RdP HOMENAJE A STREHLER en el TEATRE AKADÈMIA, por CineT Farö

“Sé y no sé por qué hago teatro, pero sé que tengo que hacerlo, que debo y quiero hacerlo haciendo entrar al teatro todo mi yo, hombre político y no político, civil y no civil, ideólogo, poeta, músico, actor, payaso, amante, crítico; en resumen, todo lo que soy y que pienso que soy y todo lo que pienso y creo que es vida. Sé poco pero lo que sé lo digo”.

Giorgio Strehler.

Del 14 al 30 de diciembre, Marisa Paredes, Mario Gas, Carme Elias, Carlota Olcina y Pol López serán la voz que homenajeará al maestro italiano Giorgio Strehler, dirigidos por Guido Torlonia

Del 14 al 30 de diciembre el Teatre Akadèmia de Barcelona presenta Caro maestro! Recordando Strehler, una producción propia que tiene como objetivo acercar la cultura, el arte y la historia escénica italiana a un público ecléctico que descubrirá la vida y la obra de uno de los directores de más referencia del panorama europeo, Giorgio Strehler .

Caro Giorgio, en su versión original, fue presentado en la sede del histórico Piccolo Teatro de Milán (hoy Teatro Paolo Grassi) durante el 2007. Con motivo de los 20 años de su muerte, este diciembre el Teatre Akadèmia ha hecho una nueva versión ideada por Ludovica Damiani y Guido Torlonia que reúne grandes figuras de la escena catalana y española: Carme Elias y Mario Gas, la primera semana, Marisa Paredes y Mario Gas, la segunda, y  Carlota Olcina y Pol López, la tercera .

La obra

Caro maestro! Recordando Strehler pretende evocar las vivencias y experiencias del artista a través de la voz privilegiada de cinco actrices y actores de referencia. Una lectura dramatizada que honrará la figura de Giorgio Strehler a través de sus recuerdos, entrevistas, cartas, escritos y notas de dirección.

Mientras los intérpretes recitan, se proyectarán también imágenes de los espectáculos de Il Maestro, sus ensayos con actores y el testimonio de amigos y artistas que tuvieron la oportunidad de conocerlo y poder trabajar con él. Entre estos, las actrices Andrea Jonasson y Giulia Lazzarini, los actores Corrado Pani y Ferruccio Soleri, que llevó a escena el mítico Arlequín acróbata de Strehler, el director de orquesta Riccardo Muti o la famosa cantante Milva, La Rubia.

20 años sin Il Maestro

Strehler supuso una revolución en el teatro italiano y creó una gran escuela dramática que traspasó fronteras. Maestros de muchos, entre otros, de Lluís Pasqual, en 1947 cofundó el primer teatro estable de Italia, el Piccolo Teatro, donde dirigió obras de teatro clásicas reconvertidas y un teatro popular y ideológicamente opuesto al movimiento fascista.

Este 25 de diciembre hará veinte años que murió Strehler y el Teatro Akademia y su director artístico le quieren rendir este especial homenaje. Según Guido Torlonia“Caro Maestro! Nace precisamente de la necesidad de explicar la vida y el trabajo de un gran director, que dedicó su vida al teatro con pasión”.

COLOQUIO con lo público: Miércoles, 20 de diciembre.

Encuentro homenaje con motivo del 20 aniversario de la muerte de Giorgio Strehler. Con el equipo artístico del espectáculo y la participación especial de Lluís Pasqual, director del Teatro Lliure.

Espectáculo en catalán / castellano (según función): 
– Del 14 al 17/12: con Carme Elias y Mario Gas (catalán)
– Del 20 al 23/12: con Marisa Paredes y Mario Gas (castellano)
– Del 27 al 30/12: con Carlota Olcina y Pol López (catalán)

HORARIOS Y ENTRADAS:

Del 14 al 30 de diciembre de 2017 
De miércoles a sábado: 20: 30h
Domingo: 18h

No habrá función: 24/12 y 31/12

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NOTA: Las fotografías oficiales de “Caro maestro¡ Recordando a Strehler”, son autoría de David Ruano y propiedad del Teatre Akàdemia.

