Es un biopic sobre la autora de  Frankenstein  que narra la relación entre el poeta romántico  Percy Bysshe Shelley (Douglas Booth) y la joven Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning), que dio como resultado la escritura de una de las novelas más importantes de la literatura universal y que ahora cumple 200 años de su publicación.

La soledad, el amor, la muerte y la traición marcaron la vida de esta joven nacida en Londres en 1797. Hija del filósofo político, William Godwin y de la filósofa feminista, Mary Wollstonecraft, sufrió en primera persona cómo el simple hecho de ser mujer le impedía firmar la novela con su propio nombre

Será siempre recordada por ser la escritora que creó a Frankenstein. Criada por un filósofo de renombre (Stephen Dillane) en el Londres del siglo XVIII, Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning) es una adolescente soñadora decidida a dejar huella en el mundo. Un día conoce al brillante poeta Percy Shelley (Douglas Booth) con el que empezara una aventura amorosa marcada por la pasión y la tragedia, algo que transformará a Mary y la impulsará a escribir su obra maestra gótica.

La autora no tuvo una vida fácil, empezando por la muerte de su madre, la filósofa precursora del feminismo Mary Wollstonecraft durante el parto.  A eso hubo de sumar la pérdida de hijos y hermanas, la inestabilidad de su situación financiera y la divergencia de criterios entre su cabeza y sus vísceras en asuntos del corazón, el eterno debate. Contra la razón crítica, el sentimiento: absoluto romanticismo.

Precisamente, el movimiento intelectual al que perteneció Shelley es el ejemplo más claro de la idea que vertebra este ‘biopic’ sobre la escritora y, sobre todo, su obra cumbre, ‘Frankenstein o el moderno Prometeo’: la del reverso destructor de la creación, la del autor devorado por su obra.  Al menos así lo cuenta ‘Mary Shelley’, el segundo largometraje de ficción la directora saudí Haifaa Al-Mansur,  que debutó en 2012 con ‘Wadjda’. Desde el primer plano —se escucha una tormenta, se muestra un cementerio—, la cinta de Al-Mansur enumera todos los rasgos temáticos de la novela gótica del siglo XIX, pero se olvida del impulso, del arrebato de la creación romántica, con una propuesta demasiado contenida. Cada encuadre es un cuadro suntuoso y cautivador.

Como buen personaje del Romanticismo, la historia de Mary Shelley está llena de fantasmas. El principal, el de su difunta madre, quien había vivido fiel a sus ideas revolucionarias y que dejó tras de sí, además de una estela de admiración por el manuscrito «Vindicación de los derechos de la mujer» (1792), una reputación en la que entonces pesó más su disidencia de las convenciones sociales y maritales de la época.  La relación con Percy Shelley fue de lo más tortuosa. La concepción del amor libre que tenía el autor de ‘La reina Mab’ no era la misma que la de su esposa. Tampoco la intensidad con que interpretaban el papel de poetas decadentes. Y eso que por historial de desdichas ella tenía más meritos.

La interpretación principal corre a cargo de Elle Fanning, quizá de las mejores actrices de su generación.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículos son propiedad de sus autores.

“El jefe”, ópera prima de Sergio Barrejón, es una película con un guión  casi inexistente durante todo el metraje. Por si esto fuera poco, el que se supone es personaje determinante de la película, el ¿interpretado? por Juana Acosta está ahí y pasa con más pena que gloria.  Imaginamos que está en la película simplemente porque le debe gustar al director y escribieron su papel como excusa. Es que no es relevante para la historia. Y además sus escenas son superficiales, mención aparte que Acosta es una actriz con demasiadas limitaciones como intérprete.

En fin, estamos en los meses de verano y ya sabemos que algunos títulos se ruedan para ser estrenados en estas fechas, otra cosa sería de locos.

Lo único que se salva de este film es el trabajo de uno de nuestros mejores actores secundarios: Luis Callejo.  Un actor solvente que siempre está bien en todas sus interpretaciones.  Heredero de los grandes nombres del cine español en su categoría.

