HANNAH (Dir. Andrea Pallaoro), por Yolanda Aguas

Charlotte Rampling… 

¡Corran a verla¡  Es un deslumbrante monólogo interior de una actriz en la cumbre absoluta de su talento.

(Les dejo con fotografías de la película, porque en realidad no hace falta decir nada más).

Die britische Schauspielerin Charlotte Rampling spricht bei der Preisverleihung.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

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LAS ESTRELLAS DE CINE NO MUEREN EN LIVERPOOL (Dir. Paul McGuigan), por Yolanda Aguas

Atención: Película protagonizada por la gran Annette Bening, ¡todos de rodillas¡

El estreno en España de Las estrellas de cine no mueren en Liverpool, último largometraje de Paul McGuigan (El caso SlevinVictor Frankenstein) en el que forman pareja Annette Bening (Los chicos están bienConociendo a Julia) y Jamie Bell (Billy ElliotHistoria de un secuestro). 

Se trata de la adaptación de las memorias de juventud del actor británico Peter Turner en las que relata su relación sentimental con la actriz de cine clásico Gloria Grahame, ganadora del premio Oscar a la mejor actriz secundaria en 1953 por Cautivos del mal.

En Las estrellas de cine no mueren en Liverpool, el 29 de septiembre de 1981 el actor británico Peter Turner (Jamie Bell) recibe una llamada inesperada: su ex amante, la ganadora del Oscar Gloria Grahame (Annette Bening), ha sufrido un colapso en un hotel de Lancaster. Mientras ella se niega a ser atendida por los médicos, a él no le queda más remedio que ir a buscarla para llevársela a su humilde casa familiar en Liverpool. Allí, mientras cuida de ella, revivirá todo lo que les unió durante años y también lo que les separó.

La película fue presentada en la pasada edición del Festival de Cine de Toronto cosechando muy buenas críticas.

Gloria Grahame fue una actriz de la edad dorada de Hollywood, ganó un Oscar a mejor actriz de reparto en 1953 por Cautivos del mal. Casada con Nicholas Ray y quemada con café hirviendo por Lee Marvin en ‘Los sobornados’.

En su breve carrera fílmica, construyó una imagen de femme fatale que cautivó a millones de espectadores y que compitió con la ingenuidad y carisma de Marilyn Monroe. Sin embargo, a partir de mediados de la década de los 50’s su carrera en el cine declinó, pero se mantuvo activa en el medio teatral especialmente en Inglaterra. Es ahí donde conoció a un joven aspirante a actor con el que pasó los últimos años de su vida. El joven, Peter Turner, escribió un libro de memorias sobre su relación titulado: Las estrellas de cine no mueren en Liverpool. McGuigan utiliza este material para construir una especie de biopic sobre sus recuerdos.

Su relación comenzó en 1979, cuando ella vivía la última etapa de su carrera, dedicándose principalmente al teatro, yendo y viniendo entre Nueva York y Londres. En cambio, Turner, deambulaba de casting en casting sin mucha suerte y logrando pequeños papeles en obras de teatro independiente. A pesar de sus diferencias y superando las inseguridades ocasionadas por la diferencia de edad, juntos viven una apasionada historia de amor. Aprendiendo uno del otro. Grahame le enseña cómo funciona el negocio cinematográfico y le aconseja sobre cuestiones actorales. Turner la escucha, la cuida y, sin darse cuenta, la rejuvenece a cada paso. Un amor sin prejuicios que se ve eclipsado por una dura y terminal enfermedad.

Uno de los atractivos del film es el guion de Matt Greenhalgh que utiliza una estructura de flashbacks recurrentes para moverse entre dos líneas temporales.

Fascina en esta película la correcta caracterización de Annette Bening en la piel de Gloria Grahame. Interpreta a la perfección la difícil personalidad de la actriz en sus últimos años. Su belleza y la calidez de cada una de sus miradas ayudan a cautivar al espectador. ¡Que le den el Oscar que le robaron en “Conociendo a Julia”¡

Por su parte, Jamie Bell construye a un conmovedor y sensible joven que, a pesar de la fuerte presencia de Bening, no queda eclipsado y juntos logran una gran química.

