LUCHINO VISCONTI, por Yolanda Aguas

Como mencioné en mi artículo “LA LUNA (Dir. Bernardo Bertolucci)”,  dedicamos ahora un artículo al genial director italiano LUCHINO VISCONTI.

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Éste no será “el artículo” que le dedicaremos, ya que pensamos debe ser muy exhaustivo y riguroso en el análisis de su genial obra cinematográfica.  Nuestra intención ahora es simplemente acercar su figura a las nuevas generaciones que quizá no han tenido ocasión de ver sus maravillosas películas: Senso, Noches blancas, La terra trema, Rocco y sus hermanos, Confidencias, El Inocente, El Gatopardo, Ludwig, Muerte en Venecia o La caída de los dioses.

Queremos recomendar la lectura de varios libros publicados en España entre los años 1983 y 1984.  Ambos son muy interesantes y están muy bien escritos.

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El primero de ellos, LUCHINO VISCONTI de Gaia Servadio, fue publicado por ULTRAMAR con ISBN: 84-7386-3369-4 en julio de 1983.  Es una biografía en la que la autora contó con la colaboración de la familia Visconti, sus amigos y colegas para realizar un retrato vivo y autorizado de este hombre “brillante y complejo”.

La autora hace un repaso a la vida de Luchino Visconti.  Él que vivió un período excepcionalmente interesante y tumultuoso de la historia cultural y política europea.  En 1930, él dejó su aristocrático hogar milanés para irse a vivir a París.  Allí su vida y sus ideas cambiaron dramáticamente.  Vivió tertulias de café con Cocteau, Chanel, Misia Sert y Salvador Dalí.  Cambiaron incluso sus preferencias sexuales, de ser en su juventud un gran mujeriego, a finales de sus años 30 se convirtió en homosexual.  Políticamente sucedió algo similar, pasó de coquetear con el fascismo y el nazismo, se convirtió al socialismo y finalmente se unió al Partido Comunista italiano y llegó a ser un héroe de La Resistencia en tiempo de guerra.

En el plano profesional, trabajó como ayudante de Jean Renoir y fue entonces cuando pudo desarrollar la gran pasión de su vida:  el cine.  Cultivó sus dotes de director en otros campos artísticos como la ópera, el ballet y el teatro.  Y dio a conocer a grandes talentos: MARÍA CALLAS (que se enamoró de él), Marcelo Mastroianni, Franco Zefirelli y Michelangelo Antonioni.

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El segundo libro, LUCHINO VISCONTI, la razón y la pasión, pertenece a la colección de Dirigido por…  publicado por EDICIONES FABREGAT, S. A. con ISBN: 84-85999-02-9 en marzo de 1984.  Su autor, Rafael Miret Jorba – realiza un deslumbrante trabajo.  Es a mi juicio mucho mejor que el anterior porque el análisis que realiza de la obra del director milanés me parece sensacional.   Escrito magníficamente, respeta la cronología creativa del director y cuenta –algo que siempre es de agradecer – con una exhaustiva relación de la filmografía, seguida por su teatrografía, discografía de las bandas sonoras de sus películas y una amplia bibliografía.

Ambos libros quizá estén ya descatalogados, pero sin duda podrán encontrarlos en bibliotecas de su ciudad.  Con toda seguridad están en ese santuario para los amantes del cine que es la Biblioteca y Archivo de la Filmoteca de Catalunya.  Gran biblioteca y grandes profesionales que les ayudarán y guiarán en aquellas consultas que puedan formularles.

Vida y obra de un genial director de cine: LUCHINO VISCONTI.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

LA LUNA (Dir. Bernardo Bertolucci), por Yolanda Aguas

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Me confieso incondicional del cine de LUCHINO VISCONTI.  ¿Se acuerdan de él?  Parece que su cine haya sido olvidado casi tan cruelmente como se suele olvidar a los muertos.

Anticipo ahora que pronto vamos a escribir una semblanza del maestro italiano, como nuestro particular homenaje a él y a sus grandes películas:   Ludwig, Muerte en Venecia, La caída de los dioses, El Gatopardo, El Inocente o esa película “menor” en la que Burt Lancaster  interpreta inolvidablemente a un viejo profesor:  Confidencias.