En la película conoceremos a César (Luis Callejo), el jefe. El CEO de una importante compañía que se cree fantástico pero al que todos sus empleados odian en secreto, a pesar de no haber despedido a nadie durante la crisis porque considera a sus empleados como una gran familia. Además la empresa corre peligro, sus acciones se desploman y han de encontrar una salida antes de que llegue la bancarrota total. En ese proceso aparecerá en escena, Ariana (Juana Acosta), una limpiadora de sus oficinas bastante cotilla.

Sergio Barrejón (guionista el betseller La Catedral del Mar en su versión televisiva) debuta como director con su primer largo, bajo un guion de Natxo López (Acantilado).   A pesar de sus esfuerzos, la película ni funciona ni convence al espectador.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Samuel (José Sacristán) llegó a la Formentera hippie de los 70 y se quedó a vivir, ganándose la vida tocando el banjo en un garito. Un día recibe la visita de su hija Anna (Nora Navas) y de su nieto Marc (Sandro Ballesteros). Desempleada desde hace tiempo, ha aceptado un trabajo en Francia que la obliga a irse sola.

Tras un primer rechazo, el viejo hippie decide hacerse cargo de su nieto, emprendiendo un viaje que le hará transitar las sombras de su paraíso acompañado de otros singulares personajes; Toni (Jordi Sánchez), Greta (Pepa Juan) y Joan (Ferran Rañé). Un viaje crepuscular que será, a su vez, esperanzador e iniciático.

Esta ópera prima de Durá tiene los elementos precisos para atraer a un público mayoritario.  Es una comedia magníficamente interpretada, especialmente por el gran José Sacristán.

Es un viaje a una época cuyos habitantes siguen añorando. Y es también una mirada generacional muy completa.  Habla del pasado, sí, pero también relata el presente más real.  El encuentro de un abuelo hippie y su nieto. Diferentes mundos, diferentes ilusiones.

Al frente de esta humilde producción está un actor inmenso. Sacristán vuelve a realizar una composición impresionante.

Gran actor, hombre inteligente y película correcta..

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NOTA: Las fotografías insertadas son propiedad de sus autores.

Adaptación cinematográfica de la novela homónima de Pierre Lemaitre, ganadora del prestigioso Premio Goncourt.

La trama, que se mueve entre el drama y la comedia. Se ubica en la Primera Guerra Mundial, durante el 1919. Relata cómo dos supervivientes de las trincheras, un magnífico ilustrador y el otro, un modesto contable, montan una estafa sobre los monumentos a los muertos de la guerra. En la Francia de los años veinte, el proyecto se convierte en algo tan peligroso como espectacular.

Es una película en la que destaca la amistad de los dos actores protagonistas. Dos personajes que preparan una venganza contra Francia. Un país que resalta los muertos en la guerra pero se olvida de los supervivientes, según el guión-novela. Se describe en la historia a una sociedad que desprecia aquellos soldados que no murieron durante la guerra.  También es una reflexión que llega a los personajes que protagonizan la trama, desde los cuales se crea una crítica social. De hecho, a pesar de ubicarse en la Gran Guerra, el director Dupontel, quien también aparece entre los papeles protagonistas, cuando leyó el libro vio como todos los personajes eran de una modernidad desconcertante. En medio la trama aparece una pequeña minoría codiciosa y avariciosa que domina el mundo, que según el director podrían ser las multinacionales actuales.

Nos vemos allá arriba es una historia singular; comienza con una absurda y épica carga el último día de la guerra, pocas horas antes de que se firmara el armisticio. El resultado marca a tres supervivientes: el malvado teniente Henri d’Aulnay-Pradelle, que ordenó el ataque; el pobre Albert Maillard, contable, que se dio cuenta de la maniobra de su teniente; y el desgraciado Édouard Péricourt, hijo de un importante industrial, buen dibujante, que quedó desfigurado al salvar a Albert. De las trincheras a los hospitales y de allí a París, donde la vida continúa y comienza la belle époque, con sus lujos, bailes, corruptelas y patriotismo exaltado; para algunos no es tan bella. Édouard, desfigurado, se oculta, se hace pasar por muerto y concibe una divertida y singular venganza contra todos los que le hicieron mal.

