BANGKOK (Aut. Antonio Morcillo López): Pajaritos y pajarracos, por Francesc Mazón Camats

Bangkok_grecGaleriaweb6

Un aeropuerto sin aviones, ni pasajeros, un pobre anciano estafado…

¿Un avión con presos y torturadores con destino incierto, quizás algún sumidero  en países exóticos, quizás Bangkok…?

Dos únicos personajes, aparentemente inofensivos en una situación absurda, que arranca con diálogos de humor negro, casi esperpénticos para ir avanzando hacia una progresiva pesadilla kafkiana, siempre desde la trivialidad de la crisis, tan presente.

Esta pequeña obra, 80 escasos minutos, premiada con el SGAE de Teatro del 2013, de un nuevo autor, Antonio Morcillo López, dramaturgo y director de escena, premiado anteriormente con el Marqués de Bradomín y un par más de SGAEs por otras de sus obras, nos habla de una inquietante y absoluta actualidad, de un presente angustioso.

¿Es ese señor mayor, sobrio y digno, en realidad un estafado jubilado que desea ir a Bangkok para desaparecer? y ese joven infeliz, con carreras, muchos másters y una familia que mantener  ¿un guardia de seguridad  de un aeropuerto desierto o un cetrero de halcones que cazan pajaritos dañinos? Cada giro del diálogo nos arrastra a una nueva posible dimensión, nada es lo que parece. Pajaritos y pajarracos, imagen de una generación perdida, peligrosos controladores, subversivos hackers  informáticos… ancianos adorables que perdieron a sus hijos en aeropuertos inexistentes y puede que sin reconocerlos, los manden a oscuros centros de detención… Pura tragedia griega contemporánea, con diálogos humorísticos, absurdos, desesperados, amenazadores, ecos del teatro del maestro Harold Pinter.

marathon-man-olivier_lGaleriaweb1 Galeriaweb9Galeriaweb7

Un teatro urgente, necesario, que nos habla del ahora mismo o del ayer que no acaba nunca, como decía Isabel Coixet.

Dos magníficos actores en el escenario: Dafnis Balduz, el joven guardia amable y hostil, infeliz soñador o peligroso hombre oculto, interpretando con firmeza una creciente sensación de paranoia y miedo. El anciano y frustrado viajero, que desvela progresivamente aspectos terribles de sí mismo, puede que inconfesables de su trabajo, quizás del poder amenazado, sin perder nunca del todo su amable, tranquilo aspecto, espléndido Carlos Álvarez Nóvoa.

Recordé todos aquellos apacibles torturadores del cine conspiro-paranoico de los años 70s, ejemplificados en un mayestático Laurence Oliviertrabajando” amablemente a su presa Dustin Hoffman, con el instrumental del dentista en Marathon Man.

Un escenario casi vacío, sala de espera a la nada, pantallas sin mensajes, la voz lejana de un chino Wei que cuida de los hurones, la posibilidad de que todo sea cierto  o simplemente la pesadilla de un pobre infeliz que ve pasar su vida en uno de los paisajes desolados que esta terrible e inacabable crisis nos ha dejado como decorados de un  futuro maravilloso que nunca llegará. Dirigida con seguridad por el propio autor en la Sala Villarroel, dentro de la temporada del Grec 2015, montaje que viajara más tarde a Madrid.

Hay que verla y discutirla, maneja y critica con tranquila ferocidad una serie de terribles sugerencias… “Temblar después de haber reído“.

Galeriaweb2Galeriaweb8

******************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad del maestro DAVID RUANO.

UNA SEGUNDA MADRE (Dir. Anna Muylaert), por Francesc Mazón Camats

Una-segunda-madreUna_segunda_madre-228412843-large

Una Segunda Madre: ¿Qué horas son éstas?

Un reciente reportaje aparecido en la prensa catalana, hablaba de la extensión de un trastorno psíquico actual: el de algunos adolescentes o jóvenes después del reencuentro con los padres, que tuvieron que abandonarlos de niños para emigrar a otros países en busca de un futuro mejor o a veces por mera supervivencia. El porcentaje ha crecido y se ha agravado en proporciones alarmantes.

No es el caso de esta comedia dramática  brasileña, con toques de crítica social, sarcasmo y cierta acidez, bañados por un humor difuso y esa calidez humana tan tropical. La historia de una mucama  que abandonó a su hija, hace muchos años en algún rincón perdido del Brasil, en manos de abuelas o parientes, para conseguir el sustento de los suyos. Trabajando de criada y nanny de un hijo único, en el seno de una familia acomodada y aparentemente progresista de São Paulo. Val, una mujer entrañable de clase humilde, parece integrada como pieza básica que evita el desmorone de un hogar en crisis. La relación maternal con el niño, Fabinho, ahora adolescente, al que cubre del afecto y ternura que su madre, Donna Bárbara!, no puede (o no sabe) ofrecerle, entrará en conflicto con la inesperada llegada a la ciudad de su hija, Jessica, a la que apenas reconoce. La hija, segura e independiente, viene a realizar las pruebas de selectividad de ingreso en la Universidad. La joven pondrá en evidencia toda la hipocresía, el clasismo paternalista de unos triunfadores sociales neuróticos, aunque ella misma oculta a su madre, un secreto que puede alterar su futuro.

descargaimages (2)

La directora Anna Muylaert consigue en todas las escenas relativas a la piscina (símbolo del triunfo social) evidenciar, con crueldad, esa barrera social. Contrastadas con el minúsculo y atiborrado trastero donde vive Val y donde pretende enclaustrar a su liberada hija. La inmaculada cocina de la casa, único lugar común para todos los personajes o ese sombrío pasillo que une y separa como un abismo, a los de arriba y los de abajo. Muylaert evidencia la falsedad y la injusticia en el trato que Val parece aceptar con un servilismo propio de las mammys negras del profundo Sur esclavista. La inmejorable interpretación que hace Regina Casé, una auténtica estrella del cine y sobre todo la TV. brasileña, consigue escapar de la caricatura o el didactismo simplista.

