LUCHINO VISCONTI, por Yolanda Aguas

Como mencioné en mi artículo “LA LUNA (Dir. Bernardo Bertolucci)”,  dedicamos ahora un artículo al genial director italiano LUCHINO VISCONTI.

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Éste no será “el artículo” que le dedicaremos, ya que pensamos debe ser muy exhaustivo y riguroso en el análisis de su genial obra cinematográfica.  Nuestra intención ahora es simplemente acercar su figura a las nuevas generaciones que quizá no han tenido ocasión de ver sus maravillosas películas: Senso, Noches blancas, La terra trema, Rocco y sus hermanos, Confidencias, El Inocente, El Gatopardo, Ludwig, Muerte en Venecia o La caída de los dioses.

Queremos recomendar la lectura de varios libros publicados en España entre los años 1983 y 1984.  Ambos son muy interesantes y están muy bien escritos.

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El primero de ellos, LUCHINO VISCONTI de Gaia Servadio, fue publicado por ULTRAMAR con ISBN: 84-7386-3369-4 en julio de 1983.  Es una biografía en la que la autora contó con la colaboración de la familia Visconti, sus amigos y colegas para realizar un retrato vivo y autorizado de este hombre “brillante y complejo”.

La autora hace un repaso a la vida de Luchino Visconti.  Él que vivió un período excepcionalmente interesante y tumultuoso de la historia cultural y política europea.  En 1930, él dejó su aristocrático hogar milanés para irse a vivir a París.  Allí su vida y sus ideas cambiaron dramáticamente.  Vivió tertulias de café con Cocteau, Chanel, Misia Sert y Salvador Dalí.  Cambiaron incluso sus preferencias sexuales, de ser en su juventud un gran mujeriego, a finales de sus años 30 se convirtió en homosexual.  Políticamente sucedió algo similar, pasó de coquetear con el fascismo y el nazismo, se convirtió al socialismo y finalmente se unió al Partido Comunista italiano y llegó a ser un héroe de La Resistencia en tiempo de guerra.

En el plano profesional, trabajó como ayudante de Jean Renoir y fue entonces cuando pudo desarrollar la gran pasión de su vida:  el cine.  Cultivó sus dotes de director en otros campos artísticos como la ópera, el ballet y el teatro.  Y dio a conocer a grandes talentos: MARÍA CALLAS (que se enamoró de él), Marcelo Mastroianni, Franco Zefirelli y Michelangelo Antonioni.

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El segundo libro, LUCHINO VISCONTI, la razón y la pasión, pertenece a la colección de Dirigido por…  publicado por EDICIONES FABREGAT, S. A. con ISBN: 84-85999-02-9 en marzo de 1984.  Su autor, Rafael Miret Jorba – realiza un deslumbrante trabajo.  Es a mi juicio mucho mejor que el anterior porque el análisis que realiza de la obra del director milanés me parece sensacional.   Escrito magníficamente, respeta la cronología creativa del director y cuenta –algo que siempre es de agradecer – con una exhaustiva relación de la filmografía, seguida por su teatrografía, discografía de las bandas sonoras de sus películas y una amplia bibliografía.

Ambos libros quizá estén ya descatalogados, pero sin duda podrán encontrarlos en bibliotecas de su ciudad.  Con toda seguridad están en ese santuario para los amantes del cine que es la Biblioteca y Archivo de la Filmoteca de Catalunya.  Gran biblioteca y grandes profesionales que les ayudarán y guiarán en aquellas consultas que puedan formularles.

Vida y obra de un genial director de cine: LUCHINO VISCONTI.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

HITCHCOCK/TRUFFAUT (Dir. Kent Jones), por Yolanda Aguas

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El pasado  mes de septiembre de 2015. y dentro del marco del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, tuvimos la oportunidad de asistir a la  proyección de un gran documental dirigido por Kent Jones y protagonizado por dos grandes cineastas: Hitchcock/Truffaut.  El documental está escrito por el propio Kent Jones y Serge Toubiana.

