José Luis Garci, Premio de Honor del BCN FILM FEST 2026
José Luis Garci (Madrid, 1944) es uno de los grandes referentes del cine español, primer ganador del Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa por “Volver a empezar” y autor de obras clave como “El crack”, película que cumple 45 años y se presentará en el festival con copia restaurada, o “El abuelo”.
Con un estilo clásico y melancólico influido por el Hollywood de John Ford y Billy Wilder, el ganador del Goya a Mejor Dirección por “Asignatura Aprobada” inició su carrera como guionista (coautor de “La cabina”) y destacó también como divulgador en ¡Qué grande es el cine!, acumulando premios como el Nacional de Cinematografía y la Medalla al Mérito en las Bellas Artes que reconocen su carrera que reúne méritos artísticos, históricos y pedagógicos.
Como hemos indicado antes, en 1983 ganó el primer Óscar para una producción española a la mejor película de habla no inglesa por Volver a empezar; ha sido nominado para esta misma distinción en otras tres ocasiones por Sesión continua (1984), Asignatura aprobada (1987), con la que consiguió el Goya a la mejor dirección, y El abuelo (1998).
Comenzó como crítico de cine y escritor de relatos, con los que obtuvo el premio Puerta de Oro y el premio a la mejor labor literaria del Círculo de Escritores Cinematográficos. A partir de 1969 comenzó a escribir guiones de cine para directores como Antonio Giménez-Rico, Pedro Olea, León Klimovsky o Eloy de la Iglesia; por esta labor obtendría un Emmy junto a Antonio Mercero por el mediometraje La cabina (1972). En 1977 debutó como director con el largometraje Asignatura pendiente.
Paralelamente a sus trabajos cinematográficos, ha sido director y presentador de programas para televisión como ¡Qué grande es el cine!, Cine en blanco y negro, Querer de cine y Classics y editor de la revista Nickel Odeon, y publicado relatos de ciencia ficción en revistas como Drácula. Como narrador, ensayista y crítico es autor, entre otros, de los libros Bibidibabidibú (1970), Ray Bradbury, humanista del futuro (1971), Morir de cine (1990), Latir de cine (1998), Querer de cine (2003), Football-days (2014), Campo del gas (2016), Películas malas e infravaloradas (2020) y Lo que el viento se llevó. Un recuerdo. Un comentario (2021). Por su labor de escritor ha recibido premios como el Nueva Dimensión, el González-Ruano de Periodismo o el Mariano de Cavia.
En 1992 fue galardonado con el Premio Nacional de Cinematografía, en 1996 con la Medalla de Oro a las Bellas Artes y en 2013 con el Premio Ciudad de Alcalá de las Artes y las Letras, entre muchos otros. Es miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Su última película es El crack Cero (2019).
Agnes (interpretada por la propia Eva Victor), una estudiante de posgrado en una universidad del noreste de los EUA, atraviesa una experiencia traumática que trastorna su vida.
La escena en concreto no se muestra, ocurre fuera de campo, intuida a través de las paredes de una casa mientras el sol cae en un plano fijo y distante. Esa decisión ética y estética habla de la voluntad de Victor de filmar el espacio que los actos dejan tras su paso.
En una inversión radical de la intención espectacular de Gaspar Noé en Irreversible, el filme renuncia a reproducir la violencia y elige filmar sus ecos. No es la única película que lo hace: recientemente pudimos verlo en “Siempre nos quedará mañana” de la directora, guionista y actriz Paola Cortellesi.
Eva Victor dirige, escribe e interpreta un debut genuino que invita a la reparación y la ternura, y que llega a los cines españoles el 27 de febrero. Merece, al igual que la protagonista, una escucha activa, una de esas que acompaña suavemente, de la que tiende la mano.
Sorry, Baby, el largometraje producido por A24 y nominado en Sundance a mejor guion y a los Globos de Oro por mejor actriz principal, el largometraje producido por A24 invita a aferrarse a las bondades, a las más pequeñas, a las recién nacidas y aún por venir.
Pareciera que tras la oleada de cine feminista tras el movimiento #MeToo, de la que pocos filmes sobrevivieron a la denostación del público general o de la instrumentalización comercial baratera del sufrimiento de las víctimas, poco cine ha querido subrayar o poner sobre la mesa lo que Sorry, Baby hace con naturalidad.
