CREC en un SOL DEU: Un solo DIO, por Francesc Mazón Camats

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Volver al Teatre Lliure de Gràcia, es para muchos espectadores de mi generación, como volver a casa. Supongo que también para la Sardà, Rosa Maria Sardà, una de las grandes, en todas las disciplinas, ámbitos y géneros del Arte Dramático. Con la Sardà hemos reído, en tiempos muy difíciles, también emocionado y llorado. Su voz y su dicción del verso de Josep Mª de Sagarra, en el Hostal de la Glòria de 1992, suena aun en mi cabeza, como el agua clara y limpia de una lengua maltratada.

Debutó a inicios de los 60s, en el teatro de aficionados, donde se formó. Después como profesional en el teatro en catalán de resistencia. Se hizo popular y querida por sus dramáticos en TVE- Catalunya desde Miramar, hasta que el año 1969, un joven Ventura Pons  la lanzó como protagonista de la versión catalana de “El Knack” (aquella comedia tan in de Ann Jellicoe, que había hecho furor en Cannes dirigida por Lester, el quinto Beatle) traducida por Terenci Moix, un éxito sorpresa en el pequeño Windsor de la Diagonal, eran modernos en una época bien cutre, siguieron siendo amigos y colaboradores para siempre.

Su debut en el Teatre Lliure se produce en la temporada 1979/80 (la tercera de una nueva gran aventura teatral en BCN) con un doble monólogo “Rosa i Maria” un texto de Irineusz Iredinski, en traducción de Moix y Miquel Martí i Pol y dirección del prometedor  Lluis Pasqual; volvió a la casa, la nueva temporada, esta vez con “ El Balcó” de Genet, de nuevo con Pasqual y después colaboró siempre que pudo, en su apretadísima agenda como gran cómica, comunicadora  y actriz única e irrepetible…

Pero en mi memoria del Lliure, otra obra “ER” de Benet i Jornet, su Pepitu, esta vez en versión cinematográfica de Ventura Pons “Actrius” 1996, registró para siempre a nuestras tres divinas, La Espert, la Lizaran y La Sardà,  en un duelo tragicómico inolvidable, contemplado por una aprendiz de altura, Merce Pons.

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Ahora vuelve de nuevo, tentada por Lluís Pasqual, con otro desafío, tres monólogos/ soliloquios de un nuevo y brillante autor  Stefano Massini, actual director del Piccolo Teatro de Milan, “Creo en un Solo Dios” tres mujeres de distintas creencias, cruzan sus historias y destinos en Palestina, Tierra Santa, donde unos dioses monoteístas y el odio parecen fundirse en una misma cosa…

Presentada en días alternos con otro monólogo anterior del mismo autor “Dona no Reeducable”, pero si este monólogo es una obra espléndida y atroz, el triple monólogo de la Sardà  es mucho más complejo y no del todo resuelto. Solo un personaje, el de la profesora de historia, Eden Golan, es magnífico, avanza en un arco dramático inexorable desde la comprensión y aceptación del Otro, hacia el miedo. Se doblega ante los argumentos fanáticos que la rodean en una lenta disolución, tan humana, ante el terror como superviviente de un atentado atroz, donde se siente tocada por el halo de la muerte. La Sarda esta perfecta, emocionante, dolorosamente cercana… Los otros dos personajes, no disponen de ese desarrollo dramático, la joven estudiante palestina es una iluminada fanática desde el principio y nada o casi nada se nos explicará de sus motivos. Mientras que la militar norteamericana, pragmática y ajena a todo, tiende a la caricatura  (La Sardà, nos la ofrece con ese humor sutil, marca de la casa) pero el texto la presenta solo, como contrapunto cómico al horror cíclico y cotidiano.

Rosa Maria Sardà defiende con coraje el reto de una obra y un tema difícil y espinoso, donde ser objetivo o neutral parece imposible. Muchos de sus momentos nos conmueven profundamente, como ese lento y progresivo silenciamiento autoimpuesto por la profesora ante sus locuaces amigos o esas terroríficas pruebas por las que pasa la joven y sus amigas, hacia la autoinmolación, te llegan a doler…

Pero resulta muy difícil defender al chivo expiatorio, a la mártir  que todas las religiones llevan a sus altares, religiones de esos dioses únicos y terribles que parecen exigir más sangre, contra la leche y la miel prometida. Un odio secular implícito en el título italiano “Credo in un solO DIO” parece ser la única respuesta posible ante la indiferencia de una gendarme que está de paso…Terrible obra, magnífica y valiente Sardà, ¡una de las grandes!

