JULIETTE BINOCHE e ISABEL COIXET: Rueda de prensa SEMINCI, por Yolanda Aguas

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En la tarde del sábado 31 de octubre, y durante la rueda de prensa que concedió junto a Isabel Coixet, Juliette Binoche se mostró encantadora, se dejó fotografiar y trató a todos con mucha cordialidad.  Todo el mundo quedó encantado.

La cineasta catalana Isabel Coixet cerró este sábado la 60ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid con el estreno de “Nadie quiere la noche”, su último largometraje, que narra la odisea de Josephine Peary, una mujer de la alta sociedad norteamericana que parte a la búsqueda de su marido, el controvertido explorador Robert Peary, mientras éste intenta convertirse en el primer hombre en coronar el Polo Norte.

Protagonizada por Juliette Binoche, Espiga de Honor de la SEMINCI 2015, el film arranca con la mujer llegando a la isla de Ellesmere, en Canadá, donde organiza una segunda expedición para intentar alcanzar al grupo de su esposo, y poder así compartir con él ese momento de gloria y demostrarle su amor.

Binoche encarna a un personaje altivo, distante y más frío que el propio hielo, insensible a las vidas de cuantos tiene alrededor. Para ella la vida de los demás no es sino un objeto con el que puede jugar a su antojo. Su determinación y espíritu aventurero la empujarán hacia lo desconocido en pos de un lema de su propio marido: “Si no hay camino, se abre uno”.

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La cineasta catalana presentó hoy la película acompañada por la estrella protagonista, y recordó los orígenes del proyecto “hace casi cuatro años y medio”, cuando los productores Andrés Santana y Miguel Barros le enviaron el guión. “Al leerlo pensé tres cosas: ‘esto es una locura, es una locura que merece la pena ser contada, y si Juliette Binoche no interpreta a la protagonista no sé cómo lo vamos a hacer’. Así empezó todo”.

“Ha sido muy difícil de hacer, desde la perspectiva económica, pero me parecía una película totalmente necesaria”, ha dicho Binoche. “Isabel y yo nos conocemos desde hace mucho tiempo y queríamos hacer alguna película juntas. Con este proyecto, su amor por el ser humano me obligó a decir que sí”.

Según detalló la actriz, lo que más le atraía de colaborar con Coixet era que “no tiene miedo de las emociones, de entrar en lo contradictorio del ser humano”. “Siempre encuentra la forma de encontrar un ángulo diferente para contar cosas similares. Necesitamos lo femenino del ser, que está presente en cada uno de nosotros, y el hecho de que esté simbolizado en una mujer me encanta”.

Coixet ha explicado que estrenaron mundialmente la película medio acabada en el pasado Festival de Berlín, donde fue el film de apertura, y que después de su paso por aquel certamen han eliminado algunas imágenes, “nada fundamental”, e incluido una voz en off de Juliette que, para la cineasta, “redimensiona la película y la hace más compacta y mejor“.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

 

 

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CONSTANTINO MARTÍNEZ-ORTS – Dir. FSO (Entrevista), por Yolanda Aguas

Constantino Martínez-Orts tuvo un sueño: crear una orquesta sinfónica que interpretase en su totalidad música de cine.  Cuando arrancó este proyecto, la Film Symphony Orchestra era pionera en España, aunque en Estados Unidos otras llevaban ya un recorrido.

Director de orquesta y compositor, cursó un Master en Film Scoring en el London College of Music.  Es un ferviente defensor de la calidad que alcanzan las bandas sonoras, al que no considera un género menor que otros. Para él, las composiciones de John Williams son perfectamente comparables a las de Bruckner o Puccini.  Y no tiene problema en afirmar que “la obra de arte más completa es el Cine, y en segundo lugar la Ópera”.

La entrevista que leerán a continuación se celebró en Zaragoza el pasado día 20 de octubre.  Era un reencuentro con el maestro Martínez-Orts, a quien conocimos el pasado año.  Agradecemos desde estas líneas su cordialidad y su pasión por el proyecto que él encabeza: la FILM SYMPHONY ORCHESTRA.

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Decía Diderot: un actor no debe sentir nada, son los espectadores los que deben sentir

¿Se puede extender esta filosofía a un músico? ¿Deben ser los espectadores los que sientan la música más que aquellos que la interpretan?

Más que aquellos… (reflexiona) Yo sí que me tomo en serio el tema de que al final lo que estamos haciendo es un actor de comunicación.  Desde el compositor/creador, pasando por el intérprete/recreador hasta el público.

Ahí hay un acto de comunicación que tiene que completarse y me tomo muy en serio que al final estamos haciendo lo que hacemos para que el público lo disfrute y se emocione.  Lo que sí no te puedo decir es que yo no me emocione haciéndolo.  Nos tomamos muy en serio lo que hacemos, tratamos la música de cine con muchísimo cariño, con muchísimo rigor para que al final consigamos lo que creo que estamos logrando: esos aplausos, esas ovaciones… ver a la gente emocionada.  Y ese proceso yo no lo concibo sin emocionarme.  Yo soy muy pasional y muy visceral (sonríe…) y realmente creo que yo no podría no emocionarme.  Yo necesito meterme en “Memorias de África” para interpretar esa partitura, o en “Matrix” o en “E.T.”, o en la secuencia final de “Parque Jurásico” y sentir eso como un abrazo entre el ser humano y las bestias ¿no?

Coincido con tu cita a medias, especialmente con la parte final que dice que el público es el que se tiene que emocionar, pero yo no puedo mantenerme alejado con esta emoción.  Yo no sé cómo Diderot pensaba así…

Quizá porque era otra época…

Quizá… (sonríe), y también otra percepción.  Entiendo lo que él dice, el objetivo es éste, pero no sé cómo podría hacerlo yo si no me emociono.

¿Cuál fue el momento en que comprendiste que la música sería tu vida?

Yo siempre estudié música desde muy pequeño.  Me enamoré de la música de cine por la película E.T., con 5 años, en Valencia y en un cine con mis padres.  Viendo E.T. yo me quedé alucinado.  A partir de ahí yo comencé a escuchar música sinfónica porque me encantó esa música.  Lo cierto es que yo continué estudiando música en el conservatorio de Valencia y cuando acabé mis estudios de bachillerato y tuve que entrar en la universidad, yo empecé a estudiar Telecomunicaciones.   Yo soy un ingeniero que no terminó, y luego estudié Ingeniería Técnico Agrícola y seguía estudiando música.  Hasta que un día me planteé en serio a qué me quería dedicar hasta el día de mi muerte.  Y ese fue el momento de ruptura donde decidí que la música sería mi vida.