Si tras el fallecimiento de Visconti, hubiéramos de citar a otro director europeo que siguió su particular estela, en cuanto a grandes producciones, ése sería sin duda alguna: Bernardo Bertolucci.

Bertolucci, director que firma películas importantísimas como El último emperador, El cielo protector, El último tango en París, Novecento, El conformista, La estrategia de la araña, Belleza robada o Pequeño Buda, entre otras…,  escribió y rodó en el año 1979 la que para mí es una de sus mejores películas: LA LUNA.

LA LUNA, película que causó una gran polémica en el año de su estreno, narra la vida de Caterina, una famosa cantante de ópera norteamericana que, ante la repentina muerte de su esposo, tiene que llevarse con ella a su hijo durante una gira por Italia que no ha podido cancelar.   A partir de ese instante, se inicia poco a poco una relación incestuosa entre madre e hijo al mismo tiempo que el joven, en la confusión propia de su temprana edad, se introduce peligrosamente en el mundo de la heroína.   El hijo en su estancia en Italia anhela conocer a su padre biológico con el que apenas convivió siendo él un bebé.

Como siempre, las imágenes de Bertolucci son preciosas…

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Caterina, perdida por completo en la soledad emocional que tantas veces acompaña a las grandes estrellas internacionales, se entrega también a la relación con su hijo en un viaje que poco a poco irá destruyéndola.  Y es sólo cuando ella logra rescatar a su hijo de esa vorágine de destrucción, cuando vuelve a encontrar cierto equilibro en su vida.

Es obvio que en esta película, la luna simboliza a la madre.  Ambos, luna y madre, antropológicamente hablando son elementos análogos que cumplen el mismo rol.  No es casualidad que la película comience con un precioso plano de la luna con el hijo-bebé y su madre paseando en bicicleta a la luz de la luna y finalice con esa misma luna sobre los tres protagonistas: madre, hijo y padre recuperado.  En el camino, el complejo de Edipo del hijo se resuelve cuando llega la presencia del padre verdadero y con él la aceptación del hijo, dejando así atrás esa carencia que le había arrastrado a la infelicidad.  La madre, simbolizada por la Luna, recupera su lugar en esa relación entre padre e hijo, con lo que ella también queda liberada.

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JILL CLAYBURGH, breve semblanza de la actriz protagonista de LA LUNA:

Jill Clayburgh nació el 30 de abril de 1944, en Nueva York, en el seno de una familia judía acomodada. Su madre Julia Louise era secretaria ejecutiva del productor teatral David Merrick y su padre Henry Clayburgh era industrial. Su abuela paterna fue la célebre cantante de ópera Alma Lachenbruch Clayburgh. 

Su holgada situación económica le permitió educarse en los mejores colegios del Upper East Side de Manhattan. Cuando decidió convertirse en actriz ingresó al Charles Street Repertory Theater en Boston. En los años sesenta tuvo una intensa actividad en los escenarios teatrales de Broadway. En 1963 tuvo una pequeña participación en la cinta experimental “The Wedding Party” dirigida por Brian de Palma, Wilford Leach y Cynthia Munroe, pero la cual no se presentaría en público hasta 1969.

Jill Clayburgh vivió con Al Pacino entre los años 1970 y 1975, aunque nunca llegaron a casarse, lo cual haría el 8 de marzo de 1979 con David Rabe, con el que tuvo dos hijos: Michael y Lily Rabe.

Jill y David se mantuvieron juntos hasta el pasado 5 de noviembre de 2010 en que la actriz falleció de leucemia, enfermedad con la cual había luchado durante 20 años. Su hija Lily Rabe ha seguido la carrera de actriz en escenarios teatrales.

Jill mantuvo siempre una muy buena amistad con Meryl Streep, a pesar de que de cierta manera muchos de los pocos roles de mujeres independientes y decididas que se dieron en los años 80, cayeron en manos de Meryl. La carrera de Jill vino en declive sobre 1985, al escasear los buenos papeles para ella y entonces se refugió en la televisión. Uno de los últimos trabajos que realizó y que tuvo más reconocimiento fue precisamente en la serie Aly McBeal, donde interpretó a la madre de la protagonista.

