EL NIÑO Y LA BESTIA (Dir. Mamoru Hosoda), por Yolanda Aguas

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No puedo comprender que el denominado “cine de animación” esté considerado (en el fondo lo está) en un nivel inferior al cine con personas reales.  Aceptar este hecho sería como despreciar obras maestras que llevan décadas emocionándonos.

En los últimos años los grandes festivales de cine han incluido largometrajes de animación en sus secciones oficiales, lo que desde luego me parece muy acertado.

En la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, la organización decidió incluir en su Sección Oficial la película japonesa “El niño y la bestia” de Mamoru Hosoda.

Por fin llega a nuestras salas esta gran película de animación firmada por un autor que hace algún tiempo ya nos maravilló son “Los niños lobo” (2012).  Hosoda es uno de los grandes autores que han llegado tras la estela de la genial factoría Ghibli, ésa fábrica de crear obras maravillosas de la mano de Miyazaki y Takahata.  Lo cierto, y lo contamos a modo de recordatorio, es que el propio Hosoda estuvo a punto de dirigir “El castillo ambulante” para Ghibli.   Hosoda optó por crear su propia compañía:  Studio Chizu, y con ella nos llega ahora una película con un fuerte poder de seducción.

El niño y la bestia comienza con Ren escapándose de casa tras la muerte de su madre y desconociendo el paradero de su padre, divorciado desde hace ya tiempo. Es entonces cuando Kumatetsu, un animal con aspecto humanoide, le invita a ir al mundo de las bestias, donde todo tipo de criaturas como él viven en una realidad paralela a la de La Tierra que conocemos. Ren, rebautizado como Kyota, acepta ser aprendiz de Kumatetsu para que éste pueda tener opciones de ser elegido como nuevo líder de las bestias. Sin embargo, Kyota deberá hacer frente al rechazo que genera la figura del ser humano en su nuevo mundo.

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La película cuenta con un personaje muy atractivo como Kumatetsu y otro en el que los cambios de actitud son perfectamente entendibles y nada exagerados como Kyota, El niño y la bestia progresa como un excelente film, brillante en su desarrollo y con muchos factores para disfrutar de la historia.  El director japonés construye la película con altas dosis de comicidad, lecciones sobre la vida y un inagotable espíritu de aventuras (por otra parte tan habitual en las películas de animación).

El único pero que le encuentro es su excesiva duración.  Una pequeña reducción en su metraje habría ayudado a salir de la proyección recordando con “más frescura” la historia que nos cuenta.  Con todo, se trata de una película que les hará pasar unas horas muy agradables.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

 

 

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THE LADY IN THE VAN (Dir. Nicholas Hytner), por Yolanda Aguas

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Alan Bennett, dramaturgo y guionista, es el autor de este texto de carácter autobiográfico que narra la relación que éste tuvo con una mujer indigente que arrastraba una desoladora y traumática historia personal.  De la mano del director Nicholas Hytner, se estrena ahora en nuestras pantallas esta película protagonizada por la genial actriz Maggie Smith.

El argumento se centra en la señora Sheperd (Maggie Smith) que da un giro total a la vida del escritor Alan Bennett, quien acoge a la anciana durante 15 años en el jardín de su casa en el prestigioso barrio de Candem Town, Londres. La película se basa fundamentalmente en la interpretación de Maggie Smith, quien se come el resto de la película. Su papel es impecable e imprescindible, y despierta en el espectador toda clase de sensaciones,  ya que transita del drama a la comedia en tan solo segundos, y aportando otra manera de ver la vida.

The Lady in the van  reflexiona sobre lo maravillosa que puede llegar a ser la vida, sin mucho más que la relación con otro ser humano.  Y, de un modo muy especial, de ahí que nos haya atrapado más la historia, la película también aborda paralelamente la vida personal del escritor.  Se trata de un monólogo interior del autor, que los espectadores vamos viviendo junto a él sin apenas darnos cuenta, identificándonos con sus pensamientos más íntimos.  La presencia en su vida de la Sra. Sheperd, no sólo da razón y sentido a la vida del escritor, también lo hace con el resto de vecinos de ese acomodado barrio.

