MANCHESTER FRENTE AL MAR (Dir. Kenneth Lonergan), por Yolanda Aguas

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Casi me da pena hablar de esta película si quienes están leyendo este artículo no la han visto. Si aceptan mi consejo corran a verla y después, si es de su interés, asómense a estas líneas.

“Manchester frente al mar” es la tercera película de Kenneth Lonergan.  Este cineasta ya ha explorado historias que muestran personajes con miedos, manías y aflicciones. “Puedes contar conmigo” (2000), era la muerte de los padres y su efecto sobre dos hermanos que sufren la pérdida.  En el caso de  “Margaret” (2011), en la que una estudiante que luego de sufrir un accidente y bajo la encrucijada de continuar con su vida y sanar o poner a prueba sus propios principios morales y éticos, se ve enfrentada a una situación de crisis.

Kenneth Lonergan crea con esta película un misterio que atrapa al público por completo. Antes de descubrir el pasado de cada uno de los personajes, nace una empatía con cada uno de ellos.  Todos han pasado por malos momentos.  El protagonista, Lee, busca una razón para seguir adelante y la encuentra en la relación con su sobrino.  Afortunadamente, este drama cuenta también con momentos divertidos (que ayudan a sobrellevar la pena).

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Lee Chandler (Casey Affleck) está obligado a regresar a su pequeño pueblo natal tras enterarse de que su hermano ha fallecido. Allí se encuentra con su sobrino adolescente (Lucas Hedges), de quien tendrá que hacerse cargo, mientras que al mismo tiempo Lee se siente destrozado interiormente debido a una tragedia de su pasado que ha mantenido en secreto durante todo este tiempo. Además, tiene que lidiar tanto con su exesposa Randi (Michelle Williams) como con la comunidad a la que regresará.

Chandler es un hombre completamente devastado y la historia le ofrece poca esperanza de recuperación. Conmocionan sus silencios, es un hombre que ha fabricado todos los muros posibles para poder vivir dignamente tras la pérdida, consumido tras complicadísimos combates.  Su encuentro con Randi, sus gestos (compartidos e incompletos) ilustran muchas cosas.  No hacen faltan los diálogos para que las lágrimas lleguen a los espectadores.

El joven actor Lucas Hedges interpreta el papel del sobrino adolescente. Actor al que ya vimos en “El gran hotel Budapest” (Wes Anderson), está dotado de un don especial.  Tiene talento y sensibilidad.  El papel que interpreta, difícil por su tremenda carga emocional, lo ha defendido brillantemente.  Patrick ha pasado por muy malos momentos en su corta vida, pero nada ha podido con su energía.

Gran película, con una potente secuencia central que no queremos desvelar. “Manchester frente al mar” es un filme que oscila entre la tragedia y el melodrama, pero que recorre, mediante una serie de escenas en retrospectiva y flashbacks, las graves heridas que los accidentes de la vida le han infligido al protagonista y que aún no han cicatrizado.

Casey Affleck, en el papel de su carrera, podría ganar el Oscar.

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NOTA: Todas las fotografías oficiales insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

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UNA GATA SOBRE UN TEJADO DE ZINC CALIENTE: RdP en Teatro Principal de Zaragoza, por Yolanda Aguas

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Me ha hecho especial ilusión poder saludar hoy al actor Juan Diego.  Disfruté de su trabajo en el montaje que dirigió Carlos Martín, “Ricardo III” para el Teatro Español de Madrid, pero no había tenido la oportunidad de hablar con él desde nuestro primer encuentro.

Fue en Valencia, en octubre de 1990, cuando la desaparecida Mostra de Cine del Mediterráneo dedicó un homenaje al director italiano Marco Ferreri.  Esta mañana, durante la rueda de prensa, le recordé a Juan que fue precisamente él quien me presentó al maestro italiano.

Aquella tarde-noche en Valencia les aseguro que es difícil de olvidar para mí,  porque conocí a Marco Ferreri, Juan Diego, Annie Girardot y Hanna Schygulla.

