WHITE GOD – DIOS BLANCO (Dir. Kornél Mundruczó ), por Yolanda Aguas

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White God es una película de género, sin llegar a ser de terror.

Una nueva regulación impone un fuerte impuesto a todos los dueños de perros que no sean de pura raza. Los animales son abandonados y los refugios ya no tienen sitio para acogerlos. Lili, de 13 años, lucha con todo su ser para proteger a su amado Hagen, pero su padre acaba soltándolo en la calle. Hagen y su joven dueña se buscan desesperadamente hasta que Lili se rinde, convencida de que no volverá a verlo.

Hagen se esfuerza en sobrevivir y no tarda en aprender que no todos los hombres son los mejores amigos. Se une a una manada de perros sin hogar, pero es capturado y llevado a la perrera. Perdida la esperanza, los perros aprovecharán una oportunidad para escaparse y rebelarse contra los seres humanos. Su venganza será despiadada. Puede que Lili sea la única capaz de detener la inesperada guerra entre el hombre y el perro.

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Es una parábola que funciona perfectamente como película de género salvo los momentos finales. Su estructura se acerca más al cine dramático con elementos del de aventuras. White God – Dios blanco contempla con una mirada aterrorizada el desmoronamiento de una sociedad que percibe cómo los valores más elementales se van perdiendo, y las víctimas de esas actitudes son los seres que nos proporcionan compañía y amor en casa a cambio de alimento y cariño.

El título podría ser una alusión al excelente film de Samuel Fuller Perro blanco (White Dog, 1982), con la que guarda ciertos paralelismos. White God  es una película que funciona tal como lo han de hacer las de verdadero valor: se puede leer a distintos niveles, según el interés personal de cada espectador: desde el mero entretenimiento lúdico que intenta enviar un toque de atención hacia una colectividad que de forma paulatina se va desvinculando de todo aquello que, en teoría, nos define como humanos.

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EL ARPA BIRMANA (Dir. Kon Ichikawa), por Yolanda Aguas

“El capitán alzó su sable. Los soldados iban ya a lanzar su grito de guerra. Entonces el capitán tuvo que reprimir la voz de mando que le había subido hasta la misma garganta, y se quedó inmóvil….La sorpresa era que desde el interior del bosque se elevaba ahora un canto….

El bosque se llenó por dentro de canciones….Mirando con atención, resultaron ser soldados ingleses….Llegados a este punto no había ya ni amigos ni enemigos.

No se inició ninguna batalla…..Nosotros finalmente dejamos las armas”. 

Michio Takeyama (Escritor japonés, autor de EL ARPA BIRMANA)

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En 1952 el maestro japonés Kon Ichikawa rodó una de las películas más hermosas de la historia del cine.

El filme narra la historia de un soldado japonés convertido en monje errante que recuerda los horrores de la guerra; cómo su propio comandante ordenó diezmar a sus soldados antes que rendirse y cómo él, superviviente, los enterró.

Es un extraordinario alegato antibelicista, de una profunda humanidad y de una tradición budista presentada con todo su valor.  Lo extraordinario de la película radica en la fineza con la que Ichikawa muestra cómo el más tremendo horror puede llevar a la virtud y despertar lo mejor del ser humano.

La fuerza de la naturaleza, su belleza y el juego de contrastes entre lo más terrible y lo más sublime encuentra en este filme un punto raras veces alcanzado en una película de tesis.

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A parte de la impresionante interpretación, la película goza de una fotografía extraordinaria de Minoru Matsuyama y de una no menos impresionante música compuesta por Akira Ifukube.  La película sobrecogió a la prensa europea especializada de aquel momento, y Kon Ichikawa se alzó con el reconocimiento y prestigio internacional.

Casi veinte años después, el director hizo una nueva versión en color del mismo argumento, no menos acertada y bella, pero los tiempos habían cambiado y no obtuvo la misma acogida que la original.

EL ARPA BIRMANA, fue premiada en el Festival de Venecia de 1956 y fue nominada al Oscar como mejor película extranjera en 1957.

El director, Kon Ichikawa está consideado como uno de los cuatro grandes directores japoneses de la historia, junto a Akira Korosawa, Kenji Mozoguichi y Yasujiro Ozu.

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En 1956, dirigió otro film pacifista llamado Fuego en la llanura, aunque durante toda su carrera – que abarcó nada menos que cincuenta años – también tocó otros géneros, hasta su muerte en 2007 a la edad de 93 años.

Otras de sus películas más conocidas fueron: Hordas Salvajes (1978) y La princesa de la luna (1987).

Pero, sin duda alguna, fue con EL ARPA BIRMANA donde logró la obra maestra.  Película imprescindible para todos los amantes del cine y para aquellas personas que todavía (ojalá sean muchas) crean en la bondad del ser humano.

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El libro, EL ARPA BIRMANA de Michio Takeyama, está editado en España por Ediciones del Viento, Colección Viento Simún, con el ISBN: 84-933001-60

Sinopsis:

En los últimos días de la II Guerra Mundial, el sureste asiático está plagado de tropas japonesas, que exhaustas e incomunicadas, vagan sin rumbo acosadas por las fuerzas aliadas.

En Birmania, una compañía singular, mandada por un capitán que en la vida civil ejerce la profesión de músico, es conocida por “la compañía de las canciones”.

Los soldados que la integran forman una masa coral que interpreta magistralmente canciones tradicionales.  Tras entregarse a las fuerzas británicas, el cabo Mizushima, virtuoso intérprete del “arpa birmana”, es enviado a una arriesgada misión de paz, tras la cual desaparece sin dejar rastro.

