EL TERCER ASESINATO (Dir. Hirozaku Kore-Eda), por Yolanda Aguas

Cuando pensaba que nada podía incrementar la belleza de las películas de Hirokazu Kore-Eda, el maestro japonés nos regala, además de sus habituales encuadres insuperablemente bellos, la música del magistral Ludovico Einaudi.

¡Cómo si su cine lo necesitara¡  Pero la maravillosa y envolvente música de Einaudi está ahí para que la proyección sea todavía más inolvidable.

Como es habitual en el cine de Kore-Eda, su última película “El tercer asesinato” reúne casi todos los componentes de su filmografía: reflexiones sobre la condición humana, relaciones familiares, protección a la infancia, tradiciones ancestrales, compasión y verdad.  Puro sentimiento.

El que hasta ahora es considerado digno heredero del mejor cine japonés, y ferviente admirador de Ozu, se está convirtiendo (¡atención¡) en un gran maestro del cine que, quizá,  algún día iguale a Ozu.

Esta categoría no se adquiere fácilmente. Kore-Eda sabe manejar el tempo narrativo como nadie, plantea dudas (especialmente las morales), entretiene al espectador, y, por si fuera poco, emociona con sus historias.

Nada hay mejor y más efectivo que dosificar el talento creativo, y él lo hace como nadie.

El conocido abogado Shigemori (Masaharu Fukuyama) defiende a Misumi (Koji Yakusho, veterano actor, habitual de Kurosawa), un hombre que cometió un doble asesinato treinta años atrás y que ha vuelto a matar. Las posibilidades de ganar el caso son escasas, ya que Misumi reconoce ser culpable, a pesar de que esto signifique la pena de muerte. Pero conforme el abogado Shigemori empiece a conocer a su defendido, y escuche los testimonios de su familia, el abogado empezará a cambiar su perspectiva del caso y llegará a dudar de la culpabilidad de su cliente.

La relación entre el acusado y su defensor es ambigua y profunda sobre el comportamiento humano, en la que están presentes unos diálogos inteligentes. Sus encuentros son fascinantes, especialmente porque Kore-Eda usa la cámara y la luz de forma espectacular. No quiero hacerles spoilers, pero ¡qué plano final¡

Y en esta película de “género”, pueden estar tranquilos los seguidores habituales de su cine, el tratamiento de las relaciones familiares y la esmerada atención a la infancia no podían estar ausentes.  Tampoco el sentido del humor (escena de la anciana).  La familia se reúne y juega con la complicidad (física y estética) de la nieve. ¡Qué encuadres tan bellos y deslumbrantes¡ ¡Y qué música de Ludovico Einaudi¡

La película también es una reflexión sobre el funcionamiento de la justicia, de ahí el cambio de género aparente (que no lo es).

La presencia de la joven actriz Suzu Hirose, que protagonizó “Nuestra hermana pequeña” nos recuerda que Kore-Eda sigue firme en sus planteamientos creativos.  Su humanidad, su compasión y su forma de creer en el ser humano nunca estarán ausentes en sus maravillosas películas.  Por eso le amamos.

“El tercer asesinato” es otra obra maestra. 

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

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TROYANAS (Aut. Eurípides), por Yolanda Aguas

Ayer se representó en el Teatro Principal de Zaragoza “Troyanas”, dirigida por Carme Portaceli.

No es la primera vez que Carme Portaceli adapta a los clásicos.  Lo hizo, por ejemplo, en mayo de 2009 con Esquilo-Heiner Müller y el montaje “Prometeo” que inauguró el GREC de aquel año.  Estuve allí la noche del estreno.