Anécdota aparte, el magnífico actor andaluz está en Zaragoza porque protagoniza ‘Una gata sobre un tejado de zinc caliente’ que este fin de semana se representa en el Teatro Principal con la dirección de Amelia Ochandiano.

Le acompañan en el escenario los actores Eloy Azorín, Maggie Civantos, José Luis Patiño, Marta Molina y Ana Marzoa (estupenda actriz a quien estos días podemos ver en la serie “Pulsaciones” junto a Pablo Derqui).

Una gata sobre un tejado de zinc caliente es uno de los grandes clásicos del siglo XX, un intenso drama familiar, profundo, honesto, divertido y sensual. Conflictos universales y eternos (la muerte, la mentira, el sexo, la represión, la homosexualidad, la ambición, la frustración) en una de las tormentas familiares más famosas del teatro clásico contemporáneo.

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La tormenta se aproxima y la tensión va subiendo en esta obra maestra de Tennessee Williams, crispando aún más las difíciles relaciones entre todos los miembros de la familia.

La obra maestra de Tennessee Williams  (Cat on a Hot Tin Roof), Premio de la Crítica y por la cual ganó su segundo premio Pulitzer, fue estrenada en 1955 en Broadway con dirección de Elia Kazan. Además es la favorita del autor.

Según nos ha explicado su directora, Amelia Ochandiano, “el objetivo de esta versión es mostrar las facetas más ocultas de cada uno de los personajes, mediante temas actuales como la familia, la pasión, la adicción o el desamor.  Se trata de un grandísimo texto teatral de Tennesse Williams que, así de primeras, apetece.  Es una función muy exigente y muy difícil.  Los personajes pasan por un ejercicio emocional muy elevado porque el autor lo pone al límite.  Viven constantemente al borde de la crisis y estallan una por una”.

 En concreto, surge de una última versión de su clásico que hace en unas conversaciones con el cineasta Elia Kazan, en el que le da una vuelta a la trama y le da más protagonismo a ese abuelo al que da vida Juan Diego, que atraviesa la función de principio a fin y que ha servido para que ambos puedan trabajar juntos por primera vez, algo que ya habían intentado en el pasado.  Tanto Juan Diego como Amelia Ochandiano, han recalcado que esta versión de la obra busca “hablar de asuntos cotidianos de la vida, como la muerte, la vida o la homosexualidad, y todo ello genera una gran crisis dentro de los personajes que forman el núcleo familiar.

Sobre el trabajo que Ochandiano ha realizado con el resto de los actores, ha manifestado que “El reparto es muy diferente, cada uno trabaja con su método, pero el proceso ha sido maravilloso y las crisis han sido todas creativas y no personales”.

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Juan Diego decidió protagonizar esta obra porque su personaje cuenta “una historia que consigue traspasar la barrera entre ficción y realidad, lo que consigue calar en los espectadores.  Este tipo de personajes son imprescindibles para el teatro y la cultura porque consiguen que la gente ría, llore, reflexione… en definitiva, que sienta. Esta es la razón por la que el teatro es necesario en esta sociedad.  Debemos cuidar la cultura.  Es una obligación que va desde nosotros, los actores, hasta los gobernantes, que son los principales responsables”.

En respuesta a la pregunta que le formulé: “¿Qué debe tener un personaje para que usted decida interpretarlo?, el gran actor nos dijo: “La historia ha de servir de algo, que la gente sienta, reflexione, ría y que cumpla así el cometido para el que se hicieron las nobles y bellas artes.  Pido que mi personaje sea verdad, que tenga sus razones, porque de lo contrario es muy difícil estar bien en un texto en el que estás mintiendo”.

La directora, Amelia Ochandiano, está encantada con el trabajo con Juan Diego:

Juan Diego y su personaje aportan la verdad y la defensa de un pensamiento y, al final, es el espectador el que se lleva los puntos de vista y los sentimientos de todos. Al tratar al personaje desde las tripas y la verdad, han aparecido toques distintos, como ciertos puntos de sentido del humor. 

Trabajar con él es un ejemplo, por su dedicación, su entrega, su disciplina y su generosidad.  Juan es un toro de Miura, pero yo también soy tremenda y lo que podría haber acabado como un choque de trenes ha culminado en una relación de confianza desde el primer momento”.

