Noveno día: Sábado, 30-09-2017

Rueda de prensa “The Wife”

La actriz norteamericana Glenn Close protagoniza la película ‘The wife’, película que participa en Sección Oficial fuera de concurso y que es la encargada de poner fin a la 65 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

«Es un acto de valentía que una mujer deje que su propia luz brille», ha manifestado la intérprete este sábado 30 de septiembre, en la que ha estado acompañada del director, Björn Runge, de su hija, la también actriz Annie Starke y la productora Claudia Bluemhuber.

Close da vida a Joan Castleman, una mujer inteligente y de gran belleza que ha sacrificado sus ambiciones y su talento durante cuatro décadas para apoyar a su marido en un carrera literaria e ignorar también sus infidelidades. En este pacto de concesiones desiguales, y en vísperas de la entrega a su marido del Nobel de Literatura, Joan afronta el mayor sacrificio y el mayor secreto de la carrera de su marido.

La actriz ha señalado que tras 42 años de profesión y de relaciones en su vida y en el trabajo, ha entendido y empatizado con la psicología de este personaje y sus sentimientos. Para crearlo, se reunió con el director y decidieron «cuáles eran las características más importantes y cómo transmitirlas».

Para Glenn Close, lo más interesante de esta historia es la complejidad del personaje y en qué medida «ella forma parte de la mentira tanto como su marido», algo en lo que estos personajes entraron «por casualidad» y que se convirtió en algo «poco real».

«Ella miente a su marido hasta casi el final, hasta que no puede soportarlo más. En ese momento, empieza ese otro viaje para encontrarse a sí misma y conseguir su voz de verdad, pero sin su marido. Es en la tensión de ese momento cuando ella puede seguir sobreviviendo», ha dicho.

Close (Connecticut, Estados Unidos, 1947) ha confesado que se siente «identificada» con este papel, que ha visto reflejado en muchas mujeres que ha conocido. «Muchas mujeres pasan parte de su vida apagando o tapando la luz que tienen dentro u ofreciendo su luz a otra persona, su marido o su pareja», ha lamentado.

Preguntada acerca de la liberación de la mujer y cómo se refleja en ‘The wife’, ha señalado que ella se convierte en «cómplice» de el machismo debido a «su falta de autoconfianza», como si lo que tenía que decir no fuese importante. A su juicio, esto es una cuestión «cultural» que logra superar al final, cuando se da cuenta de que «tiene que buscar su propia voz».

Glenn Close ha visitado por tercera vez el festival – seis años después de recibir el Premio Donostia en 2011 por su trayectoria profesional -, en la que destacan títulos como ‘Las amistades peligrosas’ (1988), ‘101 dálmatas’ (1996) o ‘Albert Nobbs’ (2011).

Steaming  (Dir. Joseph Losey – 1 h 35 min).

A las 12:15 horas, Cines Príncipe Sala 6, he asistido a la proyección de una joya del director Joseph Losey: Steaming, protagonizada por Vanessa Redgrave y Sarah Miles.

La despedida cinematográfica de Losey, estrenada después de su fallecimiento en 1984, fue también un homenaje a toda una tradición del cine británico a través de sus tres protagonistas: dos de sus más prestigiosas actrices, Vanessa Redgrave y Sarah Miles, se unen al antiguo mito erótico de los años 50, Diana Dors, en su último trabajo para el cine. Tres mujeres que frecuentan unos baños turcos inician una cruzada para impedir su cierre.

The Servant  (Dir. Joseph Losey  – 1 h 56 minutos).

A las 17:30 horas asistí a una proyección muy especial en los Cines Príncipe Sala 9:  The Servant dirigida por Joseph Losey.

La película contó con la presentación de la mítica actriz Sarah Miles.  Podrán leer un artículo completo dedicado a esta presentación (divertida y singular) en esta misma web.

Una de las obras maestras de Losey y la película que le proporcionó el reconocimiento internacional tras su estreno en el Festival de Venecia. Con guión del dramaturgo Harold Pinter y una brillante interpretación de Dirk Bogarde y James Fox, este claustrofóbico drama acerca de un aristócrata que contrata a un nuevo mayordomo transforma un espacio cotidiano en nido de tensiones y miedos, al tiempo que plantea una certera reflexión sobre las diferencias de clase y las relaciones de poder.

Rueda de Prensa del Palmarés 65 edición Zinemaldia

Como es habitual, a las 20 h estábamos convocados en la Sala de Conferencias del Kursaal para las declaraciones de todos los galardonados en el Palmarés de la 65 edición.

Hemos publicado un artículo completo que podrán leer en esta web.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías en el interior del Kursaal “rueda de prensa The Wife” así como las de Sarah Miles en los Cines Príncipe, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

Octavo día: Viernes, 29-09-2017

La peste  (Dir. Alberto Rodríguez – 1 h 42 min).

Alberto Rodríguez abre paso a las series con ‘La peste’, metáfora de la crisis y la corrupción.  Serie para televisión, pudimos ver los dos primeros capítulos, que cuenta con una superproducción y se nota…

‘La peste’ se desarrolla en Sevilla en 1587, una ciudad llena de esplendor aunque asolada por la peste negra. Allí, Mateo, un exmilitar que huyó tras ser condenado por la Inquisición por imprimir libros prohibidos, regresa para cumplir la promesa de sacar de allí al hijo de un amigo fallecido.

Impresionante la experiencia de ver los dos capítulos en la majestuosa pantalla del Kursaal.  Nos gustaron mucho las interpretaciones, en las que destacamos a Paco León y Patricia López Arnaiz.

The Leisure Seeker  (Dir. Paolo Virzi  – 1 h 36 minutos).

A las 12:00 horas asistí a la proyección en el Victoria Eugenia (Perlas) de la película protagonizada por dos mitos de la interpretación: Helen Mirren y Donald Sutherland.

The Leisure Seeker lo tiene todo para que apasione al público general: una historia de Alzheimer y de señores mayores que se quieren y viven su última gran aventura.

Aunque en ningún momento resulte dolorosa o aburrida de ver, sí que es cierto que le falta algo de magia y fascinación en su desarrollo, algo que nos haga pensar que esta no es una película que ya hemos visto mil veces antes.  Los dos actores se comen la pantalla sin contemplaciones y sin preocuparse de que los tópicos estén cada cuatro páginas en un guión que podría haber sido mejor.

Es una película sencilla. No hay nadie que pueda ofenderse o no entender lo que ocurre en pantalla, ya que tampoco trata de arriesgarse ni tomar giros excesivos. Cuando mejor funciona es cuando Mirren y Sutherland conversan, hablan, se cuentan secretos e intimidades, terminan de descubrirse el uno al otro.

Al final de la proyección hubo grandes aplausos cuando los nombres de Mirren y Sutherland aparecieron en los títulos finales de créditos.