Un film que se ve con agrado, a pesar de un cierto escapismo en la resolución de personajes como el abismado padre, un doctor sumido en la depresión que intenta ligar con la joven o ese final feliz, tan incierto, donde todos los reproches, dudas y desconocimientos mutuos quedan solo sostenidos por el amor incondicional de una madre.

No estamos tan lejos de la inmensa Anna Magnani de ”Bellisima” de Luchino Visconti, pero este nuevo siglo nos ha hecho mucho más escépticos. Como dice Susana Barranco en su trabajo documental “Caer del Nido” de próximo estreno: “Muchos de los adolescentes reagrupados, enfermaron y decidieron regresar a sus países de origen (…) la crisis, el negro futuro, los profundos desacuerdos con los padres y su ahora impuesta autoridad, la soledad, el aislamiento…”

Quizás como en aquellos melodramas neorrealistas, el intenso amor de una madre pueda con todo, quizás…

aa_7755_byalinearruda_145images (1)

**************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

TEATRE LLIURE: Programación 2015-2016, por CineT Farö

images01.sfp_.3

El director del Teatre Lliure, el genial Lluis Pasqual, presentó el pasado viernes 19 de junio la programación para la temporada 2015-2016.

El teatro clásico, desde la antigua Grecia con Séneca o Sófocles, hasta William Shakespeare y Calderón de la Barca, Eduardo de Filippo, Harold Pinter e incluso una adaptación de Gabriel García Márquez destacan en la nueva programación del Teatre Lliure para la temporada 2015-2016.

Una temporada de imprescindibles de la dramaturgia que llevarán a la escena directores de primera línea como Josep Maria Flotats, Mario Gas o el propio director del Lliure, Lluís Pasqual, que propondrán una mirada contemporánea a los clásicos.

Así, el Lliure confía en que el teatro cumpla su función de “reflejar lo que sucede en la calle” y “hacerse eco de la sociedad”, algo que se vuelve imprescindible para mantener la conexión con el público en un contexto convulso, ha explicado hoy Lluís Pasqual en la presentación de la programación del próximo curso, que cuenta con 7,5 millones de presupuesto.

Por eso, el factor común de todas las propuestas artísticas del Lliure es que “su mirada busca nuevas formas de relación social y con el poder” y “pone en cuestión la identidad propia en relación con la identidad de los otros”, ha explicado el director del teatro.

Las propuestas se engloban en tres líneas temáticas: “la reflexión sobre la identidad del individuo, la relación del individuo con la sociedad y los límites de realidad y ficción”.

El peso de la reflexión sobre el individuo corre a cargo de Teatro de Ciudad, proyecto fruto de la unión de los directores Alfredo Sanzol, Andrés Lima y Miguel del Arco, que proponen sendos espectáculos.

1.2.3_0ateatroconeduardo_esp_0elrey_espelreilear_esp

Sanzol dirige el texto de Sófocles “Edipo Rey”, donde, de la mano de Juan Antonio Lumbreras, descubre lo que es “la miseria palpable”, en palabras de Pasqual.

La saga continúa con “Medea” en una versión de Andrés Lima donde Aitana Sánchez-Gijón llorará por el peor de los dolores, según Séneca, el amor.

El broche de oro de Teatro de Ciudad lo pondrán Carmen Machi y Manuela Passo en “la tragedia más perfecta que se ha escrito nunca”, según Pasqual, “Antígona”, de Sófocles, dirigida por Miguel del Arco.

El contrapunto lo ofrecerán dos directores foráneos. Por un lado, el argentino Ciro Zorzoli, que tendrá a sus órdenes a la compañía T de Teatre en “Premis i Càstigs”, que se estrenará antes en el Grec.

Por otro lado, desde Canadá llegará Allegra Fulton con un monólogo escrito por su compatriota Jennifer Tremblay, en el que una mujer hace listas banales en apariencia pero de forma compulsiva para “intentar fabricarse una nueva identidad cada día”.

En paralelo, el Lliure hace una de las apuestas que serán más mediáticas con “Relatos de un náufrago” y, un año y medio después de la muerte de Gabriel García Márquez, traerá la primera versión teatral, dirigida por Marc Montserrat-Drukker e interpretada por Emilio Gutiérrez Caba, que “nos trasladará a un mundo kafkiano de silencio”, ha valorado Pasqual.

Otro título destacado de la programación será “Invernadero”, del Premio Nobel Harold Pinter, en versión de Eduardo Mendoza y bajo la dirección de Mario Gas, en una obra de connotaciones políticas que representa una crítica a la burocracia y la impunidad del poder en medio de la alienación del individuo.

La tragedia y el individuo, desde el punto de vista de la relación con el poder, seguirán presentes en dos grandes regresos que fueron grandes éxitos la pasada temporada: “Rhum”, de Joan Montanyés ‘Monti’, Jordi Martínez y Martí Torras Mayneris, que también la dirige; y “El Rei Lear”, de Shakespeare, dirigido por Lluís Pasqual e interpretado por Núria Espert.

La introspección continúa con la “metáfora” de Calderón de la Barca en “El alcalde de Zalamea”, que plantea lo que sucede “cuando el individuo es consciente de su capacidad de rebelión” y que llevará al Lliure la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

El bloque temático de la relación del individuo con la colectividad tomará cuerpo en once textos contemporáneos encabezados por “El curiós incident del gos a mitjanit”, que Julio Manrique volverá a dirigir esta temporada.

ser_hoono_esphamlet_esp

Un tema tan “espinoso” y de actualidad como el terrorismo se abordará en un diálogo incisivo e incluso humorístico en “Ser-ho o no. Per acabar amb la qüestió jueva”, de Jean-Claude Grumberg, dirigida por Josep Maria Flotats, que trata de “huir del estereotipo y del cliché”, según Pasqual.

