(Texto: Yolanda Aguas)

Creo que fue Jean Cocteau quién dijo una frase, que más o menos venía a decir: en el cine se ve a la muerte trabajando (la mort au travail ), lo que se ve en la pantalla es siempre algo que se ha ido…

ATOM EGOYAN habla constantemente de eso, de la pérdida: “Loss es un término al que vuelvo una y una vez, porque el cine trata siempre de la pérdida. Si uno hace una imagen de una cosa es porque teme perderla”.

EL DULCE PORVENIR, película rodada en el año 1997, habla de la mayor y más trágica pérdida que puede tener un ser humano: la pérdida de un hijo/a.

Como en el cuento El Flautista de Hamelín de los Hermanos Grimm, un accidente de autobús deja a una pequeña comunidad sin la preciada presencia de todos sus niños (menos uno, como el niño cojo del cuento).  Y con ello lleva la más completa desolación a sus habitantes.

Gabriel García Márquez escribió un relato corto, apenas tiene 3 páginas, que se llama Me alquilo para soñar.  Se publicó en prensa el 7-09-1983, y aparece en una recopilación de textos del maestro colombiano realizada por la Editorial Mondadori, titulada Notas de Prensa 1980-84. De este breve relato, la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (Cuba), desarrolló un guión cinematográfico que dirigió para la televisión el director Ruy Guerra.  La historia fue protagonizada por la extraordinaria actriz alemana Hanna Schygulla, y un magnífico elenco de actores españoles: Fernando Guillén, Álvaro de Luna y Charo López. Todo esto se realizó bajo la supervisión del propio Gabriel García Márquez que dirigió el Taller de guión.  Tal vez en otro momento pueda contar mi conversación con Ruy Guerra, fue muy interesante y agradable.  Nuestro encuentro se produjo en septiembre del año 2005, durante la presencia del director en el Festival de Cine de San Sebastián.

Me alquilo para soñar tiene también como eje inicial la trágica muerte de un grupo de niños que fallecen en otro accidente de autobús cuando se trasladaban al colegio.   Es pues, la pérdida de seres humanos en sus primeros años de vida un tema recurrente en la literatura y en el cine.

El dulce porvenir, sinopsis:

La gente de un pequeño pueblo de Canadá queda destrozada al conocer una dramática noticia. El autobús escolar se ha hundido en un lago al derrapar por culpa de la nieve. Durante el incidente mueren 20 niños.  El pueblo queda sólo con una niña de 15 años: Nichole Burnell (SARAH POLLEY), que iba sentada en el asiento delantero en el momento del accidente y que quedó paralítica de cintura para abajo.  Es la única superviviente, junto a la conductora del autobús, de ese accidente que cambia la vida de todo un pueblo.

Unos días después de este trágico acontecimiento, un abogado, Mitchell Stevens aparece en el pueblo para representar a toda la comunidad afectada en el juicio que se va a realizar contra la empresa de transportes. La decisión de Stevens de ayudar a la ciudad, tiene un cierto paralelismo con su propia vida.

Declarando a priori que ésta es una de las películas de mi vida, me gustaría analizar brevemente la historia, lo que cuenta el director y lo que los espectadores somos capaces de apreciar.

Destacando el inmenso talento narrativo de Atom Egoyan, gran guionista además de director (aunque la originalidad del guión de El dulce porvenir  la comparta con una novela de Russel Banks), es preciso analizar brevemente el trato que se le da en la película a la fábula del Flautista de Hamelín. Partiendo de la base de que todos ustedes conocerán el relato, intentaré descifrar brevemente algunas relaciones que se establecen entre éste y el guión de Egoyan.

El personaje que interpreta un correcto IAN HOLM, Mitchel Stevens que como el flautista hace con los niños de la fábula, intenta embaucar a los habitantes de la película para que le sigan en su ansia de dinero aprovechándose sin compasión de la fragilidad que el dolor de la tragedia ha llevado a sus vidas.

Buscando en el subtexto de los diálogos de la película, podemos encontrar una fuerte conexión, mediante la cual las personas del pueblo se verían emparentadas con el personaje del flautista cuando éstos, enfadados, clamasen venganza por la muerte de sus hijos, igual como el flautista se siente injustamente tratado cuando no se le paga por eliminar las ratas del pueblo.