The Wife  (Dir. Björn  Runge – 1 h 39 minutos).

A las 19:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la película de clausura de esta interesante 65 edición.

La sección oficial del Zinemaldi se cierra con La buena esposa (The wife), una película abiertamente feminista sobre una mujer que vive a la sombra de su marido, un novelista que acaba de ganar el premio Nobel. En sí, la historia y la película no son malas, sino inocuas, descubriéndose el giro desde el propio cartel, pero sin la presencia abrumadora de Glenn Close, ni siquiera hubiera llegado al festival, menos aún claususarlo.

Glenn Close interpreta un personaje interesante y lo convierte en un personaje apasionante, repleto de matices, represiones y personalidad, llena la pantalla y actúa como solo las grandes actrices del cine saben: con maestría, dominando la situación y dando mucho más de lo que se pide de ella.

Aunque La buena esposa es una película que es autoconsciente de su nivel bajo, su actriz principal consigue, por momentos, elevarlo hasta lo más alto. Merece que sea nominada el próximo año para los Oscar.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías en el interior del Kursaal “rueda de prensa La peste”, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

Séptimo día: Jueves, 28-09-2017

El séptimo día de la 65 edición tuvimos un leve problema de salud y no pudimos asistir a la primera proyección de la mañana.

 Rueda de Prensa  “La vida y nada más”.

En rueda de prensa en el Zinemaldia, el director, acompañado de Andrew Bleechington y Regina Williams, cuya hija pequeña en la ficción es también su hija en la realidad, actores no profesionales, así como del productor Pedro Hernández, que ha producido entre otras la película ‘Magical girl’ de Carlos Vermut, Concha de Oro en el Festival de San Sebastián en 2014, ha afirmado que se inspira en el cine de los años 90, en concreto en cineastas como Jim Jarmusch.

«Hay en ese momento un cine que sale muy del instinto, surgen como arrebatos, me siento partícipe de ese movimiento, mis películas han sido muy instintivas», ha afirmado, para añadir que también han sido complicadas, porque «en cualquier momento podían caerse».

Según ha relatado, en cada escena han sido los actores los que ha «construían de alguna manera». En este sentido, ha explicado que en el equipo de rodaje han estado «muy abiertos» a lo que pudieran «descubrir» en el proceso de filmación.

Sobre los actores no profesionales, ha señalado que el proceso de «búsqueda de los personajes fue precioso» y le permitió entrar «en un mundo que desconocía». El director ha relatado que a Andrew le conoció en su colegio, y estuvieron «como seis meses conociéndonos». «Él pensaría que estaba loco».

The Florida Project  (Dir. Sean Baker  – 1 h 52 minutos).

A las 12:00 horas asistí a la proyección en el Victoria Eugenia (Perlas) de una de las mejores películas proyectadas hasta el día de hoy: The Florida Project.

La película funciona como un documental paradójico, agudo y lleno de grandes momentos que brillan por su cotidianidad. La actuación de los chavales es fresca, casi amateur, pero creíble gracias al trabajo de Willem Dafoe como conserje del motel y de la intérprete de Halley, a quien el director encontró a través de las redes sociales. Sean Baker se había consolidado como el retratista indie de los bajos fondos y un maestro de la paleta de colores, pero  The Florida Project es todo eso más una preciosa loa a la amistad.

Moonee y Scooty le hacen un tour guiado del motel donde viven a su nueva vecina Jancey. «Nadie coge el ascensor porque huele a pis. Aquí vive una que se cree que está casada con Jesús. A este hombre le viene a buscar la policía todo el rato», le va explicando la pequeña de seis años a su amiga, que observa inocente como si le estuviesen contando la más divertida de las historietas.

Los tres son niños que viven por debajo del umbral de la pobreza en un barrio lleno de edificios de brillantes colores, casi todos moteles reservados para aquellos que no pueden permitirse una casa. El director Sean Baker hace un retrato de la brutal desigualdad del estado de Florida, donde decenas de familias pobres residen al lado del mayor imperio vacacional de Estados Unidos: Disneyland Orlando. Lo hace a través de la inocencia infantil. Pero así resulta casi más desgarrador.

Los niños crecen en un entorno de prostitución, drogas y pandillas, donde aprenden a robar para comer casi antes que a leer. En la superficie no hay drama. Ellos ríen, se entretienen con lo poco que tienen y dicen tacos más grandes que sus diminutos cuerpos. Son maleducados, cochinos, deslenguados y adorables granujas que pasan por encima de la miseria del motel con su vitalidad.

Baker, además, se centra en tres familias donde la figura de responsabilidad es una mujer. Moonee vive con su madre Halley, una chica tatuada de 22 años que está en el paro y se pasa el día fumando porros. Scooty también vive solo con su joven madre, una camarera negra que siempre roba gofres en su restaurante para dar de comer a sus vecinas. La última, Jancey, vive con su abuela porque su madre la tuvo con 15 años y se deshizo de ella. Todas estas mujeres luchan ante la adversidad mientras crían a sus hijos solas. Y nos puede parecer que lo hacen mejor o peor, pero es ahí donde el director nos hace conscientes de nuestra arrogancia.

Plano final que impacta profundamente.  Una película extraordinaria.

Encuentros Zabaltegi

A las 14 h acudimos, como solemos hacer todos los días, a los interesantes encuentros de la Sección Zabaltegi que se desarrollan en el Teatro Victoria Eugenia.

Interesante el encuentro de hoy con la presencia de la joven directora francesa Marie Francen.

La llamada (Dir. Javier Calvo y Javier Ambrossi  – 1 h 44 minutos).

A las 19:30 horas asistí a la proyección, en el Teatro Victoria Eugenia, de la última película que ayer no pude terminar de ver porque tenía que ir a otra proyección.

La película fue presentada por todo el elenco de actrices (menos Belén Cuesta, quién sí asistió al photocall de la mañana) y contó con la complicidad de un público totalmente entregado y entusiasta.  Había muchos invitados y amigos del equipo, eso es verdad, pero que la película será un éxito de taquilla es indudable.

Fe de etarras  (Dir. Borja Cobeaga  – 1 h 30 minutos).

A las 22:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la última película de Borja Cobeaga.

Fe de etarras es una insólita comedia de humor negro que transcurre en el cálido verano de 2010 en una capital de provincia española. Un peculiar comando, formado por un veterano que necesita demostrar que no es un cobarde, una pareja cuyo compromiso depende de la continuidad de la banda y un manchego que se cree que entrar en el comando le hará sentir como si fuera Chuck Norris, se atrincheran en un piso franco a la espera de recibir una llamada para pasar a la acción. Mientras tanto, la selección española arrasa en el Mundial de Sudáfrica y todo el país lo celebra a su alrededor, para mayor frustración del ridículo comando.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías en el interior del Kursaal “rueda de prensa La vida y nada más”, presentación de “La llamada” en el Teatro Victoria Eugenia,  así como Encuentros Zabaltegi en el Victoria Eugenia, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

Sexto día: Miércoles, 27-09-2017

El sexto día de la 65 edición comenzó con la cita que teníamos en el Hotel María Cristina para entrevistar a la productora americana Christine Vachon.