En un momento en el que el feminismo es la mayoría de las veces irritante en los foros populares, el debut de Eva Victor viene a alumbrar con un ejercicio sólido sobre una historia escrita, dirigida e interpretada por una mujer queer que no pretende ofrecer respuestas. Más bien alumbramiento natural, lento.
Dos premières españolas, un homenaje a Miyazaki y uno de los grandes éxitos del anime del año se añadirán a la nueva edición del ANIME DAY
Tras la gran acogida que tuvo en 2025, el Festival dedicará de nuevo este año un día entero al cine de animación japonés.
La décima edición del BCN FILM FEST, que tendrá lugar del 16 al 24 de abril de 2026, contará de nuevo con la sección ANIME DAY, con el objetivo de presentar contenidos de anime japonés (estrenos, clásicos, documentales…) en la gran pantalla. Cinco serán las producciones que se presenten, la mayoría provenientes de mangas de éxito, con lo que el Festival sigue apostando por las películas basadas en adaptaciones literarias, uno de los ejes principales del Festival desde su nacimiento.
La sección ANIME DAY, coordinada por CineAsia, que forma parte del equipo del Festival, cuenta con la complicidad y la colaboración especial de MANGA BARCELONA, que nos acompañará el 19 de abril en los Cines Verdi. Las 5 proyecciones del ANIME DAY estarán precedidas de presentaciones y contarán con sorteos y muchas sorpresas.
VALENTINA DE MONTBLANC Director: Àlex Roca Cómic: Míriam Bonastre Tur España, 2026
De nuevo, una première mundial en el Anime Day de la mano de 3CAT y Super3 que nos presentarán la primera serie de estética anime en catalán creada en Catalunya y basada en los cómics de Míriam Bonastre Tur: VALENTINA DE MONTBLANC. Un viaje lleno de aventuras por el corazón de las leyendas catalanas de la mano de la princesa Valentina que recorrerá diferentes lugares del territorio catalán y se encontrará con personajes tan míticos como Patufet o el mismísimo Sant Jordi.
La serie VALENTINA DE MONTBLANC, producida por 3CAT en colaboración con LUEE Animació, consta de seis episodios y está dirigida por Àlex Roca. Los tres primeros episodios se proyectarán en primicia en el marco del ANIME DAY del BCN FILM FEST, presentados y acompañados de un coloquio tras la proyección con la autora del cómic y el director de la serie Àlex Roca.
VALENTINA DE MONTBLANC es un proyecto transmedia que se basa en un cómico inédito de Míriam Bonastre Tur. La versión en papel de este cómic inédito en catalán, en el que se basa la serie de animación, saldrá a la venta el 13 de abril a todas las librerías. El libro será publicado por la editorial Entredos con la participación de 3Cat.
El ANIME DAY del BCN Film Festival contará también con dos estrenos de anime en España, uno de ellos llegado de la Sección Oficial del Festival de Berlín como es A NEW DAWN, y el otro la continuación de una de las sagas más queridas por el fan del manga y del anime como Assassination Classroom: ASSASSINATION CLASSROOM THE MOVIE: OUR TIME, una historia completamente nueva para celebrar el 10º aniversario del anime. El fenómeno de culto CHAINSAW MAN – LA PELÍCULA: EL ARCO DE REZE, estrenada el año pasado, también podrá verse en el Festival, y celebraremos el 25 aniversario de una de las películas más importantes de la animación mundial y del anime en particular: EL VIAJE DE CHIHIRO de Hayao Miyazaki, Oso de Oro en el Festival de Berlín y Oscar a la Mejor Película de Animación.
A NEW DAWN Director: Yoshitoshi Shinomiya Guion: Yoshitoshi Shinomiya Japón, 2026
El debut en la dirección del pintor y animador Yoshitoshi Shinomiya (director artístico de obras tan emblemáticas como “Your Name” o “En este rincón del mundo”), es un desbordante y hermoso ejercicio visual tan hipnotizante como arriesgado. Esta historia de amistad y de resistencia gira en torno a Keitaro, quien se resiste a abandonar la vivienda y fábrica familiar de fuegos artificiales que va a ser demolida. Su hermano y una amiga de la infancia le ayudarán a recrear el mítico fuego artificial Suhari que ideó su padre desaparecido tiempo atrás, antes de ceder el lugar a la nueva constructora. Directamente de la Sección Oficial del Festival de Berlín de este año, A NEW DAWN se presenta oficialmente en España en el ANIME DAY del BCN FILM FEST.