Sin embargo, Jill Clayburgh tiene un lugar entre las grandes actrices del cine norteamericano del siglo XX, con papeles tan importantes como: Una mujer descasada, (por cuya interpretación obtuvo el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes de 1978), Comenzar de nuevo, El ladrón que vino a cenar, o esa gran interpretación bajo las órdenes de Costa Gravas: Hanna K.

Con este artículo, quiero rendir un homenaje a esta magnífica actriz.  Les dejo a continuación algunas imágenes de Jill Clayburgh durante su trabajo en LA LUNA:

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NOTA:  Las fotografías que aparecen en este post son propiedad de sus autores.  

A NUESTROS LECTORES, por CineT Farö

Queridos lectores,

Concluye hoy el cuarto año de CINET FARÖ. Nacimos en Marzo del 2013 con el propósito de compartir con todos nuestros lectores (con todos ustedes) nuestro amor por el CINE y el TEATRO.

Nuestra intención era escribir artículos con el único objetivo de informarles y compartir todo aquello que el Cine y el Teatro nos ha enseñando a lo largo de nuestras vidas.  Seguimos con ese deseo y ese propósito.

En este año 2016 que ya termina, hemos tenido el honor y el privilegio de entrevistar a importantes personalidades de estas dos disciplinas artísticas: Concha Velasco, Nuria Espert, Blanca Portillo y Sonia Almarcha.

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Durante el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, pudimos formular preguntas a grandes nombres de la industria cinematográfica: Eduard Fernández, Pablo Derqui, Isabelle Huppert, Paul Verhoven, Lambert Wilson, Pierre Ninney…

Y allí se produjo el reencuentro más especial para nosotros, también en San Sebastián, con el maestro japonés: Hirokazu Kore-eda (con el que ya tenemos “cierta” relación de amistad).

En CINE, este 2016 será recordado por nosotros porque se estrenaron películas que, por una razón o por otra, han sido importantes: Elle  de Paul Verhoven, Carol de Todd Haynes, Regreso a casa de Zhang Yimou,  El porvenir de Mia Hansen-Løve y Frantz de François Ozon.  En el último tramo queremos añadir una pequeña-gran joya del cine español: “La puerta abierta” de Marina Seresesky.

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Y en cuanto a las interpretaciones que nos han gustado especialmente, destacamos:

Isabelle Huppert, por dos trabajos deslumbrantes: Elle  de Paul Verhoven y El porvenir de Mia Hansen-Løve.

Cate Blanchet por Carol de Todd Haynes.  Eduard Fernández por El hombre de las mil caras de Alberto Rodríguez y Paula Beer por Frantz de François Ozon.

En TEATRO, este 2016 será recordado por algunos montajes verdaderamente memorables: “El alcalde de Zalamea” dirección Helena Pimenta, “Reina Juana”  dirección de  Gerardo Vera, “Sócrates” dirección Mario Gas, “La Celestina” dirección José Luis Gómez

Y en cuanto a las interpretaciones que destacamos:

Nuria Gallardo (El alcalde de Zalamea), Concha Velasco (Reina Juana), Josep Maria Pou (Sócrates), José Luis Gómez (La Celestina), Héctor Alterio (El padre).

Lamentablemente, al hacer balance del año, debemos mencionar a los artistas que se han ido: Chus Lampreave, Ángel de Andrés, Abe Vigoda, David Bowie, Bud Spencer, Garry Marshall, Anton Yelchin, Conchita Goyanes, Robert Vaughn, Elena Santonja, Kenny Baker, Gene Wilder, Alexis Arquette, Ken Howard, Doris Roberts,  Alan Rickman, Antoni Chic i Ollés, Carles Velat, Alan Ticke, Gil Parrondo, Nuria Pompeia, Eliseo Subiela, Carrie Fisher, Debbie Reynolds, Santi Ibáñez, Barbara Tarbuck…

