H. KOREEDA (RdP y P. DONOSTIA), por Yolanda Aguas

Nadie duda que el director japonés Hirokazu Kore-eda es el más amado en San Sebastián.  Él lo sabe y por eso se siente tan cómodo en el festival y en la ciudad.

Desde 1998 ha estado en 10 ocasiones, ha conseguido un premio al mejor guion, por Milagro en 2011, y dos galardones concedidos por el público (De tal padre, tal hijo, en 2013; Nuestra hermana pequeña, en 2015). “Cada vez que tengo una película me llaman de este festival, pero ahora se han cambiado las tornas y puedo asegurar que yo hago películas para poder viajar a San Sebastián”, asegura este maestro en adentrarse en el mundo de la familia.

Su última obra maestra, “Un asunto de familia”, Palma de Oro en Cannes y elegida por Japón para competir en los Oscar, es una valiente incursión sobre todos aquellos niños invisibles que pueblan Japón y en los lazos sentimentales que van más allá de las sentimientos de la relación de sangre.  En otoño rodará en Francia con Juliette Binoche y Catherine Deneuve. “Soy consciente de ser un director de dramas familiares, pero me gustaría experimentar en otros géneros, algo con personajes que no fueran humanos pero sí con sentimientos”, ha señalado el realizador que animó a los periodistas a buscar la sorpresa en este filme. “Espero estar a la altura de este proyecto”.

Los protagonistas de su último film viven del robo y el crimen, surgió de una noticia en un periódico sobre una familia que había sido detenida en Osaka por robar objetos en las tiendas que luego revendían. Con los niños siempre presentes en su cine, Koreeda asegura que no hay una manera establecida de trabajar con ellos: “Hay que fijarse mucho en su capacidad de aguante y concentración, aunque creo que el secreto está en la paciencia”.

El Premio Donostia para Koreeda supone que él sea el primer asiático en recibir este galardón. “Aunque me han dado el premio a toda una carrera, me siento en mitad de mi vida profesional y con muchas ganas de seguir dirigiendo”, defendió el creador, que fue recibido en la sala de prensa con grandes aplausos.

“Creo que estos premios de ahora no son algo repentino, pero es verdad que en estos 20 años de carrera me han tratado muy bien en todas partes, empezando por este festival, y he tenido muchos premios; me siento muy afortunado, pero no veo que este año suponga un salto brusco“.

 El realizador japonés lleva años presentando sus películas en el Festival de San Sebastián. En 1998 optó a la Concha de Oro por primera vez con su segunda película, “After Life”, y ha competido por ella en dos ocasiones más con “Hanna”, en 2006, y con “Still walking”, en 2008.

“Milagro (kiseki)” le dio su primer premio de guion en el Zinemaldia y después se ha llevado varias veces el preciado premio del público: “De tal padre, tal hijo” (2013) y “Nuestra hermana pequeña” (2015).

“Vengo a San Sebastián, me premien o no me premien, porque de verdad me siento muy a gusto aquí; creo que se debe en buena parte a las personas que hacen este festival, a la amabilidad de la gente de la ciudad, sin olvidar la gastronomía -añade con un guiño-. Creo que sigo haciendo películas para venir a San Sebastián”, ha bromeado.

Durante la rueda de prensa habló de la recientemente fallecida Kirin Kiki, su actriz fetiche, que deja en la película un legado de amor y agradecimiento al director, que se ha emocionado al recordarla. “Era para mí como una segunda madre, a lo largo de todos estos años me ha ayudado. Ella sabía que le quedaba poco de vida y antes de morir ordenó su vida de manera que quedase todo atado. Para ser sincero, me pregunto cómo voy a poder hacer películas ahora que no está ella, pero me quedo con el mensaje positivo que nos deja”.

Kore-eda ha sacado su móvil para enseñar una foto en la que recorre la alfombra roja de San Sebastián del brazo de la octogenaria actriz, impecablemente vestida con un kimono de seda negra.  Nosotros estuvimos allí y es una imagen que difícilmente olvidaremos.

PREMIO DONOSTIA A KORE-EDA

El realizador japonés Hirokazu Kore-eda se emocionó hasta las lágrimas al recoger su Premio Donostia, en una mezcla de alegría y de tristeza, ha dicho, al recordar a su “musa” recientemente fallecida, la actriz Kirin Kiki, y por los calurosos aplausos del público.

Cuando las lágrimas se lo han permitido, ha bromeado con el hecho de que, a sus 56 años, cree que aún le falta por vivir la mitad de su carrera: “Lo agradezco mucho, soy consciente de que no me lo volverán a dar en mi vida”, ha dicho, provocando la risa del público, que se disponía a ver su última película, Un asunto de familia.