Existe también un claro paralelismo cuando los niños del pueblo de la película se identifican con los niños de la fábula, en el momento en que son llevados al fondo de un lago congelado en la película  o el interior de una montaña mágica en el cuento. Lo que resulta menos obvio es quien juega el papel del flautista en la película, porque sería injusto determinar que podría ser Dolores como conductora del bus. Me inclino más por pensar que se trata del destino fatal de todos esos niños.

La película finaliza con una secuencia final conmovedora en la que vemos en flashback a Nicole (Sarah Polley) cerrar el cuento de Hamelín que acaba de leer a dos niños para ayudarles a dormir.  En ese momento, ella se dirige hacia la luz de un coche que se aproxima, y que a través de las cortinas ilumina levemente una habitación en penumbra.   En ese momento, toda la intención de la historia presentada por el maestro canadiense de origen armenio, adquiere su verdadero significado.

EL DULCE PORVENIR, una de las mejores películas de la Historia del Cine en los últimos 25 años, obtuvo numerosos y prestigiosos premios, destacando:

-Espiga de Oro, en la SEMINCI de Valladolid de 1997

-Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 1997

Cuenta, además, con la envolvente música compuesta por el gran Michael Danna, del que ya hablamos en nuestra crónica de la película: Conociendo a Julia.

EL DULCE PORVENIR, de Atom Egoyan, es una de las grandes películas de la Historia del Cine.  

*************************************************************************************************

NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Ficha técnica

Estados Unidos. 2017. Título original: Most Beautiful Island. Directora: Ana Asensio. Guion: Ana Asensio.

Productores: Ana Asensio, Larry Fessenden, Noah Greenberg, Chadd Harbold, Jenn Wesler. Productora: Glass Eye Pix.

Fotografía: Noah Greenberg. Música: Jeffery Alan Jones. Montaje: Carl Ambrose, Francisco Bello. Dirección artística: Shiloh Kidd.

Reparto: Ana Asensio, Natasha Romanova, David Little, Nicholas Tucci, Caprice Benedetti, Larry Fessenden, Anna Myrha, Ami Sheth, Miriam A. Hyman, Sara Visser.

He querido comenzar este artículo con la ficha técnica de la película.  El esfuerzo que hay en ella para realizarla así lo merece.  Todos ellos, con Ana Asensio a la cabeza, firman una magnífica ópera prima que es una brillante carta de presentación de una mujer que ha luchado por sacar adelante este film.

Luciana, la protagonista de esta historia, una inmigrante que huyó de su pasado en España y que sobrevive como puede a las inclemencias económicas propias de la falta de un empleo estable y su falta de papeles en regla. Va acumulando deudas en el alquiler de su piso y apenas tiene dinero para recargar el saldo de su teléfono móvil. Los escasos dólares que saca repartiendo anuncios disfrazada de pollo por las calles o ejerciendo de niñera de unos niños desobedientes e insufribles no son suficientes para su subsistencia, por lo que acepta una oportunidad que le hace Olga, una amiga y compañera rusa que, al igual que ella, trabaja en lo que puede.

El trabajo en cuestión, consiste en asistir a una misteriosa fiesta, vestida con un sugerente vestido negro y tacones altos, portando un misterioso bolso que no podrá abrir, y dejarse llevar por lo que allí suceda para cobrar, así, la generosa cantidad de 2.000 dólares. La situación desesperada de Luciana es más fuerte que el temor a lo desconocido, por lo que acude al tenebroso lugar, donde se encuentra con otras chicas en sus mismas circunstancias y un grupo de personas de evidente poder adquisitivo que las contempla como a objetos, sin saber que aquella noche se convertirá en la más peligrosa de su vida.

Y hasta aquí podemos contar…

Al finalizar su participación la serie española “Nada es para siempre” (1999), Ana Asensio abandonó España en 2001 con dirección a Nueva York.  Quería probar suerte en el país de las oportunidades.  Este guión que ella misma ha escrito, en cierta forma es un reflejo de sus vivencias, buenas y malas, en el afán por alcanzar esas metas que se había propuesto.  Ella es realizadora, guionista, productora y actriz principal.  Como alguien que conozco dijo una vez: “¡Supéralo¡”.

La película está rodada en súper 16, durante tan sólo 16 días, y su estreno en España se ha debido al éxito cosechado en varios festivales de cine en Estados Unidos: Gran Premio del Jurado obtenido en el South By Southwest de Austin, finalista a la mejor película en el apartado John Cassavetes de los Independent Spirit y las excelentes opiniones logradas a su paso por Sitges y el Nocturna de Madrid.