Por sus expertas manos y su privilegiado pensamiento han pasado los autores más importantes: Thomas Bernhard, Máximo Gorki, Tadeusz Slobodzianek, W.Shakespeare, Rusiñol, Federico Garcia Lorca, E. Jelinek , H. Ibsen, B.M. Koltês, G. Tabori, R.W. Fassbinder, Harold Pinter, Marivaux, Lope de Vega, Hanoch Levin, Albert Boronat, Martin Crimp y Carmen Domingo, entre otros muchos…

Entró en el Teatre Lliure en 1982 y trabajó como ayudante de dirección al lado de Fabià Puigserver y Lluís Pasqual.  Dio clase de dirección y talleres de interpretación en el Institut del Teatre de Barcelona.  Forma parte de los miembros fundadores de la Academia de las Artes Escénicas de España (AAEE) y del comité organizador de los Premios Max.  Es la fundadora de FEI (Factoría Escénica Internacional) y actualmente dirige el Teatro Español de Madrid.

De modo que estamos ante una gran profesional con una importante trayectoria teatral.  El pasado verano, la Portaceli montó “Troyanas” para estrenarla en el Teatro Romano de Mérida.  Alberto Conejero adaptó y tradujo el texto de Eurípides con la intención de acabar con el silencio de las víctimas de las guerras de todos los tiempos.

La escenografía es austera pero efectiva.  Sobresale una enorme plataforma en la que está anclada una enorme “T” sobre la que se proyectan imágenes terribles de diversas víctimas.  La propuesta teatral de Portaceli se apoya en sus actores, en sus voces y en sus movimientos corporales.  El montaje tiene fuerza escénica pero “pierde agua” por el palpable desequilibrio en las interpretaciones.  Siento decirlo… pero hay considerables diferencias.

Mencionaré los trabajos más destacados.

Alba Flores (Políxena) dice su texto impecablemente. En sus genes lleva la maravillosa dicción de su abuela paterna, la gran Lola Flores (¡qué bien declamaba a Lorca¡).

Pepa López (Briseida), actriz que siempre está bien en sus interpretaciones y que, sin duda, es una garantía total para Carme Portaceli.  Por algo cuenta con ella en muchos de sus trabajos.

Y, por último, en escena una actriz extraordinaria: Míriam Iscla.  Es otro nivel, y que me disculpen las actrices que no nombraré en este artículo.  Sobradamente considerada en Catalunya y que está maravillando por toda España con su monólogo “Mujer no reeducable” con dirección del maestro Lluis Pasqual.   La Iscla da vida a Cassandra, hija de Hécuba.  Potente y segura sobre el escenario (que lo hace totalmente suyo).  Hagan lo posible por seguir su carrera, marcará una época

La obra finaliza con una frase que conmueve y sobrecoge profundamente: “Aguantarás para que el silencio no siga al crimen, para que la última palabra no sea de ellos, para que no se queden con toda la luz de este mundo”.

Que así sea…

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NOTAS:

Las fotografías oficiales de “Troyanas” son autoría de Sergio Parra.

Las fotografías de la Sra. Míriam Iscla y del reparto saludando al finalizar la representación en Zaragoza, son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

HANDIA (Dir. Aitor Arregi y Jon Garaño), por Yolanda Aguas

“Handia” nos presenta a Martin, que, tras haber luchado en la Primera Guerra Carlista, regresa a la casa familiar y allí descubre que su hermano menor, Joakin, es mucho más alto de lo normal. Convencido de que todo el mundo querrá pagar por ver al hombre más grande del mundo, ambos hermanos se embarcan en un largo viaje por Europa en el que la ambición, el dinero y la fama cambiarán para siempre el destino de la familia.

“Handia”  está inspirada en la historia de Miguel Joaquín Eleizegui Arteaga que nació en 1818 en la localidad guipuzcoana de Alzo, en el País Vasco y está considerado el hombre más alto de su época. Es conocido por el sobrenombre del Gigante de Alzo.

El Gigante de Alzo fue un personaje muy popular en su época, se exhibió por media Europa siendo recibido entre otros por la reina Isabel II de España, Luis Felipe de Francia o la reina Victoria del Reino Unido. Después de su muerte su recuerdo ha perdurado en el País Vasco, donde su pueblo natal aparece siempre asociado a la figura del “Gigante”. Era conocido como “el gigante español”. Padecía la enfermedad de acromegalia lo que le hizo crecer indefinidamente hasta su muerte. Llegó a medir 2,42 metros de altura.

