EL DULCE PORVENIR (Dir. ATOM EGOYAN), por Yolanda Aguas

Creo que fue Jean Cocteau quién dijo una frase, que más o menos venía a decir: en el cine se ve a la muerte trabajando (la mort au travail ), lo que se ve en la pantalla es siempre algo que se ha ido…

ATOM EGOYAN habla constantemente de eso, de la pérdida: “Loss es un término al que vuelvo una y una vez, porque el cine trata siempre de la pérdida. Si uno hace una imagen de una cosa es porque teme perderla”.

EL DULCE PORVENIR, película rodada en el año 1997, habla de la mayor y más trágica pérdida que puede tener un ser humano: la pérdida de un hijo/a.

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Como en el cuento El Flautista de Hamelín de los Hermanos Grimm, un accidente de autobús deja a una pequeña comunidad sin la preciada presencia de todos sus niños (menos uno, como el niño cojo del cuento).  Y con ello lleva la más completa desolación a sus habitantes.

Gabriel García Márquez escribió un relato corto, apenas tiene 3 páginas, que se llama Me alquilo para soñar.  Se publicó en prensa el 7-09-1983, y aparece en una recopilación de textos del maestro colombiano realizada por la Editorial Mondadori, titulada Notas de Prensa 1980-84. De este breve relato, la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (Cuba), desarrolló un guión cinematográfico que dirigió para la televisión el director Ruy Guerra.  La historia fue protagonizada por la extraordinaria actriz alemana Hanna Schygulla, y un magnífico elenco de actores españoles: Fernando Guillén, Álvaro de Luna y Charo López. Todo esto se realizó bajo la supervisión del propio Gabriel García Márquez que dirigió el Taller de guión.  Tal vez en otro momento pueda contar mi conversación con Ruy Guerra, fue muy interesante y agradable.  Nuestro encuentro se produjo en septiembre del año 2005, durante la presencia del director en el Festival de Cine de San Sebastián.

Me alquilo para soñar tiene también como eje inicial la trágica muerte de un grupo de niños que fallecen en otro accidente de autobús cuando se trasladaban al colegio.   Es pues, la pérdida de seres humanos en sus primeros años de vida un tema recurrente en la literatura y en el cine.

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El dulce porvenir, sinopsis:

La gente de un pequeño pueblo de Canadá queda destrozada al conocer una dramática noticia. El autobús escolar se ha hundido en un lago al derrapar por culpa de la nieve. Durante el incidente mueren 20 niños.  El pueblo queda sólo con una niña de 15 años: Nichole Burnell (SARAH POLLEY), que iba sentada en el asiento delantero en el momento del accidente y que quedó paralítica de cintura para abajo.  Es la única superviviente, junto a la conductora del autobús, de ese accidente que cambia la vida de todo un pueblo.

Unos días después de este trágico acontecimiento, un abogado, Mitchell Stevens aparece en el pueblo para representar a toda la comunidad afectada en el juicio que se va a realizar contra la empresa de transportes. La decisión de Stevens de ayudar a la ciudad, tiene un cierto paralelismo con su propia vida.

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Declarando a priori que ésta es una de las películas de mi vida, me gustaría analizar brevemente la historia, lo que cuenta el director y lo que los espectadores somos capaces de apreciar.

Destacando el inmenso talento narrativo de Atom Egoyan, gran guionista además de director (aunque la originalidad del guión de El dulce porvenir  la comparta con una novela de Russel Banks), es preciso analizar brevemente el trato que se le da en la película a la fábula del Flautista de Hamelín. Partiendo de la base de que todos ustedes conocerán el relato, intentaré descifrar brevemente algunas relaciones que se establecen entre éste y el guión de Egoyan.

El personaje que interpreta un correcto IAN HOLM, Mitchel Stevens que como el flautista hace con los niños de la fábula, intenta embaucar a los habitantes de la película para que le sigan en su ansia de dinero aprovechándose sin compasión de la fragilidad que el dolor de la tragedia ha llevado a sus vidas.