2017 fue el año de la confirmación de Ana Asensio como una artista muy completa, uno de los nombres que debemos seguir en los próximos años.´

La película tiene numerosas influencias cinematográficas, que no queremos indicar para no desvelar el final de la misma.

Háganse un favor y vean esta pequeña-gran joya.

Nosotros la hemos visto dentro de la programación de la XXI edición de la Muestra Internacional de Cine Realizado por Mujeres de Zaragoza.

*********************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Me confieso incondicional del cine de LUCHINO VISCONTI.  ¿Se acuerdan de él?  Parece que su cine haya sido olvidado casi tan cruelmente como se suele olvidar a los muertos.

Anticipo ahora que pronto vamos a escribir una semblanza del maestro italiano, como nuestro particular homenaje a él y a sus grandes películas:   Ludwig, Muerte en Venecia, La caída de los dioses, El Gatopardo, El Inocente o esa película “menor” en la que Burt Lancaster  interpreta inolvidablemente a un viejo profesor:  Confidencias.

Si tras el fallecimiento de Visconti, hubiéramos de citar a otro director europeo que siguió su particular estela, en cuanto a grandes producciones, ése sería sin duda alguna: Bernardo Bertolucci.

Bertolucci, director que firma películas importantísimas como El último emperador, El cielo protector, El último tango en París, Novecento, El conformista, La estrategia de la araña, Belleza robada o Pequeño Buda, entre otras…,  escribió y rodó en el año 1979 la que para mí es una de sus mejores películas: LA LUNA.

LA LUNA, película que causó una gran polémica en el año de su estreno, narra la vida de Caterina, una famosa cantante de ópera norteamericana que, ante la repentina muerte de su esposo, tiene que llevarse con ella a su hijo durante una gira por Italia que no ha podido cancelar.   A partir de ese instante, se inicia poco a poco una relación incestuosa entre madre e hijo al mismo tiempo que el joven, en la confusión propia de su temprana edad, se introduce peligrosamente en el mundo de la heroína.   El hijo en su estancia en Italia anhela conocer a su padre biológico con el que apenas convivió siendo él un bebé.

Como siempre, las imágenes de Bertolucci son preciosas…

Caterina, perdida por completo en la soledad emocional que tantas veces acompaña a las grandes estrellas internacionales, se entrega también a la relación con su hijo en un viaje que poco a poco irá destruyéndola.  Y es sólo cuando ella logra rescatar a su hijo de esa vorágine de destrucción, cuando vuelve a encontrar cierto equilibro en su vida.

Es obvio que en esta película, la luna simboliza a la madre.  Ambos, luna y madre, antropológicamente hablando son elementos análogos que cumplen el mismo rol.  No es casualidad que la película comience con un precioso plano de la luna con el hijo-bebé y su madre paseando en bicicleta a la luz de la luna y finalice con esa misma luna sobre los tres protagonistas: madre, hijo y padre recuperado.  En el camino, el complejo de Edipo del hijo se resuelve cuando llega la presencia del padre verdadero y con él la aceptación del hijo, dejando así atrás esa carencia que le había arrastrado a la infelicidad.  La madre, simbolizada por la Luna, recupera su lugar en esa relación entre padre e hijo, con lo que ella también queda liberada.

JILL CLAYBURGH, breve semblanza de la actriz protagonista de LA LUNA:

Jill Clayburgh nació el 30 de abril de 1944, en Nueva York, en el seno de una familia judía acomodada. Su madre Julia Louise era secretaria ejecutiva del productor teatral David Merrick y su padre Henry Clayburgh era industrial. Su abuela paterna fue la célebre cantante de ópera Alma Lachenbruch Clayburgh. 

Su holgada situación económica le permitió educarse en los mejores colegios del Upper East Side de Manhattan. Cuando decidió convertirse en actriz ingresó al Charles Street Repertory Theater en Boston. En los años sesenta tuvo una intensa actividad en los escenarios teatrales de Broadway. En 1963 tuvo una pequeña participación en la cinta experimental “The Wedding Party” dirigida por Brian de Palma, Wilford Leach y Cynthia Munroe, pero la cual no se presentaría en público hasta 1969.

Jill Clayburgh vivió con Al Pacino entre los años 1970 y 1975, aunque nunca llegaron a casarse, lo cual haría el 8 de marzo de 1979 con David Rabe, con el que tuvo dos hijos: Michael y Lily Rabe.