Y de ahí viene esa presencia constante de la música de John Williams en todos los programas de la FSO ¿no?

Sí, y porque creo que John Williams es el compositor más inspirado de los últimos cuarenta años.  Hay otros grandes compositores, pero creo que él es el más grande de los grandes.

Hace pocos días escuchando un programa de música clásica en RNE, uno de los dos participantes en la tertulia manifestó que Miklos Rozsa fue el John Williams de la época…  ¿Estás de acuerdo?

Eran épocas distintas, pero quizá sí… se podría decir que sí.  Pienso que sería uno, porque también estaba Bernan Herrmann (muy asociado con Hitchcock).  No obstante, en John Williams todos escuchamos reminiscencias de Rozsa….  Williams ha vivido de la herencia de los grandes compositores de los años 40’s y 50’s.

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“Si no es un milagro, no es Bach” ¿qué les dices a los maestros de la orquesta antes de comenzar un concierto? ¿Cómo les motivas?

Yo les digo “si no amáis el cine, si no amáis la música de cine, fuera…  ¡No podéis tocar en esta orquesta¡”  Al que no le gusta el cine… no.

Pueden tocar en una orquesta sinfónica a Brahms, Mahler, Shostakóvich, pero en nuestra orquesta a uno tiene que gustarle lo que está haciendo y no pueden interpretar “La teoría del todo” si no han visto la película y no han llorado con Eddie Redmayne, el actor que interpreta a Stephen Hawking.

La FSO se ha convertido en una orquesta de referencia, ¿te gusta o te incomoda esta etiqueta?

Me gusta… y no me incomoda.  Al final, todo tiene su precio.  Ahora nos copian también mucho…

Sí, precisamente te lo he preguntado por eso…

Al ser referencia es un precio que hay que pagar.  Pero lo aceptamos, al fin y al cabo eso significa que estamos ahí, que estamos haciendo las cosas bien y que la gente nos tiene en cuenta.

Y, por supuesto, esto te obliga a esforzarte, a superarte, a crear una programas de conciertos originales, a que la calidad de la orquesta vaya siempre “in crescendo” y que todo, en cada año y en cada gira, salga mejor.

Si estuviéramos en un plan más oculto pasaríamos más desapercibidos.  Ahora estamos un poco en el punto de mira de todos, y nos obliga a hacer bien las cosas.  Al menos lo estamos intentando.

Constantino, ¿Qué es actuar: una pasión  o sólo un trabajo?

Actuar es una pasión.  Afortunadamente, yo creo que no puedo llamar trabajo a mi profesión.  Evidentemente es trabajo, pero puedo trabajar en lo que me apasiona (sonríe…).

¿Qué significa la música para ti?

Todo.  La música significa todo para mí.  Me levanto con música, me acuesto, viajo… todo lo hago con música.  Es como “Origen”, esa idea principal… la música es todo para mí..

Imagino que la elección de los temas que la orquesta debe interpretar debe ser un proceso arduo, porque no cabe en un concierto de dos horas todo lo que sin duda te gustaría incluir.   ¿Qué criterio sigues para realizar esa selección de temas?  

¿Eres únicamente tu el que hace la selección o admites sugerencias?

La elección la hago únicamente yo.  También es cierto que me gusta escuchar a nuestros fans, a la gente que nos sigue porque al fin y al cabo es nuestro público y me gusta mucho tenerlos en cuenta.  Lo que pasa es que es imposible incluir en nuestros programas todas esas peticiones, todos esos títulos porque necesitaríamos un concierto de 72 horas ¡y se quedarían muchos títulos fuera¡ (sonríe).

Dicho esto, el repertorio lo elaboro yo, pero me cuesta mucho elegirlo.  No te exagero si te digo que pasan de cinco o seis meses desde que hago una primera selección, la dejo madurar y finalmente decido.

¿Cuáles son mis parámetros?   Desde luego me dejo guiar por mi gusto por el cine.  Lo cierto es que sí, intento hacer un recorrido lo más amplio posible por toda la      Historia del Cine.  Hablando de décadas, de los Óscar 2015 con “La teoría del todo” o “Imitation Game”, hasta “Ciudadano Kane”, pasando por “Doctor Zhivago”, “Memorias de África”, “E.T.” o “Los vengadores”…  Pienso que estén todas las épocas y, por otra parte, diversas estéticas y estilos musicales: cine bélico “El puente sobre el río Kwai”, cine romántico “Leyendas de pasión”, aventuras cómicas “Los Goonies”, ciencia ficción “Independence Day”, ficción más amable “E.T.”…   Intento recoger el mayor número de estilos representados.  Por último, intentando recoger el mayor número de compositores, creo que de diecinueve temas que tenemos en esta gira 2015, hemos reunido a dieciséis compositores distintos.

Me cuesta mucho hacer la selección final, y además siempre intento alcanzar la montaña rusa de emociones.  Mover esos afectos del ser humano, pasando por la tensión estremecedora de “Matrix”, por el valle de la montaña con “Memorias de África”, la marcha militar de “El puente sobre río Kwai”, ese tema que te pone de pie de “Stark Treck: Primer contacto”…  Es tener al espectador en un flujo constante de energía, arriba y abajo y siempre ir “in crescendo” para que al final podamos conseguir una explosión y levantar al público.  Eso es lo que intento (ríe…).

¿Cómo se siente un director de orquesta momentos antes de salir a escena? ¿Cómo son tus “treinta minutos”?

Me gusta estar solo.  Siento una gran responsabilidad cuando salgo a un escenario.  Siento esa responsabilidad de tener que emocionar al público que ha venido a escucharnos.  Yo no concibo el Arte desde un punto de vista frío o desde concepciones vanguardistas… No, para mí el Arte, la música… es emoción.

Esa media hora antes me gusta tomármela en soledad, en mi camerino descansando y calentando un poco (mueve el brazo derecho…) porque también tengo un trabajo físico, debo calentar los músculos de los brazos, pero estoy en soledad preparándome para lo que viene después.