La credibilidad de su romance es visible en el primer encuentro y no desaparece hasta después de su emocionante despedida.

El momento más hermoso de toda la película es una breve escena de ambos en un teatro vacío que junto a las inolvidables palabras de Shakespeare retratan lo que significa el crepúsculo de una estrella de la actuación.

Las estrellas de cine no se marchitan así como así…, es una de las frases de la película.

La presencia de la inmensa Vanessa Redgrave, en una breve aparición, es ejemplo vivo de ello.

 

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículos son propiedad de sus autores.

FESTIVAL DE CANNES (Palmarés 71 ed), por CineT Farö

El 71º Festival de Cannes anunció el Palmarés de la Sección Oficial, que ha dado a conocer el jurado presidido por la australiana Cate Blanchett y que ha concedido la Palma de Oro al japonés Hirokazu Koreeda por ‘Shoplifters’.

El listado completo de premios es el siguiente:

Palma de Oro: ‘Shoplifters’, de Hirokazu Koreeda

Gran Premio del Jurado: ‘BlacKkKlansman’, de Spike Lee

Premio del Jurado: ‘Capharnaüm’, de Nadine Labaki

Premio a mejor dirección: Pawel Pawlikowski, por ‘Cold War’

Premio a mejor actor: Marcello Fonte, por ‘Dogman’

Premio a mejor actriz: Samal Yeslyamova, por ‘Ayka’

Premio a mejor guion: ex aequo a Alice Rohrwacher por ‘Lazzaro Felice’ y Nader Saeivar, por ‘Trois visages’

Palma de Oro especial: ‘Le livre d’image’, de Jean-Luc Godard

Cámara de Oro a la mejor ópera prima: ‘Girl’, de Lukas Dhont

Palma de Oro al mejor cortometraje: ‘All these creatures’, Charles Williams

Mención especial de cortometraje: ‘On the border’, de Shujun Wei

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

LA MUJER QUE SABIA LEER (Dir. Marine Francen), por Yolanda Aguas

Vi esta película en la pasada edición del Festival de Cine de San Sebastián, sección Nuevos Realizadores donde ganó el premio Kutxabank. La película está dirigida por Marine Francen , que ha sido asistente de dirección de Michael Haneke y Olivier Assayas. Está basada en una historia de Violette Ailhaud titulada “L’homme semence” y nos cuenta la reacción al golpe de estado del 2 de diciembre de 1851, cuando ella tenía 17 años todos los hombres fueron arrestados por los soldados de Napoleón III, dejando el pueblo solo con mujeres condenadas y aisladas. Pero no escribiría su historia hasta 1919 confiando los manuscritos a sus descendientes y publicándose su historia en 2006.

La mujer que sabía leer es una historia sobre la lucha de las mujeres por su libertad para pensar y amar libremente. Ambientada a mediados del siglo XIX, la película transcurre después de que los hombres de una aldea sean encarcelados tras oponerse al golpe de Estado durante la segunda República Francesa, mientras ellas permanecen solas en las aldeas, rodeadas de violencia y con pocas esperanzas de futuro.

A uno de estos pequeños pueblos llegará un varón, del que no se sabe a qué se dedicaba ni por qué está allí, pero que desatará el deseo y la necesidad sexual de las aldeanas, que harán un pacto para compartirlo entre todas. Gracias a la lectura, forjará un vínculo más fuerte con una joven, del que surgirá una historia de amor que dificultará las cosas en el pueblo y el dilema en la muchacha entre respetar el acuerdo o tener una relación exclusiva.

El film cuenta con magníficos paisajes del norte de las Cevenas muy bien resaltados por la fotografía de Alain Duplantier (Cuenta atrás, Asesinos de Élite).