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

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DONA NO REEDUCABLE: Aviso para caminantes, por Francesc Mazón Camats

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Enemigos del Estado: dos categorías

1.- Los que entran en razón

2.- Los incorregibles, los No- Re- Educables…

Es preciso eliminar a estos personajes.

Segundo monólogo que presenta el Lliure de Gràcia, de Stefano Massini. Escrito y estrenado en Italia el año 2007, sobre el asesinato político, un año antes, de la periodista rusa Anna Politkóvskaia que se había posicionado, y denunciado, la terrorífica guerra sucia, de exterminio, en la rebelde e insumisa Chechenia.

Un escenario casi vacío, una mesa de trabajo llena de papeles, diarios, documentos y agendas o dietarios…junto a un teléfono y un hervidor anticuados. Al otro lado, un micrófono, al fondo sobre el muro de ladrillos, se proyectarán/vomitarán imágenes feas, grises… desasosegadoras, intercaladas con títulos, capítulos de un montaje de textos, artículos y entrevistas de la periodista, una mujer acallada a tiros en el ascensor de su casa, mujer no reeducable.

En el escenario, una actriz sin maquillaje aparente, con el cabello sin arreglar, mirada penetrante, inquisidora; va a agarrarnos con autoridad durante 70 minutos, sin soltarnos, y vomitar febrilmente su verdad. Se trata de Miriam Iscla, nuestra Carol Burnett de la añorada sitcom de TV3, “JetLag”, aquí devastadora, con un coraje, mezcla de dureza y fragilidad increíbles. El grito de una mujer en guerra, que intenta desvelar, un estado de las cosas terrible, en un in crescendo aterrador…

La Iscla desde una objetividad, casi  clínica que te hace crujir las tripas, desgrana paso a paso la deriva apocalíptica de esas guerras abiertas, sucias, gangrenadas, en los límites de los antiguos imperios coloniales, que aparecen y desaparecen de nuestros medias, cuando se decide que ya no capta nuestro interés.

Extraordinario monólogo planteado como un descenso a los infiernos, el viaje al corazón de las tinieblas de  Conrad/ Ford Coppola…. el horror, el horror… pero sin el glamour de Brando.

Miriam Iscla está extraordinaria, expresando una progresiva desesperación, casi adictiva, de quien se sabe acorralada, sentenciada por el poder del estado.

Fragmentos magnéticos, casi insoportables, la enumeración de los rituales diarios, como la superviviente de un holocausto, la narración de su propia detención y tortura,  entre el delirio y el abandono, o las sucesivas entrevistas  a un soldado deshumanizado, a un coronel cínico y hastiado… o a un terrorista checheno, al que implora inútilmente algo de piedad en el despiadado asalto a una escuela infantil de Beslan.

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Miriam Iscla, curtida en el teatro alternativo de los 90s, nos deleitó como miembro del T de TEatre, del que fue fundadora, en una colección de obras brillantes, deliciosas. Trabajó en la ejemplar Sala Beckett de Gràcia, estrenando en sus talleres, a esos nuevos dramaturgos, ahora consagrados. Dio hace pocos años el salto a actriz de primerísima división, con una fuerza, un dominio escénico deslumbrante. Debutando en el TNC, con Les Falses Coincidències de Marivaux, pasando a Celebració de Pinter, o Quitt de Handke… Hasta explotar como un nuevo cometa estelar con “Barcelona” de su amigo Pere Riera, éxito absoluto durante dos temporadas, desde el teatro público al privado, como si esto fuese Londres!.

Su preciso y precioso trabajo como Amanda en “El Zoo de Vidre” de Williams, dirigida por Pou, me llego al corazón. Ahora después de su trabajo como Goneril, en el magistral Lear de La Espert/Pasqual (que regresa por Navidades al Lliure), vuelve de la mano de Lluís Pasqual, para dejarnos exhaustos.

Qué actriz, qué poderío y verdad. No se pierdan, bajo ningún concepto, esta obra de teatro político, en la que se muestra en carne viva, como en una pintura de Francis Bacon.  Breve temporada, por compromisos previos, pero volverá en Junio.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

TEATRE LLIURE: Programación 2015-2016, por CineT Farö

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El director del Teatre Lliure, el genial Lluis Pasqual, presentó el pasado viernes 19 de junio la programación para la temporada 2015-2016.