El Arpa Birmana, publicada en 1947, es una de las novelas más importantes del Japón de la posguerra mundial.  Un poético y apasionante alegato antibelicista que supuso un mensaje de ánimo para una sociedad que entonces se encontraba desmoralizada.  Una obra maestra de la literatura.

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Nota: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO (Dir. Thomas Vinterberg), por Yolanda Aguas

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Cuesta mucho, quizá demasiado, olvidar la magnífica versión que el gran director John Schlesinger realizó en 1967 del clásico de la literatura anglosajona escrito por Thomas Hardy, y más todavía pensar en otra actriz que no sea Julie Christie para el papel femenino protagonista.

A pesar de todo, Thomas Vinterberg,  uno de los co-fundadores de la famosa doctrina Dogma 95.  Él quiso revolucionar el lenguaje cinematográfico junto a su compatriota Lars von Trier. Recordamos de Vinterberg aquella maravillosa y divertida cinta familiar que obtuvo innumerables premios en festivales, Celebración (1998), y su también admirable y fabulosa película La caza (2012),  nominada por la Academia al Oscar a mejor película de habla no inglesa y elemento de confirmación del cambio a mayor libertad en la filmación del cineasta danés.

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La acción de “Lejos del mundanal ruido” se sitúa en la Inglaterra rural de 1870 donde vive Bathsheba Everdene (Carey Mulligan), una joven que además de encantar a cuantos se le cruzan por el camino por su belleza, logra el cariño popular por su flexible e independiente personalidad, muy adelantada en su género para la época. Bathsheba, que también es por herencia la propietaria de la mayor granja de la zona, se verá en el difícil dilema de elegir entre los tres pretendientes que, de forma azarosa, le han pedido su mano: Gabriel Oak (Matthias Schoenaerts) un gentil ganadero especializado en la cría de ovejas; William Boldwood (Michael Sheen) un rico noble y maduro soltero y Frank Troy (Tom Sturridge), un joven apuesto y temerario soldado. Ella se siente atraída por los tres, pero como mujer le será difícil encontrar un lenguaje en palabras que le ayude a canalizar sus sentimientos en un mundo donde los hombres pueden expresar con facilidad los suyos…

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Y aunque casi todos hemos visto ya esta historia (en la adaptación de Schlesinger con una inolvidable Julie Christie), no molesta ni un ápice de lo que vemos en pantalla que, por cierto, también te ayuda a recordar que la perseverancia y la frialdad se imponen a la flema más romántica y traicionera.  Vinterberg ofrece desde los primeros minutos y planos del filme, un cuidado trabajo estético sobre la obra de Hardy donde el encanto de esta trama de época es perdurable incluso al acabar la misma.

Carey Mulligan realiza un notable trabajo de interpretación, pero la sombra de Julie Christie planea peligrosamente sobre ella.

A destacar el exquisito acompañamiento musical orquestado por Craig Armstrong, muy presente en casi la totalidad de la cinta y, sobre todo, con la excelente fotografía de C.B. Christensen, capaz de captar todo el hechizo bucólico del paisaje agreste británico de siglo XIX.

“Lejos del mundanal ruido” es una película de indudable calidad, donde el director danés plasma en imágenes una historia magnífica.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

APRENDIENDO A CONDUCIR: Breve Encuentro en Manhattan, por Francesc Mazón Camats

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Isabel Coixet, nuestra directora catalana más internacional, nos ofrece su nuevo film en un año especialmente activo. Bajo la apariencia de una neoyorquina comedia sentimental, se esconde su film más novedoso y conseguido, el que mejor encaja medios y resultados. Un film que puedes disfrutar, entre emoción y risas.

Podría parecer fácil, el encargo de una comedia dramática en New York con dos personajes de mediana edad, todo un género en sí mismo. Pero hace ya  bastantes años (demasiados) que esta tradicional mezcla sólo nos ofrece comedietas sentimentaloides de treintañeros con problemas de madurez.

Partiendo de un guión ajeno de Sarah Kernochan, que la directora lleva a su terreno, a partir de afinidades personales (aprendió a conducir, después de una ruptura sentimental) y amor incondicional por la Gran Manzana. La Coixet nos narra un breve encuentro entre dos náufragos de la gran ciudad. Una intelectual-crítica literaria, residente en Manhattan, que es abandonada entre un restaurante y un taxi por un marido, algo más joven y un taxista/instructor de autoescuela  sij, que vive en  Queens y la enseñará a conducir e indirectamente a salir a flote.

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Dos actores excelentes, en  estado de gracia, Patricia Clarkson y Ben Kingsley (viejos colaboradores y amigos de la directora) bordan sus papeles, en los que encajan como guantes.

Argumento nada novedoso, pero contado por la Coixet con sutil elegancia, extraordinaria gracia para los detalles y los ambientes (un New York nada tópico que respira autenticidad y luce radiante con la fotografía de Manel Ruiz). Una enorme empatía con todos sus personajes, desde la hija en tránsito hacia la madurez, Grace Gummer (hija de Meryl Streep), muy natural; hasta la sencilla y desorientada esposa llegada de la India, humanísima Sarita Choudhury.

El film avanza en el descubrimiento mutuo entre la abandonada Wendy, hundida en el caos de un fracaso sentimental  y el vacio por delante… y el metódico, reflexivo Darwan que guarda un pasado traumático y un presente difícil, entre la soledad y el racismo.

Para nuestra protagonista aprender a conducir, supondrá rehacer la propia vida, tomar de nuevo las riendas ante la madurez. Para el recto y honesto Darwan, el final es más incierto y agridulce.

Disfruten de este film que parece abrir un nuevo camino en la  brillante carrera de una directora inusual.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.