Thierry Frémaux, director del Festival de Cannes (Francia), certamen que otorgó este año su máximo galardón al japonés, ha afirmado que el público es la seña de identidad de ambos festivales y la “prueba de que el cine está vivo”, a pesar de las nuevas ventanas de distribución de cine por internet. Pero ha sido el director del Festival de Cine de San Sebastián, José Luis Rebordinos quien ha presentado a “un amigo que se ha ganado nuestro corazón”, y ha celebrado que Kore-eda “redondee el año” con este premio, tras atesorar la Palma de Oro.

El realizador japonés lleva años presentando sus películas en San Sebastián; en 1998 optó a la Concha de Oro por primera vez con su segunda película, After Life, y ha competido por ella tres veces: con Hanna, en 2006; Still walking, en 2008, y Milagro (Kiseki), en 2011. Esta última le dio su primer premio de guion y después se ha llevado varias veces el preciado reconocimiento del público: De tal padre, tal hijo (2013) y Nuestra hermana pequeña (2015).

La ceremonia de entrega del Premio Donostia para Koreeda se convirtió en una de las más emocionantes de toda la historia del festival.  El maestro japonés logró cautivar, una vez más, a todo el mundo, pero esta vez no con su cine sino con su profunda humanidad.  Aunque, en realidad, es lo mismo…

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

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Tercer día: Domingo, 23-09-2018 del 66 ZINEMALDIA, por Yolanda Aguas

Tercer día: Domingo, 23-09-2018

En cada edición del Festival de Cine de San Sebastián me gusta asistir a varias proyecciones de NUEVOS DIRECTORES.  No siempre es posible, el festival proyecta muchas películas interesantes en sus diversas secciones, pero Nuevos Directores merece también que le prestemos la debida atención.  Por ese motivo, a las 10 h en el Teatro Principal he visto una película preciosa de Japón.

Jesus / Boku Wa Iesu-Sama Ga Kirai (Dir. Hiroshi Okuyama – 1 h 16 minutos).

Jesus/Boku Wa Iesu-Sama Ga Kirai, del jovencísimo nipón Hiroshi Okuyama, que estuvo presente en la proyección para presentarla.  El niño Yura tiene que adaptarse a una nevada población del Japón rural cuando su familia se mude aquí desde Tokio. Vivirán ahora con su abuela, y será inscrito no sólo en un nuevo colegio, sino en un colegio cristiano, siendo este el primer contacto de Yura con la religión y con Dios. Jesus, figura distante al principio, empezará a tener una presencia constante e inesperada en el día a día de Yura, que se anima cuando hace un buen amigo. Una película muy pequeña, tanto en producción como en metraje, pero tan grande por la dimensión de los sentimientos que despierta. Menos es más, y en este caso la película halla grandeza por la sencillez con la que afrenta su relato. Su enfoque es de una delicadeza y sensibilidad tan exquisita que sólo puede ser de una voz madura, sorprendente por la edad de Okuyama.

Una carta de introducción portentosa de un cineasta que habrá que seguir de ahora en adelante, curtido en vídeos musicales. Que apuesta por una sorprendente solución visual para representar la presencia divina que nos coge por sorpresa y que no podemos evitar que nos divierta las primeras veces. Pero este humor no quita que tras un giro radical de la trama se torne muy dramática. Que capta en pantalla con autenticidad el drama de tanta gente que en sus sombras más oscuras se dirigen a Dios a por respuestas y él les da la espalda. Un filme elegante en su realización, con humor sutil que fluye por la simple composición de encuadres y la manera de combinarlos en montaje. Una película tan pequeña y extravagante en cierto aspecto visual que fácilmente no conectará con mucha gente que no encuentre tan poderoso su drama emocional. Un servidor, que duda cabe, salió de la sala fascinado. Una joyita.

Yuli  (Dir. Icíar Bollaín – 1h 49 minutos).

A las 12:00 horas asistí a la proyección, en el K1 de la película “Yuli” de Iciar Bollaín.

Feliz en una Cuba llena de niños en la calle e integrado dentro de una familia humilde, Carlos es forzado a dedicarse a la danza en contra de su voluntad por deseo de su padre, que le inscribe en una prestigiosa escuela de Ballet. Años después, Carlos se convirtió en uno de los mejores bailarines del mundo, pionero en lograr premios de danza para su país y consagrándose viviendo en Londres o Houston, siempre lejos de su familia. Un emotivo biopic, que combina la preparación de un espectáculo en honor a su vida del Carlos adulto con una narración en retrospectiva de su vida desde su infancia y juventud.