ASSASSINATION CLASSROOM THE MOVIE: OUR TIME Director: Masaki Kitamura Guion: Makoto Uezu Manga: Yusei Matsui Japón, 2026
Con la graduación a la vuelta de la esquina, ya nadie se burla de los alumnos rezagados de la clase 3-E. Cada recuerdo del año que han vivido juntos va llenando poco a poco el viejo edificio del aula: arte corporal, natación, actividades extracurriculares que aprovechan sus habilidades de asesinato, romances de San Valentín y la misteriosa vida privada del profesor fuera del horario escolar. Al mirar atrás, los alumnos comprenden cuánto han cambiado durante su paso por esta peculiar “Clase de Asesinato”. Pero, ¿qué será lo que Koro-sensei tendrá preparado para ellos en el poco tiempo que les queda juntos? Una nueva entrega el maestro más marciano en el ANIME DAY para celebrar el 10º aniversario de la serie de anime.
CHAINSAW MAN – LA PELÍCULA: EL ARCO DE REZE Director: Tatsuya Yoshihara Guion: Hiroshi Seko Manga: Tatsuki Fujimoto Japón, 2025
En 2022, el fenómeno de Chainsaw Man pasó de ser uno de los mangas más vendidos de todos los tiempos (más de 31 millones de copias) a convertirse en una de las series de anime más importantes del año. Rescatamos para el ANIME DAY uno de los éxitos del anime del pasado año, una historia épica en la que Denji y el resto de Devil Hunters de la División de Seguridad Pública se preparan para una nueva aventura. En CHAINSAW MAN – LA PELÍCULA: EL ARCO DE REZE, que retoma la historia justo donde acaba la serie, en medio de una brutal guerra entre demonios, cazadores y enemigos ocultos, una misteriosa chica llamada Reze irrumpe en el mundo de Denji que se enfrenta a su batalla más mortífera, impulsado por el amor, en un mundo donde la supervivencia no conoce reglas.
EL VIAJE DE CHIHIRO Director: Hayao Miyazaki Guion: Hayao Miyazaki Japón, 2001
La película que supuso un reconocimiento y posicionamiento internacional, no solo en particular para el anime japonés, sino en general para la industria de la animación, EL VIAJE DE CHIHIRO, está de celebración. La historia de maduración y crecimiento de la adolescente Chihiro, que debe transitar por un mundo fantástico para devolver a sus padres, convertidos en cerdos, su forma humana, significó un antes y un después para Studio Ghibli, consiguiendo el Oso de Oro en el Festival de Berlín y el Oscar a la Mejor Película de Animación. Celebraremos en el ANIME DAY su 25 aniversario.
Greenland 2: Migration (titulada Greenland 2 en España).
Después de sobrevivir al fin del mundo por la caída de un cometa, Jeff Garrity, junto con su mujer Allison y su hijo Nathan, deciden abandonar el búnker que les ha mantenido a salvo cinco años para buscar una zona en Europa que podría ser habitable. Así, el último refugio es el principio de un nuevo comienzo. Juntos emprenderán un viaje donde los desastres naturales y los humanos que sobrevivieron han convertido el mundo en un auténtico infierno.
En la primera película vemos cómo Garrity (Gerard Butler), ingeniero de estructuras con una importante trayectoria profesional es seleccionado junto a su mujer Allison (Morena Baccarin) y su hijo Nathan (Roger Dale Floyd) para ocupar un búnker que les proteja del impacto inminente del cometa Clarke sobre la Tierra. Juntos son capaces de superar un sinfín de obstáculos hasta llegar al búnker que, está en Groenlandia.
La película de la que estamos hablando ahora comienza cinco años después de la llegada al búnker. En él hacen ejercicio, se imparten clases y hay reuniones de alto nivel para decidir qué hacer (todos los seleccionados lo han sido por sus aptitudes esenciales). La única solución parece que es “migrar” (el subtítulo de la película es “migración”) al cráter donde cayó el fragmento más grande del cometa. Ese lugar no sólo está libre de radiación, sino que, al parecer, es edénico.