Maggie Smith, quien ya interpretó este personaje en teatro, da vida a esta mujer con la solvencia, carisma y maestría habituales en ella.  Ganadora de dos Oscars, ella es el principal activo de la película.  Es difícil imaginar esta historia sin su presencia.

Comedia dramática biográfica que hace un tiempo se representó en el Queen’s Theatre de Londres, dirigida por el propio autor del texto.

Si quieren pasar un buen rato en el cine, vayan a ver The Lady in the van, por la historia, por la inconfundible “factura británica” de la película y por una interpretación emocionante de esa gran dama de la escena llamada Maggie Smith.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

UNA MUJER EN LA VENTANA (Aut. Frank Xaver Kroëtz), por Yolanda Aguas

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“Toda una vida debe caber en una maleta”…

La belleza de un molinillo de café, de una sopera de porcelana que casi nunca se usó, de la cuestionable comodidad de un canapé.  Apenas son objetos con los que una mujer convive a lo largo de toda su vida, pero adquieren una mayor dimensión cuando se los arrebatan, simplemente porque su vida en la casa que ocupó durante cuarenta años está llegando al final.

Los platitos de postre que de repente son lo más importante para ella, o esos objetos de cobre que quiere conservar para limpiarlos y de ese modo estar más entretenida.  El bicarbonato, los palillos, el reloj…  El joyero que guarda los gemelos de su esposo difunto, las medallas…  Todo lo que quiere llevarse a la residencia – a la que le condenan por un desahucio – y que va depositando en una pequeña mesa de camilla.

RENUNCIAR – ¡qué difícil hacerlo¡ – para acabar sus días en una residenciaDelicioso momento, lleno de ternura, cuando decide llevarse el (enorme) crucifijo de pared que simboliza la penitencia que debe asumir esta mujer.  La elección de la ropa que se llevará, el álbum con las fotografías de su vida (y que piensa dejárselo a su hijo Andrés, con la vana esperanza de ir alguna vez a su casa para verlo de nuevo).  La radio para escuchar sus zarzuelas preferidas… Un costurero, una manta, una linterna, un candelabro… Los libros… Emociona su reflexión sobre algo tan cotidiano como poder elegir los programas de televisión que ella espera ver en la residencia… (¡qué bonito narra el comienzo de El hombre y la tierra de Félix Rodríguez de la Fuente¡).  Divertido momento en el que compara la residencia como si fuera una reserva india.  Esas partidas de cartas que ya no jugará con sus vecinos.  Y ese momento hilarante en el que decide llevarse el cognac escondido en un termo (como también hace Charles Laughton en “Testigo de cargo” de Billy Wilder)…

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Versos que le escribió su hijo cuando era un niño y ella guarda en una cajita de música.  “Los sueños son como la espuma”.

En algún lugar leí que “esta obra y este personaje nos lleva a empatizar con una mujer que podría ser nuestra madre, nuestra abuela o nuestra vecina y a la que, por culpa de una casa declarada en ruinas, dejaremos de ver de un día para otro”Yo creo que no es así… en realidad (y de ahí que nos impacte y nos emocione tanto la historia) es como si nos pusiera delante de nuestros ojos nuestro propio futuro.

Su pájaro Perico…  a quien dirige las últimas palabras: “Y ahora a dormir, a lo mejor mañana sale el sol y todo se vea distinto, completamente distinto”.

Hace algún tiempo, hubo dos grandes actores que eligieron una misma obra: “Las últimas lunas” de Furio Bordon. Marcello Mastroianni interpretó la obra, en 1995,  poco antes de morir, y en España, tres años después, fue Juan Luis Galiardo (escoltado por la gran Carme Elias y Luis Perezagua).  En esa obra, ellos sufren un “desahucio filial” en el que les dicen que sólo pueden llevar una maleta a la residencia.  Toda una vida debe caber en una maleta…

Petra Martínez, maravillosa actriz de nuestra escena, da vida a la protagonista de la obra.  Una interpretación sólida que sabe acompañar con la ternura de una mujer que conmueve en las distancias cortas.