Por este motivo, dedicamos este último artículo del año 2016 a los que nos adelantaron en el “último viaje”…

GRACIAS… por los buenos momentos que nos han hecho vivir…

¡FELIZ AÑO 2017, repleto de buen CINE y TEATRO¡

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DE TOUTES NOS FORCES (Dir. Nils Tavernier), por Yolanda Aguas

Ayer jueves, 28 de abril, se proyectó en pase especial (Sala 1 – Cines Puerto Venecia en Zaragoza) la película “De toutes nos forces” (Con todas nuestras fuerzas) de Nils Tavernier.

D. Jesús Arnal, Gerente en Aragón del Grupo SIFU, nos invitó a esta proyección especial organizada por la Fundación SIFU.

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Grupo SIFU es un Centro Especial de Empleo, formado por once delegaciones presentes en siete comunidades autónomas con sede central en Barcelona, que tiene como finalidad ofrecer una amplia gama de servicios empleando exclusivamente personal discapacitado. La filosofía de SIFU está enraizada en la especialización en cada uno de los servicios que ofrece, buscando la satisfacción total del cliente a través de una atención individualizada, que aporte soluciones integrales y logrando una calidad óptima.

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La Fundación nació en 2006 con vocación de apoyo a los trabajadores de Grupo SIFU. Su misión es la de: Fomentar la integración social de estos trabajadores llevando a cabo actividades culturales y sociales. Sensibilizar al entorno más inmediato del grupo, a través de jornadas lúdicas para mostrar las capacidades de los trabajadores, reforzar lazos con las entidades colaboradoras, extender la experiencia a los familiares y fomentar el voluntariado de las empresas y proveedores. Una actividad anual realizada simultáneamente en más de cinco ciudades.  Sensibilizar a estudiantes de institutos a través de charlas en las escuelas y talleres de educación en valores. En 2009 la Fundación dio un paso más para expandir su labor, con actividades que se centran en: Compartir su experiencia y replicar sus actividades alrededor de la diversidad funcional para otros colectivos. Dar servicio a ayuntamientos y crear acciones de RSC para empresas que quieran acercar la diversidad funcional a sus empleados. Crear y ampliar alianzas para llevar a cabo proyectos más ambiciosos como exposiciones en centros comerciales de toda España o carreras solidarias.

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“CON TODAS NUESTRAS FUERZAS”

Como indicábamos al inicio de este artículo, se celebró ayer un pase especial (para empleados, familiares y amigos de Grupo SIFU en Aragón) de la película “Con todas nuestras fuerzas”.

El director, Nils Tavernier, hijo del gran maestro francés Bertrand Tavernier, nos presenta una historia basada en hechos reales, cuidando especialmente la imagen que se apoya en una estupenda fotografía.  Los paisajes de ensueño de las montañas francesas, lagos y ciudades como Niza facilitan enormemente esta labor.  La película narra la historia de Paul (Jacques Gamblin), un hombre al que han echado de su trabajo, técnico de teleféricos alpinos, y que al volver a casa debe ocuparse a diario de su hijo discapacitado al que nunca le ha hecho mucho caso. Julien (Fabien Héraud), que siempre ha intentado comunicarse con su padre, lo intentará de nuevo al proponerle participar juntos en el triatlón conocido como ‘Iron Man’, y para el que se requiere una gran capacidad física, teniendo en cuenta que hay que recorrer una gran cantidad de distancia a nado, en bicicleta y corriendo, en menos de 16 horas.

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Galardonada con el Premio del Público del francés Festival de Sarlat, la película de Nils Tavernier tiene un tono amable.  Me hubiera gustado que apareciera más desarrollado el personaje de la madre, que el conflicto que se presenta entre ella y su esposo no se amanse con tanta facilidad (simplemente para que esa relación resultara más creíble).

Con todo, lo que importa en esta película es su mensaje: la superación personal, y lo logra de forma convincente.

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NOTA:

Las fotografías insertadas del Grupo SIFU y el logo de la Fundación SIFU, son propiedad del Grupo SIFU.

