CUSTODIA COMPARTIDA (Dir. Xavier Legrand), por Yolanda Aguas

Miriam (Léa Drucker) y Antoine Besson (Denis Ménochet) se divorcian. Miriam quiere obtener la custodia de su hijo Julien (Thomas Gioria) para protegerle de un padre al que acusa de comportamiento violento. Antoine se presenta como el padre abandonado, y la juez concede la custodia compartida a ambos cónyuges. Julien acaba siendo el rehén de sus padres en medio de un conflicto creciente  y hará todo lo que esté en su poder para que no ocurra lo peor.

El director francés Xavier Legrand firma su brillante ópera prima y coloca en primer plano la impotencia de las víctimas frente al maltratador que les ha tocado. A este hecho terrible tienen que añadir los daños permanentes que una justicia excesivamente fría puede dejarles para toda su vida.

“Custodia compartida”, ganó el premio al Mejor Director y Mejor Ópera Prima en la Mostra Veneciana, se proyectó en el último Festival I. de Cine de San Sebastián dentro de la Sección Perlas.  Es una película emocional y también es una denuncia clara del patriarcado, de la violencia más sucia: la utilización del hijo (gran interpretación del joven Thomas Gioria) por parte del padre acosador para llegar a la madre.

Evidentemente, la película acaba siendo un thriller terrorífico, que arrastra al espectador por los horrores de esa mujer y su hijo.

El director, que también es actor, hizo su primera incursión en el cine fue en el papel de uno de los niños de “Au revoir, les enfants” (1987), la mítica película de Louis Male sobre las penurias de los chicos judíos durante invasión nazi en Francia.

Como información adicional, recordamos que Xavier Legrand hizo un corto en 2013 sobre el mismo tema, “Avant que tout perdre”, con la misma actriz protagonista que hace de madre en “Custodia compartida”, Lea Drucker.

Magníficas interpertraciones de Léa Drucker, Denis Ménochet, Thomas Gioria, Mathilde Auneveux y Coralie Russier

Una película dolorosa y terrible, dura hasta las lágrimas, donde el instinto funciona, de la mano de Xavier Legrand, de forma convincente.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

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INMERSIÓN (Dir. Wim Wenders), por Yolanda Aguas

Descubrí el cine de Wim Wenders de la mano de las películas de Rainer Werner Fassbinder.  Revisando en aquellos años lo que se denominó “nuevo cine alemán”, llegué a su cine del mismo modo que al de Wolker Schlöndorff o Margarethe von Trotta.

Y de aquella primera época de su cine me fascinaron obras como “Falso movimiento”, “Alicia en las ciudades”,“En el curso del tiempo” y “El amigo americano”.

También llegó su gran obra maestra en la ficción: “París-Texas” que fue, es y será una de mis películas preferidas.

El universo cinematográfico de Wenders en aquellos primeros años de su carrera era luminoso dentro de la profunda oscuridad en la que habitaban sus personajes.  Seres desolados y en constante lucha interior.  Era un cine que requería la total complicidad del público. Nació ahí un idilio que el director alemán supo mantener vivo con su talento y brillantez.

Con el tiempo, el cine de Wenders ha perdido fuerza.  De vez en cuando llegaron algunas de sus nuevas películas, pero apenas tuvieron repercusión entre el público y, mucho menos, el reconocimiento favorable en la crítica internacional.  Era, ES, un cine menor.

Únicamente en el documental, Wim Wenders ha sabido plasmar toda esa poesía inicial que acompañaba sus primeras producciones. Buena Vista Social Club”, “Pina” y “La sal de la tierra” son buena prueba de ello.

Ahora llega a nuestras pantallas su última película, “Inmersión” (que inauguró la pasada edición del Festival I. de Cine de San Sebastián), que ha vuelto a ser otra decepción.

James More (James McAvoy) es un ingeniero hidráulico que ha sido tomado como rehén en Somalia por terroristas yihadistas, que sospechan que es un espía británico. Danielle ‘Danny’ Flinders (Alicia Vikander) es una biomatemática que trabaja en un proyecto de inmersión en las aguas más profundas de los océanos para demostrar su teoría sobre el origen de la vida en el planeta. Un año antes, James y Danny se conocieron en un hotel de la costa atlántica francesa y se enamoraron. Ahora, separados, Danny inicia una inmersión al fondo del océano sin saber si James sigue vivo.