Estuvimos con ella 45 minutos, y la entrevista completa podrán leerla en nuestra web.

Entrega del premio  “Max Factor”.

A las 11 h estábamos convocados en el salón Elcano del Hotel María Cristina para la entrega del premio Max Factor a la actriz Bárbara Lennie.

Happy End  (Dir. Michael Haneke  – 1 h 47 minutos).

A las 12:00 horas teníamos una de las citas más importantes de esta 65 edición: la proyección en el Victoria Eugenia (Perlas) de la última película de Michael Haneke.

El largometraje presenta a una familia burguesa europea que está presenciando el final de la vida de uno de sus miembros, George, el que se dedica a recordar los tiempos pasados y mejores.

A esta trama se le suma la situación actual de la crisis de los refugiados y la cuestión de la migración, aunque solo supone una parte de lo que se cuenta en Happy End.

Michael Haneke dirige esta película, la que protagonizan Isabelle Huppert (Valley of Love, La Pianista), Jean-Louis Trintignat (Amor, Un Héroe muy discreto), Mathieu Kassovitz (De plus belle) y Fantine Harduin (Dans la brume).

Película menor del gran director,  resulta interesante el modo con el que nos presenta a una familia de clase alta.  Cine de denuncia pero demasiado frío.

Encuentros Zabaltegi

A las 14 h acudimos, como solemos hacer todos los días, a los interesantes encuentros de la Sección Zabaltegi que se desarrollan en el Teatro Victoria Eugenia.

Mother  (Dir. Darren Aronofsky  – 2 h 2 minutos).

A las 16:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la última película de Darren Aronofsky.  Venía precedida de la controversia que había despertado en la prensa acreditada en el Festival de Venecia.

Dentro de unos días escribiré una crítica completa y detallada del film que podrán leer en esta misma web, pero ahora me gustaría anticiparles que la película tiene dos partes muy diferenciadas.

La primera hora es una película fácil de seguir que cuenta con la presencia (magnífica) de dos estupendos actores: Ed Harris y Michelle Pfeiffer.

La segunda hora, ¿cómo decirlo?, es un auténtico despropósito.

Aquí lo dejo…  Eso sí, les recomiendo que vayan a verla cuando se estrene.

La vida y nada más  (Dir. Antonio Méndez Esparza  – 1 h 54 minutos).

A las 19:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la película dirigida por Antonio Méndez Esparza.

Regina es una madre soltera que lucha desesperadamente por cuidar a sus dos hijos. Su hijo mayor, Andrew, de 14 años, está lleno de desprecio hacia su madre y únicamente la amenaza de la justicia les unirá y cambiará sus vidas para siempre.

El film trata de alguna forma estas limitaciones. En Estados Unidos, el sueño americano es tan sólo para unos pocos, lo que provoca que se viva en una época de estancamiento y de la misma necesidad de superarlo. En los últimos 30 años, los índices de movilidad en el sentido del ascenso social, se han estancado por completo. La gente no experimenta ningún movimiento, sea hacia arriba o hacia abajo, de su estatus social como una vez lo hicieron, reduciéndose y degenerándose así sus posibilidades. Es más fácil soñar online, y quizás todos lo hagamos, pero los personajes se enfrentan a un mundo limitado. Frecuentemente oímos que las posibilidades económicas son infinitas, que todo es posible, que el sistema invita a los mejores, etc. Pero este mismo sistema está lleno de filtros y restricciones, de modo que la película explora estas ideas.

La llamada  (Dir. Javier Ambrossi y Javier  Calvo  – 1 h 48 minutos).

A las 22:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la última película de “los javis”.  Película que no pude terminar porque a las 24 h quería ver de nuevo “El museo de las maravillas” de Todd Haynes en el K2.

Mi intención es ver completa “La Llamada” mañana, en el pase que se realizará en el Teatro Victoria Eugenia con la presencia de todo el equipo.

Ahora sólo les contaré que la película es muy divertida y cuenta con una B.S.O. magnífica.  Las actrices están “en estado de gracia” y los periodistas que asistimos al pase de prensa nos reímos muchísimo.

De todos modos, en unos pocos días podrán leer mi crítica completa cuando se estrene en toda España.

El museo de las maravillas  (Dir. Todd Haynes  – 1 h 55 minutos).

A las 23:59 horas asistí a la proyección, en el Kursaal 2, de la maravillosa película de Todd Haynes.  Sí, debo confesar que hasta el día de hoy es la película que más me ha gustado de todas las que he visto desde el inicio del festival.

Nuevo visionado y el descubrimiento de nuevos detalles…  ¡Es extraordinaria¡

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías en el interior del Hotel María Cristina (Christine Vachon y Bárbara Lennie), así como Encuentros Zabaltegi en el Victoria Eugenia, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

Quinto día: Martes, 26-09-2017

Poporoca  (Dir. Constantin Popescu  – 2 h 32 minutos).

A las 9:00 h asistimos a la proyección en el Victoria Eugenia de la película.

Cristina y Tudor Ionescu han formado una familia feliz con sus dos hijos, Maria e Ilie. Él trabaja para una compañía telefónica y ella es contable. Ambos están en la treintena y viven en un bonito apartamento en una ciudad rumana. Su vida es la de una pareja normal con sus hijos. Pero una mañana de domingo, cuando Tudor lleva a sus hijos al parque, Maria desaparece. Sus vidas cambian abruptamente para siempre.

Tercera película del cineasta, Constantin Popescu, que ya había pasado por la sección de Nuev@s Director@s del festival en 2010. Con unos planos secuencias de lujo (el del parque es alucinante pero el que cierra la película es, literalmente, demoledor) y una duración (dos horas y media que nunca se hacen pesadas) que instala la angustia de la situación entre el público.

Gran cine de autor.

Desayunos  “Horizontes Latinos”.

Con apenas tiempo, logramos asistir unos minutos a Horizontes Latinos con la presencia de la directora Marcela Said  “Los perros”.

Rueda de prensa de Ricardo Darín y “La cordillera”.

Asistimos a la rueda de prensa de La Cordillera de Santiago Mitre.  Previamente, Ricardo Darín concedió una individual con motivo de su Premio Donostia.