La compañía realizará tres únicas funciones de “Una gata sobre un tejado de zinc caliente” en la capital aragonesa.

La primera será esta tarde a las 20.30 horas, la segunda, sábado 11, a las 20.30 horas y, por último, se representará domingo 12, a las 18.30 horas.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CineT Farö.

 

JOSEPH LOSEY, Retrospectiva en el 65SSIFF, por CineT Farö

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La Filmoteca Española y el Festival de Cine de San Sebastián dedicarán dentro de la 65° edición del certamen internacional una retrospectiva al director estadounidense establecido en Inglaterra Joseph Losey (La Crosse, Winsconsin; 1909 – Londres, 1984). Tras su proyección en San Sebastián, la retrospectiva se programará en la Filmoteca Española, en Madrid, durante los meses de octubre y noviembre.

Joseph Losey representó en los años sesenta la máxima expresión del denominado cine de autor (o de arte y ensayo) con obras como El sirviente (1963), Rey y patria (1964), Accidente (1967) y El mensajero (1971), todas, menos la segunda, escritas por el dramaturgo Harold Pinter. Pero antes de convertirse en una figura preeminente del cine de autor europeo, vivió la compleja situación que afectó a tantos represaliados en la caza de brujas emprendida en Hollywood a partir de 1947. Su obra se divide en tres periodos, el inicial en el cine estadounidense hasta principios de los años cincuenta, el prestigio alcanzado en Inglaterra en los sesenta y setenta y una última etapa más itinerante que le llevó a trabajar bajo producción italiana, francesa y española.

Nacido en La Crosse, Wisconsin, en 1909. Losey orientó sus pasos hacia el periodismo escrito y radiofónico, para pasar después al medio teatral. Su abierta orientación de izquierdas le llevó a poner en pie montajes de obras de Bertold Brecht y a residir una temporada en la antigua Unión Soviética para estudiar nuevos conceptos teatrales. A finales de los treinta empezó a dirigir cortometrajes en el seno de la Metro Goldwyn Mayer y debutó en formato largo en 1948 con El niño de los cabellos verdes, una alegoría contra las guerras, los totalitarismos y la intransigencia ante la diferencia, producida por RKO.

Aunque pudo realizar varias películas de cine negro de bajo coste y con un indisimulado componente social –El forajido (1950), El merodeador (1951) y The Big Night (1951), las tres escritas por guionistas represaliados por el Comité de Actividades Antiamericanas, Daniel Mainwaring, Dalton Trumbo y Ring Lardner Jr.-, e incluso un ‘remake’ de la célebre M de Fritz Lang en 1951, su nombre apareció en las listas negras debido a la orientación de sus primeros filmes y fue acusado de pertenecer al Partido Comunista norteamericano.

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Cuando es llamado a declarar, se encuentra en Italia rodando Imbarco a mezzanotte / Stranger on the Prowl (1952). Decide no regresar a los Estados Unidos e instalarse en Inglaterra. Estrena este filme con el seudónimo de Andrea Forzano y los dos primeros que realiza en su país de adopción no llevan su nombre por cuestiones sindicales: El tigre dormido (1954), primera colaboración con uno de sus actores fetiche, Dirk Bogarde, aparece acreditada a Victor Hanbury, y Intimidad con un extraño (1956), la firma como Joseph Walton.
Losey se asienta en el cine británico en un momento de transformación. Es el auge del Free Cinema, tendencia de la que no participa aunque algunas de sus primeras películas de los sesenta tengan un cierto aire realista y social, pero también de la productora de cine fantástico Hammer Film, para la que Losey empezó X The Unknown (1956), de cuyo rodaje sería apartado y substituido por Leslie Norman, y dirigió después Estos son los condenados (1962); ambas son las únicas incursiones de Losey en los dominios de la ciencia ficción.
Tras un amago de integración en la gran industria cinematográfica británica con The Gypsy and the Gentleman (1958), producción de la compañía Rank protagonizada por Melina Mercouri, su obra alcanza un notable interés a partir del filme de intriga La clave del enigma (1959) y el drama carcelario El criminal (1961), en el que inicia su colaboración con el otro actor con el que mejor se entendería, Stanley Baker. Hasta mediados de los setenta, Losey combina películas muy personales en las que reflexiona sobre las relaciones de poder (entre hombres y entre instituciones) a partir de una puesta en escena repleta de símbolos (su particular utilización de las imágenes especulares), con títulos de apariencia en principio más comercial servidos por las grandes estrellas del momento e inspirados en obras muy populares o de indudable prestigio literario.