En todos estos años de profesión, ¿quién o quiénes han sido tus maestros? ¿De quién has recibido más enseñanza o quién es el espejo en el que sueles mirarte?

Como director de orquesta… mi formación procede de Valencia, con mis profesores del conservatorio.  Estudié también en Londres, Nueva York, Rumanía, Italia… y de todos ellos aprendí cosas buenas y cosas malas.  Yo creo que todos los maestros tienen sus virtudes y sus grandes vicios.  Seguro que también yo los tengo.

Sí es cierto, que siempre me he fijado en los grandes directores como Karajan, Abbado, Muti, Simon Rattle… o sea los grandes maestros de la clásica.  Poco a poco, por una sensibilidad especial y amor por el cine, yo he ido aplicando esta técnica clásica a las partituras de música de cine.  Intento que suenen lo más brillantemente posible.

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Cuando hay éxito parece que todo es sencillo, pero no lo es…  ¿Cuál ha sido el momento más difícil por el que has tenido que pasar (y superar) desde que eres el director de la FSO?

Los inicios de la FSO fueron muy difíciles.  La primera gira, por desconocimiento, me trajo muchos problemas.  Una cosa es ser director de orquesta y otra ser promotor de conciertos y tener una compañía que hace gira por España.  El no conocer bien ese terreno de promotor fue muy doloroso.  Lo cierto es que al final, ya sabemos que unas veces se gana y otras se pierde, pero yo soy de quienes piensan que unas veces se gana y otras se aprende (sonríe…).  Yo creo que siempre estamos aprendiendo.  Somos maestros de lo que no hay que hacer, conocemos bien lo que no hay que hacer sin conocer bien lo que hay que hacer.

Poco a poco creo que hemos ido mejorando, pero los principios siempre son complicados, son difíciles, son dolorosos, pero al final con tenacidad, con perseverancia, pasión y buen hacer creo que se consiguen las cosas.  Es cuestión de tener fe en un proyecto.  Al final, los astros se alinean y con mucho trabajo las cosas pueden salir bien, pero – como tú comentabas – no es sencillo.

De todos los conciertos a los que has asistido, como público, ¿sigue siendo el que ofreció Daniel Barenboim – hace 20 años en Valencia –  tu concierto inolvidable?

(Sonríe de nuevo…)  Sí, de la clásica sí…  Aquello fue ¡una orgía pianística¡  Llegó a tocar 19 bises, fue como si hubiera tocados dos conciertos seguidos.  Fue una locura maravillosa.

Ese concierto me ha apasionado toda mi vida.  También en Valencia, cuando existía la antigua Mostra tuvimos la oportunidad de traer a Maurice Jarre, a Lalo Schifrin, Michael Kamen… ¡aquellas experiencias musicales fueron espectaculares¡

Mi instrumento preferido es el piano.  ¿Quién es el intérprete de piano al que consideras más importante de la historia? 

¡Qué complicado es responderte¡ Hay tantos…  Desde los clásicos como Joseph Horovitz y Rubinstein,  que han sido grandes maestros… De los últimos: Ivo Pogorelich, de los años 90’s: Barenboim, por supuesto…

En cambio, yo no soy muy fan del chino Lang Lang, porque no soy admirador del sonido de los asiáticos, me parece muy duro.

No te sabría decir uno en concreto.  Durante los años de mi formación estaba muy de moda Pogorelich y yo me empapé mucho de él.

Maria João Pires, por supuesto  que es una de las más grandes pianistas.

Me sorprende mucho que no estés nombrando al genial Glenn Gould…

Cierto, porque yo lo he visto más como “el rarito”, yo creo que fue un gran pianista pero no ha sido quizá de mis grandes favoritos.  Ha estado ahí, en el Top Ten, sobre todo por todas las grabaciones que hizo de Bach.

Hay varios músicos que están siempre en cada gira de la FSO: 

Maurice Jarre: Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago…

Alan Silvestri: Forrest Gump, Los Vengadores…

John Williams: Harry Potter, Parque Jurásico, ET…

En la gira 2016, ¿tocará  incluir Pasaje a la India de Maurice Jarre?  Lo pregunto porque es mi película favorita de la Historia del Cine, y sería fantástico.

Está bien que lo propongas… en algún momento tendrá que caer “Pasaje a la India”, pero fíjate que Ennio Morricone todavía no lo hemos incluido y yo estoy deseando ya que esto suceda.  Morricone es uno de los más grandes compositores de música para el cine.

Seguramente no lo recordarás, pero el año pasado en tu rueda de prensa previa al concierto en Zaragoza te pedí que contemplaras la posibilidad de incluir en futuros programas algún tema de dos grandes compositoras: Rachel Portman y Eleni Karaindrou. 

Sin mujeres no hay cultura…

¡Exactamente¡

No me doy por vencida, y te voy a pedir dos composiciones que merecen estar en el repertorio de la FSO:

“Las normas de la casa de la sidra” de Rachel Portman

¡Uah… es fantástica esa banda sonora¡

“Adagio” de Paisaje en la niebla, de Eleni Karaindrou…

¡Correcto¡

Bueno… yo te lo vuelvo a recordar, te lo dejo caer… (reímos)…

Ahí… (sonríe…) Recuérdamelo y a ver si el año que viene podemos conseguir las partituras, que conseguirlas es otro factor a la hora de hacer los programas.

Gracias Constantino, estamos deseando que llegue el día 6 de noviembre para asistir a vuestro nuevo concierto en la Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza.

Si te gusta el piano como instrumento, a ver si disfrutas con “La teoría del todo” porque hay ahí unos pasajes de piano importantes y también en la introducción de “Leyendas de pasión”.  Este año, en la gira 2015, el piano tiene bastante papel.