Durante la rueda de prensa, el actor recordó que empezó muy pequeño su carrera como actor. Su inspiración han sido sus padres, ambos actores. Desde los ocho años está en teatro, televisión y cine. Una carrera que ha traspasado el océano y con la que el actor ha tenido el cariño del público español. Una carrera que da para mucho, pero a la que, el argentino le sigue viendo ciertos contras:

«Lo que nos pasa a los actores es que no nos soportamos a nosotros mismos», declaró entre las risas de los periodistas. Uno cuando ve su trabaja terminado se fija más en lo que no hizo que en las cosas que hizo. Es algo un poco perverso y autodestructivo», aunque asegura que tiene su lógica. «Verse lleva mucho tiempo en otro personaje. A mí lo que me ocurre desde siempre es que llama mucho más la atención la historia: Ver si el cuento o la historia ha salido como teníamos planeado. Luego vienen otras capas y otros intereses, como el trabajo junto a otros compañeros. Uno generalmente de primeras rechaza juzgarse a si mismo hasta que no tiene más remedio. A veces tienes un poco de suerte y te cae bien lo que te hiciste, o en cambio puede odiarlo de por vida».

«El ejercicio de ser otro es la parte más divertida de nuestro oficio. Pero verte plasmado ahí puede ser traumático». Y quizá impone más verse transformado en el presidente del gobierno, como en ‘La Cordillera’. Una trama política que encierra intriga y drama personal. Al toca un tema tan general, la pregunta sobre su interés en la actualidad española. Pero Darín ha sabido esquivar la respuesta. «Ya tengo bastante con la política argentina, pero no nos queda más remedio que seguir la actualidad, así que te agradezco que no me hagas la pregunta que me vas a hacer». Y una vez más, el público en sus manos.

Encuentros en la carpa KELER.

Invitada por una buena amiga, pude asistir a la carpa VIP de KELER.  Un lugar ideal para conversaciones más relajadas y encuentros más tranquilos.

Agradezco la amabilidad de los actores Eneko Sagardoy y Bárbara Goenaga quienes posaron para nosotros.

Presentación IV Ed. We Art Water Film Festival

Especialmente agradable fue esta presentación.  Nos reencontramos con el director Álvaro Ron, director de “El hombre de agua dulce” y con otros amigos.

We Art Water es un concurso internacional de Cortometrajes que tiene la voluntad de ahondar en la problemática del agua de una forma diferente y en el mundo del cine como herramienta para difundir su voz, y que cada año organiza la fundación We Are Water. Para su cuarta edición de nuevo han elegido San Sebastián para presentar su iniciativa.

La presentación ha contado con los miembros del jurado, Úrsula Corberó, Leonor Watling, Irene Escolar, Pablo Rivero, además de Yvonne Blake (presidenta de la Academia), los hermanos Torres (reconocidos chefs), Carlos Jiménez (director del centro Regional de Información de la ONU), y Xavier Torras, director de la Fundación We Are Water, así como la comisaría del festival, Judith Colell, presente desde la primera edición.

Wonderstruck  (Dir. Todd Haynes  – 1 h 55 minutos).

A las 16:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la última película de Todd Haynes.

En Wonderstruck, Todd Haynes se reúne con sus habituales Carter Burwell y Edward Lachman para narrarnos el viaje iniciático de Rose y Ben, dos niños pertenecientes a épocas distintas, pero que comparten la ausencia de un progenitor en su infancia y el deseo de que sus vidas sean diferentes. Será en sus limpias y cristalinas miradas donde Todd Haynes reflejará primorosamente la ciudad de Nueva York de los años 20 (Rose) y de finales de los 70 (Ben), merced a un soberbio trabajo formal y narrativo que hunde sus raíces, según confesó el propio director, en obras como Y el mundo marcha (King Vidor, 1928) y The French Connection (William Friedkin, 1971).

En su segundo tramo, más atado a su necesidad de resolver el misterio y a las emociones de sus personajes, Wonderstruck pierde el ritmo engrasado y la magnitud mostrada en sus primeros compases para hacer desembocar su gigantesca aventura en las lágrimas del patio de butacas.

Wonderstruck es un regalo inequívocamente dirigido a cada uno de sus espectadores, una sinfonía para los sentidos que nos retrotrae hacia nuestra más íntima curiosidad, hacia nuestras infinitas ganas por descubrir, por descubrirse, por descubrirnos. Llámenlo ciencia, música, antropología, cine, arqueología, literatura o, sencillamente, pregúntense a ustedes mismos, a ese niño que sueña despierto, a ese adolescente que quiere ser diferente, a ese adulto que trata de encontrar cierta inocencia perdida o a ese anciano que cruza los ochenta años con aún más ganas que todos los que vendrán por delante.

La última película de Todd Haynes es una joya que les emocionará.  Una declaración de amor al cine.

El secreto de Marrowbone  (Dir. Sergio G. Sánchez  – 1 h 50 minutos).

A las 19:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la película producida por J.A. Bayona.

El secreto de Marrowbone va a ser una de las películas más comentadas, referenciadas y recordadas del festival, pero no por los motivos que le gustarían a su director Sergio G. Sánchez (guionista de El orfanato y Lo imposible). Durante sus primeros dos actos, el drama familiar de época dejaba entrever un misterio quizá sobrenatural, quizá demasiado real.

Ahí estaba el misterio. Y la cosa ya empezada a oler mal, porque la película abusa bochornosamente de los sustos con efectos de sonido a mucho volumen: cuando un director explota ese truco varias veces, es porque no tiene más recursos.

También había clichés como niños que se adentran en habitaciones oscuras, muchachas que se asoman a azoteas oscuras o chavales que se cuelan en casas abandonadas en mitad de la noche en vez de hacerlo durante el día. Y cuando ha empezado a resolverse el asunto, el público ha abrazado El secreto de Marrowbone como una comedia, por mucho que en absoluto sea esa la intención de la película.

Una película que dejó de interesarme a los veinte minutos de comenzar y que tuve que esperar pacientemente el final como el resto de periodistas.

Morir  (Dir. Fernando Franco  – 1 h 44 minutos).

A las 22:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la última película de Fernando Franco.

Morir es una película sobre el proceso de la muerte. No sobre la muerte como momento [final o de paso a otra fase, según], sino sobre cómo nos morimos. Y por encima de todo sobre qué ocurre alrededor de una persona que se muere. Cuatro años después de dirigir La herida, su debut en la dirección de largos, Fernando Franco vuelve al Festival de San Sebastián con una historia que nace de la novela de Arthur Schnitzler con el mismo nombre.

En Morir, como en La herida, hay lluvia y hay reflexión. Hay sufrimiento. Pero también hay una manera determinada de entender la producción cinematográfica: la de la historia pequeña que va a lo universal desde un número reducido de actores.

Porque si hay algo que destacar en Morir, quizá injustamente excluida de la sección oficial de San Sebastián, es el dúo protagonista – Andrés Gertrúdix y Marian Álvarez -. Mientras sus personajes mueren, uno en lo físico y el otro en lo emocional, los dos se miran. Se pasan 90 minutos mirándose, comunicándose con la mirada; y en esas miradas hay mucha más información que en las líneas de diálogo, algunas de ellas algo impostadas en ese contexto de naturalidad que genera Franco.