Las fotografías oficiales de la película “Con todas nuestras fuerzas” son propiedad de sus productores.

La fotografía de D. Jesús Arnal es propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

 

EL CIELO PROTECTOR (Dir. BERNARDO BERTOLUCCI), por Yolanda Aguas

PAUL BOWLES, escritor nacido en Nueva York en 1910, fue un gran viajero.  Junto a su esposa Jane, viajó por todo el mundo residiendo en París, España, América Latina y Tánger.  Esta última ciudad fue donde el matrimonio fijó su residencia y de su pasión por el norte de África surgió su novela más famosa: EL CIELO PROTECTOR.

La idea de escribirla, no obstante, nació mientras él recorría en autobús la Quinta Avenida de Nueva York.  En la película de Bertolucci, el autor aparece en una escena (El Bar de Tánger frente al Cine Alcázar donde Paul Bowles toma un té).  Él está al principio de la secuencia.  Bertolucci contó: “decidimos poner al autor mirando a sus personajes en el último momento.  El escritor representaba la literatura. Ésa era la idea”.

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Tánger, la tierra bajo la cual se encontraba el cielo protector.  Aunque lo parezca, éste no es un libro de viajes, es un libro que se centra en narrar las diversas culturas, cuándo éstas se comprenden y aceptan entre sí.  En la novela, la pareja formada por Kit y Port viaja junto a Tunner.   Tunner es el tercero en ese triángulo cumpliendo perfectamente el papel de agitador discreto aunque persistente.  Y mientras, el narrador, omnisciente, no nos concede accesorios más o menos útiles con los que identificar y juzgar a los personajes. Apenas hay opción para volver al pasado de los protagonistas, todo en la novela nos lleva hacia adelante.  No podemos decir que los protagonistas busquen algo concreto, más allá de un sitio para pasar la noche, comer o beber.  Sólo existe el anhelo de vivir el momento desde dentro.  El autor indagó en este texto maravilloso en las pulsiones más básicas e incomprensibles del ser humano.

Con este magnífico material literario, el gran director italiano Bernardo Bertolucci filmó una película bellísima.   Contó para ello con un magnífico equipo creativo:  Mark Peploe co-autor  junto a él del guión adaptado de la novela, la fotografía del maestro Vittorio Storaro y la música magistral de Ryuichi Sakamoto.

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Sinopsis de la película:

Una pareja de neoyorquinos viaja a África en busca de nuevas experiencias que puedan dar un nuevo sentido a su relación. En 1947, Port y Kit Moresby llegan en barco al norte de África. Tras diez años de matrimonio, para esta sofisticada pareja resulta difícil la convivencia. Port, un músico que lleva un año sin trabajar, busca en el desierto una fuente de inspiración y nueva savia para un matrimonio que se muere. Kit Por su parte, está cansada de viajar y espera que un milagro le devuelva a su marido. Tienen un compañero de viaje, George Tunner, un joven rico y mundano, fascinado por los Moresby, especialmente por Kit. Port, que se define como un viajero y no como un turista, está decidido a dejar atrás el mundo moderno y a adentrarse en el Sáhara para encontrarse a sí mismo

Origen del rodaje de esta película:

Según explicó el propio director, Bernardo Bertolucci, la idea de rodar esta película surgió así: EL CIELO PROTECTOR es un libro del que oí hablar mientras rodaba El Último Emperador.  Me hablaron durante mucho tiempo de él, al menos tres personas lo hicieron: Nandos Kafioti, Marily Golden y Mark People.  Para mí, eran los miembros de una sociedad secreta.  La sociedad de la gente que adora a Paul Bowles.  Yo no sabía quién era. Al final, acabas enfadándote con los amigos que insisten en que leas el libro.  Lo leí en China. En ese libro hay una destilación de veneno palabra tras palabra. Es el veneno de una clase de existencialismo.  La primera vez que fuimos a Tánger a hablar con Paul Bowles aún estábamos montando El último emperador y Mark presionó mucho con El cielo protector, así que me llevó a ver a Paul Bowles, una especie de leyenda en Tánger

EL CIELO PROTECTOR (THE SHELTERING SKY) es una de esas películas que nunca pasan de moda.   Han transcurrido los años, se estrenó en 1990,  y no envejece (en el aspecto formal de la imagen y en todo lo que plantea emocionalmente).