Una película elegante, bien interpretada y filmada con gusto, ofreciendo la realización hermosos planos generales.

Los números de danza están realizados y coreografiados con mucho estilo, siendo de lejos lo mejor de la película. Una película condenada por su estructura a ser tan predecible y convencional, alcanzando a lo largo de su metraje todas las etapas que podíamos prever y siendo incapaz de sorprendernos.

Entretenida pero sin dejar poso.

Rueda de Prensa: “Yuli”

 A las 14:05 h dio comienzo la conferencia de prensa de la película “Yuli” en la que estuvieron presentes todo el equipo artístico, Carlos Acosta incluido.

“Tú eres un guerrero, descendiente de tu abuelo que  fue esclavo en Cuba, y serás el mejor el mejor bailarín del mundo” así le dice su empecinado padre a Acosta niño y joven, quien con mucho sufrimiento y trabajo, pudo estudiar danza en Cuba, pese a las dificultades económicas en que vivía la Isla caribeña.

En rueda de prensa Acosta rindió homenaje en San Sebastián al sistema educativo cubano que le permitió ese recorrido, aunque en el relato la mirada crítica de Laverty muestra que solo una élite del régimen lograba acceder a esa escuela de danza, en una situación de grave crisis, embargo económico y miseria, más allá de las declaraciones oficiales de Fidel Castro, lo que provocó el éxodo de los balseros que buscaban escapar peligrosamente para buscarse la vida en Miami. Las frustradas y traicionadas ilusiones revolucionarias del régimen castrista tienen su expresión también metafórica en la filmación de un teatro inacabado y al abandono, un gran proyecto cultural en la Habana, que nunca fue culminado.

Rueda de Prensa del Premio Donostia: HIROKAZU KORE-EDA

A las 15:00 h se desarrolló la RdP del segundo Premio Donostia de la 66 edición: Hirokazu Kore-eda.  Vamos a publicar un artículo completo dedicado a la misma, por lo que ahora únicamente adjuntamos varias imágenes.

Cold War  (Dir. Pawel Pawlikowski – 2 h 01 minutos).

A las 18:15 h, en el Teatro Victoria Eugenia, dentro de la Sección PERLAS, vi la nueva obra maestra del director polaco Pawel Pawlikowski.

Años 50, un pianista (Tomasz Kot), al que le encargan formar una especie de Operación Triunfo, es un decir, en la Polonia de Postguerra (en realidad un numeroso grupo de hombres y mujeres que serán formados para promocionar la música popular del país), se enamora de una de las candidatas (Joana Kulig), un amour fou, de los auténticos, que irá yendo y viniendo, a lo largo de más de una década, entre el bloque comunista y ese Occidente donde impera el jazz y empieza a reinar el rock’n’roll.   Hablamos de una película fuera del tiempo, desde ya inmortal, que podría homenajear las formas del cine de antaño, pero sin caer en el pastiche o la imitación.

Pawlikowski aplica la concisión formal (elipsis, metraje ajustado a poco más de 80 minutos), la fotografía en blanco y negro y hasta el formato de ‘Ida’, para contar una historia totalmente distinta que arranca, cronológicamente un poco antes, en esa misma Polonia nevada controlada por el comunismo. Al poco se hace evidente la química entre Kot (‘Spoor’ y Joana Kulig. Ellos son los protagonistas de un romance en tiempos revueltos que pone corazón, un corazón inmenso, a la magistral factura del film que es todo emoción.  Mención aparte merece la B.S.O.: coreografías de bailes populares, ese coro de voces polacas, ese club de jazz no por nada llamado Eclipse…  Todo funciona a como un reloj, un reloj con alma, hasta llegar a la catarsis de libertad que supone el baile enloquecido de la protagonista al son del ‘Rock Around the Clock’ de Bill Halley, que culmina con ella subida a la barra del club. Pero el film, que obviamente también nos recuerda lo que significa vivir sin libertad, es sobre todo una historia de amor, la del gran amor. Ese gran amor al que a veces da tanto vértigo entregarse.

Ceremonia de entrega del Premio Donostia: HIROKAZU KORE-EDA

A las 20:30 h se entregó el Premio Donostia a Hirokazu Kore-eda.  Naturalmente, cubrimos la información del photocall y de la ceremonia de entrega que resultó ser de las emocionantes que se recuerdan.  Las lágrimas de Kore-eda cautivaron a un público que estaba totalmente entregado al maestro japonés.