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 Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías en el interior del KURSAAL, durante las conferencias de prensa de “La cordillera”, “Ricardo Darín, Premio Donostia”, “Carpa KELER” y “We Art Water Film Festival”, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

Cuarto día: Lunes, 25-09-2017

Licht  (Dir. Bárbara Albert  – 1 h 37 minutos).

A las 9:30 h asistimos a la proyección en el Victoria Eugenia de la película.

En su nueva película, la realizadora austríaca se centra en un caso real, el de la pianista ciega María Theresia von Paradis, quien vivió durante el siglo XVIII y fue una figura que alcanzó cierta relevancia en la alta sociedad vienesa de la época. El filme toma como eje central la relación entre su ceguera y su enorme talento musical, con las contradicciones y dificultades que eso conlleva. Buena parte del filme transcurre en un instituto en el que la joven se interna para tratar, con métodos experimentales de imantación, de recuperar su visión, que la perdió a los 3 años. Los progresos que hace allá son sorprendentes pero se encuentra con un inesperado problema: su mejoría visual la hace perder concentración y calidad interpretativa, lo que le provocará distintos tipos de conflictos, tanto consigo misma como con su familia y su médico, ya que todos parecen tener distintos intereses en relación a su recuperación.

 “Licht” procede de forma bastante clásica y un tanto académica, saliéndose de la norma en muy pocas ocasiones. Albert no aprovecha demasiado el tema central de su película –la luz– desde la puesta en escena, ya que su interés no parece pasar demasiado por mostrar los cambios en la percepción de su protagonista sino narrar sus conflictos psicológicos y emocionales que aparecen a partir de su inesperada recuperación.

Si bien la película fluye y tiene momentos de precisa capacidad de observación, además de personajes secundarios muy logrados, se siente como un filme que se habría beneficiado de un mayor grado de audacia formal y riesgo estéticos. Su cuidado academicismo, por momentos, la vuelve en exceso previsible, ya no desde lo narrativo sino en su propia construcción.

Rueda de prensa de “Una especie de familia”.

Al término de la RdP mantuvimos un breve encuentro con Bárbara Lennie, quien en esta ocasión nos atendió con amabilidad.  Conversamos con ella de sus próximos trabajos, y de los que están a punto de estrenarse, como “La enfermedad del domingo” junto  a la gran actriz Susi Sánchez.

Desayunos  “Horizontes Latinos”.

Asistimos a la parte final de Horizontes Latinos con la presencia de Emma Suárez y el director de “Las hijas de Abril”, Michel Franco.

Rueda de prensa de “Nesspresso”.

Hemos publicado en nuestra web un artículo completo dedicado a la presentación del nuevo cortometraje de Marina Seresesky producido por Nesspresso.

Rueda de prensa de “Wonders of the sea 3D”.

Ha presentado en Zinemaldia la película Wonders of the Sea 3D, un proyecto realizado por el hijo del oceanógrafo Jacques Cousteau, Jean-Michel, en el que colaboran los nietos de aquél, Fabien y Celine. El protagonista de Terminator presta su voz como narrador y ejerce también de productor de un documental en 3D que muestra el «festival visual» de la vida bajo la superficie marina.

Con su presencia, Schwarzenegger pretende también concienciar sobre la importancia de la proteger el medioambiente, una cuestión que, para él, es tanto de los poderes como de los habitantes anónimos del planeta. En ese sentido, en la rueda de prensa de presentación del filme se ha mostrado orgulloso de su trabajo en el tiempo (2003-2011) que fue gobernador del estado de California. «Creo que en California demostramos que se puede proteger el medio ambiente, reducir los gases invernadero, promover el uso de vehículos con combustibles alternativos y caminar en una dirección más verde», ha afirmado. «No hacerlo sería un suicidio. También para la economía: 10 años más tarde de nuestras políticas, el crecimiento del PIB en EEUU es del 2%, mientras que en California estamos en el 5%«.

Con esos datos en la mano, ha hecho un llamamiento: «Todo el mundo debería tomar nota. Si demócratas, republicanos, el gobierno federal y Trump fuesen inteligentes copiarían lo que estamos haciendo en California con el medio ambiente, porque es lo correcto. Hemos impulsado un proyecto para proteger toda la costa occidental de Norteamérica, desde California a la Columbia Británica. Y esto es un modelo para el resto de EEUU y para el mundo».

Encuentros Zabaltegi – Teatro Victoria Eugenia –  14 h.

Interesante cita la de hoy.  Entre otras películas, se presentaba la última película de Xavier Legrand (Custodia compartida).

You Were Never Realty  (Dir. Lynne Ramsay  – 1 h 35 minutos).

A las 16:30 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de una película que me ha decepcionado profundamente..

Joe es un veterano de guerra reencarnado en sicario bonachón que rescata a niñas muy pequeñas de la trata de blancas. Vive con su madre anciana, adora jugar al azar sobre su piel con el filo de una navaja y, en momentos de crisis, mete la cabeza en una de esas bolsas transparentes de la tintorería y cuenta hacia atrás muy despacio. Siempre hasta cincuenta, justo antes de quedarse sin una sola molécula de oxígeno dentro del plástico.

Lynne Ramsay toma la cámara y experimenta a placer durante la totalidad de You Were Never Really Here. A veces lo hace para hacer más soportable la brutalidad al espectador, ahorrando el crujido de los cráneos o los rostros desfigurados a través de unas silenciosas cámaras de seguridad. Otras, quiere provocar los suspiros ahogados que se escucharon en la sala al acercar el objetivo a un ojo reventado por una bala o a unas articulaciones como alambres retorcidos. La acción rodada por Ramsay es una experiencia sensorial y llena de riesgos visuales, pero no apta para todos los públicos.

La cordillera  (Dir. Santiago Mitre  – 1 h 54 minutos).

A las 19:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la última película de Santiago Mitre.

En unos días publicaremos la crítica completa de la película, ahora simplemente vamos a dar la sinopsis.

En una cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, donde se definen las estrategias y alianzas geopolíticas de la región, Hernán Blanco, el presidente argentino, vive un drama político y familiar que le hará enfrentarse a sus propios demonios. Deberá tomar dos decisiones que podrían cambiar el curso de su vida en el orden público y privado: por un lado, una complicada situación emocional con su hija, y por otro, la decisión política más importante de su carrera.

La propuesta de Mitre presentando a Dolores Fonzi como hija de Ricardo Darín “chirría” bastante.  A veces es conveniente pensar un poquito si el casting es el más adecuado o no, aunque la actriz sea la compañera sentimental del director de la película.

Saura(s)  (Dir. Felix Viscarret  – 1 h 35 minutos).