Al primer grupo pertenecen la película que mejor define su obra, El sirviente, con la incisiva escritura de Pinter y el duelo actoral entre Dirk Bogarde y James Fox, además de Accidente (Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes), El mensajero (Palma de Oro en Cannes) y el alegato antibélico Rey y Patría, cuya acción acontece en las trincheras británicas durante la celebración de un juicio sumarísimo por deserción, en la Primera Guerra Mundial.

En el segundo grupo se integran obras como Eva (1962), adaptación de una novela de James Hadley Chase, protagonizada por Jeanne Moreau y primera de las muchas películas que Losey consagrará a personajes femeninos que irradian una extraña fascinación; Modesty Blaise (1966), iconoclasta versión del cómic de espionaje de Peter O’Donnell y Jim Holdaway interpretada por Monica Vitti; La mujer maldita (1968), una pieza de Tennessee Williams servida por la explosiva pareja Elizabeth Taylor-Richard Burton; Ceremonia secreta (1968), drama sicológico y claustrofóbico interpretado de nuevo por Elizabeth Taylor, junto a Robert Mitchum y Mia Farrow; Chantaje contra una esposa (1973), según la pieza de Henrik Ibsen y con Jane Fonda, David Warner y Trevor Howard, y  Una inglesa romántica (1975), otro de sus filmes definitorios, un juego triangular intenso y malévolo escrito por Tom Stoppard e interpretado por Glenda Jackson, Michael Caine y Helmut Berger.
En este fecundo periodo, Losey realizará obras muy abstractas como Caza humana (1970), en la que narra la huida de dos presos perseguidos por un misterioso helicóptero -el guion está escrito por el actor Robert Shaw, protagonista junto a Malcolm McDowell, y el filme compitió en San Sebastián-, y El otro señor Klein (1976), con Alain Delon en el papel de un hombre sin principios durante la ocupación nazi en Francia que es acusado de ser judío (ganadora del César a la mejor película). Pero rodaría también filmes de transparente acento político como El asesinato de Trotsky (1972), con Delon como Ramón Mercader y Burton en el papel de León Trotsky, y Las rutas del sur (1978), continuación de La guerra ha terminado (1966) de Alain Resnais, escrita nuevamente por Jorge Semprún y con Yves Montand repitiendo su papel de exiliado español en permanente conflicto ideológico.

Losey volvió a Brecht muchos años después con una adaptación al cine de Galileo (1974), según la traducción al inglés que había realizado Charles Laughton y con Topol, muy popular entonces gracias a El violinista en el tejado (1971), en el papel principal. Hizo también ópera filmada –Don Juan (1979), con Ruggero Raimondi- y realizó en Francia La Truite (1982), con Isabelle Huppert en otro de los complejos personajes femeninos del cine del director.

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Su última película es Steaming (1985), inédita en España como la anterior. Se trata de una obra de raíz teatral protagonizada por Vanessa Redgrave y Sarah Miles y ambientada en un baño turco londinense el día de su cierre, reservado solo a clientes femeninas. Losey no pudo ver el montaje definitivo de la película, ya que falleció en junio de 1984, casi un año antes de que se presentara en Cannes.

La relación de Losey con el Festival de San Sebastián resultó siempre complicada a causa del régimen franquista. Además de Caza humana, se presentaron en el certamen El tigre dormidoLa mujer maldita y, en sección informativa, El mensajeroUna inglesa romántica también estuvo seleccionada, pero el director y Glenda Jackson no acudieron al Festival en señal de protesta por las últimas sentencias de muerte firmadas por Franco.