Vamos a publicar un artículo completo dedicado a la misma, por lo que ahora únicamente adjuntamos varias imágenes.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías de la RdP de “Yuli”, “Hirokazu Kore-eda, en RdP, Photocall y Ceremonia entrega del Premio Donostia” y “Pawel Pawlikowski saliendo del Teatro Victoria Eugenia”,  son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

 

Segundo día: Sábado, 22-09-2018 del 66 ZINEMALDIA, por Yolanda Aguas

A las 12 h en el  K1 he visto la última película, y muy esperada, de Rodrigo Sorogoyen: El Reino.

El reino  (Dir. Rodrigo Sorogoyen – 2 h 03 minutos).

Manuel (Antonio de la Torre), un influyente vicesecretario autonómico que lo tiene todo a favor para dar el salto a la política nacional, observa cómo su perfecta vida se desmorona a partir de unas filtraciones que le implican en una trama de corrupción junto a Paco, uno de sus mejores amigos. Mientras los medios de comunicación empiezan a hacerse eco de las dimensiones del escándalo, el partido cierra filas y únicamente Paco sale indemne. Manuel es expulsado, señalado por la opinión pública y traicionado por los que hasta hace unas horas eran sus amigos. Aunque el partido pretende que cargue con toda la responsabilidad, Manuel no se resigna a caer solo. Con el único apoyo de su mujer y de su hija, y atrapado en una espiral de supervivencia, Manuel se verá obligado a luchar contra una maquinaria de corrupción que lleva años engrasada, y contra un sistema de partidos en el que los reyes caen, pero los reinos continúan.

Otra interesante película de Sorogoyen, con un magnífico reparto en el que los personajes secundarios están interpretados por actores de primer nivel: Josep M. Pou, Ana Wagener, Sonia Almarcha o la actriz más importante del cine español en la actualidad, Bárbara Lennie.

La película tiene momentos muy interesantes, está impecablemente dirigida y cuenta con una escena final apoteósica entre Bárbara Lennie y Antonio de la Torre.

Rueda de Prensa: EL REINO

 A las 14:20 h se desarrolló la RdP de la película “El reino”.  Vamos a resumir algunas declaraciones de los dos co-guionistas, Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen.

Manuel (Antonio de la Torre) es un tipo más bien corriente. No por casualidad. “Aunque al principio pensamos en inspirarnos en Rodrigo Rato, enseguida nos dimos cuenta de que, para lo que queríamos contar, necesitábamos alguien más parecido a Alfonso Rus (expresidente de la Diputación de Valencia)”, señaló Sorogoyen. “Manuel es, debía ser, carismático, humano, risueño y cercano”, añadió Isabel Peña.

“Yo quería que el espectador, de manera inconsciente y a medida que se viera sufrir cada vez más a Manuel, deseara que le salieran bien las cosas”, comentó el director. Y ello sin justificar ni mucho menos perdonar sus acciones, sino más bien al contrario. Porque, si bien la película se mete de lleno en el campo de ese corrupto y su entorno, en su casa, en las fiestas en el yate, en las riñas antes y después de la rueda de prensa y en definitiva en la trastienda de la política manchada de dinero sucio, el mensaje ético es claro. “Todos nos vemos en un momento de tentación en el que tenemos que decidir si aceptamos algo indebido, desde el dinero de más que un camarero nos devuelve –como hace un cliente en el filme– hasta una buena mordida”, concluyó Isabel Peña.

 Rueda de Prensa del Premio Donostia: DANY DEVITO

 A las 16:30 h se desarrolló la RdP del primer Premio Donostia de la 66 edición: Dany DeVito.  Vamos a publicar un artículo completo dedicado a la misma, por lo que ahora únicamente adjuntamos varias imágenes.

Querido Fotogramas  (Dir. Sergio Oksman– 1h 10 minutos).

A las 19:30 horas asistí a la proyección, en los Cines Príncipe, Sala 10, de la película que inauguraba Made in Spain: Querido Fotogramas. Antes, a las 19 h, estaba previsto el photocall al que asistieron: Maruja Torres, Jaume Figueras, Elisenda Nadal y el director del documental, Sergio Oksman.

La película toma como punto de partida el 70 aniversario de la icónica revista de cine Fotogramas, la más antigua de nuestro país, cuyo hilo conductor son las cartas que los lectores enviaban al consultorio de Mr. Belvedere. A través de la lectura de las cartas más representativas recibidas en la redacción a lo largo de estas siete décadas, se homenajea al cine, a los lectores y al periodismo.