B.S.O. de RYUICHI SAKAMOTO:

“The sheltering sky” (El cielo protector), es la banda sonora que Sakamoto compuso para dicha película. A parte de una serie de piezas étnicas no compuestas por el mismo, de las que no hablaré, nos encontramos con un trabajo delicado, hermoso, casi minimalista.

Aparecido en 1991 de la mano de Virgin Records, este CD se compone de 13 piezas de Ryuichi Sakamoto más una serie de tracks de música étnica arábiga, que encajan perfectamente con la película pero que no toca comentar. El CD se inicia con “The sacred Koran“, una breve introducción cantada, e inmediatamente después el tema principal, una bella melodía que rebosa sensibilidad. Podría compararse al tema principal de “Snake eyes“, que también hace un uso intensivo de los violines, es algo minimalista e igualmente hermoso. El resto de temas varían, pero suelen durar apenas un minuto y poco más. Un ejemplo es “Belly“, que dura 1:27 min, y presenta una breve aunque destacable melodía a cuerda y viento, que presenta algunas notas del tema principal. Esto se da en muchas otras, como “On the bed (dream)“, que mezcla notas del tema con otras que ofrecen una impresión caótica, de sueño. “Loneliness” utiliza el piano a manos de Sakamoto, “On the hill“, la más larga y compleja quizás, presenta una voz cuyo canto recuerda la situación arábiga de la película (al más puro estilo de “El paciente inglés“).

Por último, memorable el tema principal tocado solo a piano, que es la pieza que pone fin a este CD (al menos en lo que respecta a Sakamoto).

Es, para mi, una de las más hermosas composiciones que he escuchado.

1. The sacred Koran

0:48

2. The sheltering sky theme

5:19

3. Belly

1:27

4. Port’s composition

1:23

5. On the bed (dream)

1:38

6. Loneliness

1:31

7. On the hill

6:12

8. Kyoto

1:04

9. Cemetery

1:25

10. Dying

3:35

11. Market

1:42

12. Grand hotel

2:06

13. The sheltering sky theme (piano)

4:20

 

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.  

EL DULCE PORVENIR (Dir. ATOM EGOYAN), por Yolanda Aguas

Creo que fue Jean Cocteau quién dijo una frase, que más o menos venía a decir: en el cine se ve a la muerte trabajando (la mort au travail ), lo que se ve en la pantalla es siempre algo que se ha ido…

ATOM EGOYAN habla constantemente de eso, de la pérdida: “Loss es un término al que vuelvo una y una vez, porque el cine trata siempre de la pérdida. Si uno hace una imagen de una cosa es porque teme perderla”.

EL DULCE PORVENIR, película rodada en el año 1997, habla de la mayor y más trágica pérdida que puede tener un ser humano: la pérdida de un hijo/a.

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Como en el cuento El Flautista de Hamelín de los Hermanos Grimm, un accidente de autobús deja a una pequeña comunidad sin la preciada presencia de todos sus niños (menos uno, como el niño cojo del cuento).  Y con ello lleva la más completa desolación a sus habitantes.

Gabriel García Márquez escribió un relato corto, apenas tiene 3 páginas, que se llama Me alquilo para soñar.  Se publicó en prensa el 7-09-1983, y aparece en una recopilación de textos del maestro colombiano realizada por la Editorial Mondadori, titulada Notas de Prensa 1980-84. De este breve relato, la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (Cuba), desarrolló un guión cinematográfico que dirigió para la televisión el director Ruy Guerra.  La historia fue protagonizada por la extraordinaria actriz alemana Hanna Schygulla, y un magnífico elenco de actores españoles: Fernando Guillén, Álvaro de Luna y Charo López. Todo esto se realizó bajo la supervisión del propio Gabriel García Márquez que dirigió el Taller de guión.  Tal vez en otro momento pueda contar mi conversación con Ruy Guerra, fue muy interesante y agradable.  Nuestro encuentro se produjo en septiembre del año 2005, durante la presencia del director en el Festival de Cine de San Sebastián.