En la misma línea, “En veu baixa”, de Owen McCafferty, aborda desde un pub de Belfast “qué viene después de una lucha armada muy larga, qué le pasa al que ha sido terrorista, cómo se relaciona con las víctimas y consigo mismo, cómo construir un nuevo ser y dejar atrás su antiguo ser”.

También “Inframón” reside en la actualidad de los escándalos de pederastia y se pregunta “dónde está el límite de nuestra identidad cuando las tecnologías nos proporcionan sentimientos y emociones reales”, según Pasqual, y lo hará bajo la dirección de Juan Carlos Martel Bayod en el Grec 2016.

Asimismo, con motivo del 700 aniversario de la muerte de Ramon Llull, el Lliure abrirá concurso para que compañías jóvenes lleven a la escena “El llibre de les Bèsties” en versión para niños.

La presentación de la temporada ha servido también para hacer balance de la anterior, la 2014-2015, que termina este domingo y ha superado la anterior en asistencia por 1.500 espectadores, hasta alcanzar la cifra de 110.000 asistentes, que han supuesto un porcentaje de ocupación media del 81 % entre las salas de Montjuïc y de Gràcia.

Sin duda estamos ante una programación que nos ofrecerá momentos inolvidables de teatro, como sucede todos las temporadas bajo la dirección de uno de nuestros más grandes directores de teatro: LLUIS PASQUAL.

Para CINET FARÖ, la cita que más nos ilusiona será del 5 de mayo al 5 de junio de 2016, con la llegada de la obra “María Estuardo” de Friedrich von Schiller en versión y dirección Sergi Belbel.  Estará protagonizada por Míriam Alemany / Jordi Banacolocha /  Àlex Casanovas / Carles Martínez / Fina Rius / Marc Rius y la sublime Sílvia Bel.

mariaestuard_esp_0relatodeunnaufrago_esp_0

***********************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de TEATRE LLIURE.

43 ed. FESTIVAL I. CINE DE HUESCA: (Palmarés), por Yolanda Aguas

Concluye la 43 edición del Festival Internacional de Cine de Huesca, con la sensación de que poco a poco se está logrando el inicio de una verdadera “nueva etapa” de este magnífico festival de cortometrajes.

El nuevo equipo, dirigido por Azucena Garanto y Jorge Puértolas como Jefe de Prensa y co-Director Artístico, está trabajando con ilusión y ganas de que Huesca vuelva a ser centro de atención para todos los que aman el cine.  Son jóvenes pero con mucha experiencia y saben muy bien lo que hacen.  Desde estas líneas manifestamos que CINET FARÖ siempre estará a su lado para apoyarles plenamente.

En rueda de prensa, esta mañana se han dado a conocer los trabajos premiados en la 43 edición de este festival, que se inauguró el pasado 13 de abril con la participación de 82 cortometrajes de 29 países de Europa, América, Asia y África y de los que 32 eran “óperas primas”.

FH PALMARES 04FH PALMARES 03

CONCURSO INTERNACIONAL DE CORTOMETRAJES

Premio DANZANTE: 5.000 euros y trofeo.
Quedará automáticamente clasificado para participar en la categoría de Cortometrajes de los Premios de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, de Hollywood de la temporada correspondiente.
HOLE, de Martin Edralin. Canadá. 2014. 15′. Drama.
Por la calidad en la dirección, la complejidad narrativa y la frescura y naturalidad con la que presenta un tema aparentemente tabú.

Premio ESPECIAL ALBERTO SÁNCHEZ: 2.000 euros y diploma
ALLES WIRD GUT (Everything Will Be Okay), de Patrick Vollrath. Austria. 2015. 30′. Thriller.
Por la profundidad emocional que muestra y la tensión que plantea en una escena cotidiana, resaltando especialmente la interpretación magistral de la actriz que da vida a la niña.

Premio JURADO DE LA JUVENTUD: 1.000 euros y trofeo.
Concedido por la FUNDACIÓN ANSELMO PIÉ SOPENA a la mejor ópera prima internacional – entendiéndose la 1ª y 2ª realización-.
КАК ДА НАДЕБЕЛЕЕМ ЗДРАВОСЛОВНО (Getting Fat in a Healthy Way), de Kevork Aslanyan. Bulgaria. Alemania. 2015. 22′. Comedia. ÓPERA PRIMA
Por su propuesta original. Parte desde la ciencia ficción, pero retrata una problemática muy humana, como es la dificultad de ser aceptado socialmente. Se acerca a este problema desde un punto de vista innovador y empatiza con el espectador desde el inicio.

Mención Especial del JURADO DE LA JUVENTUD: Diploma
IL SEGRETO DEL SERPENTE (Some Things Are Better Left Untold), de Mathieu Volpe. Bélgica. 2014. 18′. Experimental. ÓPERA PRIMA
Por su capacidad de evocación mediante el uso del montaje y voz en off, y por su afán en hacer partícipe al espectador del misterio que envuelve la obra

Premio FRANCISCO GARCÍA DE PASO: Trofeo
El cortometraje que mejor resalta la defensa de los valores humanos.
I’M NOT DONE de Ronny Dorfler. Estados Unidos. 2014. 10′. Drama.
Por mostrar el papel olvidado que juegan las mujeres de mediana edad, en los márgenes de la sociedad, planteado a través del sistema de sanidad pública norteamericano.

Mención Especial: Diploma
REVOLUTION, de Markus Erhart. Alemania. 2014. 20′. Drama. ÓPERA PRIMA
Por la crítica al papel que ha despeñado y despeña la educación en la sociedad.