Es una película sin magia, plana en demasiados momentos hasta llegar al aburrimiento. La historia que nos cuenta no atrapa y las interpretaciones son de muy bajo nivel.

¡Lástima¡  Al menos podía contarnos – simplemente – la historia de amor.

Lo mejor: la virtuosa B.S.O. del compositor español Fernando Velázquez.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

UNA RAZÓN BRILLANTE (Dir. Yvan Attal ), por Yolanda Aguas

Neïla Salah es una joven del extrarradio parisino que sueña con ser abogada. Se matricula en la Facultad de Derecho más importante de París, pero el primer día de clase Neïla tiene un enfrentamiento con Pierre Mazard, un profesor polémico, conocido por ser provocativo y por hablar fuera de tono. Obligados por la Universidad, profesor y alumna tendrán que preparar juntos un concurso de debate nacional. Aunque cínico y arrogante, Pierre podría ser el entrenador perfecto para las ganas de aprender que tiene la entusiasta Neïla… pero para ello tendrán que ser capaces de superar sus propios prejuicios. Dos mundos paralelos que, poco a poco, se acercan hasta forjar una relación tan disparatada, divertida y sólida como inesperada, una relación única en su especie.

El cine francés, ya lo sabemos, tiene especial predilección por mostrar historias que tratan y analizan los problemas y ventajas en la educación de sus compatriotas.  Grandes directores como Laurent Cantet o Bertrarnd Tavernier lo han hecho anteriormente de forma magistral.  En realidad es un subgénero en sí mismo de la industria cinematográfica francesa.

La película, es muy obvio, tiene como uno de sus mayores referentes a “My fair lady”, y aquí cuenta para interpretar al profesor a un gran maestro de la interpretación: Daniel Auteuil.

Auteuil interpreta a un profesor aficionado a provocar a sus alumnos, y en la historia principal del film, especialmente a una humilde universitaria de origen argelino (Camélia Jordana) que tampoco sabe quedarse callada.  Pese a la previsibilidad general del argumento, que no de sus detalles, Daniel Auteuil y  Camélia Jordana elevan muy alto el nivel de la película. Del excelente actor francés ya no sorprende su brillantez, aunque el momento en que lee en clase unos versos de Baudelaire es magistral y conmovedor, dentro de su aparente sencillez. Es solo el momento cumbre de unos diálogos muy cuidados; cinco guionistas hacen que sea así..

La película cuenta con una gran química entre sus protagonistas. Ese es el principal activo de la película.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

RdP “EL BURLADOR DE SEVILLA”, por Yolanda Aguas

La directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), Helena Pimenta presentó ayer en su sede del Teatro de la Comedia en Madrid la obra de Tirso de Molina dirigida, en esta ocasión, por Josep Maria Mestres.

En el momento de escribir este artículo, todavía no es seguro que el estreno previsto para hoy viernes se producirá o no.  Todo indica que los anunciados paros de los trabajadores del Inaem contra la fusión del Teatro Real y la Zarzuela impedirán, según fuentes sindicales, que se pueda llevar a cabo la función.

Borja Ortiz de Gondra da voz a la mujer en esta nueva versión del clásico de Tirso de Molina.  El dramaturgo ahonda desde la actualidad en el abuso y la injusticia hacia la mujer y saca a la luz la palabra olvidada de las víctimas que el arrogante seductor va dejando a su paso.  Ortiz de Gondra ha querido resaltar el papel y el valor de “mujeres que no son pobres, ni vírgenes; mujeres que tienen voluntad, saben lo que quieren y algunas incluso son burladoras”.

No me ha quedado más remedio que quebrar el silencio y conceder a esas mujeres -burladas y enmudecidas- el verbo que Tirso no quiso prestarles. Descubriendo que que Isabela es una burladora burlada a quien don Juan atrapa en su propio juego; que Tisbea es una arrebatada de amor que da el primer paso para seducirle invitándole a su cabaña y que Aminta es una aldeana que se deja deslumbrar por el ascenso social que le ofrece el caballero. Solo en el caso de doña Ana el silencio era escandaloso: la única mujer realmente forzada contra su voluntad en toda la obra no es en el original más que una ‘voz dentro’ a la que nunca se ve”,

Afirmando Ortiz de Gondra, que se vale de un soneto del propio Tirso para poner “carne y sangre en el escenario”.