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Buscando en el subtexto de los diálogos de la película, podemos encontrar una fuerte conexión, mediante la cual las personas del pueblo se verían emparentadas con el personaje del flautista cuando éstos, enfadados, clamasen venganza por la muerte de sus hijos, igual como el flautista se siente injustamente tratado cuando no se le paga por eliminar las ratas del pueblo.

Existe también un claro paralelismo cuando los niños del pueblo de la película se identifican con los niños de la fábula, en el momento en que son llevados al fondo de un lago congelado en la película  o el interior de una montaña mágica en el cuento. Lo que resulta menos obvio es quien juega el papel del flautista en la película, porque sería injusto determinar que podría ser Dolores como conductora del bus. Me inclino más por pensar que se trata del destino fatal de todos esos niños.

La película finaliza con una secuencia final conmovedora en la que vemos en flashback a Nicole (Sarah Polley) cerrar el cuento de Hamelín que acaba de leer a dos niños para ayudarles a dormir.  En ese momento, ella se dirige hacia la luz de un coche que se aproxima, y que a través de las cortinas ilumina levemente una habitación en penumbra.   En ese momento, toda la intención de la historia presentada por el maestro canadiense de origen armenio, adquiere su verdadero significado.

EL DULCE PORVENIR, una de las mejores películas de la Historia del Cine en los últimos 25 años, obtuvo numerosos y prestigiosos premios, destacando:

-Espiga de Oro, en la SEMINCI de Valladolid de 1997

-Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 1997

Cuenta, además, con la envolvente música compuesta por el gran Michael Danna, del que ya hablamos en nuestra crónica de la película: Conociendo a Julia.

EL DULCE PORVENIR, de Atom Egoyan, es sin lugar a dudas una de las grandes películas.   Si aman el cine, no deben perdérsela.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

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VÍAS CRUZADAS (The Station Agent) (Dir. Thomas McCarthy), por Yolanda Aguas

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Siempre se ha dicho que no hay mejor publicidad que aquella realizada por el “boca a boca”, o mejor aún gracias a la satisfacción que produce compartir algo, que te hace o ha hecho feliz,  con las personas que verdaderamente aprecias.

Thomas McCarthy dirigió en el año 2003 una película preciosa que invita a ser compartida incansablemente.   El director, conocido por adaptar el episodio piloto de Juego de Tronos (HBO), se reunió con un formidable equipo de actores.

Michelle Williams, una de las protagonistas de Dawson crece, que posteriormente alcanzó la fama internacional con su pequeño, pero importante, papel en Brokeback Mountain.   Bobby Cannavale, actor muy popular en la televisión, donde interpretó a un paramédico en la exitosa serie americana Turno de Guardia.

Peter Dinklage, actor que también trabajó en el episodio piloto de Juego de Tronosy que ya había trabajado con Sidney Lumet.

PATRICIA CLARKSON, una de las mejores actrices de su generación.  La reina del cine independiente americano, pero también con grandes papeles dentro de la industria de Hollywood.   Vamos a dedicar muy pronto una completa semblanza a esta magnífica actriz por lo que ahora no vamos a extendernos con el historial de sus trabajos.   Sí queremos, no obstante, citar algunos de ellos:  Shutter Island, La Milla Verde, Vicky Cristina Barcelona, Cairo Time, Elegy, High Art, El juramento, Buenas noches y buena suerte, Los intocables de Eliot Ness, Retrato de April, Dogville, A dos mejos bajo tierra (Tv).

 

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Cuenta además, con otro personaje invitado, aunque como tal no figure en los créditos de la película: el tren.   El mágico y maravilloso mundo del tren.   Si hay un elemento que haya sido muchas veces clave en la Historia del Cine y en las películas que han transitado por ella, ése es el tren.   Viajar en tren invita a vivir aventuras, a soñar con lugares lejanos, a conocer personas en cualquier estación.   Un pueblo con una Station Agent tenía más vida porque aglutinaba muchas almas en torno a ella.