A las 21:00 horas asistí a la proyección, en los Cines Trueba, de estupendo documental dedicado a la figura del maestro aragonés Carlos Saura.

Carlos Saura, una leyenda viva. Félix Viscarret, un director que quiere realizar un retrato fílmico del gran maestro. Tiene un plan. Le parece brillante. Mostrará al Saura más íntimo a través de conversaciones del genio aragonés con sus 7 hijos. Todos aceptan. Pero a Saura no le gusta mucho hablar del pasado. Viscarret insiste. A Saura le gusta pintar. Y la fotografía. Viscarret no se rinde. Lo intenta. A Saura le gusta pintar. Y la fotografía.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

 Las fotografías en el interior del KURSAAL, durante las conferencias de prensa de “Una especie de familia”, “Wonders of the sea 3D”, “Nesspresso” y “Horizontes Latinos”, así como las realizadas en el Teatro Victoria Eugenia,  son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

Nespresso ha presentado «Una nueva vida», cortometraje dirigido por Marina Seresesky, protagonizado por Marta Etura e inspirado en el proyecto de Arroz Solidario de la marca. La première ha tenido lugar en el marco de la 65ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

«Una nueva vida» es un cortometraje lleno de emociones, aprendizajes y lecciones de vida, en el que se puede vislumbrar un paralelismo entre la historia de los protagonistas y el proceso de reciclaje dentro del ciclo de vida de una cápsula de café. El saber hacer, la paciencia y el esfuerzo son algunos de los valores compartidos por este corto de ficción.

Cuatro capítulos para concienciar sobre la preservación del medio ambiente

El corto ha sido rodado en el impresionante paisaje natural del Delta del Ebro, Tarragona, la principal localización donde se materializa el proyecto de reciclaje local de la marca, «Arroz Solidario», que parte de la idea de convertir “algo bueno en algo mejor”. Se dividirá en cuatro capítulos que serán publicados escaladamente a partir del 25 de septiembre, coincidiendo con la fecha de la première en el espectacular marco de la 65ª edición del Festival de Cine de San Sebastián, del que Nespresso es Café Oficial y Patrocinador Oficial de la sección Culinary Zinema un año más.

El proyecto de arroz solidario de Nespresso

En España, Nespresso centra sus esfuerzos en el reciclaje de cápsulas para contribuir a la ambición global de ampliar la capacidad de recogida de las cápsulas de aluminio usadas al 100%, así como aumentar las tasas de reciclaje. Por ello, cuenta con una red de más de 1.400 puntos de recogida de cápsulas usadas alrededor de todo el país.

Desde los puntos de recogida de toda España, una empresa de logística contratada por Nespresso traslada las cápsulas utilizadas a una planta de compostaje gestionada por la compañía Tradebe. En esta planta el café se separa del aluminio mediante una maquinaria especialmente diseñada para Nespresso por Tradebe. El poso del café se utiliza para enriquecer el abono preparado en la planta que se destinará a fines agrícolas. El aluminio, un material infinitamente reciclable, se traslada a una planta en la que se procede a su refundición y reutilización.

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NOTA:  Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

La directora belga Agnès Varda mantuvo hoy un encuentro con la prensa acreditada en la 65 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.  Por la tarde recibió su Premio Donostia, en el Teatro Victoria Eugenia, de la mano de José Luis Rebordinos : «Es un premio que dan a gente con éxito comercial, me siento la primera premiada marginal», señaló al recoger el galardón.

Horas antes de recoger el premio, la cineasta belga manifestó que «el cine tiene que tener sentido y no simplemente dinero».

La Sra. Varda, de 89 años, a quien la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le entregará el próximo mes de noviembre un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera, ha reivindicado durante este encuentro con la prensa «libertad, calidad e independencia económica» para el cine.

«Yo podría ganar más dinero, el cine se paga caro, pero no quiero vender productos o jamón. Por eso tampoco hago películas publicitarias y no gano mucho dinero pero hago un cine que es libre», ha defendido la directora, quien al comienzo de la rueda ha quitado de la mesa una botella de agua y la ha posado en el suelo. «Nada de publicidad», ha dicho.

Precisamente, señaló que la libertad era el elemento que compartieron los cineastas de la Nouvelle Vague, a la que perteneció, aunque los objetivos de los integrantes fueran diferentes, y ha precisado que este término no solo implica «salir y gritar», sino «saber si uno puede salir de los cajones».

Agnès Varda (Ixelles, Bruselas, 1928) afirmó sentirse impresionada por recibir el Premio Donostia y se ha preguntado si esta es la primera vez que el galardón recae sobre una persona «marginal» como ella que trabaja «con honestidad» y «no gana dinero». Según recordó, siempre ha tenido «dificultades» para financiar sus proyectos porque, tal y como ha subrayado, los cineastas de su «categoría» siempre han tenido problemas económicos.

Con sus manos cogió la cámara para subirse a la ola de la nouvelle vague, la única mujer directora en hacerlo, y con ellas recogió ayer el Premio Donostia en reconocimiento a toda su trayectoria, algo que repetirá en unos meses con el Oscar de honor. Y a sus manos mira cuando reflexiona sobre su edad, 89 años, y sobre el proceso de hacerse mayor: “Les digo a mis nietos que vengan a verlas, que tienen ríos y manchas, y les hago descubrir en ellas un paisaje”.

Pero Agnès Varda no ha venido a San Sebastián para disfrutar la vida de jubilada. Presenta película, “Faces Places”, con la que ganó en Toronto el premio a mejor documental, y reflexionó con lucidez sobre las cuestiones que los periodistas le planteamos. Para cada respuesta se tomó varios minutos que le permitieron pensar desde la situación de los obreros franceses hasta la cercanía de la muerte, temas que aborda en su filme, en el que junto a un joven artista recorre los pueblos de Francia para fotografiar a sus gentes. “Tengo ganas de que llegue la muerte, porque todo habrá acabado”, llega a decir en el filme. Luego matiza sus palabras: “Yo tengo muchas razones para vivir. Mi cuerpo se estropea, pero trabajo con mucho gusto. Esa frase no es una llamada a la muerte, es la idea de que estoy de acuerdo en que tiene que venir si no me hace sufrir. En eso sí pongo mis condiciones. Pero pienso que si me duermo esta noche en mi cama… Pues muy bien”.

 En esa contradicción, la de vivir a la espera del final y disfrutar cada momento del presente, resiste Agnès Varda como su cine resiste en la contradicción de ser visto por una minoría y reconocido por casi todos. Y en esa circunstancia le llega el Oscar: “Creo que es como una broma, porque a los Oscar van a personas conocidas que han hecho ganar mucho dinero, y yo en eso soy un cero”, explicó sonriente. “Le dije a mi hija que no iba a ir a recogerlo, pero me convenció de que tenía que ir. No puedo negarme, no puedo decir que no”.

