojo con pequeños motivos blancos sujetando su rubia melena.

Unas gafas de pasta clara a juego con enormes aros blancos, un aire imponente e informal como la joven rebelde y libre que fue.

Con voz firme y dicción limpia y clara, fue recitando los siete poemas que parecían unidos por un hilo invisible de melancólica tristeza, solo rota por la revolución sexual del Swinging London, implícita en el poema de Larkin.

Threnody (Lamento) de Dorothy Parker, Last Words to a Dumb Friend (Últimas palabras para un amigo mudo) de Thomas Hardy, Morning Sound (Canción matinal) de Silvia Plath, High Windows (Ventanales) de Philip Larkin, The Journey of the Magi

(El viaje de los Reyes Magos) de T.S. Eliot y In the Memory of W. B. Yeats de  W.H. Auden, que oportunamente contextualizó Pessarrodona, cuando explicó que Yeats murió un 29 de Enero de 1939, tres días después de la entrada del ejército franquista por la cercana Diagonal de Barcelona, que Auden había defendido al lado de la legítima República.

El acto se cerró con un nuevo poema de Auden, quizás el más conocido, Stop All the Clocks (Parad todos los relojes) leído con emocionada intensidad por ambas.

Julie que abrió el acto deseando en catalán “Una bona vesprada”, lo cerró en inglés expresando su placer por estar en Barcelona y poder leer estas apreciadas poesías en este “Hermoso y ondulante edificio”.

A lo largo del acto, la memoria caprichosa me llevó a siete secuencias fílmicas suyas, muy poéticas.

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Billy Liar 1963, John Schlesinger. Liz se despide en la triste y gris estación de una oscura ciudad del Norte, después de intentar convencer a Billy, de escapar juntos hacia el Swinging London. Ella es un alma libre.

Dr. Zhivago 1965 David Lean. De pronto se abre una luz y Yuri Zhivago descubre el rostro de Lara Antípova que emerge de la oscuridad, suena la balalaika del tema de Lara de Maurice Jarre.

Petulia 1968 Richard Lester. El Dr. Archie quiere convencer a una embarazadísima Petulia Danner para que escapen juntos, llamará  a una ambulancia, él mismo la atenderá en el parto, la triste mirada de Petulia lo niega, Archie se va, el dorado marido maltratador entra en el hospital. El bellísimo rostro de Julie/Petulia acaricia la mano del anestesista y pronuncia un nombre: Archie. Suena la maravillosa partitura de John Barry.

Fahrenheit 451,  1967 François Truffaut. Los lectores rebeldes se refugian en un bosque lejos de la ciudad, cada uno intenta memorizar un libro para rescatarlo del olvido y el totalitarismo. Empieza a nevar…

McCabe and Mrs. Miller 1971 Robert Altman. Constance Miller, la endurecida y depresiva madame del prostíbulo, se refugia en un oscuro tugurio chino para fumar opio y olvidar. Fuera en el pueblucho enterrado en la nieve, McCabe se deja matar por los sicarios del gran capital…

Don’t Look Now( No mires ahora) 1973 Nicolas Roeg. Laura Baxter, ausente, atraviesa  por última vez los canales de Venecia, acompañando el ataúd de su marido…

Away from Her (Lejos de Ella) 2006 Sarah Polley. Fiona Anderson sale a pasear al bosque que rodea su casa en Canadá, de pronto su mirada extraviada nos dice que no recuerda como volver a casa.

Memoria de una actriz fascinante  que nos ha visitado por primera vez.

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NOTAS:

Las fotografías oficiales de las películas protagonizadas por JULIE CHRISTIE son propiedad de sus autores.

Las fotografías de JULIE CHRISTIE durante su estancia en Barcelona el pasado día 15 de mayo, son autoría y propiedad de ISABEL BUSQUETS para CINET FARÖ.