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TUDOR vs ESTUARDO (Dramaturgia: María Ruíz), por Yolanda Aguas

La trágica historia de María Estuardo ha dado tema a varias obras dramáticas, no siempre fieles a la verdad histórica, que han sido olvidadas. Es obligado recordar la ópera compuesta por Gaetano Donizetti con libreto escrito por Bardari.  Mención aparte, merece la versión cinematográfica dirigida por Charles Jarrott, “María, Reina de Escocia”, protagonizada por Vanessa Redgrave como María Estuardo y Glenda Jackson como Isabel Tudor.

Johann Cristoph Friedrich Von Schiller vivió en Weimar una etapa muy importante de su vida. Allí disfrutó de la amistad con Goethe, diez años mayor que él.  Allí escribió sus dramas más importantes, como María Estuardo, La doncella de Orleáns, La novia de Mesina y Guillermo Tell

Una amistad vital en la vida de ambos creadores alemanes. Fue una conjunción no exenta de dificultades, pero el estímulo mutuo y su complicidad superaron todas las adversidades. Schiller era un exponente del drama romántico europeo con su exaltación de lo heroico y lo mítico.  En Goethe pesaba más el pensamiento y el orden.  A propósito de sus dramas históricos, Schiller escribió a Goethe a mediados de 1879: “Yo creo que no hay que pedir a la historia más que las relaciones generales del tiempo y la situación de los personajes, y abandonar todo lo demás a la libertad de la invención poética. Resultaría así una especie de género intermedio que resumiera las ventajas del drama histórico y las del drama que es pura invención”.

En María Estuardo, Schiller llevó a la escena los últimos días de vida de la infortunada reina de Escocia; la acción la sitúa precisamente los días 6, 7 y 8 de febrero del año de 1587.

María Estuardo nació en Linlithgow, Escocia, el año de 1542 y murió en el año indicado antes. Sucesora de su padre, Jacobo V. Al morir prematuramente su esposo, Francisco II de Francia, en 1560, regresó a su país, perturbado por las predicaciones calvinistas de su primo Juan Knox. Casó con su primo, Enrique Estuardo, hombre vicioso y malvado, y al morir éste, con el conde Bothwell, a quien la opinión pública acusaba de haber asesinado al primero. Estos sucesos obligaron a la reina de abdicar en su hijo, Jacobo VI, y a refugiarse en Inglaterra, donde Isabel I la tuvo prisionera durante diecinueve años, y al cabo, la mandó ejecutar, después de un turbio proceso, cruel e injusto, alentado por intereses políticos y religiosos.

Schiller aseguró en su tiempo a Goethe que había suprimido en su obra todo lo que el proceso tuvo de política. Habló en su obra del conflicto entre dos reinas rivales, María e Isabel, pero era en realidad el conflicto entre dos religiones y dos concepciones, la protestante y la católica.  Ambas mujeres son culpables, pero María confiesa sus culpas, mientras Isabel las oculta bajo su impasible máscara puritana. La muerte de María es una apoteosis, la victoria de Isabel es una derrota moral.

La María Estuardo de Schiller, que ahora llega al Teatro Principal de Zaragoza con la dramaturgia de María Díaz y dirección de María José Moreno, tiene cosas interesantes pero no logra cautivar.

Hay un importante esfuerzo en las actrices Rosa Lasierra e Irene Alquézar (sus textos son exigentes). No lo veo tanto en el actor, David Ardid, al que en más de una ocasión no logré entender por su dicción.  El montaje abusa en exceso de los efectos especiales (demasiado humo), la música muy alta, especialmente al inicio de la representación.

María José Moreno, veterana actriz y directora aragonesa, sabrá corregir para próximas funciones estos desajustes.  Toda obra requiere un recorrido, necesita crecer…  Talento hay y voluntad seguro que no faltará.  Como dijo la propia María Estuardo, antes de ir al cadalso: “En mi fin está mi principio”, recordando un antiguo lema familiar.