Un terremoto que daña gravemente el refugio hace que la migración sea obligada. Desde este momento hasta el final, John Garrity acaudillará a su familia y a alguna invitada especial hasta el cráter prometido como si su misión fuera una actualización de la de Noé y Moisés al mismo tiempo.
Película que cada cual interpretará según sean sus creencias, o no, religiosas.
En su reparto: Amber Rose Revah, Morena Baccarin, Gerard Butler, Nathan Wiley, William Abadie, Tommie Earl Jenkins.
El Teatro Principal celebra «30 años juntos en la jota» de los cantadores Nacho del Río y Beatriz Bernad
Ambos forman una pareja artística con una larga trayectoria que los ha convertido en uno de los dúos más representativos de la historia del folclore aragonés.
Una de las más parejas con una trayectoria más reconocida en el mundo de la jota, la formada por Nacho del Río y Beatriz Bernad, ofrecerá dos tardes en el Teatro Principal de Zaragoza, el 20 y 21 de marzo a las 20:00 horas, con su espectáculo «30 años juntos en la jota».
El montaje conmemora tres décadas de trayectoria artística compartida por ambos intérpretes, que comenzaron su camino conjunto bajo la guía del maestro Jesús Gracia y desde entonces han desarrollado una carrera marcada por la renovación de la jota aragonesa, combinando respeto por la tradición con nuevas propuestas escénicas y musicales.
A lo largo de estos años, Nacho del Río y Beatriz Bernad han participado en numerosos proyectos vinculados a la difusión y evolución de la jota, tanto en producciones escénicas como en trabajos discográficos y colaboraciones con destacados músicos y creadores. Entre sus propuestas más recientes figuran espectáculos como Mi corazón dice o La jota fue lo primero, que han contribuido a acercar este género a nuevos públicos.
El espectáculo en el Teatro Principal será una gala conmemorativa que recorrerá algunas de las tonadas y piezas más representativas interpretadas por ambos artistas durante estas tres décadas de colaboración. La velada contará con la participación de músicos y bailadores que han acompañado a los joteros a lo largo de su carrera y que han crecido escuchando su música.
La propuesta escénica está dirigida por Marian Pueo, con Sergio Aso al frente de la dirección musical y coreografía de Pablo P. Alonso e Ingrid Magrinyà, en una producción ejecutiva de Toño Monzón.
Con una duración aproximada de 90 minutos, este concierto está recomendado para todos los públicos y se presenta como un homenaje a la trayectoria artística de dos referentes de la jota y, al mismo tiempo, como una celebración de uno de los géneros más representativos de la cultura aragonesa.
En el Iraq de Sadam Husein, donde la vida cotidiana está marcada por la escasez y el miedo, Lamia, una niña de nueve años, se enfrenta a una tarea imposible: conseguir los ingredientes para una tarta de cumpleaños obligatoria en honor al dictador.
Bajo las duras sanciones internacionales y la vigilancia constante del régimen, Lamia recorre una ciudad desolada, usando su ingenio y valentía para cumplir con el mandato. Cada paso la acerca al riesgo de ser castigada con prisión o incluso la muerte. El itinerario, compartido con un inseparable amigo, se convierte en un perfil asfixiante de la vida bajo un poder que invade lo cotidiano y lo íntimo.
El iraquí Hasan Hadi debuta con una película de gran hondura, a pesar de su apariencia mínima. Hadi, que creció en Irak en los noventa, construye el relato desde la memoria y lo sostiene con una puesta en escena muy plástica, donde la luz y los encuadres contrastan con la violencia soterrada del contexto.
Los jóvenes intérpretes, naturalísimos, combinan fragilidad y determinación sin recurrir al sentimentalismo. La película sugiere, de un modo sobrio, cómo la tiranía erosiona la verdad y deforma las relaciones humanas. En ese paisaje opresivo, la imaginación de los niños y su amistad abren resquicios de esperanza y otorgan a la historia una resonancia universal.
Biopic del emblemático escritor checo del siglo XX Franz Kafka. Concebida como un mosaico caleidoscópico, la película sigue la huella que Kafka dejó en el mundo desde su nacimiento en la Praga del siglo XIX hasta su muerte en la Viena posterior a la I Guerra Mundial.