CONCURSO IBEROAMERICANO DE CORTOMETRAJES

Premio DANZANTE: 5.000 euros y trofeo.
Quedará automáticamente clasificado para participar en la categoría de Cortometrajes de los Premios de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, de Hollywood de la temporada correspondiente.
KALIL, de Paulo Alceu Zumach. Portugal. 2014. 13′. Drama. ÓPERA PRIMA
Destaca por la precisión en la dirección, el manejo del misterio junto con la emoción y la valentía del tema. Esto suma a las magníficas interpretaciones de todos los actores, incluyendo los papeles más pequeños.

Premio ESPECIAL CACHO PALLERO: 2.000 euros y diploma.
OS MENINOS DO RIO (Children of the river), de Javier Macipe. España. Portugal. 2014. 14′.
Por la frescura de su narración que genera magia poética y su especial puesta en escena.

Premio JINETE IBÉRICO: 2.000 euros y trofeo.
Concedido por el INSTITUTO DE ESTUDIOS ALTOARAGONESES a la mejor ópera prima iberoamericana -entendiéndose la 1ª y 2ª realización-.
VERANO 98, de Valentina Azúa. Chile. 2014. 16′. Adolescente. ÓPERA PRIMA
Por el preciso y honesto retrato del deseo de una niña por crecer y enfrentarse a la vida.

CONCURSO DE CORTOMETRAJES DOCUMENTAL

Premio DANZANTE: 5.000 euros y trofeo
IF MAMA AIN´T HAPPY, NOBODY´S HAPPY (Holanda), de Mea de Jong. Países Bajos. 2014. 25′. Histórico.
Porque sentimos que el documental trata un tema relevante repleto de historia familiar y verdad: el de la mujer independiente. Lo hace de una forma directa, íntima y rigurosa. Emociona la conexión cambiante entre la cineasta y su madre, que nos lleva además, fuera del proceso de rodaje hasta una experiencia universal.

Premio ESPECIAL JOSÉ MANUEL PORQUET: 2.000 euros y diploma.
Al mejor corto documental producido en un país iberoamericano
E O AMOR FOI SE TORNANDO CADA DIA MAIS DISTANTE (And day by day love grew further away), de Alexander De Moraes. Brasil. 2014. 9′. Documental. ÓPERA PRIMA
La obra reflexiona, de una manera delicada y eficaz, sobre la imagen y el universo de las miradas cinematográficas valiéndose del proceso de la ceguera.

Mención Especial: Diploma
ABANDONED GOODS de Pia Borg, Edward Lawrenson. Reino Unido. Francia. 2014. 37′. Experimental.
Este trabajo, sugestivo y dotado de especial sensibilidad, revela la secreta y olvidada terapia experimental basada en la pintura, en una institución psiquiátrica inglesa, donde los pacientes aprendían artes plásticas. Mostrando muchos ellos ocultos talentos.

Mención Especial: Diploma
SUPERJEDNOSTKA (Super Unit), de Teresa Czepiec. Polonia. 2014. 20′. Documental.
Porque ilustra con estética matemática y emoción el día a día descarnado de un laberinto de 3.000 vidas, con un montaje pleno de referencias cinematográficas..

PREMIO DE PÚBLICO

Aragón Televisión, otorga el “Premio del Público” con las siguientes consideraciones:
1. Optarán al mismo todas las obras seleccionadas.
2. Será otorgado mediante votación de los espectadores.
3. El premio consiste en la compra de los derechos de emisión por parte de Aragón Televisión por un valor de 900€, así como su promoción y difusión; para ello se solicitará el consentimiento de los autores.

Cortometraje ganador:
BEFORE THE BOMB de Tannaz Hazemi. Estados Unidos. 2014. 23

FH PALMARES 02fh pALMARES 01

Azucena Garanto ha insistido en que ha habido muchas óperas primas premiadas o con menciones especiales, lo que es algo muy importante en un certamen que tiene el objetivo de apoyar nuevos talentos y que han conseguido ser premiados por encima de cineastas más consolidados.

También ha destacado que la impresión general antes de que el festival celebre esta noche la gala de clausura es muy satisfactoria, puesto que las salas han estado llenas de gente, lo que supone un aliciente para los cortometrajistas de todo el mundo que acuden estos días a Huesca.

Respecto al futuro, la directora del festival ha indicado que se han sentado las bases de la renovación que se emprendió en la edición del año pasado, y ha asegurado que se seguirá trabajando para potenciar cuestiones como el uso de las nuevas tecnologías.

En esta edición ha sido posible ver por internet, en tiempo real, la mayor parte de las obras presentadas a concurso, aunque aún no hay datos acerca de cuántas personas han hecho uso de esta plataforma.

Azucena Garanto ha añadido que la organización seguirá, en el futuro, explorando los campos de actuación para adaptar el festival a los nuevos hábitos de consumo y captar nuevos públicos, después de que en esta edición se haya visto a espectadores más jóvenes que en otras ocasiones, lo que es una satisfacción para los organizadores.

Termina así la 43 edición, con la mirada puesta ya en la 44 para seguir demostrando que Huesca sigue siendo una ciudad de cine.

**************************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

Centenario Orson Welles: 2 – En Territorio Shakespeare, por Francesc Mazón Camats

KingLearTVMacBeth2 1948macbethNegrTheater

Un adolescente Orson, de dieciséis años, se despidió del Instituto Todd con un montaje elaborado a partir de diferentes dramas históricos de W. Shakespeare, cuyo eje central era Ricardo III, interpretado por él mismo.