‘Vías cruzadas’ destaca por la forma sensible en que plantea situaciones cotidianas (de las que ponen la vida del revés) por su sentido del humor, por su firme mirada al tratar a los personajes y, especialmente, por el trío que forman Dinklage, Clarkson y Cannavale, que desarrollan una química y una dinámica conmovedora y muy especial con la que muchos de nosotros podemos llegar a identificarnos.  De ahí el gran éxito de esta película.

Peter Dinklage, uno de los protagonistas de la película,  llega a un pueblo para vivir en una vieja estación de tren que ha heredado de su antiguo jefe,  con la esperanza de vivir allí solo y en paz. Sin embargo, se encontrará con una mujer con una personal tragedia a cuestas y con un simpático y sociable cubano, vendedor de café y perritos calientes que, como era de esperar,  terminarán afectando positivamente a su vida hasta el punto de quedarse en ella para siempre.

La película cuenta con un guión impresionantemente bueno y eso se nota en cada plano.  No sobra ni una palabra y, los silencios adquieren una importancia esencial.  Es una película sencilla, que no pretendiendo grandes cotas de éxito comercial logró justamente lo contrario…  alcanzar una dimensión tan importante que muchas mega producciones de Hollywood hubieran anhelado para sí.

Cada plano de Vías cruzadas es como una poesía de Anne Carson, un aria de Bellini, una pintura de Boticelli…   Y los que logran esta culminación, principalmente, son tres magníficos actores que se creyeron lo que estaban contando, logrando así el milagro que siempre debería ser una película.   Porque, ¿acaso el cine no es un acto de fe?

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NOTA:  Las fotografías que aparecen en este post son propiedad de sus autores.  

EL NOMBRE DE LA ROSA (Dir. Jean-Jacques Annaud), por Yolanda Aguas

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Hoy nos ha llegado la noticia del fallecimiento del gran pensador y escritor italiano Umberto Eco.  Como nuestro homenaje, le dedicamos este artículo que habla de su gran novela: Il nome della rosa (El nombre de la rosa).

La película tiene un inicio bellísimo…  Dos monjes se aproximan a una abadía benedictina. Éste momento es una de las claves para que la novela y la película sean tan fascinantes.  Umberto Eco (autor, como saben, de esta gran novela escrita en 1980) se inspiró en la abadía benedictina de San Michele de la Chiusa, más conocida como Sacra de San Michele. Es una extraordinaria construcción que envuelve la cumbre rocosa del monte Pirchiriano. Comenzada en los últimos años del siglo X, fue desarrollada entre los siglos XI y XIV y luego cayó en un cierto abandono. Tras una importante restauración, se convirtió en el símbolo del Piamonte. La película dirigida por Jean-Jacques Annaud contó con auténticos maestros, cada uno en su disciplina, que aportaron una creación individual magistral. Tanto la soberbia fotografía del gran operador, ya fallecido, Tonino Delli Colli (habitual de Sergio Leone), como el espectacular, diseño de producción de Dante Ferreti (que lleva décadas trabajando para Scorsese), y el inteligentísimo diseño de vestuario de la genial Gabriella Pescucci, sin olvidarnos de la emocionante música de James Horner.

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La película se centra en dos personajes, el franciscano Guillermo de Baskerville y su discípulo el joven novicio Adso de Melk, quienes llegan a una abadía benedictina en las montañas italianas, famosa por su biblioteca, llena de obras únicas, restringidas a los especialistas. Guillermo, ha venido a la abadía para participar en una reunión entre los delegados del Papa y los líderes de la orden franciscana, para resolver problemas doctrinales. Pero el éxito de este encuentro se ve amenazado por una serie de muertes. Guillermo, auxiliado por Adso, se sirve de su inteligencia, de su capacidad de observación y de su sentido común para resolver toda una serie de misterios.