La película está dirigida por Aitor Arregi y Jon Garaño, con la participación de José Maria Goenaga como guionista y productor tras el éxito cosechado por “Loreak”, película seleccionada como candidata española a los Oscar de 2015, nominada a dos premios Goya, y ganadora de numerosos premios en festivales nacionales e internacionales como Palm Springs, Signis Award-Festival de San Sebastián, Premio Feroz y Sant Jordi.

Mención especial requieren las interpretaciones (magníficas). Está protagonizada por Eneko Sagardoy, Joseba Usabiaga, Íñigo Aranburu y Ramon Agirre, y cuenta con la colaboración especial de Itziar Aizpuru. la película cuenta con una banda sonora compuesta por Pascal Gaigne y se ha rodado fundamentalmente en euskera pero en los viajes de los protagonistas también se oyen castellano, inglés, francés y dos frases en árabe y portugués.  Creemos que esta película requiere ser vista en V.O.S.E., para disfrutar al máximo de la historia

Una película que presenta y desarrolla la necesidad del hombre para construir y transmitir sus propios mitos. Reflexiona sobre los mitos que cada sociedad precisa crear.

Habla también del amor.  El amor fraternal entre hermanos que representan fuerzas opuestas pero complementarias a la vez: los dos poseen algo del otro dentro de él.  Es una declaración de amor a la aceptación de ser “diferente”.  Un poema visual inolvidable.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

UN SUEÑO DE BALENCIAGA: EL CINE, por CineT Farö

Un sueño de Balenciaga: el cine es una exposición comisariada por Pedro Usabiaga que ayuda a comprender la obra de uno de los artistas más importantes del siglo XX, donde más allá de su trabajo de alta costura nos muestra su participación en el cine.

La moda inundará el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza, del 18 de octubre al 7 de enero de 2018. La muestra “Un sueño de Balenciaga, el cine” recoge una visión retrospectiva de las colaboraciones realizadas por el gran diseñador de moda con el mundo del cine.

En total, 64 fotografías en blanco y negro y algunos documentos complementarios que ayudan a realizar un recorrido cronológico a través de imágenes de películas, así como de bocetos, de las creaciones realizadas por Balenciaga para el séptimo arte.

La exposición es una producción fruto de la colaboración entre el IAACC Pablo Serrano y el Museo de Balenciaga de Guetaria.

El comisario ha declarado que la muestra se ha organizado con sencillez y estilo, como el alma de Balenciaga.

Pedro Usabiaga ha estado acompañado en la inauguración por el director general de Cultura, Nacho Escuin, y el director del IAACC Pablo Serrano, Julio Ramón. Además, la compañía aragonesa LaMov se ha sumado a la puesta de largo de esta exhibición con el baile de una pieza musical.

Las imágenes, de fotógrafos como Juan Gÿenes, Rafael Pacheco, Georges Saad, Clifford Coffin, Lucien Clergue, Jean Tesseyre, Simón López y Vicente Ibáñez, proceden de los archivos de Biblioteca Nacional de España, Filmoteca Española, Festival Internacional de Cine de San Sebastián, Vogue Francia, M.G.M. Paramount, Cinemundo, Ciné-Miroir, Archivo Balenciaga París, Archivo Boutellier/Luis Gasca, Archivo Kerry Taylor, Archivo Patxi Lacan, Archivo Parodi y Colección Familia Calparsoro.

EL ARTISTA

Cristóbal Balenciaga (Getaria 1895 – Jávea 1972) marcó con su estilo y personalidad cuatro décadas de la moda, hasta su retiro en 1968. De carácter silencioso e introspectivo, la elegancia con la que supo envolver sus diseños es todavía un reflejo de su personalidad.