Me alquilo para soñar tiene también como eje inicial la trágica muerte de un grupo de niños que fallecen en otro accidente de autobús cuando se trasladaban al colegio.   Es pues, la pérdida de seres humanos en sus primeros años de vida un tema recurrente en la literatura y en el cine.

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El dulce porvenir, sinopsis:

La gente de un pequeño pueblo de Canadá queda destrozada al conocer una dramática noticia. El autobús escolar se ha hundido en un lago al derrapar por culpa de la nieve. Durante el incidente mueren 20 niños.  El pueblo queda sólo con una niña de 15 años: Nichole Burnell (SARAH POLLEY), que iba sentada en el asiento delantero en el momento del accidente y que quedó paralítica de cintura para abajo.  Es la única superviviente, junto a la conductora del autobús, de ese accidente que cambia la vida de todo un pueblo.

Unos días después de este trágico acontecimiento, un abogado, Mitchell Stevens aparece en el pueblo para representar a toda la comunidad afectada en el juicio que se va a realizar contra la empresa de transportes. La decisión de Stevens de ayudar a la ciudad, tiene un cierto paralelismo con su propia vida.

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Declarando a priori que ésta es una de las películas de mi vida, me gustaría analizar brevemente la historia, lo que cuenta el director y lo que los espectadores somos capaces de apreciar.

Destacando el inmenso talento narrativo de Atom Egoyan, gran guionista además de director (aunque la originalidad del guión de El dulce porvenir  la comparta con una novela de Russel Banks), es preciso analizar brevemente el trato que se le da en la película a la fábula del Flautista de Hamelín. Partiendo de la base de que todos ustedes conocerán el relato, intentaré descifrar brevemente algunas relaciones que se establecen entre éste y el guión de Egoyan.

El personaje que interpreta un correcto IAN HOLM, Mitchel Stevens que como el flautista hace con los niños de la fábula, intenta embaucar a los habitantes de la película para que le sigan en su ansia de dinero aprovechándose sin compasión de la fragilidad que el dolor de la tragedia ha llevado a sus vidas.

M8DSWHE EC004De beaux lendemains<br /><br /><br /><br /><br /><br /> 1997<br /><br /><br /><br /><br /><br /> real : Atom Egoyan<br /><br /><br /><br /><br /><br /> Ian Holm<br /><br /><br /><br /><br /><br /> COLLECTION CHRISTOPHEL

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Buscando en el subtexto de los diálogos de la película, podemos encontrar una fuerte conexión, mediante la cual las personas del pueblo se verían emparentadas con el personaje del flautista cuando éstos, enfadados, clamasen venganza por la muerte de sus hijos, igual como el flautista se siente injustamente tratado cuando no se le paga por eliminar las ratas del pueblo.

Existe también un claro paralelismo cuando los niños del pueblo de la película se identifican con los niños de la fábula, en el momento en que son llevados al fondo de un lago congelado en la película  o el interior de una montaña mágica en el cuento. Lo que resulta menos obvio es quien juega el papel del flautista en la película, porque sería injusto determinar que podría ser Dolores como conductora del bus. Me inclino más por pensar que se trata del destino fatal de todos esos niños.

La película finaliza con una secuencia final conmovedora en la que vemos en flashback a Nicole (Sarah Polley) cerrar el cuento de Hamelín que acaba de leer a dos niños para ayudarles a dormir.  En ese momento, ella se dirige hacia la luz de un coche que se aproxima, y que a través de las cortinas ilumina levemente una habitación en penumbra.   En ese momento, toda la intención de la historia presentada por el maestro canadiense de origen armenio, adquiere su verdadero significado.

EL DULCE PORVENIR, una de las mejores películas de la Historia del Cine en los últimos 25 años, obtuvo numerosos y prestigiosos premios, destacando:

-Espiga de Oro, en la SEMINCI de Valladolid de 1997

-Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 1997

Cuenta, además, con la envolvente música compuesta por el gran Michael Danna, del que ya hablamos en nuestra crónica de la película: Conociendo a Julia.