Nos vemos allá arriba obtuvo 12 nominaciones a los premios César del cine francés y ganó cinco. Dentro de sus muchos méritos, destaca por la ambientación, el diseño y la fotografía. El director favorece en todo momento largos planos secuencia. Un soberbio arranque por las trincheras, uniformes, armas… da paso a unos hospitales de campaña, a unas mansiones y a unos salones en los que no hay fallo alguno.

Todos los detalles son perfectos y armonizan perfectamente. A ello hay que añadir el tratamiento del color, para destacar que se trata de una historia de época. La fotografía, el vestuario y los decorados fueron galardonados.  La historia, premio al guion adaptado, tiene un tono desenfadado que evita caer en el pesimismo y la negrura que tienen los temas tratados: las matanzas gratuitas, los heridos y mutilados, las corruptelas y los arribistas, la desmovilización, y siempre –sello de Dupontel– el tono social y el toque anticapitalista. Dupontel consigue mantener todo el tiempo ese raro equilibrio que funciona de maravilla y le valió el César al mejor director.

Del reparto cabe destacar a Nahuel Pérez –premio César por otra película–, que, embozado y mudo, tiene una extraordinaria presencia y una mirada expresiva que vale por cualquier discurso.  La historia cuenta también con una serie de personajes secundarios interesantes, que han sido muy bien trabajados: el padre de Édouard, su hermana, la criada Pauline, la niña…

Un estreno interesante en meses de verano, algo que no suele ser habitual.

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NOTA: Las fotografías oficiales insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Con cierto retraso desde su inauguración, visité ayer la exposición que CaixaForum Zaragoza dedica al gran fotoperiodista Robert Capa. En ella se pueden ver diferentes temáticas, todas muy interesantes, que componen la obra de este prestigioso fotógrafo.

En 1938 empezó a hacer fotos en color, en 1941 a publicarlas y en 1943 tiró la toalla ante la resistencia de los editores y las exigencias de Kodak que como sucede con la fórmula de la Coca-Cola, durante años obligó a que se le enviaran los carretes para devolverlos revelados con tal de no descubrir los secretos de su patente.

Cynthia Young, comisaria de la exposición, aseguró durante la presentación en España,  que esta selección de un centenar y medio de fotografías de los años cuarenta y cincuenta sirve para acabar con varios mitos, como el que considera un sacrilegio relacionar al mítico autor de Muerte de un miliciano con la fotografía en color.

También explicó que, en sus primeros años, el color exigía una velocidad baja de disparo y que fotografías como la de un grupo de soldados que desde un buque dejan perder su mirada ante las orillas de África, listos para marchar al frente, durante la Segunda Guerra Mundial, mientras la brisa despeina sus flequillos, tuvieron que estar muy meditadas.

Hasta ahora ninguna retrospectiva de Capa ha incluido el color y la mayor parte de las fotos reunidas en esta exposición se quedaron sin publicar en su día, de ahí que Young haya explicado que en el momento de abrir las cajas que conservaban estos negativos la sorpresa fue mayúscula por la calidad de las imágenes. Unas imágenes que confirman que el hombre que desembarcó en Normandía y perdió a su mujer en Brunete nunca fue un fotógrafo pasivo y siempre estuvo en la vanguardia; no solo en la batalla, también en la técnica.

Otro mito es que Capa no fue un fotógrafo técnico, afirmación que echa por tierra el virtuosismo de estas imágenes, o de que no fuera estético sino emocional, un intuitivo disparando para atrapar el instante -lo que desmiente que se metiera en el agua del mar junto a Picasso para inmortalizar al genio como un simple mortal, disfrutando de los chapoteos de su nieto, desnudo entre sus brazos-. «Siempre en la vanguardia» Young ha recordado que The New York Times no cedió su primera página al color hasta 1997, lo que da muestra de la visión de Capa en mostrar la guerra en toda su crudeza, para lo cual, consideró tempranamente, ayudaba el color.

El mundo del celuloide está muy presente en la exposición. Ava Gadner, H. Bogart, Orson Welles, Jeffrey Hunter, Anna Magnani, Ingrid Bergman…  Todas estas celebridades están presentes.  Truman Capote, Pablo Picasso…  genios a los que Capa también atrapó con su cámara.

Una gran exposición, no duden en ir a verla.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.