El teatro clásico, desde la antigua Grecia con Séneca o Sófocles, hasta William Shakespeare y Calderón de la Barca, Eduardo de Filippo, Harold Pinter e incluso una adaptación de Gabriel García Márquez destacan en la nueva programación del Teatre Lliure para la temporada 2015-2016.

Una temporada de imprescindibles de la dramaturgia que llevarán a la escena directores de primera línea como Josep Maria Flotats, Mario Gas o el propio director del Lliure, Lluís Pasqual, que propondrán una mirada contemporánea a los clásicos.

Así, el Lliure confía en que el teatro cumpla su función de “reflejar lo que sucede en la calle” y “hacerse eco de la sociedad”, algo que se vuelve imprescindible para mantener la conexión con el público en un contexto convulso, ha explicado hoy Lluís Pasqual en la presentación de la programación del próximo curso, que cuenta con 7,5 millones de presupuesto.

Por eso, el factor común de todas las propuestas artísticas del Lliure es que “su mirada busca nuevas formas de relación social y con el poder” y “pone en cuestión la identidad propia en relación con la identidad de los otros”, ha explicado el director del teatro.

Las propuestas se engloban en tres líneas temáticas: “la reflexión sobre la identidad del individuo, la relación del individuo con la sociedad y los límites de realidad y ficción”.

El peso de la reflexión sobre el individuo corre a cargo de Teatro de Ciudad, proyecto fruto de la unión de los directores Alfredo Sanzol, Andrés Lima y Miguel del Arco, que proponen sendos espectáculos.

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Sanzol dirige el texto de Sófocles “Edipo Rey”, donde, de la mano de Juan Antonio Lumbreras, descubre lo que es “la miseria palpable”, en palabras de Pasqual.

La saga continúa con “Medea” en una versión de Andrés Lima donde Aitana Sánchez-Gijón llorará por el peor de los dolores, según Séneca, el amor.

El broche de oro de Teatro de Ciudad lo pondrán Carmen Machi y Manuela Passo en “la tragedia más perfecta que se ha escrito nunca”, según Pasqual, “Antígona”, de Sófocles, dirigida por Miguel del Arco.

El contrapunto lo ofrecerán dos directores foráneos. Por un lado, el argentino Ciro Zorzoli, que tendrá a sus órdenes a la compañía T de Teatre en “Premis i Càstigs”, que se estrenará antes en el Grec.

Por otro lado, desde Canadá llegará Allegra Fulton con un monólogo escrito por su compatriota Jennifer Tremblay, en el que una mujer hace listas banales en apariencia pero de forma compulsiva para “intentar fabricarse una nueva identidad cada día”.

En paralelo, el Lliure hace una de las apuestas que serán más mediáticas con “Relatos de un náufrago” y, un año y medio después de la muerte de Gabriel García Márquez, traerá la primera versión teatral, dirigida por Marc Montserrat-Drukker e interpretada por Emilio Gutiérrez Caba, que “nos trasladará a un mundo kafkiano de silencio”, ha valorado Pasqual.

Otro título destacado de la programación será “Invernadero”, del Premio Nobel Harold Pinter, en versión de Eduardo Mendoza y bajo la dirección de Mario Gas, en una obra de connotaciones políticas que representa una crítica a la burocracia y la impunidad del poder en medio de la alienación del individuo.

La tragedia y el individuo, desde el punto de vista de la relación con el poder, seguirán presentes en dos grandes regresos que fueron grandes éxitos la pasada temporada: “Rhum”, de Joan Montanyés ‘Monti’, Jordi Martínez y Martí Torras Mayneris, que también la dirige; y “El Rei Lear”, de Shakespeare, dirigido por Lluís Pasqual e interpretado por Núria Espert.

La introspección continúa con la “metáfora” de Calderón de la Barca en “El alcalde de Zalamea”, que plantea lo que sucede “cuando el individuo es consciente de su capacidad de rebelión” y que llevará al Lliure la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

El bloque temático de la relación del individuo con la colectividad tomará cuerpo en once textos contemporáneos encabezados por “El curiós incident del gos a mitjanit”, que Julio Manrique volverá a dirigir esta temporada.