Diferentes miembros de la industria cinematográfica, desde actores a directores, así como críticos y periodistas se unen en este documental dirigido por Sergio Oksman para repasar la historia del cine de nuestro país.

En este documental colaboran figuras de renombre como J.A. Bayona (‘Jurassic World: El reino caído’), Belén Rueda (‘El pacto’), Concha Velasco (‘Gran Hotel’), José Sacristán (‘Magical Girl’), Ángela Molina (‘Los abrazos rotos’), Raúl Arévalo (‘La isla mínima’) o Anabel Alonso (‘7 vidas’), entre otros.

Un documental muy emocionante, quizá mucho más para quienes hemos aprendido buena parte de lo que sabemos leyendo cada publicación mensual a lo largo de toda nuestra vida.

Un asunto de familia (Shoplifters)  (Dir. Hirokazu Kore-eda – 2 h 01 minutos).

A las 22 h, en el Teatro Principal, dentro de la Sección PERLAS, vi la esperadísima Palma de Oro en Cannes, último film estrenado del maestro Kore-eda.

Un asunto de familia  abarca las relaciones familiares desde otra perspectiva y es quizás aquí donde reboza de autenticidad el filme pero sin renunciar a la esencia que caracteriza la cinematografía de Koreeda, ya que continúa con el proceso de disección de la cotidianidad familiar en el Japón actual.

La película explora la idea de una familia unida por el delito pero también es la historia de un hombre que quiere ser padre y también la de un niño que deja atrás la infancia. Su reivindicación de diferentes modelos de relaciones familiares se apoya en los sólidos diálogos (firmados por el mismo director), además de una cuidada elección del lugar donde sucede la convivencia del núcleo familiar: una humilde y pequeña vivienda con muy pocas comodidades.

Con su último filme, Koreeda nos ha regalado una maravillosa fábula sobre la felicidad a pesar de todo, pero sin dar lecciones de ningún tipo, invitándonos a reflexionar sobre los vínculos que nos unen más allá de los lazos de sangre.

Una vez más, su película es otra lección de cine.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías de las RdP de “El Reino”, “Querido Fotogramas” y “Dany DeVito”,  son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

DANY DEVITO (RdP por el P. DONOSTIA), por Yolanda Aguas

Su presencia despierta la misma simpatía que sus múltiples personajes. Es exactamente igual: carismático, divertido, inteligente…  Se ganó a todos los periodistas en un minuto.  Su conferencia de prensa fue una de las divertidas que recuerdo.

Llegó al cine de casualidad (primero quiso ser peluquero) y por ello considera que todo lo que le ha sucedido es el más feliz de los accidentes.  Ha ganado un Globo de Oro y una nominación a los Oscar por producir ‘Erin Brockovich’. Cuenta con una filmografía de más de un centenar de títulos, ha dirigido films tan memorables como ‘La guerra de los Rose’ (1989), ‘Hoffa:un pulso al poder’ (1992) y ‘Matilda’ (1996) y descubrió a Tarantino antes de que el californiano hubiese estrenado “Reservoir Dogs”.  Toda esa trayectoria (tiene 73 años) culmina con el Premio Donostia 2018.  Está feliz, como si no terminara de creérselo del todo: Llevo trabajando mucho tiempo en la industria del cine y siempre, desde el primer día que me dieron un trabajo como actor, ha sido muy excitante. Siempre he pensado en el día a día, en lo que pasa en el ahora. Y ha sido así a lo largo de mi carrera. Primero actué y luego decidí probar con la dirección, porque pensé que si lo conseguía iba a ser lo mejor que se puede conseguir”.

Aprovechando su paso por San Sebastián DeVito presenta ‘Smallfoot’, su última película como actor (en España se estrena el 11 de octubre), una película de animación sobre un Yeti que busca comprobar la existencia de los humanos, pero también un alegato contra la xenofobia y las consecuencias que puede tener “seguir ciegamente a alguien, porque te puedes dar de bruces contra la pared”.

Cuenta DeVito que ya antes de ganarse la vida como actor se pasaba los sábados en la oscuridad del cine, obnubilado ante el poderío interpretativo de Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Jerry Lewis o los hermanos Marx, sus favoritos. “Pero nunca pensé dentro de mí que yo mismo podría hacerlo. Hasta que tenía alrededor de 19 años, me apunté a la escuela de interpretación y decidí dejar todo lo demás. Me picó el gusanillo y ya no pude parar. Iba a ver teatro, leía los libretos e intentaba participar yo mismo en cosas. Me gustaba la idea de romper esa barrera que hay con el público: quería meterme en sus vidas”.   Dice que triunfar en la vida “es una cuestión de ocupar el espacio que te da la vida y confiar en uno mismo. Tienes que dar el primer paso, sea cual sea el trabajo que hagas, ir hacia delante, tener el coraje”  “Cuando empecé a producir películas gracias al éxito que me reportaron películas como ‘La guerra de los Rose’, leí un guión que me encantó y que quise hacer. Pero alguien me dijo: ‘Ya hay alguien haciendo esta película”.