¡Estupendo¡ Muchas gracias…

¡A ti¡

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PROGRAMA DE LA GIRA 2015:

PARTE I
Ciudadano Kane – Obertura (Bernard Herrmann)
Doctor Zhivago – Suite (Maurice Jarre)
El puente sobre el río Kwai – Marcha del Colonel Bogey (Kenneth J. Radford)
Memorias de África – Tema principal (John Barry)
Matrix – Suite (Don Davis)
Imitation Game – Suite (Alexander Desplat)
Star Trek: Primer Contacto – Créditos (Jerry Goldsmith)
Independence day – Suite (David Arnold)

PARTE II

Misión Imposible – Títulos (Lalo Schiffrin)
El Bosque – El camino de la grava  (James Newton Howard)
Horizontes de Grandeza – Títulos (Jerome Moross)
Los Goonies – ‘Fratelli Chase’ (Dave Grusin)
La Teoría del Todo – Suite (Johann Johansson)
Leyendas de Pasión – Los Ludlows (James Horner)
Los Vengadores – Títulos (Alan Silvestri)
Parque Jurásico – Suite (John Williams)
E.T – Suite (John Williams)

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NOTA:  Todas las fotografías insertadas en este post son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

AL GALOPE (Aut. Mary Luise Wilson y Mark Hampton), por Francesc Mazón Camats y Yolanda Aguas

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Foto: (c) David Ruano                                     Foto: (c) Outomuro

DIANA VREELAND: Al paso, al trote, AL GALOPE…, por Francesc Mazón Camats

Diana Vreeland nos recibe en su apartamento neoyorkino de Park Avenue, en un fascinante salón decorado en rojo (como en una de las míticas escenas del muy glamouroso Vincente Minelli). Una divina, desesperada, disparatada y finalmente desencadenada Diana va a hablarnos de todo, de todos… de ella. Acaba de volver de Europa (Londres, Milán, Madrid, París…), donde había escapado para no afrontar la cruda realidad: despedida, descabalgada de su trono de suma sacerdotisa de la moda.

Habla sin parar, como dijo su contemporáneo Truman Capote en una extraña mezcla de la duquesa de Windsor y un chofer de taxi neoyorquino, intentado evitar otra dramática realidad, está sin blanca, no sabe qué hacer con su futuro.

Un monólogo vertiginoso y aparentemente caótico que salta del presente al pasado, de su trabajo, donde se mezcla frivolidad y arte, de su familia, su niñez, llena de exquisitez y extravagancia

Sus conocidos… nombres, muchos nombres. Me recordó la maravillosa secuencia del musical “The Bells are ringing” de Minelli, donde una pobre mindundi de Brooklyn es invitada a una exquisita y muy exquisita fiesta en el Upper East Side, donde todos los invitados recitaban con las inimitables rimas de Cole Porter (otro exquisito) el quien es quien de lo más in del momento, a lo que nuestra pobre Judy Holliday respondía invariablemente: Rin Tin Tin.

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Diana Vreeland fue la divina  reina, casi mejor Zarina/tirana  del mundo de la moda, del diseño, del estilo… a lo largo de cuatro largas décadas. Impuso a fotógrafos, modelos, modistos o diseñadores y sobre todo a sí misma. Fue amada, imitada y caricaturizada con mal disimulada envidia que se acercaba a veces al odio. En “Funny Face” 1957 de Stanley Donnen, bajo la máscara de la temible editora de moda Maggie Prescott, la maravillosa Kay Thompson. Una década más tarde, en 1967 en “Qui êtes-vous Polly Maggoo?” de William Klein, con el aspecto más surrealista, de la autoritaria Miss Maxwell/Grayson Hall. Hoy día su posible discípula, podría ser Anna Wintour, pero la distancia es abismal.

Solo Carme Elias in the top, podía ser en la actual escena teatral esa criatura mítica, elegante, sarcástica, fascinante y a ratos imposible, insoportable.

Carme lucha con un texto endiablado, auténtica montaña rusa, donde cabe todo, lo dramático, lo cómico, lo caricaturesco o lo patético. En un hermoso y abigarrado decorado de Ramón Ivars  que pretende captar la atmósfera que la rodeaba. La Elias es capaz de pasar en minutos de la altivez a la vulnerabilidad. Consigue algo muy difícil, hacernos creer que ella puede ser el patito feo que impuso su imagen a golpe de talento y personalidad, incluso cuando nuestra divina recuerda con irónica amargura las crueles palabras de su madre: “Es lamentable que tengas una hermana tan guapa y que tú le tengas estos celos terribles. Y eso por descontado es lo que te hace tan absolutamente intratable”. Su fascinante madre la llamaba “Mon affreux petit monstre”.

Carme Elias está maravillosa tanto en el registro cómico como cuando habla de sus recuerdos de una impagable familia real española.  

Magnífica en el dramático, cuando escenifica el final trágico/majestuoso de la emperatriz Elizabeth/Sissi, deliciosa mimando las danzas de la Paulova o Nijinski y conmovedora cuando explica el patético final de su adorado esposo.

Una de las interpretaciones más completas y emocionantes de la Elias, con la que añade una nueva perla a su corona.

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(Diversos detalles del magnífico trabajo de Ramón Ivars – en la fotografía saludando junto a Carme Elias -).

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CARME ELIAS: el regreso a Madrid, por Yolanda Aguas

El regreso de Carme Elias a los escenarios de Madrid, es uno de los acontecimientos teatrales de este otoño 2015. Su último trabajo fue entre noviembre y diciembre 2011 con la obra de Ariel Dorfman “Purgatorio” junto a Viggo Mortensen y dirección del gran Josep María Mestres en las Naves del Español-Matadero.

En estos últimos cuatro años de ausencia de la escena madrileña, la Elias trabajó incansablemente en su Barcelona natal:

“Fum” (Humo) de Josep M. Miró, dirección del propio Miró (Teatre Nacional de Catalunya)

“Doña Rosita la Soltera” de Federico García Lorca, dirección de Joan Ollé (TNC)

“Al Galop” (Al Galope) de Mark Hampton y Mary Luise Wilson, Dirección Guido Torlonia (Teatre Akàdemia)

“Purga” de Sofi Oksanen, dirección Ramó Simó (Teatre Nacional de Catalunya)

Éste último trabajo, Purga, que pienso debería verse en Madrid en castellano (las Naves del Teatro Español sería un lugar ideal) es una de sus cinco mejores creaciones.  Está fascinante como Aliide Truu, una mujer hosca y amargada que en el momento de su confesión (inolvidable momento de la obra) muestra toda su vulnerabilidad. Miradas y silencios de la Elías que quedan para siempre en la memoria. 