Mientras se decidía la mejor Universidad para seguir sus proyectados estudios teatrales, obtiene la autorización de Dadda  Bernstein para viajar por Irlanda y Escocia. Desembarca en la verde Eire el Agosto del 1931, con él llegaba a Europa el tsunami de la terrible Depresión  y el caos económico. Tras unos meses de alegre vagabundeo, el dinero y los primeros proyectos de un libro de viaje, ilustrado por el joven Orson, se habían esfumado y los cheques de América tardaban en llegar. Armado de su inagotable autoconfianza, se plantó en el  Gate Theater de Dublín, dispuesto a conseguir un trabajo como actor. El Gate era el segundo gran teatro, después del  Abbey, de la ciudad  y estaba bajo el control de la pareja formada por el productor/actor Hilton Edwards y su pareja sentimental Micheál Mac Liammóir, el gran divo teatral del momento. Hilton deslumbrado por la seguridad y la apostura del joven Welles le ofrece el papel del duque Carlos Alejandro, en el montaje que preparaba de” Süss, el judío” de Feutchwagner que había sido un hit  en Londres el año anterior. Fue el debut profesional de Orson y un éxito inesperado.

Destacado por la prensa local y recogido poco después por el NewYork Times. Pronto los celos profesionales y personales de Mac Liammóir redujeron el resto de sus papeles a meros secundarios. El primer éxito de Süss, le supone una propuesta de debut en el West End de Londres, pero allí las normas de contratación a menores extranjeros eran estrictas, con su colección de buenas críticas en el bolsillo decide regresar a su país.

FalstaffPosterFaustusOW1,000 Views from 100 Years

La feroz crisis devuelve al eufórico Orson a la realidad, no recibe más propuestas y se dedica a escribir su primera obra teatral “Marching Song” que no llega a representarse. Su otro tutor Skipper Hill le propone colaborar en una obra divulgativa para representaciones teatrales escolares “ Everybody’s Shakespeare” (Shakespeare para Todos), poco después Thornton Wilder, amigo personal de Skipper, lo introduce en el mundillo teatral de Broadway. Con la Compañía de Katherine Cornell- McClintic, debutará finalmente en NewYork, en el papel de Mercutio de “Romeo y Julieta”, un segundo y definitivo arranque de su brillante carrera teatral en el convulso ambiente de los años 30s. Siempre bajo la sombra tutelar de Shakespeare.

Dentro del New Deal, el presidente Roosevelt impulsa un ambicioso proyecto para acabar con el terrible paro que consumía el mundo teatral y cultural: El Federal Theater Project. Orson Welles (que tenía 20 años) y su amigo John Houseman  fueron los encargados de llevarlo a cabo, en el aspecto teatral, en NewYork.

En 1936, presenta el montaje de “Macbeth Voodoo“ estrenado en el Lafayette Th.  De Harlem con la Negro Company (formada por unos setenta actores y actrices de color) ambientando la oscura tragedia escocesa en Haití. Un éxito absoluto y revolucionario, seguido de otras obras de Labiche, G.B.Shaw… o Marlowe “Dr. Faustus” con una aclamada interpretación/dirección de Orson, hasta llegar a la apoteosis de su “Julius Caesar”, el Noviembre de 1937 en el Mercury Theater. Ambientado en la contemporánea Italia fascista de Mussolini, un montaje imitado/copiado hasta nuestros días, Welles además de dirigirla interpretaba a  Brutus.

Esta cadena de éxitos se rompe con el ataque de grupos reaccionarios que consiguen prohibir el día del estreno el musical proletario sobre una huelga “The Cradle Will Rock” de Marc Blitzstein (discípulo de Brecht). La prohibición es boicoteada por Welles que consigue llevar a los actores y el público hasta el cercano Teatro Venice, donde se representó sin decorados, ni vestuario. Esta épica aventura teatral se convirtió en uno de sus abortados proyectos cinematográficos de los años 80s (llevado finalmente al cine, en 1998, por Tim Robbins).

TheCradle-original-cast-recordingchimes-at-midnight-Caesar-cartooncaesar-lute2

El año 1939, poco antes de firmar su envidiable contrato con la RKO, como wonderboy de Hollywood, ofrecerá un nuevo montaje de su juvenil patchwork  Shakespeariano, ahora titulado “Five Kings”(germen del futuro film de 1966  “Campanadas a Medianoche” / Falstaff, su film más querido y más cercano a su proyecto) iniciaba su primer paréntesis teatral, estallaba la Segunda Guerra  Mundial…

A finales de la década de los 40s, cuando el Hollywood que lo había encumbrado, estaba a punto de expulsarlo, un Orson Welles acorralado por McCarthy y el fisco (con dos matrimonios rotos y dos hijas) presenta en Salk Lake City – Utah, un nuevo montaje de “ Macbeth” que le sirve de ensayo para el rodaje de un film rápido y barato. Es un Macbeth oscuro y brutal, con decorados de cartón piedra y un vestuario y utillaje improvisados, su tarjeta de despedida de Hollywood. Exiliado en Europa, pasará tres largos años trabajando como actor en proyectos de todo tipo, para levantar con su dinero otro Shakespeare, otra obra maestra fílmica “Othello” 1949/1952.

Finalmente, el éxito de su versión del Rey Lear para la TV, dirigido por Peter Brook, lo llevará a su retorno a los escenarios de NewYork en 1956, una nueva producción del “King Lear” dirigida e interpretada por Orson, con la maravillosa y ninguneada por Hollywood, Viveka Lindfors como Cordelia. Fue un fracaso, lleno de desgracias, su único consuelo fue el nacimiento de su tercera hija Beatriz, su hija más querida, su Cordelia.

Lear será su despedida de los escenarios y su penúltimo trabajo teatral.

Welles-HousemanJoveWellesJuliusCaesarTooMuchJohnson

************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores y de la colección privada de FRANCESC MAZÓN CAMATS.