El reparto de la película está formado por Pauline Burlet (Conexión Marsella)Géraldine Pailhas (Joven y bonita),  Françoise Lebrun (Tres recuerdos de mi juventud) o Alban Lenoir (Escuadrón de élite), entre otros.

La película está muy bien ambientada e interpretada y resulta creíble a pesar de lo insólito de la propuesta

Un interesante debut de una directora a seguir.

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NOTAS:

Las fotografías oficiales de la película son propiedad de sus autores.

Las dos fotografías de Marine Francen son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINETFARÖ.

“Temps Salvatge” de Josep Maria Miró (RdP en el TNC), por Francesc Mazón Camats

Josep Maria Miró  nos pregunta desde el inicio: “¿Este es un sitio bonito para vivir?”

Xavier Albertí, al frente del TNC (Teatre Nacional de Catalunya) y director de la obra, abre el fuego de una intensa rueda de prensa, en el vestíbulo/pecera del Nacional.

Josep Maria Miró un dramaturgo joven, de amplia y reconocida obra, se estrena en la Sala Grande, diez actores magníficos y toda la capacidad del gigantesco escenario al servicio de un autor contemporáneo, un desafío.

La generación de escritores teatrales catalanes que empezó a finales del siglo pasado, después de una larga travesía por el desierto (¡Salve Benet i Jornet!), muchos desde el pequeño espacio de la Beckett, otros en las salas alternativas (entiéndase reducidas o minúsculas, siempre lejos)  han llegado finalmente a la Sala Gran del TNC, un enorme vientre de ballena los espera. Miró será el sexto autor vivo en llegar a la Sala Grande en los 22 años del TNC.

El encargo de una nueva obra hecho a Miró por Albertí, data de dos años, entorno Mayo-Junio del 2016, después del éxito de ”Fum” en la sala pequeña.

Bajo el título emblemático de “Temps salvatge” (atención, Temps en catalán es tanto singular, como plural). Dice Albertí tiempo cronológico y/o meteorológico, este que nos ha tocado vivir. Nos resume el argumento: Comunidad de vecinos, urbanización, piscina, polideportivo, el extrarradio “las afueras” suburbia…cercanos al bosque, a extraños…

Gente de orden, pintadas, amenazas, inmigrantes… Caché/Oculto, el miedo, los rumores y las redes, lo no dicho, las pulsiones ahogadas generadoras de abismos…

Dice Albertí, los dioses de las tragedias griegas y el teatro hace tiempo que se fueron o están muertos y nosotros la generación que ha crecido con los colores, dejando atrás el Blanco y Negro, somos seres humanos temerosos, asustados, en manos de los nuevos Súper Poderes.

Los diez personajes de la obra cuentan con actores no solo de enorme calidad artística, también ética y humana.

Los aquí presentes (todos, menos uno, por los dobletes televisivos) han trabajado durante dos meses, con esfuerzo, hacia dentro, huyendo del melodrama fácil, para encontrar instrumentos éticos que permitan a los personajes vivir y convivir. Redondea una de las actrices, entre todos hemos construido una enorme bola de nieve que ahora empujamos hacia el público.

Albertí pide que nos fijemos en como ese enorme espacio acoge espacios íntimos/interiores y devastados.

Atención al vestuario de la gran María Araujo con un trabajo sutil de los colores a partir de las pinturas de Hockney y Hooper (piscinas y soledad, sol exultante y penumbras interiores).

También al complejo y espectacular trabajo del escenógrafo LLuc Castell.  Albertí ha compuesto la música para un cuarteto de cuerdas.

El Sr. Director con cierta maldad, y mirada reprobatoria del dramaturgo nos destripa partes del múltiple entramado argumental, que puede parecer un melodrama entretejido con elementos del thriller, matiza luego Miró las influencias de Hitchcock y quizás el toque perverso de Haneke.

Cuatro apartamentos, piscina y fiesta en el  polideportivo, bosque cercano, conversaciones simultáneas, segmentación y cambios o saltos temporales. Incomunicación, desorientación e incapacidad de reacción, añade Carme Elias / Mercè.