Amigo de artistas, de la talla de Chillida, Miró, Braque o Jean Cocteau, se dejó seducir por el mundo del cine. Desde su llegada a Paris en 1937 participó en una treintena de películas en las que vistió a las más grandes estrellas de la pantalla. Directores como Luis César Amadori, Alfred Hitchcock, Anatole Litvak, Marcel Carné o el propio Cocteau, entre otros, contarán con él para el vestuario de sus films.

EXPOSICIÓN:

Lugar: 

IAACC Museo Pablo Serrano

Fecha: 

Del 18 de octubre de 2017 al 7 de enero de 2018

Hora: 

De martes a sábado de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00. Domingos y festivos de 10.00 a 14.00.

Entrada gratuita.

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NOTAS: 

El texto de este artículo procede de la web del Museo Balenciaga y del IAACC Museo Pablo Serrano de Zaragoza.

Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

LA CORDILLERA (Dir. Santiago Mitre), por Yolanda Aguas

En una Cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, en donde se definen las estrategias y alianzas geopolíticas de la región, Hernán Blanco (Ricardo Darín), el presidente argentino, vive un drama político y familiar que le hará enfrentarse a sus propios demonios. Deberá tomar dos decisiones que podrían cambiar el curso de su vida en el orden público y privado: por un lado, una complicada situación emocional con su hija, y por otro, la decisión política más importante de su carrera.

El Presidente de la Nación, Hernán Blanco, llega a Santiago de Chile para participar de una cumbre energética de crucial importancia. Como si debatirse entre sus aliados y negociar acuerdos no fuera suficiente desafío, debe lidiar con una amenaza que puede derrocar su presidencia, la cual resulta venir de su entorno más íntimo.

El guión de La Cordillera  tiene ciertos elementos en orden. El elemento verosímil, por ejemplo, está ahí, ya que nos adentra con profundidad de detalle en un universo ajeno al ciudadano medio. El drama está también presente en los conflictos padre-hija, y también los conflictos de estado propios del contexto en el que se mueve la historia. En particular, la actitud que se adopta ante los aliados y qué se hace ante el avasallamiento de un país más poderoso.

Sin embargo, encuentro un problema en el guión de La Cordillera y es que las dos líneas argumentales que corren en la película nunca se afectan mutuamente. Esto trae como consecuencia que la alternación entre escenas se sienta más como producto de una distribución equitativa del tiempo de pantalla que de una progresión dramática, donde una escena debería incidir sobre la otra. Ello consigue que el final tenga toda la apariencia de ser un clímax pero no se sienta como tal; su falta de recorrido y energía hace que sea un final y basta.

En materia actoral, la película es prolija. Ricardo Darín nuevamente despliega ese carisma que lo caracteriza, pero le suma una inusitada cuota de actitud que lo hace plenamente creíble como el primer mandatario.  Elena Anaya tiene un papel secundario pero su presencia siempre es interesante.

Erica Rivas sobresale – como es habitual en ella – en este reparto internacional.

La Cordillera no es una película “redonda”, fallan demasiados puntos en el guión.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

MADRE (Dir. Darren Aronofsky ), por Yolanda Aguas

No analizaré yo esta película.  Creo que lo mejor que puedo hacer es reproducir las palabras con las que el propio director explicó su última película “Mother”, revelando que estaba inspirada en la Biblia.

El personaje de Madre (Jennifer Lawrence) es una representación de la madre naturaleza. La casa es la representación del planeta Tierra, el estudio es el Paraíso y el sótano es el Infierno.

El esposo, el poeta (Javier Bardem), es la representación Dios.  Él es el creador (lo dice al final de la película).  El primer huésped (Ed Harris) que llega a la casa representa a Adán. Después de que el poeta le saca la costila a Adán (de forma literal, ya lo verán…) por la noche, llega su esposa al otro día, es Eva (Michelle Pfeiffer).