Al lector medio que no conoce a Kafka probablemente le suene La metamorfosis, pero el hombre en sí sigue siendo un misterio. Afortunadamente, no necesitamos saber nada de antemano, ni tampoco si realmente era así. En su lugar, tenemos la magnífica interpretación del actor alemán de 28 años Idan Weiss, que encarna a Franz como un hombre angustiado, combinando tics nerviosos y estallidos de risa inquietantes para crear una imagen cautivadora del personaje.
A pesar de ser admirado por los demás, es sin duda el que desentona entre su hermana Ottla (Katharina Stark), su antigua prometida Felice (Carol Schuler) y su amigo y futuro editor Max Brod (Sebastian Schwarz). Todos ellos se dirigen a la cámara en algún momento para narrar la historia del autor, con lo que la directora, A. Holland nos recuerda que esta es una versión de Franz contada por otras personas.
La película nos muestra la vida adulta de Franz, relatada a través de una serie de momentos memorables que nos permiten comprender rápidamente quién es. Exige con arrogancia que un hombre sin hogar le devuelva el cambio después de darle una moneda, estalla en una risa incontrolable al ver algo absurdo que nadie más podría percibir y esboza una sonrisa forzada ante las muecas de la élite de Praga durante su lectura en vivo de una escena brutal en la colonia penitenciaria.
El resto de la película está hilvanada a través de una serie de decisiones cinematográficas experimentales, como los personajes secundarios que rompen la cuarta pared, algunos zooms repentinos intercalados y ciertos collages visuales.
Una madre soltera y sus dos hijas regresan a Taipei tras varios años viviendo en el campo para abrir un puesto en un bullicioso mercado nocturno. Cada una a su manera, tendrán que adaptarse a este nuevo entorno para llegar a fin de mes y conseguir mantener la unidad familiar. Tres generaciones de secretos familiares empiezan a desvelarse después de que su abuelo tradicional le diga a la hija menor, que es zurda, que nunca use su «mano del diablo».
El punto de partida narrativo de ‘La chica zurda’ se apoya en un estigma tan antiguo como persistente: el de la mano izquierda. Durante décadas escribir con la “siniestra” era corregido, reprimido o directamente castigado en colegios y entornos religiosos. Ese tipo de mensajes, recibidos a edades tempranas, pueden derivar en confusiones aparentemente inocuas o anecdóticas o en traumas silenciosos si no se gestionan con cuidado. Tsou convierte ese estigma en una poderosa metáfora narrativa.
El guion utiliza la zurdera como excusa, subterfugio y coartada moral. La película habla de una niña, sí, pero también y, sobre todo, de adultos que se refugian en condicionantes externos para no asumir responsabilidades. La mano izquierda funciona aquí como símbolo de todo aquello a lo que nos aferramos para justificar errores, deslices o decisiones que preferimos no mirar de frente.
En ese sentido, ‘La chica zurda’ es una película incómoda, porque nos obliga a reconocernos en comportamientos que solemos proyectar en otros.
Rodada íntegramente con un iPhone, la película dialoga de forma directa con ‘Tangerine’, el título con el que Baker demostró en 2015 que el cine independiente podía abrazar tecnologías domésticas sin renunciar a una identidad visual fuerte.
En ‘La chica zurda’, esa elección técnica no es un gesto fetichista, sino una decisión coherente con la historia. La imagen presenta un marcado efecto lomo, colores muy saturados y un contraste agresivo que empuja los negros incluso cuando las luces queman partes del encuadre.
La cámara (y la niña) se mueve por mercados nocturnos, calles concurridas y espacios domésticos de Taipei con una naturalidad casi documental. Las costumbres orientales y la cotidianidad local están muy presentes, pero Tsou evita el exotismo.
Lo verdaderamente universal emerge en las fricciones generacionales, en la forma en que adultos y niños negocian expectativas, mentiras piadosas y pequeñas traiciones diarias. El contexto es específico, pero el conflicto es reconocible en cualquier cultura, país o familia incluso en el occidente actual.
El máximo galardón que anualmente entrega la Academia del Cine y el Audiovisual Aragonés (ACA) para reconocer la trayectoria profesional de un representante destacado de Aragón, el Simón de Honor, ha recaído en Leonor Bruna, que lo recogerá en la gala de estos reconocimientos y que se celebrará en el Teatro Principal de Zaragoza el próximo 5 de mayo.