La directora de “Sin techo ni ley” y “Cleo de 5 a 7” reconoce pese a todo que siempre le han gustado los retos, y que cuando no los ha tenido, los ha buscado. “Me puse dificultades, el objetivo de buscar otras estructuras de cine. He hecho muchos documentales, porque los documentales son la escuela de la modestia, porque estás al servicio de los sujetos que filmas”, explica sobre la libertad de su cine.

Un cine cuyo éxito y valor, dice, ha sido gracias a que no ha tenido exceso de dinero: “Yo podría ganar más dinero, el cine se paga caro, pero no quiero vender productos. Por eso tampoco hago películas publicitarias y no gano mucho dinero, pero hago un cine que es libre. El cine tiene que tener sentido y no simplemente dinero”.

Una delicia escuchar a esta intelectual, a una mujer brillante, a una directora mítica que no pierde su sentido del humor.

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NOTA:  Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

Tercer día: Domingo, 24-09-2017

Le Sens de la Fété / C’est la vie  (Dir. Éric Toledano y Olivier Nakache – 1 h 55 minutos).

A las 9:30 h asistimos a la proyección en el Victoria Eugenia de la película.

Los autores de “Intocable” vuelven a hacernos reír, sonreír, y pasarlo muy bien en la proyección con su nueva comedita “Le sens de la fête / C’est la vie”. Ellos son Olivier Nakache y Éric Toledano, quienes cuentan con unos magníficos actores y actrices que asumen con perfección los personajes creados por los autores. Por ejemplo, Jean-Pierre Bacri y Gilles Delouche. La historia, desenfrenada, transcurre en unas horas en un castillo convertido en lugar para bodas y otros festejos. Con extraordinaria habilidad, se construye la trama y durante el banquete de boda ocurre de todo: el cordero está en mal estado, van otro lugar en busca de un amigo que le resuelva ese segundo plato, tratan de darles a los invitados el máximo de hojaldre salado para hincharlos…

Este es el marco de un montón de relaciones muy bien entretejidas: amorosas, laborales, malentendidos, fotógrafo que odia a quienes le hacen la competencia con móviles, etc… Comedia muy divertida.

A las 11 h, comenzó los desayunos de Horizontes Latinos. Nos dio tiempo para realizar algunas fotografías de la presencia de Paulina García, actriz protagonista de “La novia del desierto”.

Inmediatamente nos fuimos a la rueda de prensa de Agnès Varda, Premio Donostia.

Varda es pionera en la apertura a las mujeres de un universo, el de la dirección cinematográfica, hasta entonces cerrado para ellas. «Sugerí a las mujeres que estudiasen cine. Les dije: ‘Salid de las cocinas, de vuestras casas, haceos con las herramientas para hacer películas’«. Ahora, ha dicho, se ha conseguido que haya muchas más mujeres detrás de las cámaras.

Pero para ella el principal problema no ha sido su género, sino lo económico. «Al recibir este premio, me he fijado en la lista de grandes estrellas que lo han recibido, actores y actrices sobre todo. No sé si es la primera vez que se concede a una persona cinematográficamente tan marginal, que hace cine sin dinero. Quizá es así y soy especial».

En ese sentido, se ha referido a las dificultades de su último filme, realizado gracias, entre otras cosas a un crowdfunding y al empeño de su hija en buscar financiación en el MoMA de Nueva York (que compró una copia para su fondo archivístico antes de que empezase el rodaje) y la Fundación Cartier. «Pero siempre ha sido prioritario para mí que no se viese publicidad. Por eso no me gustan los photocall con los paneles de los sponsors detrás. No podemos ser rehenes de la publicidad. No quiero vender cosméticos, jamón u otros productos. No conseguiré dinero, pero al menos hago un cine que es libre».

Y no sólo eso: «Mi voluntad es la de hacer un cine que tenga sentido y no solamente dinero». Por eso, en Caras y lugares dice haber trabajado en una situación de «simpatía hacia las personas» que aparecen en pantalla, sin importar sus ideas políticas. «No somos sociólogos ni antropólogos, sino cineastas». Su cine es «una escuela de modestia, al servicio de las personas que filmamos».

Aún así, ha rematado, preferiría que le diesen «más dinero y menos premios», después de una vida llena de dificultades en este sentido. «Me he pasado la vida entera buscando dinero. Nunca nadie me ha dicho: ‘¿Quieres hacer una película?'».

Encuentros Zabaltegi – Teatro Victoria Eugenia –  14 h.

Interesante cita la de hoy.  Entre otras películas, se presentaban la última película de Raymond Depardon y el documental dedicado a Carlos Saura.

Jusqu’a la Garde  (Dir. Xavier Legrand  – 1 h 30 minutos).

A las 16:30 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de una gran película.

Myriam y Antoine se han divorciado. Para proteger a su hijo pequeño de su violento marido, Myriam pide la custodia, pero la juez decide concederla compartida entre ambos cónyuges. Víctima de un padre celoso, y en el afán de proteger a su madre acosada, Julien hará todo lo que esté en su mano para que no ocurra lo peor.

Melodrama conyugal sobre situaciones frecuentes en los divorcios, donde los hijos sufren y son manipulados por ambas partes, Jusqu’à la garde, escrita y dirigida por Legrand, sigue el enfrentamiento dentro y fuera de los tribunales de unos recién divorciados por la custodia de su hijo menor. Ella no es capaz de aportar pruebas de la violencia de la que dice haber sido víctima de parte de su exmarido, y él convence con sus lágrimas al juez para que dictamine una custodia compartida. La sentencia no logra apaciguar las relaciones entre la pareja.

La virtud del film francés, protagonizado por Denis Ménochet y Léa Drucker, es ser capaz de transmitir la violencia soterrada, el miedo, las amenazas, sin perder objetividad ni buscar el amarillismo o la lágrima fácil, partiendo del drama familiar para acabar casi en el thriller de terror psicológico. Los conflictos de pareja, que sacan a relucir lo peor del ser humano, y en los que los hijos son con frecuencia víctimas de la manipulación, cuando no directamente de la violencia –plantea el debutante cineasta galo, quien fue candidato al Oscar con un corto de la misma temática– se desarrollan paradójicamente en lugares, nuestras propias casas, donde creemos sentirnos a salvo.

Extraordinaria película que creemos estará presente en el Palmarés.

Una especie de familia  (Dir. Diego Lerman  – 1 h 36 minutos).

A las 19:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de una película que tenía el atractivo de contar con la actriz española Bárbara Lennie como protagonista.

En Una especie de familia  el director  se concentra en la problemática de la maternidad ligada al dilema de la adopción en condiciones no demasiado cristalinas.