El diamante en forma de corazón es la manzana prohibida, la cual quiebran y por ende, son expulsados del paraíso (el estudio del poeta).  Sus dos conflictivos hijos representan a Caín y Abel, con todo y el asesinato.  El poeta tiene serios problemas de vanidad. Nunca está conforme con el amor y la admiración que le brinda su esposa, siempre quiere más, es por eso que le encanta el hecho de tener fanáticos e invita a más de ellos a su casa.

Los huéspedes destruyen la casa sin importarles la opinión de la madre, ya que el poeta les dijo que eran bienvenidos, justo como los humanos destruyen la naturaleza.  El poeta crea su obra maestra (los diez mandamientos) se la da a su editora (Moisés) y ahí comienzan los verdaderos problemas, ya que todos los huéspedes de diferentes nacionalidades interpretan de manera diferente sus palabras.

Comienzan una guerra dentro de la casa, hay asesinatos, adoraciones y pegan por todas las paredes fotografías del poeta, lo que representa el fanatismo religioso del mundo.  Madre está muy mal, está lastimada a causa de la guerra, sin embargo el poeta sigue aceptando a los huéspedes destructores y groseros ya que ellos simplemente piden disculpas y él los perdona.

La casa (la Tierra) empieza a venirse abajo con tanto exceso de población, odio, guerras y muertes. La madre da a luz en medio del caos, el hijo de la pareja representa a Jesús, de hecho es el mismo poeta quien lo entrega a sus fanáticos que lo matan y comen de él. El poeta le pide a la madre naturaleza que perdone a los humanos, pero ésta decide ponerle fin a todo y destruye la Tierra.

El poeta utiliza el amor de la madre naturaleza para volver a crear un nuevo planeta, quizá con nuevos humanos, aprendiendo de sus errores

Esto es, en líneas generales, lo que Darren Aronofsky nos presenta en su película.

A unos gusta mucho por el atrevimiento y sus imágenes poderosas, a otros les resulta una película insoportable.

Les aconsejo que la vean y así podrán participar en los debates con sus amigos…

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

LA LLAMADA (Dir. Javier Ambrossi y Javier Calvo), por Yolanda Aguas

Quienes vivimos la época de los grandes éxitos musicales en el cine hace cuatro décadas, tuvimos una especie de melancólico recuerdo de aquellos años al ver alguno de los números musicales que se disfrutan en “La Llamada” de J. Ambrossi y J. Calvo.   Me refiero concretamente al número de Frankie Avalon en “Grease” totalmente hermanado con los momentos en que “Dios” le canta por Whitney Houston a Macarena Gómez en “La llamada”.  Menciono ahora la fotografía (otra vez maravillosa) de Migue Amoedo que sabe crear “la magia” necesaria para que esto suceda.

La historia es muy simple, pero los actores (especialmente las actrices) dan lo mejor y este esfuerzo sabe llegar al público haciéndole vibrar y reír casi toda la proyección.

Originalmente fue una obra de teatro, donde sigue representándose a día de hoy en el Teatro Lara, La llamada ha dado el salto a la pantalla grande de la mano de los mismos jóvenes que se ganaron al público teatral: Javier Ambrossi y Javier Calvo.  En la película también firman guión y dirección.

Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta y Gracia Olayo como las cuatro protagonistas, acompañadas por el británico Richard Collins-Moore que interpreta a Dios entonando canciones de Whitney Houston.

Destacamos el trabajo de Belén Cuesta, que se está convirtiendo poco a poco en una de las grandes promesas del cine español. La actriz sevillana crea un personaje profundo dentro de la comicidad (y esto no es fácil).

La música es el punto fuerte de la película, ya que son temas de la gran Whitney Houston, de Henry Méndez y de Presuntos Implicados.  Leiva ha compuesto el tema principal.

Una película sencilla, con momentos divertidos que será un éxito rotundo de taquilla, no lo dudamos, y que gustará mucho al público juvenil.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.