Con motivo del 50 aniversario de la publicación de “El cine según Hitchcock” de François Truffaut, el director Kent Jones invita a los mejores directores de nuestro tiempo para compartir sus pensamientos sobre el perdurable legado y el genio del maestro del suspense Alfred Hitchcock.  El documental es una maravilla para cualquier cinéfilo.  Repasa la mítica entrevista al director británico por parte de François Truffaut (convertida en uno de los libros imprescindibles para cualquier amante del cine) que se celebró en 1966 durante una semana en Los Ángeles, y agrupa a cineastas de primer nivel como David Fincher, Martin Scorsese, Wes Anderson, Olivier Assayas, Peter Bogdanovich, James Gray, Arnaud Desplechin, Paul Schrader, Kiyoshi Kurosawa y Richard Linklater, todos ellos se prestaron a participar en ‘Hitchcock/Truffaut’.

El documental se articula con las fotografías que se hicieron durante aquellas reuniones entre Truffaut-Hitchcock, el sonido de sus voces y muchas escenas de las  películas sobre las que están conversando.

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Siendo un gran documental, la verdad es que hubiera sido más completo de haber contado con los testimonios (en forma de entrevistas) a las actrices que trabajaron en sus películas, como Kim Novak, Eva Marie Saint o Tippi Hedren.

Con todo, este documental que se acaba de estrenar, es un regalo para los amantes del cine.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

EL CIELO PROTECTOR (Dir. BERNARDO BERTOLUCCI), por Yolanda Aguas

PAUL BOWLES, escritor nacido en Nueva York en 1910, fue un gran viajero.  Junto a su esposa Jane, viajó por todo el mundo residiendo en París, España, América Latina y Tánger.  Esta última ciudad fue donde el matrimonio fijó su residencia y de su pasión por el norte de África surgió su novela más famosa: EL CIELO PROTECTOR.

La idea de escribirla, no obstante, nació mientras él recorría en autobús la Quinta Avenida de Nueva York.  En la película de Bertolucci, el autor aparece en una escena (El Bar de Tánger frente al Cine Alcázar donde Paul Bowles toma un té).  Él está al principio de la secuencia.  Bertolucci contó: “decidimos poner al autor mirando a sus personajes en el último momento.  El escritor representaba la literatura. Ésa era la idea”.

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Tánger, la tierra bajo la cual se encontraba el cielo protector.  Aunque lo parezca, éste no es un libro de viajes, es un libro que se centra en narrar las diversas culturas, cuándo éstas se comprenden y aceptan entre sí.  En la novela, la pareja formada por Kit y Port viaja junto a Tunner.   Tunner es el tercero en ese triángulo cumpliendo perfectamente el papel de agitador discreto aunque persistente.  Y mientras, el narrador, omnisciente, no nos concede accesorios más o menos útiles con los que identificar y juzgar a los personajes. Apenas hay opción para volver al pasado de los protagonistas, todo en la novela nos lleva hacia adelante.  No podemos decir que los protagonistas busquen algo concreto, más allá de un sitio para pasar la noche, comer o beber.  Sólo existe el anhelo de vivir el momento desde dentro.  El autor indagó en este texto maravilloso en las pulsiones más básicas e incomprensibles del ser humano.

Con este magnífico material literario, el gran director italiano Bernardo Bertolucci filmó una película bellísima.   Contó para ello con un magnífico equipo creativo:  Mark Peploe co-autor  junto a él del guión adaptado de la novela, la fotografía del maestro Vittorio Storaro y la música magistral de Ryuichi Sakamoto.

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Sinopsis de la película:

Una pareja de neoyorquinos viaja a África en busca de nuevas experiencias que puedan dar un nuevo sentido a su relación. En 1947, Port y Kit Moresby llegan en barco al norte de África. Tras diez años de matrimonio, para esta sofisticada pareja resulta difícil la convivencia. Port, un músico que lleva un año sin trabajar, busca en el desierto una fuente de inspiración y nueva savia para un matrimonio que se muere. Kit Por su parte, está cansada de viajar y espera que un milagro le devuelva a su marido. Tienen un compañero de viaje, George Tunner, un joven rico y mundano, fascinado por los Moresby, especialmente por Kit. Port, que se define como un viajero y no como un turista, está decidido a dejar atrás el mundo moderno y a adentrarse en el Sáhara para encontrarse a sí mismo