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Un tema tan “espinoso” y de actualidad como el terrorismo se abordará en un diálogo incisivo e incluso humorístico en “Ser-ho o no. Per acabar amb la qüestió jueva”, de Jean-Claude Grumberg, dirigida por Josep Maria Flotats, que trata de “huir del estereotipo y del cliché”, según Pasqual.

En la misma línea, “En veu baixa”, de Owen McCafferty, aborda desde un pub de Belfast “qué viene después de una lucha armada muy larga, qué le pasa al que ha sido terrorista, cómo se relaciona con las víctimas y consigo mismo, cómo construir un nuevo ser y dejar atrás su antiguo ser”.

También “Inframón” reside en la actualidad de los escándalos de pederastia y se pregunta “dónde está el límite de nuestra identidad cuando las tecnologías nos proporcionan sentimientos y emociones reales”, según Pasqual, y lo hará bajo la dirección de Juan Carlos Martel Bayod en el Grec 2016.

Asimismo, con motivo del 700 aniversario de la muerte de Ramon Llull, el Lliure abrirá concurso para que compañías jóvenes lleven a la escena “El llibre de les Bèsties” en versión para niños.

La presentación de la temporada ha servido también para hacer balance de la anterior, la 2014-2015, que termina este domingo y ha superado la anterior en asistencia por 1.500 espectadores, hasta alcanzar la cifra de 110.000 asistentes, que han supuesto un porcentaje de ocupación media del 81 % entre las salas de Montjuïc y de Gràcia.

Sin duda estamos ante una programación que nos ofrecerá momentos inolvidables de teatro, como sucede todos las temporadas bajo la dirección de uno de nuestros más grandes directores de teatro: LLUIS PASQUAL.

Para CINET FARÖ, la cita que más nos ilusiona será del 5 de mayo al 5 de junio de 2016, con la llegada de la obra “María Estuardo” de Friedrich von Schiller en versión y dirección Sergi Belbel.  Estará protagonizada por Míriam Alemany / Jordi Banacolocha /  Àlex Casanovas / Carles Martínez / Fina Rius / Marc Rius y la sublime Sílvia Bel.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de TEATRE LLIURE.

El Rei Lear: el desafío de una oscura tragedia, por Francesc Mazón Camats

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Las dark tragedies  de William Shakespeare nos pueden parecer sombríos retratos de una humanidad destructiva y desesperada que se despedaza pero conserva aun retazos de poesía y de humor. Todo tan cíclicamente actual que nos sigue conmoviendo, siglos después.

El Rey Lear fue probablemente escrita hacia 1605, y representada en la corte del rey James I Stuard a finales del 1606. Debido a su compleja estructura de múltiples tramas, personajes y su larga duración, montar el Lear no es fácil, ni está al alcance de todo el mundo. En los escenarios anglosajones son más los estropicios y los vapuleos de la crítica que los éxitos absolutos. De los grandes del S. XX, solo John Gielgud alcanzó la unanimidad en uno de sus tres montajes, el de 1950, en el cual actuaba y dirigía. En el mismo, una Cordelia interpretada por la mítica Peggy Ashcroft se robaba la función, consiguiendo en su corto papel según la crítica, “personificar la bondad con una ternura conmovedora. Pronunciando las palabras “No cause, no cause…”  con tal emotiva sinceridad, que solo su postura y la atmósfera que conseguía destilar simplemente nos conmovía ”no hay pequeños papeles para grandes actrices”.

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El maestro Lluís Pasqual parece no obstante haber intentado acercarse/homenajear, especialmente en su atmósfera, otro montaje considerado unánimemente el mejor del S.XX: el de el gran Paul Scofield, dirigido por Peter Brook, en 1962, para la Royal Shakespeare Company. Ambientado en una sombría, desoladora e indeterminada sociedad posbélica, con vestuario y ambientes cercanos a los de Beckett (el mismo equipo hizo una versión para el cine, 9 años después, en 1971). Este montaje marcó una cima que no parece haberse superado.

Pasqual, de forma magistral, sabe crear una intensa atmósfera de la nada (un escenario vacío) un largo corredor entre la doble hilera de espectadores (propuesta en parte similar a la de su recordado Lorca de El Público) confiándolo todo a los actores (magníficos), con el apoyo de la luz (estupendo trabajo) de Pascal Mérat y ambientación musical perfecta de Dani Espasa (Bravo!)