La vida colectiva es un infierno, pero en el mundo contemporáneo no hay cielo, no hay premio, ni salvación. Toda comunidad se sostiene por el miedo a su propia destrucción, sostiene la filósofa Marina Garcès desde el prólogo de la edición de Tiempo Salvaje. Siempre el miedo, ya nos advertía Brecht, no tengamos miedo, no nos dejemos asustar…

Larga e intensa rueda de prensa, donde se habla del azar y la realidad, de La Manada y las violaciones de jóvenes en Colonia, durante el fin de año…Ofelia ahogada de Millet, a finales del S. XIX… Estos tiempos salvajes actuales nos exigen parar y ser capaces de reflexionar, para poder regenerarnos, nos dice la actriz Miriam Iscla/ Raquel.

El autor, Josep Maria Miró, afirma: Soy Hijo de las Torres Gemelas de New York, pertenezco a la actual generación del Mundo del Miedo.

Pienso, quizás esperando el Big One como los náufragos de Short Cuts 1993 del duo Altman- Carver.

Quizás la respuesta a la pregunta inicial de Miró, nos la dio Malcolm Lowry en el final de Bajo el Volcán. “¿Le gusta este Jardín que es suyo?  Evite que sus Hijos lo destruyan.

Temps Salvatge , Sala Gran TNC del 10 de Mayo al 17 de Junio.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

66 SSIFF (Nueva identidad gráfica y Carteles Secciones Oficiales), por CineT Farö

El Festival de San Sebastián presenta su nueva identidad gráfica

La imagen, elaborada por el estudio donostiarra TGA, aúna visibilidad y modernidad

El Patio del Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera ha acogido esta mañana la presentación de la nueva imagen del Festival de San Sebastián y los carteles de las secciones de la 66 edición. La renovación de la identidad gráfica tiene como objetivos actualizar la marca y ganar en visibilidad, para lo que el estudio donostiarra TGA, autor tanto de la nueva imagen como de los carteles, ha recurrido a una concha de trazos más sintéticos y de mayor contundencia visual para mostrar un Festival moderno, que se repiensa constantemente y se adapta a un contexto cambiante.

Los carteles de las secciones, donde prevalece el dinamismo, la luminosidad y la viveza, comparten un mismo tratamiento e identidad gráfica a partir de una composición de fotografía e ilustración, lo que proporciona unidad y coherencia al conjunto. Al mismo tiempo, cada sección preserva su identidad a través de un color característico. El cartel de la Sección Oficial se presentará más adelante, a la espera de confirmar los derechos de la imagen elegida para ilustrarlo.

El logo está compuesto por la concha, el acrónimo –para el que se ha recurrido a la tipografía helvética- y el nombre del Festival en tres idiomas (euskera, castellano e inglés).

El estudio de diseño donostiarra TGA, liderado por Nagore García Pascual, Julen Cano Linazasoro y Txema García Amiano, aúna los campos del diseño gráfico e interactivo, la arquitectura y el interiorismo. En su recorrido de quince años, su fusión de funcionalidad y estética y su característico lenguaje visual han dado forma a la identidad de Donostia Kultura, Fundación Kutxa, Elías Querejeta Zine Eskola o Aquarium. Entre sus carteles figuran el del 75 aniversario de la Quincena Musical, la competición de remo Bandera de La Concha 2017, el montaje escénico de Sueño de una noche de verano o la imagen de Culinary Zinema en la pasada edición del Festival.

En la rueda de prensa, el director de Festival, José Luis Rebordinos, avanzó algunas claves de la edición, la apuesta consolidada por la industria y los nuevos talentos y el buen momento del cine español en general y del vasco en particular, y los retos a los que se enfrenta el Festival, como la apertura de Elías Querejeta Zine Eskola y la puesta en valor de las mujeres cineastas.

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NOTA IMPORTANTE:  El texto y las fotografías proceden de la web oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.