Después de haber tocado todos los palos de la industria del cine, lo que ahora le apetece más es volver a los escenarios. “El problema es que estoy un poco mal acostumbrado. Después de haber interpretado obras de Neil Simon, Arthur Miller, de haber hecho ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’ en teatro... Me gustaría hacer algo así si encuentro un proyecto que me estimule, como actor o director. No lo sé. Sólo quiero pensar en el ahora, que es echar un poco de agua en este vaso”.

La anécdota divertida de beber de una botella de agua le sirve a DeVito para lanzar una advertencia y cargar contra la situación política en su país. “Tenemos que ser muy cuidadosos, porque esto ahora mismo nos parece una simple botella de agua. Pero en un futuro muy próximo, esto se va a convertir en algo muy valioso. Porque tenemos a todas estas personas que toman decisiones sobre nuestras vidas y nuestro planeta, y no van a pensar en los niños y su necesidad de agua. Tenemos que cuidar el planeta. Vengo de un país que le ha dado la espalda al cambio climático y a muchas otras cosas. No estamos ahora en un buen momento. simplemente espero que podamos cambiar eso con las elecciones a mitad de mandato para que al menos podamos poner freno a la destrucción que está teniendo lugar”.

Danny DeVito: actor, director, productor y activista medioambiental. Sin duda, un gran Premio Donostia.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

 

 

Primer día: Viernes, 21-09-2018 del 66 ZINEMALDIA, por Yolanda Aguas

Primer día: Viernes, 21-09-2018

Llegué a San Sebastián el jueves 20, a las 18:30 horas.  Fui a recoger nuestra acreditación. Como es habitual en la perfecta organización del Departamento de Prensa e Invitados, la gestión fue muy rápida.

Hoy viernes se proyectaba en la sala grande del Kursaal (en adelante K1) la película que inauguraba la Sección Oficial (fuera de concurso):

El amor menos pensado  (Dir. Juan Vera – 2 h 09 minutos).

A las 10 h, y asistí en el K1 a la proyección de la película de inauguración de la 66 edición del certamen donostiarra.  Se trata de “El amor menos pensado” de Juan Vera.  Protagonizada por dos excelentes actores argentinos: Mercedes Morán y Ricardo Darín.

Se trata de una comedia romántica, o de lo que queda de romanticismo tras veinticinco años de convivencia de pareja. La historia se desliza sobre el eterno momento en que los hijos abandonan el hogar y comenzar su propio camino de vida. Los padres, Darín y Moran, se plantean entonces si todavía funcionan como pareja o simplemente viven instalados en la comodidad de la rutina.

La película, que se ve con agrado, está repleta de diálogos brillantes (algunos provocan gran hilaridad).  El trabajo de los dos actores protagonista es lo mejor del filme argentino.

Las herederas  (Dir. Marcelo Martinessi – 1h 37 minutos).

A las 12:30 horas asistí a la proyección, en los Cines Trueba, Sala 2, de la película que inauguraba Horizontes Latinos.

Las Herederas es la historia de una mujer de buena posición social, que había heredado suficiente dinero como para vivir cómodamente. Pero a sus 60 años de edad se da cuenta que ese dinero heredado ya no alcanza. Esta nueva realidad altera el equilibrio imaginario en el que vivía y la empuja a transformar un mundo que hasta entonces había permanecido inmóvil.

La película llega avalada por numerosos premios internacionales:

2018 Festival Internacional de Cine de Berlín: Oso de Plata a Mejor actriz (Ana Brun); Premio Alfred Bauer (Marcelo Martinessi); Premio de la Federación Internacional de la Crítica (FIPRESCI) (Marcelo Martinessi); Premio Giuseppe Becce (Marcelo Martinessi); Teddy Award (Marcelo Martinessi) 2018 Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias: Mejor Director (Ficción) (Marcelo Martinessi); Premio Fipresci (Marcelo Martinessi).

Marcelo Martinessi retrata en su ópera prima una sociedad conservadora en donde los hombres juegan un papel secundario.  “En toda la historia de Paraguay figuran grandes señores que dirigieron el país, pero son las mujeres las que tejen las fibras de la sociedad”, dijo Martinessi en la conferencia de prensa tras la exhibición de la película en la Berlinale.