En los primeros seis meses del 2014, Carme Elias interpretó “Fum” y “Doña Rosita la Soltera o el lenguaje de las flores”.  Y en medio de estos dos trabajos recibió la propuesta para interpretar “Al Galop” en el Teatre Akàdemia.  Inicialmente dijo que no, la verdad es que a priori no disponía de tiempo para memorizar y ensayar el texto antes de la fecha en la que estaba previsto su estreno.  Afortunadamente, se lanzó (y arriesgó) a este reto porque el texto de Mary Luise Wilson y Mark Hampton le fascinó desde el primer momento.

El regreso de Carme Elias a Madrid se produce en el Teatro Español.  No es casualidad, ella ha estado muy vinculada a este espacio desde siempre.  Estos días, por ejemplo, se puede visitar una magnífica exposición dedicada al añorado Andrea D’Odorico en la sede del Español.  Carme Elias trabajó con él en varios montajes teatrales: “El hombre del destino” de Bernad Shaw (Dirección de María Ruíz, Escenografía y Vestuario de A. D’Odorico), “Casi una diosa” de Jaime Salom (Dirección de Miguel Narros, Escenografía y Vestuario de A. D’Odorico) y “La doble inconstancia” de Pierre Marivaux (Dirección de Miguel Narros, Escenografía de A. D’Odorico).

Ayer jueves, 15 de octubre de 2015, la Sala Margarita Xirgu del Teatro Español recibió  a una mujer que marcó toda un época en el mundo de la moda: Diana Vreeland, interpretada por una actriz que sorprende y se reinventa con cada nuevo personaje, en un pausado y seguro caminar que dejará una huella permanente para futuras generaciones.

Acompáñenla en ese viaje, es una de las más grandes actrices de la escena europea.

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NOTAS: Las fotografías insertadas en este post son:

Las dos en blanco y negro, obra de los maestros DAVID RUANO y OUTOMURO.

El resto son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

Centenario de ARTHUR MILLER: Dramaturgo del Sueño Americano, por Francesc Mazón Camats

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El 17 de Octubre se cumplió el centenario del nacimiento de Arthur Asher Miller, uno de los dramaturgos esenciales del teatro contemporáneo y sin duda el mejor cronista del colapso del Sueño Americano.

Incansable dramaturgo, guionista, narrador y ensayista; referencia moral y ética de la terrible crisis por la que atravesó su país desde los años 30s hasta finales del siglo pasado.

Nacido en Harlem (New York) en el seno de una familia de emigrantes judíos austríacos. Su padre, un próspero comerciante textil, se arruinó con el Crack de la bolsa de 1929 y la feroz crisis económica posterior. La adolescencia del autor se desarrolló  entre las penurias de la depresión, en el entonces barrio obrero de Brooklyn (para siempre su ciudad) . Arthur trabajó desde muy joven para ayudar a su familia y costearse sus estudios de periodismo en la Universidad de Michigan, donde conoció a su primera esposa  Mary Slattery, madre de sus hijos Jane y Robert. El reconocimiento crítico de una primera obra juvenil, lo anima a seguir la carrera teatral.

A finales de los años 30, se incorpora al Federal Theater Project de New York, impulsado por el presidente Roosevelt para dar trabajo a los círculos teatrales y artísticos. Más tarde, ya casado, continuará trabajando en diferentes proyectos radiofónicos. Consigue estrenar en Broadway, su primera obra  “Un Hombre Afortunado” 1940, fue un fracaso crítico y retirada del cartel a los pocos días. Con dos hijos y la guerra en marcha, acepta trabajos alimenticios para la radio. En 1947, se estrena “Todos eran mis Hijos” con Karl Malden y Arthur Kennedy, el reconocimiento de la crítica (ganó su primer TONY)  y el éxito de público fue inmediato, pero parte de la opinión conservadora fue feroz. En informes del  FBI, se hablaba de propaganda del Partido, otros consideraban ofensivo, este depresivo drama moral, en el momento de mayor euforia por el fin de la 2ª Guerra Mundial. Empezaba su mejor etapa como dramaturgo, también una de las más brillantes del teatro americano.

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En 1948, inició la difícil escritura del 1er acto de “ La Muerte de un Viajante” que concluye en seis semanas. Después de arduas discusiones con el productor que temía que el título (propuso llamarla ”Free and Clear”) y el pesimismo y simbolismo de la obra, supondrían un fracaso comercial. Incluso Joshua Logan, eminente director de “Picnic” y “South Pacific”, retiró parte de su inversión económica, después de un ensayo general. La noche del estreno, el 10  de Febrero de 1949,  supuso una jornada mítica en la historia de Broadway. Arthur Miller y  Elia Kazan, director escénico, esperaban el final de la obra, devorados por la ansiedad, al fondo de un palcoSe produjo un silencio sepulcral de varios minutos, nadie se movía, los actores no se atrevían a saludar, entre el silencio detectaron los sollozos de algunos espectadores, hombres mayores con los abrigos puestos se levantaban y volvían a sentarse. Algunos lloraban ya ostensiblemente. Entonces se inició una salva atronadora e interminable de aplausos, la conmoción era general. La obra se llevó los tres premios mayores teatrales de la época: El Tony( de Nuevo), el Drama Desk de la crítica y el Pulitzer. Se representó en el desaparecido Morosco Theater a lo largo de 742 sesiones. Lee J. Cobb, Mildred Dunnock, Arthur Kennedy y Cameron Mitchell, la familia Loman, se habían convertido en un mito, en el símbolo de la clase media americana, devorada por un sueño imposible.

A lo largo de los años 50s, el autor demostró que esa familia era internacional. Los sucesivos estrenos europeos confirmaron que la obra era un clásico instantáneo. En España, los sucesivos Willy Loman: Carlos Lemos, Jose Mª Rodero, Jose Luís López Vázquez,  o José Sacristán recibieron el amor conmovido del público. En el recuerdo reciente, la versión en catalán del Teatre Lliure, con los magníficos Jordi Boixaderas, Rosa Renom, Pablo Derqui y Oriol Villa, que demostraron la vigencia actual de la  obra.