Origen del rodaje de esta película:

Según explicó el propio director, Bernardo Bertolucci, la idea de rodar esta película surgió así: EL CIELO PROTECTOR es un libro del que oí hablar mientras rodaba El Último Emperador.  Me hablaron durante mucho tiempo de él, al menos tres personas lo hicieron: Nandos Kafioti, Marily Golden y Mark People.  Para mí, eran los miembros de una sociedad secreta.  La sociedad de la gente que adora a Paul Bowles.  Yo no sabía quién era. Al final, acabas enfadándote con los amigos que insisten en que leas el libro.  Lo leí en China. En ese libro hay una destilación de veneno palabra tras palabra. Es el veneno de una clase de existencialismo.  La primera vez que fuimos a Tánger a hablar con Paul Bowles aún estábamos montando El último emperador y Mark presionó mucho con El cielo protector, así que me llevó a ver a Paul Bowles, una especie de leyenda en Tánger

EL CIELO PROTECTOR (THE SHELTERING SKY) es una de esas películas que nunca pasan de moda.   Han transcurrido los años, se estrenó en 1990,  y no envejece (en el aspecto formal de la imagen y en todo lo que plantea emocionalmente).

B.S.O. de RYUICHI SAKAMOTO:

“The sheltering sky” (El cielo protector), es la banda sonora que Sakamoto compuso para dicha película. A parte de una serie de piezas étnicas no compuestas por el mismo, de las que no hablaré, nos encontramos con un trabajo delicado, hermoso, casi minimalista.

Aparecido en 1991 de la mano de Virgin Records, este CD se compone de 13 piezas de Ryuichi Sakamoto más una serie de tracks de música étnica arábiga, que encajan perfectamente con la película pero que no toca comentar. El CD se inicia con “The sacred Koran“, una breve introducción cantada, e inmediatamente después el tema principal, una bella melodía que rebosa sensibilidad. Podría compararse al tema principal de “Snake eyes“, que también hace un uso intensivo de los violines, es algo minimalista e igualmente hermoso. El resto de temas varían, pero suelen durar apenas un minuto y poco más. Un ejemplo es “Belly“, que dura 1:27 min, y presenta una breve aunque destacable melodía a cuerda y viento, que presenta algunas notas del tema principal. Esto se da en muchas otras, como “On the bed (dream)“, que mezcla notas del tema con otras que ofrecen una impresión caótica, de sueño. “Loneliness” utiliza el piano a manos de Sakamoto, “On the hill“, la más larga y compleja quizás, presenta una voz cuyo canto recuerda la situación arábiga de la película (al más puro estilo de “El paciente inglés“).

Por último, memorable el tema principal tocado solo a piano, que es la pieza que pone fin a este CD (al menos en lo que respecta a Sakamoto).

Es, para mi, una de las más hermosas composiciones que he escuchado.

1. The sacred Koran

0:48

2. The sheltering sky theme

5:19

3. Belly

1:27

4. Port’s composition

1:23

5. On the bed (dream)

1:38

6. Loneliness

1:31

7. On the hill

6:12

8. Kyoto

1:04

9. Cemetery

1:25

10. Dying

3:35

11. Market

1:42

12. Grand hotel

2:06

13. The sheltering sky theme (piano)

4:20

 

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.  

EL NOMBRE DE LA ROSA (Dir. Jean-Jacques Annaud), por Yolanda Aguas

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Hoy nos ha llegado la noticia del fallecimiento del gran pensador y escritor italiano Umberto Eco.  Como nuestro homenaje, le dedicamos este artículo que habla de su gran novela: Il nome della rosa (El nombre de la rosa).