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NOTA: 

Las fotografías oficiales de “Tudor vs Estuardo” son propiedad de Factory  Producciones.

Las dos fotografías del equipo artístico saludando al final de la representación, son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

RdP “TUDOR vs. ESTUARDO: una pesadilla de Schiller”, por Yolanda Aguas

De la mano de María José Moreno, actriz y directora, se estrenará el próximo viernes 8 de diciembre la obra “Tudor vs. Estuardo” con dramaturgia de María Ruiz.

María José Moreno, explicó que se trata de una versión de la dramaturga y directora de teatro española María Ruiz, de la que sólo se han extraído a las dos reinas para centrarse en el texto de Friedrich Schiller, interpretado por el actor Daniel Ardid. La obra se centra en el momento en el que el autor está escribiendo para presentar a los personajes que recreará en su obra, cuando éstos aparecen en forma de fantasma obligando al autor a formar parte de la historia.

El propio Schiller, va escribiendo casi al dictado, a veces se sorprende, otras hace amagos de que maneja la situación y al final acaba aceptando los papeles designados por sus fantasmas. El texto de la obra resulta actual, y según ha manifestado la directora “está centrado en el poder pero la lucha por el poder no ha cambiado en todo este tiempo”.

Rosa Lasierra (María Estuardo), una de las actrices que ha acompañado a la directora en la presentación de la obra ha comentado que los personajes que componen la obra están llenos de matices ofreciendo a los actores enriquecerse en cada ensayo.  Irene Alquézar (que no pudo asistir a la rueda de prensa por compromisos previos), interpretará a Isabel Tudor. David Ardid ha añadido que “la obra es una inmersión en el mundo femenino fuera del ámbito doméstico, lo que la convierte en una rara avis en la dramaturgia“.

María Estuardo de Schiller narra el enfrentamiento entre dos mujeres poderosas: María Estuardo, católica y Reina de Escocia e Isabel Tudor, anglicana y Reina de Inglaterra. El conflicto se desata cuando María, legítima heredera, reclama el derecho al trono de Inglaterra ocupado por su prima Isabel, declarada bastarda. Isabel la acusa de conspirar contra la corona y la mantiene cautiva, durante diecinueve años. El juicio a la Reina de Escocia y su condena a muerte, pone al descubierto todas sus rivalidades femeninas, políticas y religiosas, desnudando las intrigas, la ambición y las miserias del poder en un feroz y apasionado combate.
El vestuario de las dos reinas María de Escocia e Isabel de Inglaterra, confeccionado por Tachun Trallero, se presenta como un punto clave junto con las luces.

El vestuario tiene un papel importante, puesto que las protagonistas “emplean ropa de reina, pero salida de la tumba”, explicó la directora, María José Moreno. También ha destacado la importancia de las luces, que crean espacios extraños e interesantes.

La obra estará en el Teatro Principal de Zaragoza los días 8, 9 y 10 de diciembre.

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NOTA:  Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

SUEÑO (Aut.-Dir. Andrés Lima), por Yolanda Aguas

El último montaje de Andrés Lima tiene una atmósfera teatral singular. Es, además, valiente y arriesgado.

El teatro está simbolizado por dos máscaras: tragedia y comedia. “Sueño” muestra las dos en un baile de contrastes que no es otra cosa que la vida dirigiéndose hacia la muerte.

El director cuenta para su propuesta teatral con cinco magníficos actores: Chema Adeva, Laura Galán, Nathalie Poza, Ainhoa Santamaría y María Vázquez que dan vida a unos seres humanos que transitan entre lo onírico y la realidad. Es un espectáculo transgénero (las actrices interpretan personajes que son hombres, sin caracterización alguna), y todo resulta tan natural y hermoso que explicarlo aquí es una mera anécdota.

Sueño es la historia de un hombre que, conforme se acerca a la muerte, va teniendo más y más deseos de vivir y de amar.  Bebe para recordar su pasado, para recuperar los amores perdidos, para soñar con lo que ya no podrá disfrutar.  Su interlocutora es la loca (maravillosa Laura Galán) que le escucha y le lee.