La película El Nombre de la Rosa que aproximadamente dura dos horas, es una descripción sintética de lo que fue la Edad Media en lo referente a la doctrina y las practicas de la religión cristiana. Podría decirse que muestra la época oscura y repudiable de la Iglesia católica; pero también nos muestra el comienzo de los movimientos reformadores que se personifican en el Fraile  Guillermo y su joven discípulo que indagan y corrigen las practicas erróneas; también escudriñan aspectos referentes a los dogmas de fe y las prácticas y disciplinas imperantes, para imprimirles reformas serias y acordes con los dogmas de la verdadera Iglesia. Es muy importante la influencia de Aristóteles en el pensamiento reformador del Fraile Franciscano Guillermo y por consiguiente en las nuevas concepciones de la iglesia católica, pues su doctrina promueve una relación entre la Fe y la Razón, dando relevancia a la razón, pero invita al equilibrio de las dos para que el hombre acepte que es un ser creado y que se acerca pero no puede igualar a Dios.

“El nombre de la rosa” es un gran poema acerca de la necesidad de confrontar fe y sensatez, donde uno de los momentos memorables de la novela y la película es la interactuación intelectual entre Guillermo y el Venerable Jorge, acerca de la risa…  Hablan de la necesidad de hacer perdurar el Arte, la Cultura, los Libros.  Es, en definitiva, el deseo de un mundo que esté gobernado por personas sensibles y sabias y no por aquellos que sólo se guían por su fanatismo o ambición.

Y, sinceramente, viendo lo que les sucede actualmente a nuestros políticos… no les vendría mal que leyeran (o volvieran a leer) esta obra capital de la Literatura Universal.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

YO, LA PEOR DE TODAS (Dir. María Luisa Bemberg), por Yolanda Aguas

Recuerdo con gran nitidez el momento en que vi en persona a María Luisa Bemberg por primera y única vez.  Me fijé en ella de inmediato, no por reconocerla como la gran escritora y directora de cine que ya era, en realidad me fijé en ella por su elegancia.   Me llamó la atención su modo de moverse, su forma de caminar, sus gestos…  La vi de espaldas, sólo en el momento en que giró hacia mí me percaté de quién era aquella fascinante mujer.

Ese encuentro se produjo en una de las ciudades más bonitas de Europa: San Sebastián.   Ella estaba allí invitada por el Festival Internacional de Cine.  Si la memoria no me falla, creo que no, era la edición de 1990, cuando Cyd Charisse estuvo en la Gala de Inauguración de la 38 edición.  Las vi de cerca a ambas, en el interior del Hotel María Cristina.  Nunca lo olvidaré.

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Anécdota aparte, para entonces la Sra. Bemberg ya había dirigido películas de gran éxito: Camila (1984), Miss Mary (1986) y Yo, la peor de todas (1990), y había escrito el extraordinario guión de Crónica de una señora (1971).

YO, LA PEOR DE TODAS, rodada prácticamente por completo en estudio, se basó en el conocido libro de Octavio Paz sobre Sor Juana Inés de la Cruz (“Sor Juana o las trampas de la fe”), la gran poetisa y monja mexicana del siglo XVII.  Este filme narra la dificultad extrema que la intelectual mexicana sufrió para crear su obra.  Nos muestra con gran claridad cómo la Inquisición y la misoginia brutal de la época aniquiló su poderosa y lúcida inteligencia.

Esta película fue el vehículo perfecto para hacer más hincapié en el firme compromiso de María Luisa Bemberg con la mujer:  “No hay mejor ejemplo que Sor Juana para expresar mi creencia, que el talento no tiene sexo y que si una mujer elige el silencio y la soledad para crear, ella tiene el derecho a ello”.

El guión fue co-escrito por Bemberg y Antonio Larreta, y el hilo conductor de toda la historia fue la excelente relación de la monja con el Virrey y la Virreina de México.  Todo ello, como ya he señalado anteriormente, en medio de la intriga del poder eclesiástico para culminar con un final trágico.

Naturalmente, una intelectual del nivel de María Luisa Bemberg consideró que, tal como lo hizo la propia Sor Juana, el medio más apropiado para desarrollar con éxito la historia era a través de la palabra.   La palabra en los diálogos y la palabra en los discursos, y todo ello bien mezclado con la imagen y el sonido.  Ambientándolo todo, en una recreación escenográfica brillante, con la forma y entorno de vida de la poetisa.