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A este extraordinario éxito, le siguió un extraño silencio, el de la persecución o caza de brujas iniciada por el senador  Joseph McCarthy, amparado por el infausto HUAC (Casa del Comité de las Actividades Antiamericanas) un estallido de histeria y delación de la generación progresista de intelectuales y artistas crecidos durante la Gran Depresión, la mayoría amigos y conocidos de Miller. El autor atravesaba una etapa turbulenta en su primer matrimonio, se había enamorado de Marilyn Monroe. Su  respuesta a aquel tiempo de canallas, como lo llamó Lillian Hellman, fue el estreno de su nueva obra “The Crucible” – El  Crisol- en Enero de 1953, retitulada en Francia como “Las Brujas de Salem” en una versión mítica, con Simone Signoret y Yves Montand, de la que hubo versión para el cine con guión de Jean Paul Sartre. El  éxito absoluto de sus estrenos europeos, contrastó con la desigual acogida en New York. Miller había sido  llamado a testificar (se le retiró el pasaporte) por el inquisitorial tribunal,  donde algunos se negaron a declarar, otros se exiliaron en Europa y muchos  amigos  de Miller, como Kazan, Odetts o LeeJ Cobb se traicionaron, delatando a antiguos camaradas.

Fue un trauma profundo en la cultura y la sociedad americana. Miller se presentó ante el tribunal acompañado por Marilyn, ya su esposa, negándose a declarar, condenado por desacato, con multa y inclusión en las listas negras de su obra y trabajo. Su ruptura con  Elia Kazan duró diez años y tuvo una compleja respuesta. En 1955, su obra corta en clave de tragedia en verso, fue convertida en una obra teatral,  más larga “Panorama desde el Puente”, una tragedia en los muelles de New York, en un medio italoamericano, con el trasfondo de la emigración ilegal. Debe entenderse como una respuesta al film de su examigo “On the Waterfront” – La Ley del Silencio- 1954, con la que Kazan ejecutaba un acto de justificación de su vergonzosa actitud, el film fue premiado con ocho Oscars y  Elia Kazan restituido a su brillante carrera en Hollywood. El oscuro estreno de la obra de Miller en Broadway, en Septiembre de 1955, contrastó con el apoteósico recibimiento de la obra en el West End de Londres, con dirección de Peter Brooks y la mítica interpretación de Anthony Quayle como Eddie Carbone, el trágico protagonista. El mismo Brooks, dirigió la versión francesa con un espléndido Raff Vallone (que también interpretó el film dirigido por Sidney Lumet). Es quizás una de las obras más representadas del autor y posiblemente la cumbre de su mejor etapa. En los EE.UU hubo que esperar a 1965, en el Off Broadway, para su reconocimiento, 780 representaciones de un enérgico y patético Robert Duvall como Eddie.

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A este apasionante y difícil periodo, siguió otro más duro y complejo, el de su crisis y doloroso final con la Monroe, ejemplificado en su regalo de despedida, el guión de “The Misfits”- Vidas Rebeldes- 1961. Un caótico e infernal rodaje, acabado in extremis por la fuerza y el coraje de John Huston  (último film de sus tres exhaustos protagonistas Marilyn, Clarck Gable y Monty Clift). El film estrenado poco después de la muerte de Gable, es a pesar de todo, un sincero homenaje crepuscular a un Hollywood que estaba desapareciendo y sin duda la mejor interpretación dramática de Marilyn Monroe. Su matrimonio estaba acabado, durante el rodaje Arthur conoció a la fotógrafa austríaca Inge Morath, con la que se casó en 1962 y tuvo a sus hijos Daniel y Rebecca.

El inesperado, pero inevitable suicidio de la actriz, el verano de 1962, proyectó una larga   sombra de culpabilidad y negatividad en la sociedad americana. La sexual rubia tonta, la risible aspirante a actriz del Actor’s Studio, había muerto. El mito no hizo más que crecer.

Miller recibió todos los golpes, su siguiente obra “Después de la Caída” 1964, fue interpretada como un autorretrato de su destructiva relación con la actriz, el autor lo negó. Quentin y Maggie, la cantante drogadicta, solo eran reflejos de una mayoría de seres humanos que nos destruimos negando justamente lo que hacemos. El fracaso comercial (no crítico) de la obra, asociado al fracaso total del ambicioso proyecto de convertir el Lincoln Center, que la obra inauguró, en un utópico e imposible Teatro Nacional, hundió por  mucho tiempo la carrera teatral de Miller en Broadway. Los magníficos trabajos de Jason Robards y la malograda Barbara Loden no consiguieron remontar la carrera comercial de la obra.

La recepción de la obra en Europa, fue discutida pero mucho más respetuosa. Annie Girardot en Francia, Monica Vitti en Italia o Marisa de Leza, en España, siempre a la manera de Marilyn, defendieron el personaje.

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Desde entonces el teatro inglés se convirtió en su mejor valedor. La casi veintena de obras que el autor escribió desde finales de los 60s hasta su muerte el 10 de febrero del 2005, solo tuvieron  estrenos dignos en los escenarios ingleses. Fue precisamente en el National Theatre de Londres, bajo la dirección de Michael Blakemore, en 1990, que la reposición de “After the Fallcon la extraordinaria interpretación de la actriz de color Josette Simon, levantó finalmente el vuelo, despegándose de la sombra patética de Marilyn Monroe. Su fantástica acogida, consiguió su trasplante a Broadway, y el inicio de la  recuperación crítica y de público del autor.

Arthur Miller se volcó, a partir de los años 80s, en el trabajo como guionista para el cine y la TV. Fue notable su guión para “Playing for Time” (en TV y posteriormente teatro) y la dura batalla en defensa de la actriz protagonista, la gran Vanessa Redgrave, a la que se intentó despedir y colocar en las nuevas listas negras de la era reaganiana, por sus ideas políticas. Ambos vencieron, consiguiendo sendos EMMYs por sus notables trabajos.

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Su libro de memoriasVueltas al Tiempo” de 1988 y la posterior recopilación de sus ensayos y artículos de opinión en “Al Correr de los Años 1944 – 2000”  dan cumplida cuenta de la diversidad y riqueza de sus intereses, de su profunda integridad personal, incluidas sus sombras, tan profundamente humanas.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post pertenecen a la colección privada de FRANCESC MAZÓN CAMATS.