Como ha explicado Helena Pimenta, la acción se traslada a la actualidad que Tirso imaginó hace cuatrocientos años, acentuando las distintas facetas de un mito que enfrenta a laos miedos y pasiones del individuo como miembro de la sociedad.

Según afirmó el director, Josep Maria Mestres, parte de la idea de que “todos somos don Juan de una manera u otra y pone de relieve una psicopatía cotidiana que pasa cuando nos deja de importar el otro. En este – Burlador – la peripecia de don Juan inquieta e intranquiliza y esa es su valiosa utilidad. Las mujeres de esta obra son de una modernidad radical para su época; son activas y denuncian a su agresor y descubren convicciones y comportamientos machistas seculares”.

Además, destaca la relación entre don Juan y su padre para subrayar “el terrible dolor paterno” y mostrar a dos seres humanos “incapaces de mirarse a los ojos, porque ambos saben que ya nada tiene remedio”.

Para Raúl Prieto, que interpreta al burlador, las mujeres de esta obra “no solo denuncian y ponen en evidencia los actos de don Juan sino que están llenas de voluntad y pasiones”.

Durante la intervención de Josep Maria Mestres, destacó el trabajo realizado con su equipo artístico al completo: Sonido, Iluminación y Vestuario, señalando que casi forman una familia por la continuidad de sus colaboraciones.

La obra podrá verse en el Teatro de la Comedia de Madrid hasta el 3 de junio de 2018.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

UN SOL INTERIOR (Dir. Claire Denis), por Yolanda Aguas

“Un sol interior”, es la última película que nos llega dirigida por Claire Denis y co-escrito con Christine Angot, la película está basada en el ensayo Fragmentos de un discurso amoroso, del filósofo Roland Barthes.

Isabelle (Juliette Binoche) es una pintora divorciada con una hija de diez años a su cargo, que está en busca del amor verdadero. Tiene un affaire con un cretino banquero, sale a cenar con un actor casado, prueba otra vez con su ex marido, le da una oportunidad a un hombre de otra clase social, queda fascinada por un enigmático galerista. ¿Alguno de ellos le interesa de verdad? ¿Encontrará la felicidad a pesar de estos desencuentros?

Es una película para paladares exquisitos. Aunque está etiquetada como una comedia romántica, su directora plantea un giro en los elementos que componen al género.

La película comienza rompiendo la intimidad de Isabelle (Juliete Binoche) y su amante, mientras Agnès Gordard, como ya es habitual a cargo de la fotografía, mantiene unos planos muy estáticos centrados en el diálogo y los gestos de las personas que se cruzan en la vida de la protagonista. Esa dirección de fotografía está enfocada en su protagonista que sustenta todo el peso del filme. Primeros planos que buscan demostrar esas partes de la idea de amor.

La vida de Isabelle, vehiculada entre sexo, lágrimas, sonrisas y agonía, transcurre en sus cuadros y en su desesperada vida. Se desvive por encontrar el amor verdadero que nunca ha logrado experimentar, resultando una tarea demasiado ardua por el idealismo que es incapaz de borrar de su mente respecto a las personas y al amor que deben sentir y compartir. Entre varios momentos cómicos, Denis deja ver a la luz los problemas de sus personajes, así como numerosas reflexiones sobre la diferencia entre el amor sentimental y el sexual, que a veces se mezcla con las necesidades humanas, siendo incapaces de distinguirse entre sí.

El film mezcla una pequeña adaptación de “Fragmentos de un discurso amoroso” (ensayo de Roland Barthes, 1977) y las experiencias personales de Denis y su compañera en la creación del guion, Christine Angot. La fantástica directora decidió poner en la cabeza de este proyecto a Juliette Binoche, presentando una exquisita historia sobre la desesperación de la protagonista por encontrar el amor.