No era fácil, ya que la propia vida de Sor Juana tampoco lo fue.   Eligió el claustro por un lado y la libertad para su alma y su intelecto por el otro.

Las escenas del interior del claustro iluminadas por las velas dotan al film de una belleza atemporal que perdura en la memoria del espectador.   Luces tenues que acompañan los hermosos diálogos de Sor Juana con la Virreina.   Presenta la película a una monja dichosa dentro de su hábito, una vida de convento gozosa y serena, con sus correspondientes momentos de cambio de estado de ánimos propios a su firme carácter y personalidad singular.   Sor Juana demuestra siempre lo que siente sin ocultar sus dudas cuando éstas aparecen o cuando la perturbación llega a inquietarla.

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La actriz encargada de dar vida a esta figura de la literatura universal fue ASSUMPTA SERNA, acompañada por Dominique Sanda, Héctor Alterio y Lautaro Murua.  La actriz Dominique Sanda fue doblada al español por la actriz argentina CECILIA ROTH.

El trabajo de ASSUMPTA SERNA obtuvo numerosos panegíricos en la prensa de todo el mundo,   acompañando de este modo el éxito de la película en números festivales de cine de aquel año, 1990.  Assumpta realizó una de las mejores interpretaciones de su extensa trayectoria cinematográfica.   En verdad pienso que estuvo sublime.

Mención especial, no podía ser de otra manera, merece el trabajo de una figura clave en la obra de María Luisa Bemberg en aquel entonces y de la cinematografía argentina en la actualidad.  Me refiero naturalmente a la verdadera alma de esta producción:  la Productora, Productora Ejecutiva, Guionista  y Directora de Cine:  LITA STANTIC.

La Sra. STANTIC produjo todas las películas de la Sra. BEMBERG, con quien había fundado la productora con la que ambas crearon tan importantes películas.   Tras el fallecimiento de María Luisa, Lita se animó a dirigir un proyecto que ambas ya tenían en mente:  UN MURO DE SILENCIO, que fue protagonizado (y rodado en español)  brillantemente por la actriz británica VANESSA REDGRAVE.

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Todos juntos lograron crear una gran película.  Una de las mejores películas argentinas de su historia cinematográfica.  Y no era fácil, porque el rodaje tuvo muchas dificultades, especialmente debido a que fue rodada prácticamente por completo en espacios cerrados por lo que los movimientos de cámara y un cuidadoso encuadre fueron fundamentales para alcanzar un nivel dramático de excelente calidad.  Y todo ello captó favorablemente la atención del espectador.

Siempre es gratificante que una gran intelectual del siglo XX como fue MARÍA LUISA BEMBERG  hiciera este hermoso e inolvidable homenaje a otra brillante mujer y gran intelectual del siglo XVII: SOR JUANA INÉS DE LA CRUZ.

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ISADORA (Dir. Karel Reisz), por Yolanda Aguas

“Juré que no abandonaría nunca mi arte por el amor (…) Mi vida no ha conocido más que dos motivos: el Amor y el Arte. El Amor destruyó a veces al Arte, y con frecuencia el imperioso llamamiento del Arte puso un trágico fin al Amor. Pero nunca llegaron ambos a un acuerdo, sino que sostuvieron constantes batallas”.

ISADORA DUNCAN,  – Mi vida – 

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Estoy releyendo estos días la biografía de Isadora Duncan, es un libro que compré el 9 de julio de 1983 (suelo anotar este dato en la última página de mis volúmenes).  Es un libro magnífico. Un gran método de aprendizaje, de los mejores…

Fue publicado por la Editorial DEBATE con el ISBN: 84-7444-002-5, y cuenta con un estupendo prólogo escrito por Soledad Puértolas.