Lerman construye un relato rico en matices, ya que maneja con sensibilidad y sin caer en la denuncia subrayada las distintas perspectivas de la protagonista (una médica porteña interpretada por Bárbara Lennie que viaja a un pueblo de Misiones para concretar la adopción), de su pareja que no parece demasiado entusiasmado con la idea (Claudio Tolcachir), del doctor que hace de nexo en el acuerdo (Daniel Aráoz); y, sobre todo, de la madre del bebé que vive en condiciones más que precarias (Yanina Ávila, toda una revelación).

La película sostiene la tensión y hasta cierta dosis de suspenso respecto de las distintas resoluciones, aunque el eje no es tanto el thriller como las decisiones éticas y morales de los personajes. Otra vez con el destacado aporte visual del fotógrafo polaco Wojtek Staron, Lerman se acerca a un tema contradictorio e incómodo con muchos más hallazgos que lugares comunes.  Con todo, lo más destacado de la película es el trabajo de la actriz española.

 Operación Concha  (Dir. Antonio Cuadri  – 1 h 42 minutos).

A las 22:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de una película que tenía como aliciente que estaba ambientada precisamente durante la celebración de un Festival de Cine de San Sebastián.

Marcos Ruiz de Aldazábal, un empresario sin escrúpulos, lidera una productora de cine que ha caído en bancarrota. Desesperado y sin dinero, Marcos y su equipo trazan un plan para engañar a una inversora millonaria con un doble del prestigioso actor Ray Silvela, quien ha rechazado trabajar en su película. Aprovechando el contexto del Festival de San Sebastián, empieza la gran estafa donde nada es lo que parece.

Película que no aporta nada, con un metraje excesivo pero que cuenta, eso sí, con unos maravillosos exteriores rodados en (y alrededores) de San Sebastián.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

 Las fotografías en el interior del KURSAAL, durante las conferencias de prensa de “Agnés Varda” y “Horizontes Latinos”,  así como las de Depardon y Saura en el Victoria Eugenia son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

Segundo día: Sábado, 23-09-2017

Le Douleur/Memoir of Pain (Dir. Emmanuel Finkiel – 2 h 06 minutos).

A las 9:30 h asistimos a la proyección en el Victoria Eugenia de la película.

Marguerite Duras, figura imprescindible en la literatura francesa del siglo XX, también es, ella misma, un gran personaje. Tras haber nacido en la Indochina francesa en 1914, Duras estudió y trabajó en Francia, y vivió en París durante la ocupación nazi, años en los que participó activamente en la Resistencia francesa. Décadas más tarde, después de haber publicado un gran número de obras literarias y experimentado con el cine (de ella es el guion de Hiroshima, mon amour de Alain Resnais en 1958, y la dirección de un puñado de títulos como Nathalie Granger o India Song), la escritora decidió volver a recordar sus vivencias durante la II Guerra Mundial, y a plasmarlas en papel.  De ahí nace esta película.

En esta primera parte, más narrativa y convencional, más cercana a una producción de época al uso, Finkiel expone ya el tormento interior de Duras, permitiéndose de vez en cuando ráfagas impresionistas de imágenes sobre las que se escucha el monólogo interno de la mujer, lírico y profundo, dolorido y apesadumbrado. Es una vez que Rabier desaparece de la historia (a la vez que lo hace la ocupación nazi) que La Douleur da rienda suelta a una película más reflexiva, poética y, todo sea dicho, con tal peso que puede a veces girar la balanza hacia el lado no deseado.  Finkiel se concentra aquí en la aflicción de Duras, retratando su interminable espera con desdoblamientos puntuales (y visualmente literales) de la Duras escritora y la Duras personaje. La película se aventura en un grave serpenteo por las reflexiones de la escritora, apoyándose también en el dolor y las caras de las demás mujeres que esperan impacientes a sus maridos deportados.

A las 11 h, comenzó los desayunos de Horizontes Latinos. Nos dio tiempo para realizar algunas fotografías de la presencia de Daniela Vega, actriz protagonista de “Una mujer fantástica”.

Inmediatamente nos fuimos a la rueda de prensa de la película “El autor”.  Llegamos al comienzo

El tercer asesinato (Dir. Hirokazu Kore-eda – 2 h 05 minutos).

A las 12 horas, en el Teatro Victoria Eugenia, llegó uno de los momentos más esperados de todo el festival: la proyección de la última película del maestro japonés Hirokazu Kore-eda: El tercer asesinato.

Protagonizada por el actor y cantante Fukuyama Masaharu y por Koji Yakusho («Babel»), la película se abre con el asesinato de un hombre, cuyo cadáver es quemado por su asesino.

Lo que parece ser un caso sencillo se complica por las mentiras de todas las personas implicadas en una historia que se desarrolla principalmente en la sala del Tribunal que juzga al presunto asesino.

«Al comienzo no pensé en hacer un ‘thriller’ u otro tipo de película, solo quería hablar de seres humanos que juzgan a otros seres humanos», declaró el realizador de películas como «Nadie sabe» o «Still Walking».

En Japón, como recordó Kore-eda, aún existe la pena de muerte y los cambios se están produciendo, pero lentamente. Ahora hay un fuerte debate sobre la responsabilidad del individuo a nivel social y económico.

«A menudo los seres humanos no pueden conocer la verdad con certeza. He intentado crear ese tipo de ambigüedad que los abogados sienten tras conocerse el veredicto, siempre hay elementos de la verdad que no son entendidos».

Su objetivo, agregó, es hacer que el espectador sienta esa ambigüedad e incertidumbre.

Una película maravillosa, como todo el cine de Kore-eda, que está acompañada por la música magistral de Ludovico Einaudi.

Por la tarde, y como ya es habitual en nosotros, mantuvimos un encuentro privado con el maestro japonés, y de él proceden las fotografías que pueden ver a continuación.

Handia  (Dir. Aitor Arregi , Jon Garaño – 1 h 54 minutos).

A las 19 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la nueva película los creadores de Loreak.  La película me pareció una maravilla.

Tras haber luchado en la Primera Guerra Carlista, Martín vuelve a su caserío familiar en Gipuzkoa y allí descubre con sorpresa que su hermano menor, Joaquín, es mucho más alto de lo normal. Convencido de que todo el mundo querrá pagar por ver al hombre más grande sobre la Tierra, ambos hermanos se embarcan en un largo viaje por Europa en el que la ambición, el dinero y la fama cambiarán para siempre el destino de la familia. Una historia inspirada en hechos reales.

Con estupendos actores vascos: Eneko Sagardoy (todo un descubrimiento como actor) o Joseba Usabiaga (gran interpretación de su personaje), la película tiene una factura impecable.  Lo que me gustaría es que pudiéramos volver a ver en su estreno en toda España tal y como fue rodada: euskera y español.

Merece estar en el Palmarés.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

 Las fotografías en el interior del KURSAAL, durante las conferencias de prensa de “El autor” y “Horizontes Latinos”, así como las de Hirokazu Kore-eda en el Teatro Victoria Eugenia,  son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.