Como viene siendo habitual, Juliette Binoche se supera a sí misma con esta nueva interpretación. Es única para lograr esos cambios entre la alegría y la tristeza, por el desconocimiento de sí misma. La duda recurrente de lo que quiere de sí misma y lo que deberían proporcionarle el resto de personas, se deja ver sutilmente y con una delicadeza admirable a través de su banda sonora encabezada por la suave voz de Etta James y sus ritmos de soul y jazz que aparecen en el momento indicado.

Pero lo mejor de todo el film llega en sus últimos diez minutos. Juliette Binoche comparte pantalla con Gerard Depardieu (sin compartirla realmente, es una paradoja), en un diálogo totalmente atrayente.  Gérard Depardieu. Como un foco de la esperanza, el hombre que recoge el momento más esperado en la vida de Isabelle en sus manos, mastica cada una de sus frases hasta sobrecoger con cada duda, sonrisa o inseguridad del mismo. La construcción de un diálogo en plano contra plano de la protagonista y Depardieu, cierra el film con idas y venidas de ambos personajes, intentando llegar a una conclusión o una pista donde poder hallar el sol que se encuentra dentro de cada uno de nosotros.

Un sol interior es una película singular, por la manera en que está rodada, haciendo casi un homenaje a “Rayuela” de Cortázar, la película podría comenzar o terminar justamente al revés de cómo la hemos visto.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

DIRK BOGARDE (Actor, pintor y escritor), por Yolanda Aguas

Al escribir hace un tiempo mi artículo dedicado a Charlotte Rampling, recordé lo mucho que me gustó leer –  hace 28 años – un magnífico libro autobiográfico:  “DIRK BOGARDE, Un hombre ordenado”.

El libro fue publicado en España por la editorial Espasa Calpe en 1985 con ISBN: 84-239-2412-2, y estaba dedicado por el autor al que fue su secretario y compañero sentimental: E.L.L. Forwodd.

Dirk Bogarde, cuyo auténtico nombre era Derek van der Bogaerd, nació en Hampstead (Gran Bretaña) en 1921 y falleció en Chelsea (Londres) en 1999.  Actor de prestigio internacional, su nombre aparece íntimamente asociado a películas como El Sirviente, Muerte en Venecia o El Portero de Noche, auténticos hitos de la cinematografía.

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Pero Bogarde fue algo más que un actor, su vena artística, en la que se aprecia una clara influencia familiar – su madre fue actriz y su padre crítico de arte de The Times – le llevó a la pintura, la poesía o la novela como un destino natural.  Sin embargo, estas facetas de Dirk Bogarde son poco conocidas, aunque sus libros se convirtieron en best-seller del momento y alguno de sus dibujos figuran en el Museo Británico.

Un hombre ordenado, su tercer libro autobiográfico y el primero que se publicó en España, muestra la capacidad del actor para dar marcha atrás en su memoria y rescatar del olvido momentos y anécdotas de una intensa biografía, en la que figuras como Visconti, Losey, Resnais o la propia Cavani jugaron un papel importante y decisivo.

Durante más de quince años, Dirk Bogarde vivió en una vieja granja en La Provenza.  Allí, alejado momentáneamente del cine, en compañía de su fiel perro Lobo y con el creciente temor de que su retiro se convirtiese en definitivo, comenzó a escribir su biografía.  Un hombre ordenado, es un relato apasionante en el que Bogarde con un estilo peculiar, se enfrenta con sus recuerdos y revive momentos de su intensa vida en la que la presencia de las cámaras ha sido constante.  Y así van surgiendo personalísimos retratos de algunas de las grandes figuras de la cinematografía, los anteriormente citados y, por supuesto, el mítico Rainer Werner Fassbinder.

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Sus vivencias personales y el entrañable recuerdo de sus padres, se entremezclan con curiosas anécdotas que permiten conocer los entresijos del mundo del cine.  Bogarde aún recuerda con una sonrisa a aquel hombre nervioso que el día del estreno de Muerte en Venecia en Los Ángeles, se acercó a Visconti y le preguntó: ¿Quién puso la música signore Visconti?  Gustav Mahler, respondió el cineasta italiano.  ¡Espléndido, debemos ofrecerle un contrato¡

Un hombre ordenado, es un libro fundamental para lograr una aproximación a la fascinante personalidad de este hombre que supo llevar su vida con una exquisita elegancia.

Inolvidable Dirk Bogarde…

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.