Desde la impactante y épica escena inicial donde un grupo de jóvenes soldados introducen  a la luz de sus antorchas, a una regia Núria Espert/Lear hasta la fabulosa concepción del  segundo acto. Donde el mismo grupo asiste al complejo entramado de acciones paralelas como un coro griego, sentado a ambos lados del pasillo central, creando con sus voces  a modo de salmodia/ canto recitativo  una inquietante  tensión. Llegamos a la peligrosa y decisiva escena de la tempestad, donde el director  consigue el máximo clímax con los mínimos elementos (elevar escalonadamente el suelo). Por momentos sufrimos por la integridad física de Lear/ Espert y su Bufón/Lozano, tan bien amparadas  por su fiel Cayo- Kent/ Madaula. Lluís Pasqual ha apostado fuerte y ha ganado.

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Grandes, muy grandes, interpretaciones de un reparto inmejorable de afinadísimos instrumentos, TODOS! Si me permiten destacaré a Julio Manrique en su triple papel, el ingenuo Edgard, el enloquecido pobre Tom y el simple campesino de Dover. Perfectas las hijas: Goneril, una despiadada Míriam Iscla; Regan, una impactante Laura Conejero en su progresiva pérfida maldad, hasta llegar a su escena cumbre, puro gore isabelino de histeria y terror, la tortura de Gloster-Gloucester/ Bosch. Estupenda Andrea Ros/Cordelia en su casi única y sublime escena de la reconciliación y perdón final, dulce, sencilla hasta las lágrimas…

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Impecables Ramon Madaula/ Kent-Cayo y Jordi Bosch/ Gloucester, el otro padre engañado y finalmente destrozado física y anímicamente. Nunca mejor David Selvas, maquiavélico Edmund, tan cerca del  Iago  de Otelo.

Y claro está un emocionado homenaje a estas dos grandes actrices que a su edad y con una larga y acreditada carrera, no dudan en lanzarse a un desafío, incluso físico: Teresa Lozano, el Bufón, nuestra valenciana más querida, maravillosa, descarada, como un clown desharrapado, con su bolsita de plástico como toda protección contra la intemperie, como cualquier homeless que puebla nuestras ciudades, ovacionada en todas sus intervenciones.

Y Núria Espert, nuestra Nurieta, La Espert, una de las grandes, como un Lear magnífico y arrogante al principio, confuso y progresivamente desesperado hasta llegar a la locura.  Abatido y enfermo al final, como un gran árbol caído. En su reencuentro con Cordelia, su desheredada y tan querida hija, una Núria exhausta física y emocionalmente, pronuncia su sentencia y nos lleva a las lágrimas: “No, no, no…¿no hay vida?  ¿Por qué un perro, un caballo, una rata pueden tener vida? Y tú (Cordelia) ¿ni un soplo? Nunca, nunca, nunca….”

Estamos ante un montaje que hará historia, no se lo pierdan…

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NOTA: 

Las fotografías oficiales de EL REI LEAR son autoría del maestro ROS RIBÁS para el TEATRE LLIURE.

El resto de fotografías son propiedad de sus autores.

EL REI LEAR: Desafío para una gran actriz, por Francesc Mazón Camats

(Rueda de prensa: TEATRE LLIURE, 2015-01-09 – 12:00 h)

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El Teatre Lliure nos propone escalar una cumbre “El Rei Lear“ con la gran Núria Espert  al frente. Ante la crisis y el desánimo inacabable, montar una obra considerada inaccesible para algunos o un desafío peligroso para otros: La tragedia de la ingratitud filial, la vejez, la locura y la muerte, según William Shakespeare; solo puede ser considerado un paso de madurez y grandeza, para los admiradores del Lliure.

Con 25  intérpretes y otros tantos colaboradores técnicos/artísticos, esta tragedia de múltiples capas, zénit de toda una carrera teatral en el ámbito anglosajón: Olivier, Redgrave, Gielgud… parece para Lluís Pasqual una meta adecuada para una de nuestras insignes actrices: Núria Espert, La Espert.

Lluís Pasqual toma la palabra, en una concurrida rueda de prensa, como director y también adaptador (según él, tan solo para acortar en lo posible la magnífica traducción de Joan Sellent, dejando el original en 2h 40’), se extiende como un erudito apasionado en la dificultad de abarcar esta Catedral dramática y encontrar el punto exacto del dolor, más cercano, para él, a la emoción que transmite Bach, matemática, inteligente, sin lágrimas que a la grandeza de Beethoven.

