Miriam (Léa Drucker) y Antoine Besson (Denis Ménochet) se divorcian. Miriam quiere obtener la custodia de su hijo Julien (Thomas Gioria) para protegerle de un padre al que acusa de comportamiento violento. Antoine se presenta como el padre abandonado, y la juez concede la custodia compartida a ambos cónyuges. Julien acaba siendo el rehén de sus padres en medio de un conflicto creciente  y hará todo lo que esté en su poder para que no ocurra lo peor.

El director francés Xavier Legrand firma su brillante ópera prima y coloca en primer plano la impotencia de las víctimas frente al maltratador que les ha tocado. A este hecho terrible tienen que añadir los daños permanentes que una justicia excesivamente fría puede dejarles para toda su vida.

«Custodia compartida», ganó el premio al Mejor Director y Mejor Ópera Prima en la Mostra Veneciana, se proyectó en el último Festival I. de Cine de San Sebastián dentro de la Sección Perlas.  Es una película emocional y también es una denuncia clara del patriarcado, de la violencia más sucia: la utilización del hijo (gran interpretación del joven Thomas Gioria) por parte del padre acosador para llegar a la madre.

Evidentemente, la película acaba siendo un thriller terrorífico, que arrastra al espectador por los horrores de esa mujer y su hijo.

El director, que también es actor, hizo su primera incursión en el cine fue en el papel de uno de los niños de «Au revoir, les enfants» (1987), la mítica película de Louis Male sobre las penurias de los chicos judíos durante invasión nazi en Francia.

Como información adicional, recordamos que Xavier Legrand hizo un corto en 2013 sobre el mismo tema, «Avant que tout perdre», con la misma actriz protagonista que hace de madre en «Custodia compartida», Lea Drucker.

Magníficas interpertraciones de Léa Drucker, Denis Ménochet, Thomas Gioria, Mathilde Auneveux y Coralie Russier

Una película dolorosa y terrible, dura hasta las lágrimas, donde el instinto funciona, de la mano de Xavier Legrand, de forma convincente.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Descubrí el cine de Wim Wenders de la mano de las películas de Rainer Werner Fassbinder.  Revisando en aquellos años lo que se denominó “nuevo cine alemán”, llegué a su cine del mismo modo que al de Wolker Schlöndorff o Margarethe von Trotta.

Y de aquella primera época de su cine me fascinaron obras como “Falso movimiento”, “Alicia en las ciudades”,“En el curso del tiempo” y “El amigo americano”.

También llegó su gran obra maestra en la ficción: “París-Texas” que fue, es y será una de mis películas preferidas.

El universo cinematográfico de Wenders en aquellos primeros años de su carrera era luminoso dentro de la profunda oscuridad en la que habitaban sus personajes.  Seres desolados y en constante lucha interior.  Era un cine que requería la total complicidad del público. Nació ahí un idilio que el director alemán supo mantener vivo con su talento y brillantez.

Con el tiempo, el cine de Wenders ha perdido fuerza.  De vez en cuando llegaron algunas de sus nuevas películas, pero apenas tuvieron repercusión entre el público y, mucho menos, el reconocimiento favorable en la crítica internacional.  Era, ES, un cine menor.

Únicamente en el documental, Wim Wenders ha sabido plasmar toda esa poesía inicial que acompañaba sus primeras producciones. “Buena Vista Social Club”, “Pina” y “La sal de la tierra” son buena prueba de ello.

Ahora llega a nuestras pantallas su última película, “Inmersión” (que inauguró la pasada edición del Festival I. de Cine de San Sebastián), que ha vuelto a ser otra decepción.

James More (James McAvoy) es un ingeniero hidráulico que ha sido tomado como rehén en Somalia por terroristas yihadistas, que sospechan que es un espía británico. Danielle ‘Danny’ Flinders (Alicia Vikander) es una biomatemática que trabaja en un proyecto de inmersión en las aguas más profundas de los océanos para demostrar su teoría sobre el origen de la vida en el planeta. Un año antes, James y Danny se conocieron en un hotel de la costa atlántica francesa y se enamoraron. Ahora, separados, Danny inicia una inmersión al fondo del océano sin saber si James sigue vivo.