La película retrata la vida cotidiana de Chela (Ana Brun) y Chiquita (Margarita Irún), una pareja de mujeres que pasan los 60 años, que viven en un acaudalado suburbio en Asunción. Se ven obligadas a vender sus  herencias familiares, muebles, cuadros y utilería para llegar a fin de mes. Intentan ocultar ante sus vecinos y amigos la precaria situación en la que se encuentran, hasta que Chiquita es demandada por un banco y es encarcelada por fraude. Chela se queda sola y entre las visitas a Chiquita en la cárcel, descubre con su viejo automóvil Mercedes una manera de hacerse con ingresos. Sus vecinas le piden que las lleve a sus reuniones de pócker, y le pagan por ello. Una actividad no exenta de riesgos, como se ve cuando está a punto de tener un accidente.

3 Faces  (Dir. Jafar Panahi – 1h 40 minutos).

A las 18:15 horas, en los Cines Príncipe, Sala 3, dentro de la Sección PERLAS, vi la película de Jafar Panahi.

Una famosa actriz iraní recibe el video inquietante de una joven pidiendo su ayuda para escapar de su familia conservadora. Entonces pide a su amigo, el director de cine Jafar Panahi, que le ayude a entender si se trata de una manipulación. Juntos, emprenden camino hacia la aldea de la chica en las remotas montañas del Noroeste, donde las tradiciones ancestrales continúan rigiendo la vida local.

Panahi desde el minuto uno nos introduce en un escenario donde cobran importancia, en el rural de Irán, la situación de la mujer, los medios de comunicación, las nuevas tecnologías y toda una reflexión sobre la ficción y la verdad para contrastarla con la raigambre de la tierra y sus tradiciones.

Bergman, A Year in a Life  (Dir. Jane Magnusson – 1h 57 minutos).

A las 22:00 horas, en Tabakalera, Sala 1, dentro de la Sección Zabaltegi, vi la película dedicada a la obra de Ingmar Bergman.  Como dije en numerosas ocasiones, antes de viajar a San Sebastián, ver este documental era una de mis prioridades.  Y no me decepcionó.

Documental sobre Ingmar Bergman centrado en un año trascendental de su carrera, 1957, cuando dirigió las obras maestras Det sjunde inseglet (El séptimo sello) y Smultronstället (Fresas salvajes). Pero más allá de limitarse a tratar la faceta artística de Bergman, aborda como nunca su vida íntima, en especial las tormentosas relaciones sentimentales que mantuvo con las mujeres, entre ellas varias actrices con las que trabajó.

Su directora, especializada en el campo del documental, Jane Magnusson ha dedicado los últimos seis años de su vida a investigar la vida y la obra de Ingmar Bergman. El resultado han sido dos películas, Trespassing Bergman(Descubriendo a Bergman, 2013), en la que algunos de los mejores cineastas actuales hablan sobre la influencia del maestro sueco en su trabajo, y Bergman – ett ar, ett liv (Bergman, su mejor año, 2018). Completan su filmografía Ebbe: The Movie (2009) y Christina Lindberg: The Original Eyepatch Wearing Butt Kicking Movie Babe (2016).

Hagan lo possible por ver este gran trabajo de Jane Magnusson, especialmente si aman el cine del director sueco.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías del exterior del KURSAAL, así como la entrada para Tabakalera,  son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

 

 

 

FESTIVAL DE VENECIA (Palmarés 2018), por CineT Farö

Ya conocemos el Palmarés de la 75ª edición del festival más longevo de Europa: la Biennale.

Con Roma de Alfonso Cuarón como ganadora, éste es el palmarés completo:

Sección Oficial

León de Oro a mejor película: Roma de Alfonso Cuarón 
León de Plata a mejor director: Jacques Audiard por The Sisters Brothers 
Gran Premio del Jurado: The Favourite de Yorgos Lanthimos
Copa Volpi a mejor actor: Willem Dafoe por At Eternity’ Gate

Copa Volpi a mejor actriz: Olivia Colman por The Favourite
Marcello Mastroianni al mejor actor/actriz joven: Baykali Ganambarr por The Nightingale
Mejor guión: Joel Coen y Ethan Coen por The Ballad of Buster Scruggs
Premio Especial del Jurado: The Nightingale de Jennifer Kent
Premio FIPRESCI: Sunset de László Nemes
Luigi de Laurentis a la Mejor ópera prima: The Day I Lost My Shadow de Soudade Kaadan