Una delicia de obra y de actriz.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

HITCHCOCK/TRUFFAUT (Dir. Kent Jones), por Yolanda Aguas

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El pasado  mes de septiembre de 2015. y dentro del marco del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, tuvimos la oportunidad de asistir a la  proyección de un gran documental dirigido por Kent Jones y protagonizado por dos grandes cineastas: Hitchcock/Truffaut.  El documental está escrito por el propio Kent Jones y Serge Toubiana.

Con motivo del 50 aniversario de la publicación de “El cine según Hitchcock” de François Truffaut, el director Kent Jones invita a los mejores directores de nuestro tiempo para compartir sus pensamientos sobre el perdurable legado y el genio del maestro del suspense Alfred Hitchcock.  El documental es una maravilla para cualquier cinéfilo.  Repasa la mítica entrevista al director británico por parte de François Truffaut (convertida en uno de los libros imprescindibles para cualquier amante del cine) que se celebró en 1966 durante una semana en Los Ángeles, y agrupa a cineastas de primer nivel como David Fincher, Martin Scorsese, Wes Anderson, Olivier Assayas, Peter Bogdanovich, James Gray, Arnaud Desplechin, Paul Schrader, Kiyoshi Kurosawa y Richard Linklater, todos ellos se prestaron a participar en ‘Hitchcock/Truffaut’.

El documental se articula con las fotografías que se hicieron durante aquellas reuniones entre Truffaut-Hitchcock, el sonido de sus voces y muchas escenas de las  películas sobre las que están conversando.

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Siendo un gran documental, la verdad es que hubiera sido más completo de haber contado con los testimonios (en forma de entrevistas) a las actrices que trabajaron en sus películas, como Kim Novak, Eva Marie Saint o Tippi Hedren.

Con todo, este documental que se acaba de estrenar, es un regalo para los amantes del cine.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

EL CIELO PROTECTOR (Dir. BERNARDO BERTOLUCCI), por Yolanda Aguas

PAUL BOWLES, escritor nacido en Nueva York en 1910, fue un gran viajero.  Junto a su esposa Jane, viajó por todo el mundo residiendo en París, España, América Latina y Tánger.  Esta última ciudad fue donde el matrimonio fijó su residencia y de su pasión por el norte de África surgió su novela más famosa: EL CIELO PROTECTOR.

La idea de escribirla, no obstante, nació mientras él recorría en autobús la Quinta Avenida de Nueva York.  En la película de Bertolucci, el autor aparece en una escena (El Bar de Tánger frente al Cine Alcázar donde Paul Bowles toma un té).  Él está al principio de la secuencia.  Bertolucci contó: “decidimos poner al autor mirando a sus personajes en el último momento.  El escritor representaba la literatura. Ésa era la idea”.

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Tánger, la tierra bajo la cual se encontraba el cielo protector.  Aunque lo parezca, éste no es un libro de viajes, es un libro que se centra en narrar las diversas culturas, cuándo éstas se comprenden y aceptan entre sí.  En la novela, la pareja formada por Kit y Port viaja junto a Tunner.   Tunner es el tercero en ese triángulo cumpliendo perfectamente el papel de agitador discreto aunque persistente.  Y mientras, el narrador, omnisciente, no nos concede accesorios más o menos útiles con los que identificar y juzgar a los personajes. Apenas hay opción para volver al pasado de los protagonistas, todo en la novela nos lleva hacia adelante.  No podemos decir que los protagonistas busquen algo concreto, más allá de un sitio para pasar la noche, comer o beber.  Sólo existe el anhelo de vivir el momento desde dentro.  El autor indagó en este texto maravilloso en las pulsiones más básicas e incomprensibles del ser humano.

Con este magnífico material literario, el gran director italiano Bernardo Bertolucci filmó una película bellísima.   Contó para ello con un magnífico equipo creativo:  Mark Peploe co-autor  junto a él del guión adaptado de la novela, la fotografía del maestro Vittorio Storaro y la música magistral de Ryuichi Sakamoto.