Su propuesta nació de una especie de iluminación, substituir el  Eduardo De Filippo que estaba preparando, por esta tragedia oscura y terrible, nacida de un momento de error, fruto de la vanidad y la adulación, tan cercano a muchos que estamos viviendo. Eso sí, siempre que pudiese contar con la Espert como Lear, sin ella no había Lear!

Nuria Espert a su lado asiente, llena de temor y dudas al principio, aceptaría si encontraba un equipo de intérpretes espléndido junto a ella para intentarlo. Afortunadamente todo parece haberse conjurado a favor, alrededor de ambos, 7 magníficos: Marcel Borràs, Jordi Bosch, Míriam Iscla, Teresa Lozano, Ramon Madaula, Òscar Rabadán y Andrea Ros, en representación  de otros tantos ausentes por motivos de trabajo (¡afortunadamente!).

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Un arco temporal espléndido que iría desde la veteranía de la magnífica y muy querida Teresa Lozano como el Bufón, hasta la brillante y prometedora Andrea Ros ( transparente mirada cristalina que me recordó a la gran Vanessa Redgrave – Cordelia, también, junto a su padre Michael en la que fue su despedida teatral).

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Núria Espert se enfrenta al desafío, después de su Hamlet y su Próspero, a lo largo de más de medio siglo de extensísima carrera. Con profundidad, no exenta de ironía y a ratos, insospechada sinceridad, lejana a divismos, nos convence  que fue la lectura de esta admirable traducción al catalán, lo que la animó a volver a actuar en su lengua materna y aceptar este arduo ascenso. ¿Una cumbre final?, preguntó un temerario crítico… “mientras me sigan llamando y proponiendo estas obras, no me sacan del escenario ni los Geos!” estupenda Núria…

Shakespeare observa a toda esta compleja, contradictoria y autodestructiva humanidad, sin juzgar a sus personajes. Así ese espejo roto por un acto de vanidad, según la actriz, que arroja a Lear a la oscuridad, al dolor y a la muerte; podrá encontrar poesía en la desolación y algo de paz espiritual tras tanta crueldad insoportable.

Estupenda rueda de prensa, a la que el resto de actores poco pudieron añadir a la sabiduría y pasión de estas dos bestias teatrales: Pasqual / Espert.

Estreno el próximo día 15 de Enero, para una temporada limitada que no podrá girar con estos excelentes mimbres. Expectantes ante lo que parece una de las joyas teatrales de la temporada.

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NOTA:

Las fotografías oficiales de “El Rey Lear” son autoría del maestro ROS RIBAS para el Teatre Lliure.

Las fotografías de la rueda de prensa, son autoría y propiedad de ISABEL BUSQUETS para CineT Farö.

KRUM (el crosta) en el TEATRE LLIURE/GRÀCIA, por Francesc Mazón Camats

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Rueda de prensa y presentación  en España de “Krum“ de Hanoch Levin, quizás el autor israelí más prestigioso y desconocido, hasta ahora, en nuestro país.

Krum – el crosta – mote de nuestro protagonista, que según la traductora Roser Lluch i Oms equivale en hebreo a “el callado / el silencioso”, explicando la notable dificultad de traducción de la mayoría de nombres, a causa  de su sentido  simbólico.

Presente todo el equipo  artístico (11 actores y actrices) y parte del equipo técnico, su directora: Carme Portaceli, veterana del Lliure, desde el año 1982, donde inició su carrera como ayudante de dirección del fundador Fabià Puigserver y también de Lluís Pasqual, actual director del Teatre Lliure, también presente en la rueda de prensa.

Esta coproducción a múltiples bandas entre el Lliure, el Grec (que la presentó, brevemente, este verano en el Festival)  y la colaboración de la Generalitat, el INAEM – Ministerio de Cultura-, Ayuntamiento de BCN y la Embajada de Israel (tiempos de crisis obligan!)

Estrenada en Tel Aviv en 1975, supuso la consagración del autor, dramaturgo y poeta, el más importante y popular del teatro hebreo contemporáneo.

Hanoch Levin nacido en Tel Aviv, descendiente de una familia polaca, parte de ella, superviviente del Holocausto. Se dio a conocer a finales de los años 60, en el seno del teatro independiente. Después de trabajar para el teatro/cabaret alternativo, donde escribió sátiras políticas. Debuta en el Cameri Theatre de Tel Aviv (que se convertirá en su propio teatro) y estrena una serie de obras que son acogidas con entusiasmo y también con frecuentes polémicas, lo transforman en el autor/director más popular y apreciado del público teatral de Tel Aviv, la capital y ciudad más cosmopolita y progresista de Israel.