 

En recuerdo de CHANTAL AKERMAN: ilustre desconocida, por Francesc Mazón Camats

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Para una mujer tan intensa, radical y difícil, en perpetuo movimiento, que arrastraba un historial de melancolía y trastornos bipolares, pasar de la consagración como autora de la obra maestra del cine feminista y radical de los 70s,  con 25 años, “Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles” a un casi absoluto eclipse a partir de mediados los 90s; hasta llegar a las burlas y cierto desprecio en la presentación  de su último film “No Home Movie” el agosto pasado en el Festival de Locarno, debió suponer para ella, el golpe final.

En la áspera rueda de prensa posterior, su respuesta a un sarcástico y maleducado espectador fue: “Mi madre me dijo: A veces, es mejor morir que vivir  y después se dejó ir… Quizás para ella fue una liberación, no lo sé. No he pasado por esa situación, aunque es cierto que todos los días me acerco un poco”. Dos meses más tarde, el 5 de Noviembre, se suicidó en París.

El film un austero y emotivo video retrato de Nelly, su madre. Un homenaje a esta superviviente de los campos de exterminio nazis, donde perdió a sus padres y parte de su familia. Su madre murió poco después del rodaje, hace un año. Aun no estrenado, se convierte así en su último escalón, antes del salto al vacío.

Nacida en Bruselas, Bélgica, el 6 de Junio de 1950, en el seno de una familia judía belga, apenas 5 años después del fin de la guerra y la liberación de los Campos de la Muerte. El descubrimiento/deslumbramiento de “Pierrot le Fou” de Goddard,  en 1965, la lanza como febril estudiante de cine en el Institut National Superieur D’Arts de su ciudad natal. Estudios que abandona para realizar su primer corto profético “Saute ma Ville”. El retrato de una joven solitaria en su cocina, que se suicida abriendo la llave del gas, haciendo saltar por los aires, metafóricamente, toda su ciudad. Fue como no en 1968, y la prensa dijo “una insurrección inflamable y Kamikaze contra el aburrimiento doméstico”.

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Su mal de vivre, la empuja a viajar incansablemente. Se instala en New York, Brooklyn donde será apadrinada por los popes de la Escuela del cine Underground, la vanguardia radical. Jonas Mekas, Michael Snow o Stan Brakhage, entre otros la animan a realizar sus cortos o largos independientes, como “Hotel Monterey” o “News from Home”. Dará clases en la New York Univ. Y dejará una huella profunda y un camino que seguirán entre otros sus devotos Gus Van Sant o Todd Haynes. De regreso a Europa lanza un nuevo puñetazo, con su radical “Je, tu, il, elle” donde se ofrece ella misma en una explícita escena sexual lesbiana. Como dijo Claire Denis, un film hecho con su carne, su piel, su vida…

El estallido de “Jeanne Dielman…” en 1975, es como una nueva deflagración. Su ruptura con la narrativa clásica es total. Un film de 3h 45’ sin prácticamente argumento o acción, con largos planos secuencia para “narrar” la monotonía exasperante y alienante de un ama de casa, madre soltera, sentada en la mesa de su cocina, desayunando o pelando patatas a tiempo real. Limpiando y ordenando obsesivamente y redondeando sus escasos recursos, con mecánicas sesiones de prostitución doméstica. Elipsis brutales y extrañas iluminaciones íntimas…se habló del hecho cotidiano hiperrealista, del minimalismo existencial…incluso de un Psicosis angustioso. Contó con para  ello, con la exquisita y suma sacerdotisa del feminismo radical y militante, la actriz Delphine Seyrig, hoy tan injustamente olvidada. Volvieron a colaborar otras tres veces, antes de la temprana muerte de la Seyrig.

Poco después, en 1978, se estrena en España “Les Rendez- vous d’Anna”, el que aprecio como su obra mayor y mejor, con la maravillosa Aurore Clément, otra de sus hadas madrinas y veladoras de la quebradiza Chantal. Cuatro films con ella. Es su film más intimo, personal y melancólico, el de una mujer en perpetuo movimiento hacia ninguna parte, como un sosias femenino del Nicholson de “Profesion: Reportero” 1975, de Antonioni.

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Algunos intentos controvertidos de hacer un cine más asequible como “Nuit et Jour”, sincero homenaje insomne a Jules et Jim, o “Golden Eighties” un musical en unas galerías comerciales, su film más popular  en Francia, ninguno estrenado aquí.

El intento de hacer una comedia clásica con Juliette Binoche y William Hurt en “Un Divan à New York” 1996, se salda con un fracaso, el film es una rareza y su química con la Binoche salta por los aires. A partir de ese momento su carrera comercial casi desaparece. Vuelve a los ensayos o documentales viajeros por todo el mundo, llenos de soledad, monotonía y vacio, como un cruce de Edward Hopper y Antonioni, ensayos poéticos, personales o políticos, más cercanos al arte que al público mainstream. Para mí muy asociado con otra ilustre viajera  escritora y ángel devastado  Annemarie Schwarzenbach, la amiga imaginaria de Carson McCullers.

En un sincero y emotivo homenaje del diario ”Liberation” , entre otros Todd Haynes ha dicho: “Contemplar Jeanne Dielman es una experiencia que cambia tu manera de pensar, de mirar o de imaginar el cine”, mientras que su discípula, la estupenda cineasta Claire Denis afirma: “Para mí “Toda una Noche” 1982, con Aurore Clément, encarna ese momento en que cineastas como ella consiguieron una absoluta autonomía para hacer sus films, ahora es mucho más difícil”.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

 

 

PHOTOGRAPH 51 (Aut. Anna Ziegler), por Marta Sostre

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Teatro Noêl Coward de Londres, noche fría pero llena de expectativas: en media hora iba a ver la actuación de Nicole Kidman en su regreso a los escenarios de Londres. Tras 17 años de ausencia, tras su paso por el West End con The Blue Room, adaptación de David Hare de La Ronde.

En esta ocasión, Kidman interpreta a la mujer que descubrió la forma de doble hélice de la molécula que contiene las características genéticas, esto es… el ADN.  Rosalind Franklin, extraordinaria científica, quedó fuera de los reconocimientos científicos internacionales, una vez más, por sus colegas masculinos.