Orizzonti

Premio Orizzonti a la Mejor película: Manta Ray de Phuttiphong Aroonpheng
Premio Orizzonti al Mejor director: Emir Baigazin por The River
Premio Especial del Jurado Orizzonti: The Announcement de Mahmut Fazil Coskun
Premio Orizzonti a la Mejor actriz: Natalya Kudryashova por The Man Who Surprised Everyone
Premio Orizzonti al Mejor actor: Kais Nashif por Tel Aviv on Fire
Premio Orizzonti al Mejor guión: Pema Tseden por Jinpa
Premio Orizzonti al Mejor cortometraje: Kado de Aditya Ahmad

 

Giornate Degli Autori

Mejor director: Claire Burger por C’est ca l’amour

Europa Cinemas Label Award: Joy de Sudabeh Mortezai
Premio Hearst Film: Joy de Sudabeh Mortezai
Premio del público (BNL): Ricordi? de Valerio Mieli
Premio NUOVOIMAIE: Linda Caridi por Ricordi?

 

Semana Internacional de la Crítica

Premio del público (Sun Film Group): Still Recording de Saeed Al Batal y Ghiath Ayoub
Premio Circolo del Cinema di Verona: Blonde Animals de Maxime Matray y Alexia Walther
Premio Mario Serandrei — Hotel Saturnia & International a la Contribución técnica: Still Recording de Saeed Al Batal y Ghiath Ayoub

Premio FIPRESCI (resto de secciones): Still Recording de Saeed Al Batal y Ghiath Ayoub
Premio SIGNIS: Roma de Alfonso Cuarón
Mención especial: July 22 de Paul Greengrass
Premio Leoncino d’Oro: Never Look Away de Florian Henckel von Donnersmarck

Premio Francesco Pasinetti: Capri-Revolution de Mario Martone
Premio Especial Pasinetti: Sulla mia pelle de Alessio Cremonini

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

PROMESA AL AMANECER (Dir. Eric Barbier), por Yolanda Aguas

Adaptación de la novela homónima autobiográfica del escritor francés Romain Gary. La película hace un recorrido histórico a lo largo de la vida de Gary y la relación inquebrantable con su madre Nina. Desde su dura infancia en Polonia, hasta su militancia como aviador en la Segunda Guerra Mundial, pasando por el éxodo al sur de Francia durante su adolescencia, esta cinta muestra las increíbles experiencias que vivió el escritor durante las idas y venidas a lo largo de su vida, sus pasiones, misterios e intrigas. Pero, sobre todo, la película retrata la determinación de la excéntrica madre por convertirle en uno de los escritores más reconocidos en Francia. Una pasión incondicional que puede ser una bendición, aunque también una perdición.

Una película dirigida por Eric Barbier (The Last Diamond), que también se encarga de escribir el guion junto con Marie Eynard. Pierre Niney (Yves Saint Laurent, Frantz) protagoniza la película interpretando al escritor francés Romain Gray. El resto del reparto está formado por Charlotte Gainsbourg (Independence Day: Contraataque), Didier Bourdon (Un buen año) y Jean-Pierre Darroussin (La casa junto al mar), entre otros.

Como es habitual en Francia, la película es un reflejo del buen hacer que tienen para preservar su cultura.  Respetan a sus artistas, en todas las disciplinas, de un modo admirable.  Este es el motivo por el que cada año el cine francés se ocupa de rescatar a sus figuras más ilustres.

Este año llega  Promesa al amanecer, centrada en la infancia, juventud y periodo militar de Romain Gary, su autor. Algo más desconocido que las celebridades citadas, Gary fue un hombre polifacético ya desde sus orígenes judeo-rusos que, tras una infancia en Lituania y Polonia, llegó a Francia, su trampolín cultural. Escritor desde un exhaustivo trabajo, no desde lo innato, hizo incursiones en el mundo del cine, sirvió a las Fuerzas Armadas y trabajó como diplomático.

Promesa al amanecer focaliza en los 30 primeros años de vida de Gary y hace especial hincapié en su relación con su madre, una mujer que impulsó, a veces rozando los límites del exceso y del control, la creatividad y el potencial de su hijo.

El trabajo de Pierre Niney y Charlotte Gainsbourg otorga carisma a una película que trata, quizá en exceso, con mucho respeto la figura de Gary.

El director, Barbier, no logra mantener el interés durante todo el metraje.  El ritmo es irregular, cuando una vida tan apasionante como la de Gary podría facilitar una película excepcional que, obviamente, no es el caso.

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