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Sinopsis de la película:

Una pareja de neoyorquinos viaja a África en busca de nuevas experiencias que puedan dar un nuevo sentido a su relación. En 1947, Port y Kit Moresby llegan en barco al norte de África. Tras diez años de matrimonio, para esta sofisticada pareja resulta difícil la convivencia. Port, un músico que lleva un año sin trabajar, busca en el desierto una fuente de inspiración y nueva savia para un matrimonio que se muere. Kit Por su parte, está cansada de viajar y espera que un milagro le devuelva a su marido. Tienen un compañero de viaje, George Tunner, un joven rico y mundano, fascinado por los Moresby, especialmente por Kit. Port, que se define como un viajero y no como un turista, está decidido a dejar atrás el mundo moderno y a adentrarse en el Sáhara para encontrarse a sí mismo

Origen del rodaje de esta película:

Según explicó el propio director, Bernardo Bertolucci, la idea de rodar esta película surgió así: EL CIELO PROTECTOR es un libro del que oí hablar mientras rodaba El Último Emperador.  Me hablaron durante mucho tiempo de él, al menos tres personas lo hicieron: Nandos Kafioti, Marily Golden y Mark People.  Para mí, eran los miembros de una sociedad secreta.  La sociedad de la gente que adora a Paul Bowles.  Yo no sabía quién era. Al final, acabas enfadándote con los amigos que insisten en que leas el libro.  Lo leí en China. En ese libro hay una destilación de veneno palabra tras palabra. Es el veneno de una clase de existencialismo.  La primera vez que fuimos a Tánger a hablar con Paul Bowles aún estábamos montando El último emperador y Mark presionó mucho con El cielo protector, así que me llevó a ver a Paul Bowles, una especie de leyenda en Tánger

EL CIELO PROTECTOR (THE SHELTERING SKY) es una de esas películas que nunca pasan de moda.   Han transcurrido los años, se estrenó en 1990,  y no envejece (en el aspecto formal de la imagen y en todo lo que plantea emocionalmente).

B.S.O. de RYUICHI SAKAMOTO:

“The sheltering sky” (El cielo protector), es la banda sonora que Sakamoto compuso para dicha película. A parte de una serie de piezas étnicas no compuestas por el mismo, de las que no hablaré, nos encontramos con un trabajo delicado, hermoso, casi minimalista.

Aparecido en 1991 de la mano de Virgin Records, este CD se compone de 13 piezas de Ryuichi Sakamoto más una serie de tracks de música étnica arábiga, que encajan perfectamente con la película pero que no toca comentar. El CD se inicia con “The sacred Koran“, una breve introducción cantada, e inmediatamente después el tema principal, una bella melodía que rebosa sensibilidad. Podría compararse al tema principal de “Snake eyes“, que también hace un uso intensivo de los violines, es algo minimalista e igualmente hermoso. El resto de temas varían, pero suelen durar apenas un minuto y poco más. Un ejemplo es “Belly“, que dura 1:27 min, y presenta una breve aunque destacable melodía a cuerda y viento, que presenta algunas notas del tema principal. Esto se da en muchas otras, como “On the bed (dream)“, que mezcla notas del tema con otras que ofrecen una impresión caótica, de sueño. “Loneliness” utiliza el piano a manos de Sakamoto, “On the hill“, la más larga y compleja quizás, presenta una voz cuyo canto recuerda la situación arábiga de la película (al más puro estilo de “El paciente inglés“).

Por último, memorable el tema principal tocado solo a piano, que es la pieza que pone fin a este CD (al menos en lo que respecta a Sakamoto).

Es, para mi, una de las más hermosas composiciones que he escuchado.

1. The sacred Koran

0:48

2. The sheltering sky theme

5:19

3. Belly

1:27

4. Port’s composition

1:23

5. On the bed (dream)

1:38

6. Loneliness

1:31

7. On the hill

6:12

8. Kyoto

1:04

9. Cemetery

1:25

10. Dying

3:35

11. Market

1:42

12. Grand hotel

2:06

13. The sheltering sky theme (piano)

4:20

 

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.