En mis anotaciones de aquellos años dejé escrita una preciosa conexión entre este libro biográfico de la Duncan y uno de los libros más hermosos de nuestra literatura: La Aguja Dorada de la inolvidable y añorada Montserrat Roig, Plaza & Janés con ISBN: 84-01-35135-9.   Les aconsejo que si consiguen estos dos volúmenes, lean las páginas 175 a 179 de MI VIDA, y luego las páginas 45-46 de LA AGUJA DORADA, en ambos casos se relata el momento crucial en la vida de Isadora Duncan cuando el pintor Bakst descubrió que en la mano de la Duncan había dos cruces significativas: “Usted tendrá la gloria, -le dijo-, pero perderá a sus dos criaturas más queridas”.

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Y, naturalmente, al leer el libro me ha llegado el recuerdo de la película que se rodó en 1968 protagonizada por la sublime actriz VANESSA REDGRADE.

Película de 1968 (Gran Bretaña), producida por Universal, color 125 minutos. Con Vanessa Redgrave (como Isadora Duncan), James Fox, Jason Robarts, John Fraser, Bessie Love, Lado Leskovar (Bugatti).

Biografía de la legendaria artista Isadora Duncan, que quiso dar un giro total a la danza principalmente en el sentido más  libre de expresión del ser  humano y rechazar las rígidas normas del ballet. Su vida, tanto en el ámbito profesional como en el privado, fue un escándalo continuo hasta su trágica muerte en un absurdo accidente.  Isadora Duncan fue una bailarina estadounidense que destacó por su desinhibición y sus bailes transgresores.  Aportó a la danza moderna un nuevo aire de libertad, donde no tenía reparo, muchas veces, en mostrar su cuerpo semidesnudo.  Es un verdadero icono de la danza y todavía fuente de inspiración ya que la danza moderna le debe su razón de ser.

El director Karel Reisz, se había empezado a alejar de la austeridad del free cinema, del que había sido uno de los principales promotores con Sábado noche, domingo mañana (1960) y con esta película se apartó de los barrios bajos londinenses para retratar a la élite intelectual de la época eduardiana.  Sin embargo, la constante lucha de Isadora Duncan por liberalizar las actitudes morales de su tiempo la aproximan en el fondo a todos los antihéroes del free cinema.

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Los siguientes films de Karel Reisz son norteamericanos, ya que consideró que no había sitio para él entre el férreo conservadurismo de la industria del cine británico de su época.

Vanessa Redgrave, en la cumbre total de su arte, realiza aquí una de las mejores interpretaciones femeninas de todos los tiempos.  Se puede decir que literalmente “vive” cada una de las edades  de la Duncan.  Su baile trasluce felicidad en el movimiento y su actuación es pura exaltación de la vida.

Todos los que amamos el cine sabemos reconocer que esta interpretación es la mejor de su carrera (si es que sólo debemos destacar una película porque su carrera está repleta de interpretaciones magistrales).

Sin duda, ISADORA sería otra película sin ella.  Allá donde va se le recuerda, no hay rueda de prensa en la que no le pregunten por ISADORA o por JULIA…  creo que todos asociamos el rostro de Isadora Duncan con el de Vanessa Redgrave.  Esa es la fuerza y la magia del cine.

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DÉCALAGE HORAIRE (Jet Lag) (Dir. Danièle Thompson), por Yolanda Aguas

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Décalage horaire – Jet lag” fue la película que clausuró el Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2002, y que se estrenó en España en abril de 2003.

Se trata de una comedia francesa dirigida por la guionista Daniele Thompson, escrita por ella misma y su hijo, y protagonizada por los magníficos actores Juliette Binoche y Jean Reno.

Rose (Juliette Binoche) es una maquilladora que pretende cambiar de vida en México y huir de un hombre (Sergi López) que la trata muy mal. Félix (Jean Reno) es un hombre de negocios con tanto éxito laboral como desastrosa vida sentimental, a punto de viajar a Munich para intentar recuperar al que cree que es el amor de su vida. No tienen nada en común, pero el caos en el aeropuerto de París (huelga de pilotos, ordenadores estropeados…) les unirá, quizá para siempre.  Ella es discreta, retraída y poco habladora. Él es conversador y extrovertido. Ella ocupa un asiento de turista. Él viaja en primera clase. Ninguno, en realidad, está preparado para conocer al otro

La historia es la típica comedia romántica de enredo, disparatada y surrealista, que recuerda mucho a las comedias norteamericanas de los años 30.