Jill y David se mantuvieron juntos hasta el pasado 5 de noviembre de 2010 en que la actriz falleció de leucemia, enfermedad con la cual había luchado durante 20 años. Su hija Lily Rabe ha seguido la carrera de actriz en escenarios teatrales.

Jill mantuvo siempre una muy buena amistad con Meryl Streep, a pesar de que de cierta manera muchos de los pocos roles de mujeres independientes y decididas que se dieron en los años 80, cayeron en manos de Meryl. La carrera de Jill vino en declive sobre 1985, al escasear los buenos papeles para ella y entonces se refugió en la televisión. Uno de los últimos trabajos que realizó y que tuvo más reconocimiento fue precisamente en la serie Aly McBeal, donde interpretó a la madre de la protagonista.

Sin embargo, Jill Clayburgh tiene un lugar entre las grandes actrices del cine norteamericano del siglo XX, con papeles tan importantes como: Una mujer descasada, (por cuya interpretación obtuvo el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes de 1978), Comenzar de nuevo, El ladrón que vino a cenar, o esa gran interpretación bajo las órdenes de Costa Gravas: Hanna K.

Con este artículo, quiero rendir un homenaje a esta magnífica actriz.  Les dejo a continuación algunas imágenes de Jill Clayburgh durante su trabajo en LA LUNA:

*********************************************************************************************************************

NOTA:  Las fotografías que aparecen en este post son propiedad de sus autores.  

Ayer jueves, 28 de abril, se proyectó en pase especial (Sala 1 – Cines Puerto Venecia en Zaragoza) la película “De toutes nos forces” (Con todas nuestras fuerzas) de Nils Tavernier.

D. Jesús Arnal, Gerente en Aragón del Grupo SIFU, nos invitó a esta proyección especial organizada por la Fundación SIFU.

Grupo SIFU es un Centro Especial de Empleo, formado por once delegaciones presentes en siete comunidades autónomas con sede central en Barcelona, que tiene como finalidad ofrecer una amplia gama de servicios empleando exclusivamente personal discapacitado. La filosofía de SIFU está enraizada en la especialización en cada uno de los servicios que ofrece, buscando la satisfacción total del cliente a través de una atención individualizada, que aporte soluciones integrales y logrando una calidad óptima.

La Fundación nació en 2006 con vocación de apoyo a los trabajadores de Grupo SIFU. Su misión es la de: Fomentar la integración social de estos trabajadores llevando a cabo actividades culturales y sociales. Sensibilizar al entorno más inmediato del grupo, a través de jornadas lúdicas para mostrar las capacidades de los trabajadores, reforzar lazos con las entidades colaboradoras, extender la experiencia a los familiares y fomentar el voluntariado de las empresas y proveedores. Una actividad anual realizada simultáneamente en más de cinco ciudades.  Sensibilizar a estudiantes de institutos a través de charlas en las escuelas y talleres de educación en valores. En 2009 la Fundación dio un paso más para expandir su labor, con actividades que se centran en: Compartir su experiencia y replicar sus actividades alrededor de la diversidad funcional para otros colectivos. Dar servicio a ayuntamientos y crear acciones de RSC para empresas que quieran acercar la diversidad funcional a sus empleados. Crear y ampliar alianzas para llevar a cabo proyectos más ambiciosos como exposiciones en centros comerciales de toda España o carreras solidarias.

“CON TODAS NUESTRAS FUERZAS”

Como indicábamos al inicio de este artículo, se celebró ayer un pase especial (para empleados, familiares y amigos de Grupo SIFU en Aragón) de la película “Con todas nuestras fuerzas”.

El director, Nils Tavernier, hijo del gran maestro francés Bertrand Tavernier, nos presenta una historia basada en hechos reales, cuidando especialmente la imagen que se apoya en una estupenda fotografía.  Los paisajes de ensueño de las montañas francesas, lagos y ciudades como Niza facilitan enormemente esta labor.  La película narra la historia de Paul (Jacques Gamblin), un hombre al que han echado de su trabajo, técnico de teleféricos alpinos, y que al volver a casa debe ocuparse a diario de su hijo discapacitado al que nunca le ha hecho mucho caso. Julien (Fabien Héraud), que siempre ha intentado comunicarse con su padre, lo intentará de nuevo al proponerle participar juntos en el triatlón conocido como ‘Iron Man’, y para el que se requiere una gran capacidad física, teniendo en cuenta que hay que recorrer una gran cantidad de distancia a nado, en bicicleta y corriendo, en menos de 16 horas.