El propio director, en el dossier de prensa de la obra, reflexiona: ¿Por qué decimos te necesito? ¿Cuál fue tu primer amor? ¿Qué te vuelve loco: un amor no correspondido o una vida no vivida? ¿Por qué nos intranquilizan los locos? ¿Y los simples? ¿Qué hay después de la muerte? ¿Y antes? Quiere esta comedia mirar el placer y el dolor y darle sentido a este baño de sensaciones que puede ser el amor a la vida.

No es la primera vez que Lima se aproxima a la obra del genial Shakespeare, ya lo hizo con Falstaff, Macbeth y Tito Andrónico.  “Sueño de una noche de verano” es su último acercamiento, como una catarsis ante la triste experiencia de perder a su propio padre.

Faustino (Chema Adeva, que firma una interpretación antológica) es el padre que va a morir y sólo anhela pasar sus últimos días disfrutando de un buen vino, cigarrillos y mujeres. En su agonía, la compañía de la dulce loca hará que su muerte sea menos angustiosa.

En la función hay momentos memorables, como el paseo felliniano por Gijón o el adorno de las luces de colores final (Titania, la Reina de las Hadas) con una adorable Laura Galán que nos robó el corazón a todos con su interpretación.

Ainhoa Santamaría (La madre / Demetrio) y María Vázquez (La hermana / Pili), y también médico, enfermera, yonqui, viejas…  Las dos están pletóricas de talento en el escenario.

Nathalie Poza, una de las actrices más completas y fascinantes de nuestro país, es Andrés, el hijo de Faustino, que no juzga a su padre (¡qué difícil no hacerlo¡), y que procura salvarle. También es Helena, que, en el juego onírico interpreta Wuthering Heights  de Kate Bush. No tiene límites esta inmensa actriz, que ya nos deslumbró con su trabajo en “Desde Berlín” (montaje histórico de Andrés Lima).

Hay numerosas referencias cinematográficas en la dramaturgia de Lima para “Sueño”. Las evidentes: “Los puentes de Madison” y “Sólo ante el peligro”.   Otra, quizá más personal para mí, ya que al escribir este artículo no puedo olvidar el rostro de Nathalie en la muerte del padre… sus lágrimas, su tristeza serena… bellísima, como el rostro de Giulletta Masina en el plano final de “Las noches de Cabiria” acompañado por la mágica música de Nino Rota.

¡Qué gran trabajo de todos¡

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NOTAS:

Las fotografías oficiales de “Sueño” son propiedad de Teatro de la Ciudad.

Las fotografías de los actores durante su presencia en el Teatro Principal de Zaragoza, son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

III ed. Premios FUNDACIÓN JOSÉ A. LABORDETA, por Yolanda Aguas

El legado artístico y humano de nuestro querido e inolvidable José Antonio Labordeta permanece en la memoria de todos ¡y de qué manera¡

En una emotiva ceremonia de entrega de premios, III edición, organizada por la Fundación Labordeta, al frente de la cual está su esposa Doña Juana de Grandes, se volvió a demostrar que su presencia sigue viva y con gran fuerza en el corazón de las personas a quienes él conmovió con su trabajo y su amistad.

Víctor Ullate, Ignacio Martínez de Pisón, Kase.O, Luisa Gavasa, Miguel Mena y la Coordinadora de Organizaciones Feministas de Zaragoza fueron las personalidades merecedoras de los III Premios José Antonio Labordeta.

La ceremonia fue presentada por la periodista Pepa Fernández, que recibió el premio José Antonio Labordeta de Comunicación en 2015.  El dibujante Luis Grañena realizó un dibujo-caricatura para la presentación de cada uno de los galardonados. La música en directo corrió a cargo del dúo Vegetal Jam (Miguel Guallar y David Aznar) y la cantante Ana Rossi, con temas de Labordeta, como el tema “¿Quién te cerrará los ojos?” (uno de los más hermosos compuestos por el cantautor aragonés).