Esta mañana, la consejera de Cultura, Educación y Turismo del Ayuntamiento de Zaragoza, Sara Fernández, y la presidenta de ACA, María José Moreno, han desvelado el destino de este premio honorífico dentro de la decimoquinta edición de los Premios Simón, junto con Pedro Olloqui, director general de Cultura del Gobierno de Aragón. Leonor Bruna es zaragozana, actriz, directora y guionista, además de fundadora y directora de la escuela de cine «Un perro andaluz».
Antes de dedicarse al cine ejerció como arqueóloga trabajando en el yacimiento de Bílbilis (Calatayud), profesión que describe como «de rebeldes, aquellos que remueven piedras hasta encontrar su interpretación». Su vocación por la interpretación la llevó a Madrid, donde estudió con José Carlos Plaza en el Laboratorio William Layton, y posteriormente a Suiza y Alemania, donde trabajó más de diez años en teatro, cine y televisión, destacando que Berlín fue «la ciudad donde más creativa he estado en mi vida».
Durante ese periodo también se formó como guionista y escribió sus primeros textos, y fue allí donde nació su hijo. Tras su regreso a Zaragoza, Leonor combinó su experiencia artística con la creación de un proyecto propio: «Un Perro Andaluz», un homenaje a Buñuel que alberga una escuela de cine para adolescentes y jóvenes, promoviendo la educación cinematográfica como herramienta de desarrollo crítico, creativo y cultural.
La consejera Sara Fernández ha elogiado «el poso de su trayectoria y el valor de ponerla al servicio de la base, de los jóvenes con ganas de ver colmada su vocación por el cine en edades temprana y, a la vez, enriquecer la cultura audiovisual de Zaragoza con un trabajo único en la ciudad. Es un privilegio contar con su experiencia internacional y que la desarrolle en su casa, porque la construcción de Zaragoza como Ciudad de Cine también se edifica con quienes son el futuro del sector y que deberán guiarlo en las próximas décadas».
Durante la presentación, María José Moreno ha subrayado que «educar sobre el cine significa formar ciudadanos más críticos, sensibles y creativos. En una sociedad dominada por imágenes y medios digitales, comprender el lenguaje cinematográfico ya no es opcional, sino una necesidad cultural y educativa. Este es el patrimonio que Leonor está creando para esta ciudad».
Un escurridizo ladrón planea su mayor atraco, con la esperanza de que sea el último, cuando se ve obligado a colaborar con una ejecutiva de seguros desilusionada y a enfrentarse a un rival con métodos más peligrosos. A medida que se acerca el golpe multimillonario, un teniente implacable estrecha el cerco, aumentando el riesgo y difuminando la línea entre cazador y presa. Cada uno deberá asumir las consecuencias de sus decisiones, conscientes de que no hay vuelta atrás, mientras la tensión y la traición amenazan con destruir sus planes y su libertad.
Davis es un hombre muy bueno en una cosa: robar. Es meticuloso, silencioso, elegante, no quiere heridos ni muertos y siempre va preparado. Davis, aunque lleva muchos atracos a sus espaldas, también es consciente de lo que conlleva su profesión: peligro. Y eso conduce a que tenga miedo y ansiedad. Su objetivo es recaudar una cantidad determinada de dinero y retirarse. Está a punto de hacerlo, pero su último golpe no va a ser fácil. Davis es el protagonista de Ruta de escape, un ‘thriller’ de cine negro que prioriza el realismo y el desarrollo de los personajes por encima del espectáculo.
El filme, dirigido por Bart Layton, sigue a Davis, un ladrón que se ha convertido en un quebradero de cabeza para la policía. Lleva acumulados muchos robos a sus espaldas, pero su modo de operar hace que sea imposible rastrearla. El último, sin embargo, no ha ido como esperaba y un detective ha dado con una pista que podría conducir hasta su paradero.
Así comienza una persecución entre ladrón y policía en la que una serie de personajes se cruzarán en su camino y lo pondrán todo mucho más difícil: otro ladrón rival más descuidado y violento, una desilusionada ejecutiva y una mujer con la que Davis vislumbra un posible futuro.
Se trata de una película entretenida, sin más aspiraciones.
CINET-FARÖ 