La película tiene un inicio bellísimo…  Dos monjes se aproximan a una abadía benedictina. Éste momento es una de las claves para que la novela y la película sean tan fascinantes.  Umberto Eco (autor, como saben, de esta gran novela escrita en 1980) se inspiró en la abadía benedictina de San Michele de la Chiusa, más conocida como Sacra de San Michele. Es una extraordinaria construcción que envuelve la cumbre rocosa del monte Pirchiriano. Comenzada en los últimos años del siglo X, fue desarrollada entre los siglos XI y XIV y luego cayó en un cierto abandono. Tras una importante restauración, se convirtió en el símbolo del Piamonte. La película dirigida por Jean-Jacques Annaud contó con auténticos maestros, cada uno en su disciplina, que aportaron una creación individual magistral. Tanto la soberbia fotografía del gran operador, ya fallecido, Tonino Delli Colli (habitual de Sergio Leone), como el espectacular, diseño de producción de Dante Ferreti (que lleva décadas trabajando para Scorsese), y el inteligentísimo diseño de vestuario de la genial Gabriella Pescucci, sin olvidarnos de la emocionante música de James Horner.

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La película se centra en dos personajes, el franciscano Guillermo de Baskerville y su discípulo el joven novicio Adso de Melk, quienes llegan a una abadía benedictina en las montañas italianas, famosa por su biblioteca, llena de obras únicas, restringidas a los especialistas. Guillermo, ha venido a la abadía para participar en una reunión entre los delegados del Papa y los líderes de la orden franciscana, para resolver problemas doctrinales. Pero el éxito de este encuentro se ve amenazado por una serie de muertes. Guillermo, auxiliado por Adso, se sirve de su inteligencia, de su capacidad de observación y de su sentido común para resolver toda una serie de misterios.

La película El Nombre de la Rosa que aproximadamente dura dos horas, es una descripción sintética de lo que fue la Edad Media en lo referente a la doctrina y las practicas de la religión cristiana. Podría decirse que muestra la época oscura y repudiable de la Iglesia católica; pero también nos muestra el comienzo de los movimientos reformadores que se personifican en el Fraile  Guillermo y su joven discípulo que indagan y corrigen las practicas erróneas; también escudriñan aspectos referentes a los dogmas de fe y las prácticas y disciplinas imperantes, para imprimirles reformas serias y acordes con los dogmas de la verdadera Iglesia. Es muy importante la influencia de Aristóteles en el pensamiento reformador del Fraile Franciscano Guillermo y por consiguiente en las nuevas concepciones de la iglesia católica, pues su doctrina promueve una relación entre la Fe y la Razón, dando relevancia a la razón, pero invita al equilibrio de las dos para que el hombre acepte que es un ser creado y que se acerca pero no puede igualar a Dios.

“El nombre de la rosa” es un gran poema acerca de la necesidad de confrontar fe y sensatez, donde uno de los momentos memorables de la novela y la película es la interactuación intelectual entre Guillermo y el Venerable Jorge, acerca de la risa…  Hablan de la necesidad de hacer perdurar el Arte, la Cultura, los Libros.  Es, en definitiva, el deseo de un mundo que esté gobernado por personas sensibles y sabias y no por aquellos que sólo se guían por su fanatismo o ambición.

Y, sinceramente, viendo lo que les sucede actualmente a nuestros políticos… no les vendría mal que leyeran (o volvieran a leer) esta obra capital de la Literatura Universal.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

YO, LA PEOR DE TODAS (Dir. María Luisa Bemberg), por Yolanda Aguas

Recuerdo con gran nitidez el momento en que vi en persona a María Luisa Bemberg por primera y única vez.  Me fijé en ella de inmediato, no por reconocerla como la gran escritora y directora de cine que ya era, en realidad me fijé en ella por su elegancia.   Me llamó la atención su modo de moverse, su forma de caminar, sus gestos…  La vi de espaldas, sólo en el momento en que giró hacia mí me percaté de quién era aquella fascinante mujer.

Ese encuentro se produjo en una de las ciudades más bonitas de Europa: San Sebastián.   Ella estaba allí invitada por el Festival Internacional de Cine.  Si la memoria no me falla, creo que no, era la edición de 1990, cuando Cyd Charisse estuvo en la Gala de Inauguración de la 38 edición.  Las vi de cerca a ambas, en el interior del Hotel María Cristina.  Nunca lo olvidaré.

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Anécdota aparte, para entonces la Sra. Bemberg ya había dirigido películas de gran éxito: Camila (1984), Miss Mary (1986) y Yo, la peor de todas (1990), y había escrito el extraordinario guión de Crónica de una señora (1971).