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Divertida y muy agradable de ver, “Décalage horaire”  se apoya sin lugar a dudas en su reparto, que nos da la posibilidad de ver a Reno y a Binoche en papeles que están en las antípodas de sus trabajos habituales. Una producción eminentemente comercial de uno de los productores más importantes de la cinematografía francesa, Alain Sardé.

Danièle Thompson plantea una historia dirigida exclusivamente para pasar un rato muy agradable.  Se nota que los dos actores protagonistas, Binoche-Reno, se lo pasan estupendamente trabajando a la contra de sus composiciones habituales.

En el caso de Juliette Binoche, es muy interesante verla como una mujer común, con los percances cotidianos que puede experimentar cualquier mujer.  Y Jean Reno extiende ese toque francés (acompañado por su preciosa voz) que da el contrapunto ideal a la musa del cine galo.

“Décalage horaire” es una película divertida con la sorpresa final de escuchar a Juliette Binoche hablar un poco en castellano.  Anécdota que no deja de ser agradable.

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LOS LADRONES (Dir. André Techiné), por Yolanda Aguas

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La obra del genial director ANDRÉ TECHINÉ se basa principalmente en el exquisito tratamiento al ser humano.  Ese cuidado tratamiento, obviamente, no le exime de un exhaustivo análisis en cada uno de sus comportamientos, de ahí su excelencia.

Autor de magníficas películas rodadas en la década de los noventa, como Mi estación preferida  (1993), Los juncos salvajes (1994) y Alice y Martin (1998), Techiné reunió para su obra Les voleurs (Los ladrones – 1996) a dos iconos del cine francés Catherine Deneuve y Daniel Auteil. Ambos ya habían trabajado juntos en Mi estación preferida, donde interpretaban a dos hermanos en crisis.

En Los ladrones, se unió a ellos la joven presencia de Laurence Côte para conformar un filme (digno heredero de los thrillers del mejor Melville) que le permitiera seguir indagando en los recovecos del alma humana, tan frecuentes por otra parte en su magnífica filmografía.

El cine de André Techiné no es fácil.  Es un cine que normalmente parte de un solo detalle para explicar todo un mundo.  Complejo, elegante, revelador… con guiones excelentes a los que no les falta matices precisos, y con una fuerte carga sentimental.

La historia de Los ladrones, narra el momento en que un policía, Alex (Daniel Auteuil) es la oveja blanca de una familia en la que su padre y su hermano, con el que se encuentra de vez en cuando en un pub para intercambiar ironías,  se dedican al robo y reventa de automóviles.

Una joven con cierto aire marginal, Juliette (Laurence Côte) que fue amante del ladrón y ahora se acuesta con el policía, es lo único que comparten los dos hermanos.

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La estructura de la película es bastante peculiar, ya que tras el comienzo se produce una catarata de flashbacks y fashforwards que convierte borroso el tiempo presente, y se impone la sensación de que el thriller asoma al espectador a un cúmulo de conflictos íntimos que ya estaban allí desde antes, y que permanecerán una vez que haya concluido la proyección del filme.

Éste incluye un violento atraco que pondrá a prueba las lealtades policíaco-familiares de Alex, y utiliza a unos cuantos personajes como relatores en voz en off, filtrando la trama a través del tamiz de sus diversas subjetividades.

En medio de toda esta historia policíaca, aparece la figura de la profesora universitaria (Catherine Denauve en una de las mejores interpretaciones de su carrera) cuya vida da un vuelco total al enamorarse de la joven Juliette.  Vive a su lado relaciones sexuales nuevas que la llevan a una situación de codependencia peligrosa.

Se trata de una excelente muestra del mejor cine europeo, con cierto esquema de cine negro que indaga en lo efímero y lo permanente en las relaciones sexuales, la amistad, la fraternidad. Es exactamente eso que en algún momento (o en varios) de la vida puede llegar a inquietar o perturbar: el AMOR.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.