CENTENARIO ORSON WELLES: 1 – Dickens en el Middle West, por Francesc Mazón Camats

1welles_dog_story2GOwelles7Welles, OrsonScreenShot2013-01-29at14533PM_zps63fc97a8

Una infancia desgraciada en el seno de una familia notable, rica, excéntrica  e infeliz; en Kenosha, Wisconsin, un lugar perdido del Medio Oeste americano, junto al lago Michigan. Mezclada y confundida con la memoria creativa, la fecunda fantasía, las leyendas y mitos de finales del S. XIX y unas dosis de mitomanía, el cóctel necesario para la presentación de un genio precoz e infrecuente: George Orson Ives Welles, actor, director (Teatral, radiofónico y cinematográfico), guionista, dramaturgo, novelista, productor (radio, teatro y cine) amén de columnista, conferenciante, mago, político o figurinista….

Su padre Richard (Dick) Welles fue un creativo empresario e inventor de buena familia, también un bala perdida, mujeriego y alcohólico. Su madre Beatrice Ives, alta, guapa y fascinante, una refinada pianista y radical sufragista. A Beatrice la aburrían los intereses de su marido y las necesidades de los niños pequeños. La confortable mansión de Kenosha  contaba también con la sombra incómoda de un díscolo hermano mayor Dicky, anulado por una mente enferma de la que tardó mucho en reponerse.

Al pequeño y regordete Pookles/ Orson solo le quedaba la opción de deslumbrar a su adorada madre. Mediante la intervención de un extraño, el médico de la familia, Dr. Maurice Bernstein (Dadda) que pronto detectó la genialidad del pequeño y el interés sentimental de la madre. Orson aprendió a leer y recitar párrafos enteros de Shakespeare. Instalados ya en Chicago (la más americana de las ciudades USA) recibió lecciones de piano y violín, acompañando a mamá y Dadda al teatro y la ópera. La altiva Beatrice, amiga de sopranos y compositores, lo hizo debutar como Dolore  hijo de Cio-Cio-San Madame Butterfly, todo un presagio…

Una vida pública intensísima en medio del lujo y el refinamiento cultural, mientras la privada se deshacía en la infelicidad marital, el alcohol, la enfermedad  (pronto la muerte) y la orfandad…

9OrgullodelosAmbersonsIT5the-magnificent-ambersons-3Madama_butterfly4Magnificent-Ambersons

La temprana pérdida de la madre, lo devolvió a la breve custodia del padre, con el que emprendió largos viajes (el más exótico a la China, auténtica, no el Chinatown de “La Dama de Shangai “ o el Chinchón / Macao de “La Historia Inmortal “).

Las adicciones del padre, un soñador fracasado, y su desaparición, devolverán definitivamente al adolescente Orson, al control del Dr. Bernstein en Chicago, la atmósfera que rodeó a un enfermizo y privilegiado joven en su formación. Dadda consiguió que fuera aceptado en el prestigioso y muy liberal Instituto Todd, en Woodstock (Illinois), donde una nueva figura tutelar Roger Hill, encaminará  sus enormes y dispersas aptitudes hacia el teatro. Según el propio Welles fueron los cuatro años mejores de su vida. Allí debutó, conscientemente, como actor (o actriz, en el papel de la Virgen María y algunas heroínas de Shakespeare) especializándose pronto en personajes mayores o ancianos (de ahí su desmedida afición a los postizos, barbas y pelucas) hasta llegar a la dirección de obras que acostumbraban también a representarse ante un público de pago.

Antes de ingresar en la prestigiosa Universidad Harvard, Dadda Bernstein lo autoriza a viajar en solitario a Europa. Orson Welles tenía 16 años y su vida iba a cambiar de nuevo…

Es fácil ver esta primera etapa de la vida de Welles, reflejada en la que hubiera sido su obra maestra “El esplendor de los Amberson” (El Cuarto Mandamiento) antes de que la RKO la mutilase cruelmente. Orson escogió una novela de Booth Tarkington, compañero de estudios y amigo íntimo del infortunado Richard Welles. Tanto Isabel Amberson, como Eugene Morgan, su amor imposible, pueden verse como versiones sublimadas de sus padres; aunque ignoro si Orson aceptaría a  George Minafer como su malcriado alter ego.

*************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.  Pertenecen a la colección privada de FRANCESC MAZÓN CAMATS.

LAURENT CANTET: (Entrevista), por Yolanda Aguas

El realizador francés Laurent Cantet, recibió el pasado día 13 de junio el Premio Luis Buñuel del 43 Festival Internacional de Cine de Huesca. Con motivo de este importante galardón nos concedió la entrevista que podrán leer a continuación.

La entrevista la realizamos en un agradable salón de la DPH (Diputación Provincial de Huesca) con la colaboración, como intérpretes, del Institut Français de Zaragoza.  Estuvieron a nuestro lado: Joelle Feral (Directora del Institut Français de Zaragoza) y Amandine Reynaud (Responsable du Pôle Culture) a quienes desde estas líneas expresamos nuestro agradecimiento.

Tener la oportunidad de conversar con el gran director francés ha sido un gran privilegio.  Su mirada reflexiva y crítica con la sociedad  y su análisis preciso de la condición humana son elementos esenciales de su cinematografía (necesaria y fascinante).

Huesca 09Huesca 07

Sr. Cantet usted ganó en 1999 el premio Nuevos Directores del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.  En aquella ocasión usted manifestó que recibir ese premio significó tener más confianza en sí mismo.  Este festival, que esta noche le entregará el Premio Luis Buñuel, potencia la labor de los jóvenes directores.  Es muy difícil financiar una película, y es muy difícil pasar del corto al largo… ¿Qué importancia tienen estos certámenes para los directores que están comenzando a realizar cine?