Morirá inesperadamente en 1999, a los 56 años. Desde entonces su compañía fundará el Institute of Israeli Drama, en su nombre, para difundir su obra.

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En la animada rueda de prensa, intervienen alternativamente la directora, Carme Portaceli que nos habla con entusiasmo de esta obra singular que cree muy cercana a nuestra sensibilidad mediterránea: “Discurre entre dos entierros y dos bodas, nos explica el regreso a casa, a su barrio, de un antihéroe, después de una larga ausencia … no ha conseguido nada, no ha triunfado, ni se ha casado, ni ha hecho dinero…

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Y descubre que ese barrio, su refugio, su idealizado paraíso, está tan apático y paralizado como él. La vida se escapa, solo puntuada por nacimientos, bodas y funerales…”

La traductora se extiende en la aparente incomodidad, dificultad de comprensión de una obra tan simbólica, con muchos niveles subterráneos y poéticos. Una obra circular llena de juegos temporales (avances y retrocesos) que el autor mezcla como agua y aceite.

Pere Arquillué, el protagonista, nos habla del viaje preparatorio que hicieron a Tel Aviv y su festival teatral, donde se representaban 6 obras del mismo autor, considerado el Lorca de su teatro y época.

“Esta colección de exhibicionistas neuróticos, como el mismo  Crosta, que sueña con escribir una novela en la que una mujer guapa y rica se case con él y lo saque  de este mundo fracasado que lo rodea…”

Lluïsa Castell, intérprete de la típica madre judía posesiva, aplica el humor, cuando explica la reflexión de su hermano, espectador de la obra en el Grec del pasado verano. ”Es igual como la vida en Montbau (barrio popular obrero del distrito de Nou Barris, al norte de Barcelona) vives o sobrevives en las circunstancias que te tocan, como puedes, con los sueños a nivel del suelo…”

Lluís Pasqual sentencia, esta obra tiene un Karma negro, pronto descubres que todo irá a peor, barranco abajo  (pel pedregar!).

Mónica López (Tuiti) y Jordi Brunet (Shkite) sustituyen a Rosa Boladeras y Ferran Carvajal que estrenaron la obra en el Grec.

Una breve visita a nuestra entrañable sala y al espléndido decorado horizontal (en cinemascope!) de Paco Azorín, nos abren el apetito…

Su estreno el 13 de Noviembre  y en cartel hasta el 7 de Diciembre en el Lliure de Gràcia.

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NOTA:  Las fotografías originales de la obra KRUM insertadas en este post son autoría del gran maestro ROS RIBAS.

Las fotografías de la rueda de prensa de hoy, 7 de noviembre, en el Lliure de Gràcia, son propiedad y autoría de FRANCESC MAZÓN para CINET FARÖ.

ESTIMADA ANNA, recordando a la Lizaran, por Francesc Mazón Camats

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Ha pasado ya un año desde el 11 de Enero del  2013, cuando Anna Lizaran i Merlos nos dejó. Un año sombrío, incluso durante el tórrido verano, interminable en este otoño/invierno de nuestro descontento. En este largo túnel que parece conducirnos de nuevo al temible punto de partida, nos consuela recordar la voz, la risa, la presencia de nuestra Anna.

La Gran Lizaran, de orígenes humildes, padre mecánico, madre modista; nacida  un 31 de agosto de 1944 (Leo magnífica) en Esparreguera, a los pies de Montserrat, un pueblo que cualquier catalán de cierta edad, asocia con “La Passió”, una tradición teatral de origen medieval que convoca a la mayoría de sus habitantes en sus representaciones. Anna y su hermana mayor, Lola, iniciaron en La Passió sus primeros pasos teatrales, siempre la pasión por el teatro. Poco después de sus estudios en el Centre d’Estudis Experimentals, se incorpora en la creación de un grupo mítico del  teatre del carrer  “Els Comediants” (1972/74), posteriormente marcha a París para seguir los cursos de Jacques Lecoq (1974/75) y finalmente, imantada por Fabià Puigserver participa como fundadora del Teatre Lliure, el año 1976, en la sala de la Cooperativa La Lleialtat del Barrio de Gràcia, el resto es Historia del Teatro Catalán contemporáneo.