Galardonada con el Premio del Público del francés Festival de Sarlat, la película de Nils Tavernier tiene un tono amable.  Me hubiera gustado que apareciera más desarrollado el personaje de la madre, que el conflicto que se presenta entre ella y su esposo no se amanse con tanta facilidad (simplemente para que esa relación resultara más creíble).

Con todo, lo que importa en esta película es su mensaje: la superación personal, y lo logra de forma convincente.

*******************************************************************************************************

NOTA:

Las fotografías insertadas del Grupo SIFU y el logo de la Fundación SIFU, son propiedad del Grupo SIFU.

Las fotografías oficiales de la película «Con todas nuestras fuerzas» son propiedad de sus productores.

La fotografía de D. Jesús Arnal es propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

Siempre se ha dicho que no hay mejor publicidad que aquella realizada por el “boca a boca”, o mejor aún gracias a la satisfacción que produce compartir algo, que te hace o ha hecho feliz,  con las personas que verdaderamente aprecias.

Thomas McCarthy dirigió en el año 2003 una película preciosa que invita a ser compartida incansablemente.   El director, conocido por adaptar el episodio piloto de Juego de Tronos (HBO), se reunió con un formidable equipo de actores.

Michelle Williams, una de las protagonistas de Dawson crece, que posteriormente alcanzó la fama internacional con su pequeño, pero importante, papel en Brokeback Mountain.   Bobby Cannavale, actor muy popular en la televisión, donde interpretó a un paramédico en la exitosa serie americana Turno de Guardia.

Peter Dinklage, actor que también trabajó en el episodio piloto de Juego de Tronos, y que ya había trabajado con Sidney Lumet.

PATRICIA CLARKSON, una de las mejores actrices de su generación.  La reina del cine independiente americano, pero también con grandes papeles dentro de la industria de Hollywood.   Vamos a dedicar muy pronto una completa semblanza a esta magnífica actriz por lo que ahora no vamos a extendernos con el historial de sus trabajos.   Sí queremos, no obstante, citar algunos de ellos:  Shutter Island, La Milla Verde, Vicky Cristina Barcelona, Cairo Time, Elegy, High Art, El juramento, Buenas noches y buena suerte, Los intocables de Eliot Ness, Retrato de April, Dogville, A dos mejos bajo tierra (Tv).

Cuenta además, con otro personaje invitado, aunque como tal no figure en los créditos de la película: el tren.   El mágico y maravilloso mundo del tren.   Si hay un elemento que haya sido muchas veces clave en la Historia del Cine y en las películas que han transitado por ella, ése es el tren.   Viajar en tren invita a vivir aventuras, a soñar con lugares lejanos, a conocer personas en cualquier estación.   Un pueblo con una Station Agent tenía más vida porque aglutinaba muchas almas en torno a ella.

‘Vías cruzadas’ destaca por la forma sensible en que plantea situaciones cotidianas (de las que ponen la vida del revés) por su sentido del humor, por su firme mirada al tratar a los personajes y, especialmente, por el trío que forman Dinklage, Clarkson y Cannavale, que desarrollan una química y una dinámica conmovedora y muy especial con la que muchos de nosotros podemos llegar a identificarnos.  De ahí el gran éxito de esta película.

Peter Dinklage, uno de los protagonistas de la película,  llega a un pueblo para vivir en una vieja estación de tren que ha heredado de su antiguo jefe,  con la esperanza de vivir allí solo y en paz. Sin embargo, se encontrará con una mujer con una personal tragedia a cuestas y con un simpático y sociable cubano, vendedor de café y perritos calientes que, como era de esperar,  terminarán afectando positivamente a su vida hasta el punto de quedarse en ella para siempre.

La película cuenta con un guión impresionantemente bueno y eso se nota en cada plano.  No sobra ni una palabra y, los silencios adquieren una importancia esencial.  Es una película sencilla, que no pretendiendo grandes cotas de éxito comercial logró justamente lo contrario…  alcanzar una dimensión tan importante que muchas mega producciones de Hollywood hubieran anhelado para sí.

Cada plano de Vías cruzadas es como una poesía de Anne Carson, un aria de Bellini, una pintura de Boticelli…   Y los que logran esta culminación, principalmente, son tres magníficos actores que se creyeron lo que estaban contando, logrando así el milagro que siempre debería ser una película.   Porque, ¿acaso el cine no es un acto de fe?

*************************************************************************************************************

NOTA:  Las fotografías que aparecen en este post son propiedad de sus autores.