El Festival Internacional de Cine San Sebastián fue un momento muy importante en mi vida porque era mi primera película, mi primer largometraje.  Me hizo mucha ilusión ver la sala llena durante la proyección y más ilusión todavía el coloquio posterior con el público asistente.

La película era, no lo he mencionado, “Recursos humanos”…

Los festivales son esenciales para los jóvenes directores para poder luchar contra la violencia del mercado.  Ya que, hoy en día, es muy difícil llegar con una película un poco singular y convencer a un distribuidor.  La labor de los festivales es esencial para dar a conocer nuestras obras ya que son una plataforma muy importante y, a veces, decisiva para que el film tenga vida.

Además, los festivales son lugares de encuentro donde los jóvenes directores tienen la oportunidad de relacionarse y compartir sus experiencias con otros directores.

Luego le preguntaré expresamente por su colaboración con Leonardo Padura, que acaba de obtener el premio Princesa de Asturias de las Letras, pero sí me interesa que nos explique cómo trabaja usted sus guiones…  Lo importante en el cine son las historias, los géneros dependen de ellas.

En realidad yo tampoco sé cómo ocurre… Siempre trabajo con el mismo guionista que es un gran amigo desde nuestra época de estudiantes.  No puedo explicar cómo es el nacimiento de un guión, simplemente las ideas surgen hablando, a veces escribimos cosas, y poco a poco cuando elegimos los actores y tenemos que empezar a rodar modificamos lo que hemos escrito y entonces queda el guión definitivo.

Para mí el guión no es un objeto fijo, puede modificarse en cualquier momento en función de lo que pasa durante el rodaje y a partir de eso el guión es algo que puede evolucionar.

Recursos_humanos-254532278-largeHacia_el_sur-228390912-largedescarga

Sr. Cantet, me gustaría centrarnos en cuatro películas que yo considero imprescindibles en su filmografía y que me gustan especialmente…

La primera es “Recursos humanos”, película de 1999, su ópera prima.  Con ella nació su calificación como uno de los máximos exponentes del  “nuevo cine social francés”.  En ella usted plantea la actualidad mundial: humillación laboral, desempleo, degradación social.  Es un claro exponente del mejor realismo: rigor narrativo, exposición visual, pocas palabras…

“Recursos humanos” da cuenta de la inhumanidad esencial que acompaña a este tipo de rutinas laborales.

¿El cine que usted realiza, quizá el que también le gusta, tiene que ver con su personalidad?

Sí, por supuesto, mi cine refleja quién soy.  No me siento militante, sino que mis películas preguntan lo que yo mismo me pregunto sobre el mundo en el que vivo.  Las películas me ayudan a reflexionar sobre este mundo y a entenderlo mejor.

“Recursos humanos” es una película rodada en 1999.  He vuelto a verla hace siete días, y la verdad es que produce escalofrío ver que usted, en cierto modo, se anticipó con ese film a la gran crisis económica que estamos viviendo actualmente…

Sí, es una pena, pero la película sigue plenamente de actualidad. Los problemas no han cambiado en veinte años, pero lo que a mí me interesa es cómo lo político influye en la intimidad de cada uno de los protagonistas y de cada uno de nosotros.  La respuesta en todas las épocas es la misma, es decir: la vida en sociedad siempre es difícil y el individuo ha de adaptarse para sobrevivir en una sociedad global.

Vamos a hablar ahora de un film muy bello, “Hacia el sur”.   Rodada en el año 2005, la pude ver por primera vez en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en Zabaltegi. 

Sí… (sonríe)

Usted acostumbra a trabajar con actores que, a veces, ni siquiera son profesionales.  Sin embargo en esta película eligió a tres magníficas actrices, especialmente a la gran Charlotte Rampling, a quien tuve el honor de entrevistar hace dos años en Pamplona cuando ella vino de gira con su obra de teatro dedicada a los poemas de Sylvia Plath. 

Me encantaría que me hablara cómo fue su colaboración con ella, si hubo buen entendimiento, comunicación, feeling

Yo escribí la película pensando en ella.  Eso es muy importante para que luego todo fuera muy bien.  El rodaje con ella fue muy agradable desde el principio hasta el final.  Charlotte no tiene que demostrar nada a nadie.  Es una gran profesional, se implica totalmente y con mucha precisión.  Por ejemplo yo contaba los segundos del silencio porque ella tiene mucha sensibilidad pero también mucha técnica.  Por eso trabajar con ella funciona muy bien.

Cuando yo conocí a Charlotte Rampling me llevé una agradable sorpresa.  Ella suele dar la imagen de ser una persona que proyecta cierta frialdad…  Sin embargo, yo encontré a una mujer que en las distancias cortas es simpática e incluso entrañable…

Sí… (sonríe)  El rodaje fue muy peculiar, estábamos en un pueblecito con hoteles para turistas y ella se movía entre los autobuses de turistas que estaban por todas partes.  Por eso digo que ella no tiene que demostrar nada a nadie.

El personaje que Mrs. Rampling interpreta en su película, se refugia tras una máscara de hipocresía muy refinada, estudiada, utilizando la superioridad como arma avasalladora.  Sin embargo, el vacío y la frustración están presentes en su vida.  La soledad, en las tres mujeres, es la misma.

¿Usted deja que sea el espectador quien juzgue a estos personajes?  A las tres mujeres, y también a los nativos que están con ellas, porque en realidad todos juegan a construirse un artificial paraíso de bienestar y placer.  Todos son víctimas…

Yo quería mostrar que la prostitución también es una relación humana fuerte.  Trata de dos soledades, primero la de las mujeres que han llegado a una edad en las que ya nadie las mira (sobre todo en la sociedad americana) y por otra parte, la de los jóvenes que ven en sus cuerpos la única posibilidad para existir, ya que es lo único que pueden hacer.   Estas dos soledades se ayudan mutuamente, no se trata de hablar de explotación sino de ayuda mutua.  Me interesa mucho que el público vea, como lo ha hecho usted, la realidad que pretendo mostrar en mi película.