YO, LA PEOR DE TODAS, rodada prácticamente por completo en estudio, se basó en el conocido libro de Octavio Paz sobre Sor Juana Inés de la Cruz (“Sor Juana o las trampas de la fe”), la gran poetisa y monja mexicana del siglo XVII.  Este filme narra la dificultad extrema que la intelectual mexicana sufrió para crear su obra.  Nos muestra con gran claridad cómo la Inquisición y la misoginia brutal de la época aniquiló su poderosa y lúcida inteligencia.

Esta película fue el vehículo perfecto para hacer más hincapié en el firme compromiso de María Luisa Bemberg con la mujer:  “No hay mejor ejemplo que Sor Juana para expresar mi creencia, que el talento no tiene sexo y que si una mujer elige el silencio y la soledad para crear, ella tiene el derecho a ello”.

El guión fue co-escrito por Bemberg y Antonio Larreta, y el hilo conductor de toda la historia fue la excelente relación de la monja con el Virrey y la Virreina de México.  Todo ello, como ya he señalado anteriormente, en medio de la intriga del poder eclesiástico para culminar con un final trágico.

Naturalmente, una intelectual del nivel de María Luisa Bemberg consideró que, tal como lo hizo la propia Sor Juana, el medio más apropiado para desarrollar con éxito la historia era a través de la palabra.   La palabra en los diálogos y la palabra en los discursos, y todo ello bien mezclado con la imagen y el sonido.  Ambientándolo todo, en una recreación escenográfica brillante, con la forma y entorno de vida de la poetisa.

No era fácil, ya que la propia vida de Sor Juana tampoco lo fue.   Eligió el claustro por un lado y la libertad para su alma y su intelecto por el otro.

Las escenas del interior del claustro iluminadas por las velas dotan al film de una belleza atemporal que perdura en la memoria del espectador.   Luces tenues que acompañan los hermosos diálogos de Sor Juana con la Virreina.   Presenta la película a una monja dichosa dentro de su hábito, una vida de convento gozosa y serena, con sus correspondientes momentos de cambio de estado de ánimos propios a su firme carácter y personalidad singular.   Sor Juana demuestra siempre lo que siente sin ocultar sus dudas cuando éstas aparecen o cuando la perturbación llega a inquietarla.

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La actriz encargada de dar vida a esta figura de la literatura universal fue ASSUMPTA SERNA, acompañada por Dominique Sanda, Héctor Alterio y Lautaro Murua.  La actriz Dominique Sanda fue doblada al español por la actriz argentina CECILIA ROTH.

El trabajo de ASSUMPTA SERNA obtuvo numerosos panegíricos en la prensa de todo el mundo,   acompañando de este modo el éxito de la película en números festivales de cine de aquel año, 1990.  Assumpta realizó una de las mejores interpretaciones de su extensa trayectoria cinematográfica.   En verdad pienso que estuvo sublime.

Mención especial, no podía ser de otra manera, merece el trabajo de una figura clave en la obra de María Luisa Bemberg en aquel entonces y de la cinematografía argentina en la actualidad.  Me refiero naturalmente a la verdadera alma de esta producción:  la Productora, Productora Ejecutiva, Guionista  y Directora de Cine:  LITA STANTIC.

La Sra. STANTIC produjo todas las películas de la Sra. BEMBERG, con quien había fundado la productora con la que ambas crearon tan importantes películas.   Tras el fallecimiento de María Luisa, Lita se animó a dirigir un proyecto que ambas ya tenían en mente:  UN MURO DE SILENCIO, que fue protagonizado (y rodado en español)  brillantemente por la actriz británica VANESSA REDGRAVE.

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Todos juntos lograron crear una gran película.  Una de las mejores películas argentinas de su historia cinematográfica.  Y no era fácil, porque el rodaje tuvo muchas dificultades, especialmente debido a que fue rodada prácticamente por completo en espacios cerrados por lo que los movimientos de cámara y un cuidadoso encuadre fueron fundamentales para alcanzar un nivel dramático de excelente calidad.  Y todo ello captó favorablemente la atención del espectador.

Siempre es gratificante que una gran intelectual del siglo XX como fue MARÍA LUISA BEMBERG  hiciera este hermoso e inolvidable homenaje a otra brillante mujer y gran intelectual del siglo XVII: SOR JUANA INÉS DE LA CRUZ.