EL DULCE PORVENIR, de Atom Egoyan, es sin lugar a dudas una de las grandes películas.   Si aman el cine, no deben perdérsela.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

VÍAS CRUZADAS (The Station Agent) (Dir. Thomas McCarthy), por Yolanda Aguas

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Siempre se ha dicho que no hay mejor publicidad que aquella realizada por el “boca a boca”, o mejor aún gracias a la satisfacción que produce compartir algo, que te hace o ha hecho feliz,  con las personas que verdaderamente aprecias.

Thomas McCarthy dirigió en el año 2003 una película preciosa que invita a ser compartida incansablemente.   El director, conocido por adaptar el episodio piloto de Juego de Tronos (HBO), se reunió con un formidable equipo de actores.

Michelle Williams, una de las protagonistas de Dawson crece, que posteriormente alcanzó la fama internacional con su pequeño, pero importante, papel en Brokeback Mountain.   Bobby Cannavale, actor muy popular en la televisión, donde interpretó a un paramédico en la exitosa serie americana Turno de Guardia.

Peter Dinklage, actor que también trabajó en el episodio piloto de Juego de Tronosy que ya había trabajado con Sidney Lumet.

PATRICIA CLARKSON, una de las mejores actrices de su generación.  La reina del cine independiente americano, pero también con grandes papeles dentro de la industria de Hollywood.   Vamos a dedicar muy pronto una completa semblanza a esta magnífica actriz por lo que ahora no vamos a extendernos con el historial de sus trabajos.   Sí queremos, no obstante, citar algunos de ellos:  Shutter Island, La Milla Verde, Vicky Cristina Barcelona, Cairo Time, Elegy, High Art, El juramento, Buenas noches y buena suerte, Los intocables de Eliot Ness, Retrato de April, Dogville, A dos mejos bajo tierra (Tv).

 

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Cuenta además, con otro personaje invitado, aunque como tal no figure en los créditos de la película: el tren.   El mágico y maravilloso mundo del tren.   Si hay un elemento que haya sido muchas veces clave en la Historia del Cine y en las películas que han transitado por ella, ése es el tren.   Viajar en tren invita a vivir aventuras, a soñar con lugares lejanos, a conocer personas en cualquier estación.   Un pueblo con una Station Agent tenía más vida porque aglutinaba muchas almas en torno a ella.

‘Vías cruzadas’ destaca por la forma sensible en que plantea situaciones cotidianas (de las que ponen la vida del revés) por su sentido del humor, por su firme mirada al tratar a los personajes y, especialmente, por el trío que forman Dinklage, Clarkson y Cannavale, que desarrollan una química y una dinámica conmovedora y muy especial con la que muchos de nosotros podemos llegar a identificarnos.  De ahí el gran éxito de esta película.

Peter Dinklage, uno de los protagonistas de la película,  llega a un pueblo para vivir en una vieja estación de tren que ha heredado de su antiguo jefe,  con la esperanza de vivir allí solo y en paz. Sin embargo, se encontrará con una mujer con una personal tragedia a cuestas y con un simpático y sociable cubano, vendedor de café y perritos calientes que, como era de esperar,  terminarán afectando positivamente a su vida hasta el punto de quedarse en ella para siempre.

La película cuenta con un guión impresionantemente bueno y eso se nota en cada plano.  No sobra ni una palabra y, los silencios adquieren una importancia esencial.  Es una película sencilla, que no pretendiendo grandes cotas de éxito comercial logró justamente lo contrario…  alcanzar una dimensión tan importante que muchas mega producciones de Hollywood hubieran anhelado para sí.

Cada plano de Vías cruzadas es como una poesía de Anne Carson, un aria de Bellini, una pintura de Boticelli…   Y los que logran esta culminación, principalmente, son tres magníficos actores que se creyeron lo que estaban contando, logrando así el milagro que siempre debería ser una película.   Porque, ¿acaso el cine no es un acto de fe?

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