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NOTA:  Fuente de la noticia:  web oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

 

PREMIOS GOYA 2017: Ganadores, por Yolanda Aguas

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Como estaba casi segura, la película “Un monstruo viene a verme” de J.A. Bayona fue la gran triunfadora de los Premios Goya 2017.   «Jota», como su círculo más próximo llama al cineasta, se llevó el premio a Mejor Director que, emocionado, dedicó a su padre.

Que la ópera prima de Raúl Arévalo obtuviera el Goya a la Mejor Película no deja de sorprenderme.  Cierto que tiene mucho mérito, pero el premio a su director como mejor Director Novel creo que era ya suficiente reconocimiento.

Emma Suárez hizo un merecido doblete:  se llevó el Goya a Mejor Actriz de Reparto y también Mejor Actriz Protagonista.  La actriz recordó a la gran directora Pilar Miró.

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Uno de los momentos más mágicos de la noche fue cuando la cantante Silvia Pérez Cruz, protagonista de Cerca de tu casa, se llevó el premio a la mejor canción por esa misma película y agradeció el premio cantando parte de la misma al subir al escenario.  Fue su homenaje a las personas que han sufrido y sufren los inhumanos desahucios.

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Ganadores de los Premios Goya 2017

Goya de Honor

Ana Belén

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Mejor Película

Tarde para la ira

Mejor Dirección

Juan Antonio Bayona, por Un monstruo viene a verme

Mejor Dirección Novel

Raúl Arévalo, por Tarde para la Ira

Mejor Guion Original

David Pulido y Raúl Arévalo, por Tarde para la ira

Mejor Actor Protagonista

Roberto Álamo, Que Dios nos perdone

Mejor Actriz Protagonista

Emma Suárez, Julieta

Mejor Actor de Reparto

Manolo Solo, Tarde para la ira

Mejor Guion Adaptado

Alberto Rodríguez y Rafael Cobos, por El hombre de las mil caras

Mejor Actriz de Reparto

Emma Suárez, por La próxima piel

Mejor Actor Revelación

Carlos Santos, por El hombre de las mil caras

Mejor Actriz Revelación

Ánna Castillo, por El olivo

Mejor Música Original

Fernando Velázquez, por Un monstruo viene a verme

Mejor Canción Original

Ai, ai, ai de Silvia Pérez Cruz, por Cerca de tu casa

Mejor Dirección de Fotografía

Óscar Faura, por Un Monstruo viene a verme

Mejor Montaje

Bernat Vilaplana y Jaume Martí, por Un monstruo viene a verme

Mejor Dirección De Producción

Sandra Hermida Muñiz, por Un monstruo viene a verme

Mejor Dirección Artística

Eugenio Caballero, por Un monstruo viene a verme

Mejor Diseño de Vestuario

Paola Torres, por 1898. Los últimos de Filipinas

Mejor Maquillaje y Peluquería

David Martí y Marese Langan, por Un monstruo viene a verme

Mejor Sonido

Oriol Tarrago y Peter Glossop, por Un monstruo viene a verme

Mejores Efectos Especiales

Pau Costa y Félix Bergés, por Un monstruo viene a verme.

Mejor Película Documental

Frágil equilibrio, de Guillermo García López

Mejor Película Iberoamericana

El ciudadano ilustre, de Gastón Duprat y Mariano Cohn

Mejor Película Europea

Elle, de Paul Verhoeven

Mejor Película De Animación

Psiconautas, los niños olvidados

Mejor Cortometraje De Ficción Español

Timecode, de Juanjo Giménez Peña

Mejor Cortometraje De Animación Español

Decorado, de Alberto Vázquez

Mejor Cortometraje Documental Español

Cabezas Habladoras, de Juan Vicente Córdoba

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

LOVING (Dir. Jeff Nichols), por Yolanda Aguas

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La idea de la película surgió a raíz de un documental de Nancy Buirski titulado “The Loving Story” (2011), en el que detallaba esta historia real, filme que cautivó a Colin Firth, quien es el productor de la película.