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NOTA:  Las fotografías que aparecen en este post son propiedad de sus autores. 

ISADORA (Dir. Karel Reisz), por Yolanda Aguas

“Juré que no abandonaría nunca mi arte por el amor (…) Mi vida no ha conocido más que dos motivos: el Amor y el Arte. El Amor destruyó a veces al Arte, y con frecuencia el imperioso llamamiento del Arte puso un trágico fin al Amor. Pero nunca llegaron ambos a un acuerdo, sino que sostuvieron constantes batallas”.

ISADORA DUNCAN,  – Mi vida – 

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Estoy releyendo estos días la biografía de Isadora Duncan, es un libro que compré el 9 de julio de 1983 (suelo anotar este dato en la última página de mis volúmenes).  Es un libro magnífico. Un gran método de aprendizaje, de los mejores…

Fue publicado por la Editorial DEBATE con el ISBN: 84-7444-002-5, y cuenta con un estupendo prólogo escrito por Soledad Puértolas.

En mis anotaciones de aquellos años dejé escrita una preciosa conexión entre este libro biográfico de la Duncan y uno de los libros más hermosos de nuestra literatura: La Aguja Dorada de la inolvidable y añorada Montserrat Roig, Plaza & Janés con ISBN: 84-01-35135-9.   Les aconsejo que si consiguen estos dos volúmenes, lean las páginas 175 a 179 de MI VIDA, y luego las páginas 45-46 de LA AGUJA DORADA, en ambos casos se relata el momento crucial en la vida de Isadora Duncan cuando el pintor Bakst descubrió que en la mano de la Duncan había dos cruces significativas: “Usted tendrá la gloria, -le dijo-, pero perderá a sus dos criaturas más queridas”.

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Y, naturalmente, al leer el libro me ha llegado el recuerdo de la película que se rodó en 1968 protagonizada por la sublime actriz VANESSA REDGRADE.

Película de 1968 (Gran Bretaña), producida por Universal, color 125 minutos. Con Vanessa Redgrave (como Isadora Duncan), James Fox, Jason Robarts, John Fraser, Bessie Love, Lado Leskovar (Bugatti).

Biografía de la legendaria artista Isadora Duncan, que quiso dar un giro total a la danza principalmente en el sentido más  libre de expresión del ser  humano y rechazar las rígidas normas del ballet. Su vida, tanto en el ámbito profesional como en el privado, fue un escándalo continuo hasta su trágica muerte en un absurdo accidente.  Isadora Duncan fue una bailarina estadounidense que destacó por su desinhibición y sus bailes transgresores.  Aportó a la danza moderna un nuevo aire de libertad, donde no tenía reparo, muchas veces, en mostrar su cuerpo semidesnudo.  Es un verdadero icono de la danza y todavía fuente de inspiración ya que la danza moderna le debe su razón de ser.

El director Karel Reisz, se había empezado a alejar de la austeridad del free cinema, del que había sido uno de los principales promotores con Sábado noche, domingo mañana (1960) y con esta película se apartó de los barrios bajos londinenses para retratar a la élite intelectual de la época eduardiana.  Sin embargo, la constante lucha de Isadora Duncan por liberalizar las actitudes morales de su tiempo la aproximan en el fondo a todos los antihéroes del free cinema.

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Los siguientes films de Karel Reisz son norteamericanos, ya que consideró que no había sitio para él entre el férreo conservadurismo de la industria del cine británico de su época.

Vanessa Redgrave, en la cumbre total de su arte, realiza aquí una de las mejores interpretaciones femeninas de todos los tiempos.  Se puede decir que literalmente “vive” cada una de las edades  de la Duncan.  Su baile trasluce felicidad en el movimiento y su actuación es pura exaltación de la vida.

Todos los que amamos el cine sabemos reconocer que esta interpretación es la mejor de su carrera (si es que sólo debemos destacar una película porque su carrera está repleta de interpretaciones magistrales).

Sin duda, ISADORA sería otra película sin ella.  Allá donde va se le recuerda, no hay rueda de prensa en la que no le pregunten por ISADORA o por JULIA…  creo que todos asociamos el rostro de Isadora Duncan con el de Vanessa Redgrave.  Esa es la fuerza y la magia del cine.