Es una película sin magia, plana en demasiados momentos hasta llegar al aburrimiento. La historia que nos cuenta no atrapa y las interpretaciones son de muy bajo nivel.

¡Lástima¡  Al menos podía contarnos – simplemente – la historia de amor.

Lo mejor: la virtuosa B.S.O. del compositor español Fernando Velázquez.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

“Un sol interior”, es la última película que nos llega dirigida por Claire Denis y co-escrito con Christine Angot, la película está basada en el ensayo Fragmentos de un discurso amoroso, del filósofo Roland Barthes.

Isabelle (Juliette Binoche) es una pintora divorciada con una hija de diez años a su cargo, que está en busca del amor verdadero. Tiene un affaire con un cretino banquero, sale a cenar con un actor casado, prueba otra vez con su ex marido, le da una oportunidad a un hombre de otra clase social, queda fascinada por un enigmático galerista. ¿Alguno de ellos le interesa de verdad? ¿Encontrará la felicidad a pesar de estos desencuentros?

Es una película para paladares exquisitos. Aunque está etiquetada como una comedia romántica, su directora plantea un giro en los elementos que componen al género.

La película comienza rompiendo la intimidad de Isabelle (Juliete Binoche) y su amante, mientras Agnès Gordard, como ya es habitual a cargo de la fotografía, mantiene unos planos muy estáticos centrados en el diálogo y los gestos de las personas que se cruzan en la vida de la protagonista. Esa dirección de fotografía está enfocada en su protagonista que sustenta todo el peso del filme. Primeros planos que buscan demostrar esas partes de la idea de amor.

La vida de Isabelle, vehiculada entre sexo, lágrimas, sonrisas y agonía, transcurre en sus cuadros y en su desesperada vida. Se desvive por encontrar el amor verdadero que nunca ha logrado experimentar, resultando una tarea demasiado ardua por el idealismo que es incapaz de borrar de su mente respecto a las personas y al amor que deben sentir y compartir. Entre varios momentos cómicos, Denis deja ver a la luz los problemas de sus personajes, así como numerosas reflexiones sobre la diferencia entre el amor sentimental y el sexual, que a veces se mezcla con las necesidades humanas, siendo incapaces de distinguirse entre sí.

El film mezcla una pequeña adaptación de “Fragmentos de un discurso amoroso” (ensayo de Roland Barthes, 1977) y las experiencias personales de Denis y su compañera en la creación del guion, Christine Angot. La fantástica directora decidió poner en la cabeza de este proyecto a Juliette Binoche, presentando una exquisita historia sobre la desesperación de la protagonista por encontrar el amor.

Como viene siendo habitual, Juliette Binoche se supera a sí misma con esta nueva interpretación. Es única para lograr esos cambios entre la alegría y la tristeza, por el desconocimiento de sí misma. La duda recurrente de lo que quiere de sí misma y lo que deberían proporcionarle el resto de personas, se deja ver sutilmente y con una delicadeza admirable a través de su banda sonora encabezada por la suave voz de Etta James y sus ritmos de soul y jazz que aparecen en el momento indicado.

Pero lo mejor de todo el film llega en sus últimos diez minutos. Juliette Binoche comparte pantalla con Gerard Depardieu (sin compartirla realmente, es una paradoja), en un diálogo totalmente atrayente.  Gérard Depardieu. Como un foco de la esperanza, el hombre que recoge el momento más esperado en la vida de Isabelle en sus manos, mastica cada una de sus frases hasta sobrecoger con cada duda, sonrisa o inseguridad del mismo. La construcción de un diálogo en plano contra plano de la protagonista y Depardieu, cierra el film con idas y venidas de ambos personajes, intentando llegar a una conclusión o una pista donde poder hallar el sol que se encuentra dentro de cada uno de nosotros.

Un sol interior es una película singular, por la manera en que está rodada, haciendo casi un homenaje a “Rayuela” de Cortázar, la película podría comenzar o terminar justamente al revés de cómo la hemos visto.

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