Estamos en el año 1958. Mientras esperan el nacimiento de su hijo, Richard (Joel Edgerton) y Mildred Loving (Ruth Negga) deciden formalizar su relación casándose en el Estado de Columbia, en Virginia. A su vuelta a Carolina del Sur –donde el matrimonio interracial está penado por la ley–, la pareja es apresada y finalmente sentenciada a un año de prisión, aunque la pena será suspendida si Richard y Mildred abandonan Virginia y aceptan no volver a pisarla juntos durante 25 años. Pese a sus esfuerzos por salir adelante esquivando los problemas con la ley, el deseo de Mildred de volver a su tierra nunca decaerá.

Loving narra una historia real.  En la  vorágine racista que salpicó al sur de Estados Unidos hasta bien entrada la segunda mitad del pasado siglo XX, la prohibición del matrimonio interracial es, hoy en día, uno de los detalles que más sorprenden. Una persona blanca y una negra no podían tener relaciones ni casarse en hasta dieciséis estados del país americano. Esa lucha del matrimonio en contra de la estupidez institucional se alargó hasta el año 1967, nueve años en los que tuvieron que vivir o encerrados o desterrados en otro estado. Finalmente la Corte Suprema de los Estados Unidos les dio la razón al reafirmar el derecho que ambos tenían a casarse, como cualquier otra pareja.

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La compenetración de los dos actores protagonistas en sus actos cotidianos, sus gestos y sus miradas mutuas es quizá una de las mejores que hemos visto en estos últimos años. Sólo por eso merece ser vista esta historia.

Ruth Negga es el rostro expresivo del dolor y la entereza: ella es el motor del relato, con su mirada vidriosa y unos labios que, desde la mueca nerviosa, perfilan una determinación y orgullo secretos. Aunque la luz más sutil y poderosa la porta Joel Edgerton, que en la piel de Richard Loving.

“Loving” es una emotiva historia de un amor.  Amor acosado por gente sin piedad que parece que no tiene más cosas que hacer en la vida que alterar la paz y la armonía de los demás. Algo que, desgraciadamente, sigue vigente en otras muchas historias.

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LION (Dir. Garth Davis), por Yolanda Aguas

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Saaru (Sunny Pawar) es un niño de una pequeña aldea de la India que se pierde en un tren y acaba siendo adoptado por una familia australiana. Tras un largo viaje vive solo en las calles, sin poder comunicarse, ya que en su pueblo se habla indi y en Calcuta bengalí. Veinticinco años después nuestro protagonista (que interpreta en edad adulta Dev Patel), con la única ayuda de Google Earth, intentará encontrar a su familia biológica.

Su historia se presenta en los lugares donde vive junto a su hermano. Secuencias que cubren gran parte del relato y que se erigen como las más sólidas, siendo su director, Garth Davis, capaz de introducirnos en la vida del pequeño sin apenas utilizar los diálogos, en lo que es la parte más brillante de la película.  La primera hora es muy interesante. Luego en la parte en Australia, en Tasmania concretamente, pierde profundidad y algunos de los personajes están poco definidos. El que más se resiente es el de Rooney Mara como novia del protagonista.

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En el último tramo la película vuelve a recuperar fuerza e interés, aunque va demasiado a la lágrima fácil.  A ello contribuye la música de Volker Bertelmann y Dustin O’Halloran, con nominación a los Oscar y que es otro de los puntos a destacar, con una cuidada y emotiva partitura.

Nicole Kidman vuelve a realizar una interpretación magnífica. Sigue brillando por pequeño que sea su papel y en esta ocasión con su encarnación de la sufrida madre adoptiva de Saroo, vuelve a obtener nominación en los premios Oscar.

La película tiene un gran fotografía de Greig Fraser, también nominada al Oscar, y que en la parte india es abrumadora por la reproducción de los paisajes y la visión que tiene el operador de la parte más desfavorecida del país.

Esta película, habla de los niños desaparecidos en La India  (en la película se indica que son unos 80.000 anuales).

Es una buena película.

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NOTA: Las fotografías oficiales insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.