No es la primera vez que Nicole Kidman da vida, voz y presencia a una mujer extraordinaria (ganó un Óscar por interpretar a Virginia Woolf en esa joya cinematográfica que es The Hours), pero quizá éste trabajo sea para ella mucho más emocionante por su carácter personal en el homenaje que con él hace a su padre, Antony Kidman, recientemente fallecido y que era bioquímico.

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Nicole Kidman ofrece en Photograph 51, una interpretación que llega al espectador por su entrega y compromiso.  Con su voz, clara, hermosa y segura, acaricia el texto, pero lo hace con firmeza y seguridad.  Ésta es una de las características de esta extraordinaria actriz: esos momentos en los que convierte su fragilidad en fuerza.

La escenografía es aparentemente sencilla: su laboratorio.  El lugar en el que ella vivió dedicada por completo a su investigación, alejada y desengañada de esos hombres científicos que se sentían pequeños a su lado.

Me gustaría decirles que vayan a verla, que no se lo pierdan si viven o viajan a Londres, pero desde hace días ya no quedan entradas.

Una experiencia inolvidable para mí haber disfrutado de su talento en un escenario teatral.

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NOTAS:

Las fotografías oficiales de la obra insertadas en este post son propiedad de sus autores.

Las fotografías del cartel oficial en el exterior del Teatro Noêl Coward de Londres, son propiedad y autoría de MARTA SOSTRE para CINET FARÖ.

FILM SYMPHONY ORCHESTA (Gira 2015), por Yolanda Aguas

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Constantino Martínez-Orts y los casi 80 músicos que le acompañan en la Film Symphony Orchestra han conseguido algo muy importante: ser referencia absoluta en cuanto a las grandes orquestas a las que todo buen aficionado al cine – y a la música – debe seguir.

El próximo día 6 de noviembre, esta gran orquesta regresará a la Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza, que – según palabras de la genial María Joao Pires-  tiene la mejor acústica de España.

La Film Symphony Orchestra  vuelve de gira con su FSO TOUR 2015 y la Mejor Música de Cine en Concierto. Un renovado espectáculo con nuevos temas de tus películas favoritas interpretados con la máxima calidad. Un nuevo show emocionante, excitante y conmovedor te espera de la mano de la FSO y su gran director Constantino Martínez-Orts.

Magníficos títulos como Matrix, E.T., Star Trek, Leyendas de Pasión, Parque Jurásico, Star Wars, Misión imposible o Goonies y por primera vez en España títulos como The imitation Game y La Teoría del Todo, ambas nominadas a los Oscar 2015 a la mejor banda sonora.

Film Symphony Orchestra es una orquesta de cine. Desde que en 2012 arrancara el proyecto FSO, el fenómeno fan no ha parado de crecer. Tras su reciente hito celebrando el aniversario de Regreso al Futuro con una proyección-concierto, Film Symphony Orchestra regresa con una nueva gira en su formato tradicional: un concierto sinfónico con la mejor música de cine.  Un programa de Oscar, con primicias en España y grandes clásicos

Conducida por su director y creador, Constantino Martíez-Orts,Film Symphony Orchestra ofrecerá este año un programa extraordinario en el que estarán presentes las BSO más destacadas de los Oscar de este año: Imitation Game y La Teoría del Todo, que serán interpretadas en directo por vez primera en España.

Todos los géneros están representados en el programa que viajará de la romántica Leyendas de Pasión, en homenaje al desaparecido James Horner, al clásico del cine bélico con la marcha militar de El Puente sobre el río Kwai, pasando por la icónica Los Goonies, en su 30 aniversario.

Las entradas se están vendiendo muy bien, no se despisten y adquieran la suya lo antes posible.

¡Que nadie tenga que contarles la gran noche de música de cine que se perdieron¡

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PROGRAMA DE LA GIRA 2015:

PARTE I
Ciudadano Kane – Obertura (Bernard Herrmann)
Doctor Zhivago – Suite (Maurice Jarre)
El puente sobre el río Kwai – Marcha del Colonel Bogey (Kenneth J. Radford)
Memorias de África – Tema principal (John Barry)
Matrix – Suite (Don Davis)
Imitation Game – Suite (Alexander Desplat)
Star Trek: Primer Contacto – Créditos (Jerry Goldsmith)
Independence day – Suite (David Arnold)

PARTE II

Misión Imposible – Títulos (Lalo Schiffrin)
El Bosque – El camino de la grava  (James Newton Howard)
Horizontes de Grandeza – Títulos (Jerome Moross)
Los Goonies – ‘Fratelli Chase’ (Dave Grusin)
La Teoría del Todo – Suite (Johann Johansson)
Leyendas de Pasión – Los Ludlows (James Horner)
Los Vengadores – Títulos (Alan Silvestri)
Parque Jurásico – Suite (John Williams)
E.T – Suite (John Williams)

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FECHAS DE TODA LA GIRA 2015:

Viernes 18 de septiembre – MADRID – Las Ventas
Viernes 25 de septiembre – PLASENCIA – Gran Teatro Alkazar
Sábado 26 de septiembre – CEUTA – Teatro Revellín
Lunes 12 de octubre – BARCELONA – L’Auditori
Sábado 17 de octubre – PAMPLONA – Baluarte
Domingo 18 de octubre – SAN SEBASTIAN – Kursaal
Domingo 25 de octubre – BILBAO – Palacio Euskalduna
Viernes 30 de octubre – GRANADA – Palacio de Congresos
Sábado 31 de octubre – MÁLAGA – Palacio de Ferias y Congresos
Domingo 1 de noviembre – SEVILLA – Auditorio Fibes
Viernes 6  de noviembre – ZARAGOZA – Auditorio de Zaragoza
Sábado 7 de noviembre – VALENCIA – Palau de la Música
Viernes 13 de noviembre – VALLADOLID – Auditorio Miguel Delibes
Sábado 14 de noviembre – BURGOS – Fórum Evolución
Viernes 27 de noviembre – A CORUÑA – Palacio de La Ópera
Sábado 28 de noviembre – VIGO – Auditorio Mar de Vigo
Viernes 18 de diciembre – MURCIA – Auditorio Víctor Villegas
Sábado 19 de diciembre – VALENCIA – Palau de la música

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NOTA:

Todas las fotografías insertadas en este post son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ, excepto la original de la Gira 2015 que es propiedad de la FSO.