Generosa, divertida, trabajadora (infatigable ), tozuda y ACORAZADA como dijo la estupenda Elisenda Roca en su funeral. Esa auténtica primera dama, esa “alma” del espacio mágico que es el Lliure de Gràcia, nos obsequió a los teatreferits barceloneses con un auténtico recital del mejor teatro clásico y contemporáneo. Aprendimos a disfrutarla a unos escasos dos palmos de distancia, desde aquel “Camí de Nit“ del 1976 inaugural, hasta su emocionante despedida temporal, el 2000, como Mme. Ranevski, Lubov Andreivna en “L’Hort dels Cirerers” de Chejov, nuestro espacio de los sueños debía cerrar por graves problemas estructurales.

Como un soplo, habían pasado 34 años, 34 temporadas ininterrumpidas. Parecía mentira en el frágil panorama teatral catalán, disponer de un teatro estable, que nos ofrecía la posibilidad de conocer en montajes siempre creativos y con una compañía de actores y actrices que crecían artísticamente ante nosotros, a tantos autores, obras y géneros. De Shakespeare a Genet, de Moliere a O’Neill, de Tennessee Williams a Bertolt Brecht, de Offenbach a Koltés…. La Lizaran se atrevía con todo: el drama, la comedia, la tragedia y la opereta… Nos deslumbró en cada entrega, aprendimos a admirarla y no poder prescindir de ella.

En Madrid fue Pedro Mari Sánchez quien la dirigió en “El Cántaro Roto” de Heinrich von  Kleist, su presentación en los escenarios de la capital. Almodóvar, siempre al tanto, le ofreció un papel en “Tacones Lejanos”, pero el cine no era su medio natural, no le ofreció trabajos a su altura como acostumbra a suceder con las divinas de los escenarios.

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Fotos: ROS RIBAS

 (Las tres fotografías de “El cántaro roto” incluídas en este artículo son cortesía de Pedro Mari Sánchez, quien aparece en la tercera fotografía en un momento de los ensayos en el Teatro Albéniz de Madrid. Gracias)

Además, su mundo, su jardín estaba aquí en Barcelona (lo comprenderán,  era culé hasta las cachas…) y en nuestros escenarios se convirtió en nuestra Peggy Ashcroft, también nuestra Elaine Stritch. Fue nominada y recibió todos los premios teatrales nacionales. Cuando el TNC, donde había debutado en 1998 con “Galatea” obra y personaje poco conocidos de J.M. de Sagarra, le ofreció a Galàctia, la pintora de “Escenes d’ una Execució” de Howard Barker, el Julio de 2002, el triunfo fue absoluto. Nuestra Anita del Lliure, era ya La Lizaran, la mejor actriz del cambio de milenio.

Su De Filippo “Dissabte, Diumenge i Dilluns“ donde substituía a otra magnífica, Mercè Sampietro, fue uno de los éxitos más populares y apoteósicos  del TNC. Única, irrepetible, en un país que se lanzaba por la senda de los recortes en Sanidad, en Educación y especialmente en Cultura, que parece ser para nuestros gobernantes una anticualla, algo prescindible, lleno además de personas “non gratas”, “no afectos”. Anna tuvo aun la suerte de protagonizar una doble (e inesperada) despedida, en el viejo Lliure, Marzo del 2011, “Dues Dones que Ballen“ de Josep M. Benet i Jornet, su compañero generacional, que le regaló su mejor papel cinematográfico en “Actrius” de Ventura Pons.

Y en el TNC (Teatre Nacional de Catalunya), como  Violet la madre monstruosa de “Agost”, con la que reímos y lloramos. Se la veía algo cansada en el escenario, pero lo atribuimos a aquellas endiabladas escaleras de la gigantesca casa de muñecas, decorado algo grandilocuente, donde una familia tejana disfuncional se despedazaba.

Un resfriado, un problema médico inconcreto… Anna ya no pudo estrenar “La Bête“. Su muerte tan brutal, impactó a todos. Ahora que tanto la necesitábamos… ¡Queremos tanto a Anna…!

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son autoría y propiedad de:

ROS RIBAS para el Teatre LLiure y Teatro Albéniz (El cántaro roto).

DAVID RUANO para el TNC (Teatre Nacional de Catalunya)

las utilizamos rogando vuestro permiso al tratarse de un sentido homenaje a la gran ANNA LIZARAN.  ¡Gracias¡