Hace un rato, durante la rueda de prensa, cuando le han preguntado qué directores conocía del cine español, me ha gustado mucho que usted mencionara a Víctor Erice.  Su película “Hacia el sur” habla sobre la inútil búsqueda del paraíso perdido, sobre la fragilidad del alma humana, la desorientación vital y la pérdida de perspectiva.

Hay un director español, no sé si usted lo conoce, que se llama Basilio Martín Patino.  Un director con uno de los universos creativos más interesantes de nuestra cinematografía.  Él rodó una película titulada precisamente “Los paraísos perdidos”, en la que una mujer regresa a su país para reencontrar su pasado mientras traduce el Hiperión de Hölderlin.

No… no conozco a este director… ¿qué películas ha rodado más?

“Nueve cartas a Berta”, “Canciones para después de una guerra”, “Queridísimos verdugos”, “Octavia”…   Pienso que es un director que podría interesarle…

Muchas gracias…

Vamos a “La clase”, en realidad el título correcto sería “Entre las paredes” pero se tradujo de otro modo.   

Su film, con el que logró la Palma de Oro en 2008 en Cannes, habla del fracaso del individuo ante el cuerpo social.  Logra captar la vida y bulle entre las paredes de un aula, metáfora de las tensiones de la sociedad francesa y occidental.

Es a la vez una metáfora de la sociedad, como dice usted, pero también muestra la realidad de una escuela.  A mí lo que me interesaba era la forma en que esa escuela, que existe realmente, refleja la sociedad.

¿Prestar atención a lo que sucede en el aula permite hacer un diagnóstico adecuado sobre el presente y el futuro de un país?

Muchas cosas que suceden en esta película siguen de actualidad. Por ejemplo la estigmatización de los jóvenes, en vez de disfrutar de la energía que tienen pues los estigmatizamos.  También hay que pensar que el sistema escolar francés es uno de los sistemas escolares en el mundo en que los alumnos más se aburren.  Hay que motivar a esos jóvenes para que acudan al colegio y que funcione el sistema.

descarga (1)images (1)

Me encantaría hablar más de esta película, pero no disponemos de tanto tiempo, de modo que, si le parece bien,  pasamos a su último gran filme: “Regreso a Ítaca”. 

Usted reúne las diferentes lecturas sobre la realidad y los sentimientos que se viven en Cuba y en los exiliados.  ¿Cómo trabajó el guión con Leonardo Padura?

Conocí a Leonardo con motivo del cortometraje “7 días en La Habana”.  Dentro de este marco, le propuse escribir la historia de un cubano exiliado quince años en España que regresa a Cuba.  Juntos nos dimos cuenta que esta historia no se podía contar en tan sólo quince minutos.  Pasó un tiempo y nos pusimos a trabajar la historia para realizar un largometraje.  En París reflexionamos sobre temas, personajes, etc…  Leonardo regresó a La Habana y se puso a escribir el guión.  Quedó muy largo y lo trabajamos mucho para acortarlo hasta comenzar el rodaje.

He observado que en sus películas hay un elemento diferenciador y es que usted confía plenamente en el espectador para que complete la historia que le plantea. La complicidad con su público ¿es algo que usted ha heredado?

No me gustan las películas que explican todo o que guían al público.  Me gusta que la película permita reflexionar, que ofrezca esa posibilidad porque el espectador es capaz de comprender por sí mismo.  Y de ahí que nunca quiero decirlo todo de los personajes y sus contradicciones para que el público haga este esfuerzo de entender al personaje y crear esta complicidad.  Esta complicidad es siempre muy humana.

Sus películas tienen elementos en común, mantienen una coherencia, con personajes idealistas enfrentados con una realidad mucho más dura y fuerte de lo que soñaban, y con unos ideales que, probablemente, acabarán traicionados. 

Yo recuerdo oírle decir en una rueda de prensa que esto obedece a que quizá en su vida privada es algo pesimista…

Como decía Tennessee Williams en “Un tranvía llamado deseo” ¿Nunca “confía en la bondad de los desconocidos”?

Sí, claro… tengo la esperanza de que las cosas pueden mejorar, pueden cambiar…  En mi vida personal tengo mucho optimismo.  Pero en general, sobre todo en Francia donde estamos en un período muy triste, pienso que algo tiene que pasar, no sé qué… pero algo tiene que pasar para que cambie la situación.  En cuanto a mi país veo poca esperanza, pero tengo muchas ganas de esperar ese cambio.

Le imagino al corriente del cambio, del vuelco político que se ha producido recientemente en España.  El partido de “los indignados” como dicen en Francia, ha conseguido muchos votos y han comenzado a gobernar en los Ayuntamientos de grandes ciudades, como Madrid, Barcelona, Zaragoza…

Sí, este tipo de cosas produce esperanza ya que más allá de las ideas de PODEMOS hay una forma de pensar lo político que es apasionante.  Esta idea de que todo el mundo crea lo político.  Es vez de que todo vaya de arriba hacia abajo, lo que está bien es que todo el mundo participe políticamente, que cree esa red.  Esto me gusta mucho y también las ideas de PODEMOS.

Lo que me produce pena es que en Francia, la indignación se manifieste en partidos de la extrema derecha.

¿En qué está trabajando ahora?

Es demasiado pronto para contarlo, pero sí espero hacerlo lo antes posible.

Muchas gracias, Sr. Cantet, por este maravilloso encuentro.

Gracias a usted.

Huesca 08Huesca 10

*********************************************************************************************************

NOTA:

Las fotografías oficiales de los films de Laurent Cantet son propiedad de las respectivas productoras.

Las fotografías de Laurent Cantet durante su estancia en Huesca, son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.