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EL ARPA BIRMANA (Dir. Kon Ichikawa), por Yolanda Aguas

“El capitán alzó su sable. Los soldados iban ya a lanzar su grito de guerra. Entonces el capitán tuvo que reprimir la voz de mando que le había subido hasta la misma garganta, y se quedó inmóvil….La sorpresa era que desde el interior del bosque se elevaba ahora un canto….

El bosque se llenó por dentro de canciones….Mirando con atención, resultaron ser soldados ingleses….Llegados a este punto no había ya ni amigos ni enemigos.

No se inició ninguna batalla…..Nosotros finalmente dejamos las armas”. 

Michio Takeyama (Escritor japonés, autor de EL ARPA BIRMANA)

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En 1952 el maestro japonés Kon Ichikawa rodó una de las películas más hermosas de la historia del cine.

El filme narra la historia de un soldado japonés convertido en monje errante que recuerda los horrores de la guerra; cómo su propio comandante ordenó diezmar a sus soldados antes que rendirse y cómo él, superviviente, los enterró.

Es un extraordinario alegato antibelicista, de una profunda humanidad y de una tradición budista presentada con todo su valor.  Lo extraordinario de la película radica en la fineza con la que Ichikawa muestra cómo el más tremendo horror puede llevar a la virtud y despertar lo mejor del ser humano.

La fuerza de la naturaleza, su belleza y el juego de contrastes entre lo más terrible y lo más sublime encuentra en este filme un punto raras veces alcanzado en una película de tesis.

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A parte de la impresionante interpretación, la película goza de una fotografía extraordinaria de Minoru Matsuyama y de una no menos impresionante música compuesta por Akira Ifukube.  La película sobrecogió a la prensa europea especializada de aquel momento, y Kon Ichikawa se alzó con el reconocimiento y prestigio internacional.

Casi veinte años después, el director hizo una nueva versión en color del mismo argumento, no menos acertada y bella, pero los tiempos habían cambiado y no obtuvo la misma acogida que la original.

EL ARPA BIRMANA, fue premiada en el Festival de Venecia de 1956 y fue nominada al Oscar como mejor película extranjera en 1957.

El director, Kon Ichikawa está consideado como uno de los cuatro grandes directores japoneses de la historia, junto a Akira Korosawa, Kenji Mozoguichi y Yasujiro Ozu.

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En 1956, dirigió otro film pacifista llamado Fuego en la llanura, aunque durante toda su carrera – que abarcó nada menos que cincuenta años – también tocó otros géneros, hasta su muerte en 2007 a la edad de 93 años.

Otras de sus películas más conocidas fueron: Hordas Salvajes (1978) y La princesa de la luna (1987).

Pero, sin duda alguna, fue con EL ARPA BIRMANA donde logró la obra maestra.  Película imprescindible para todos los amantes del cine y para aquellas personas que todavía (ojalá sean muchas) crean en la bondad del ser humano.

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El libro, EL ARPA BIRMANA de Michio Takeyama, está editado en España por Ediciones del Viento, Colección Viento Simún, con el ISBN: 84-933001-60

Sinopsis:

En los últimos días de la II Guerra Mundial, el sureste asiático está plagado de tropas japonesas, que exhaustas e incomunicadas, vagan sin rumbo acosadas por las fuerzas aliadas.

En Birmania, una compañía singular, mandada por un capitán que en la vida civil ejerce la profesión de músico, es conocida por “la compañía de las canciones”.

Los soldados que la integran forman una masa coral que interpreta magistralmente canciones tradicionales.  Tras entregarse a las fuerzas británicas, el cabo Mizushima, virtuoso intérprete del “arpa birmana”, es enviado a una arriesgada misión de paz, tras la cual desaparece sin dejar rastro.

El Arpa Birmana, publicada en 1947, es una de las novelas más importantes del Japón de la posguerra mundial.  Un poético y apasionante alegato antibelicista que supuso un mensaje de ánimo para una sociedad que entonces se encontraba desmoralizada.  Una obra maestra de la literatura.

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Nota: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.