A los premiados se les entregó un busto de José Antonio Labordeta, realizado en acero corten e inspirado en las esculturas de Pablo GargalloLos  Premios, de ámbito nacional, que reconocen y distinguen  a personas, organizaciones e instituciones que han destacado por su labor profesional, por su trabajo, esfuerzo y perseverancia en cada uno de sus ámbitos.

El bailarín y coreógrafo Víctor Ullate, creador y director de la compañía que lleva su nombre, maestro de diversas generaciones de bailarines que actúan por todo el mundo, recibió el premio a Toda una Carrera. 

El Premio Aragón se entregó al músico Kase.O, un icono del rap, por su importante labor musical y su humanidad vertidas en unos versos hechos canción.

El premio de Comunicación lo recibió el periodista y escritor Miguel Mena, locutor durante treinta años de Radio Zaragoza (Cadena SER) en diferentes programas, desde los cuales siempre ha apostado por los temas culturales y se ha hecho eco de todos los problemas y proyectos que conciernen a esta Comunidad.

El premio a los Valores humanos lo recibió la Coordinadora de Organizaciones Feministas de Zaragoza, que agrupa a 19 asociaciones de mujeres y que desde 1982 lucha por la igualdad, contra la opresión patriarcal y la erradicación de la violencia machista. Josefina Musulén, portavoz de la Coordinadora de Asociaciones Feministas fue quien recibió el premio en nombre de todas las mujeres la componen.

La actriz Luisa Gavasa recibió el premio de las Artes. Reciente premio Goya a la mejor actriz de reparto por “La novia” y con una intensa carrera teatral, cinematográfica y televisiva, recogió el premio visiblemente emocionada y rememoró la relación de la familia Labordeta con la suya, resaltando de Labordeta: “lo he visto luchar, pelear por sus ideas, lo he escuchado, he cantado sus canciones”. En su discurso de agradecimiento expresó: “siento por él una admiración absoluta, de siempre y para siempre”.

Todos y cada uno de los premiados, coincidieron al recordar a José Antonio Labordeta, polifacético artista y político aragonés, como un hombre “libre, recto, bueno y generoso”.

Víctor Ullate, aragonés universal, añadió que este premio era muy importante para él: “José Antonio era admirable, valiente, artista, lo tenía todo y que en su Fundación hayan pensado en mí es un lujo y un elogio muy grande; me halaga muchísimo que en mi tierra me valoren”.

La portavoz de la Coordinadora de Organizaciones Feministas de Zaragoza, Josefina Musulén, dijo que es “un honor impresionante” que se reconozca con el premio ‘Valores Humanos’ el trabajo de las mujeres que conforman estas organizaciones desde 1982: “Nos une el feminismo y acabar con la sociedad patriarcal, con la justicia patriarcal, con la violencia machista, los techos de cristal, las brechas salariales, ese es nuestro campo de batalla cada día para alcanzar una igualdad real”.

Por último, el periodista Miguel Mena (Madrid, 1959), locutor de Cadena SER en Aragón desde 1983, sostuvo que es “muy emotivo” recoger este premio de ‘Comunicación’. Tuvo “la suerte de conocer a José Antonio”, quien le pidió que presentara un acto solidario en el Principal en los años 90 y al que también contempló en sus trabajos literarios.

Subrayó que “Labordeta ha sido la persona que a su fallecimiento ha desatado una ola de mayor cariño en España en los últimos 50 años, no ha habido un caso como el suyo en toda España, era una persona muy querida y está muy presente en la vida de las personas”.

FUNDACIÓN JOSÉ ANTONIO LABORDETA

José Antonio Labordeta falleció en septiembre del 2010 y dejó una perdurable huella en muchos campos, desde la canción a la política, pasando por la literatura y la enseñanza. La fundación que lleva su nombre se encuentra ubicada en la calle Mariano Barbasán, en Zaragoza, un espacio expositivo permanente en el que se muestran todas las vertientes de un hombre polifacético que se caracterizó por su militante amor a Aragón.

Doña Juana de Grandes, viuda de José Antonio Labordeta, reconoció que se sintió “sobrepasada” cuando, a la muerte de su esposo, miles de personas desfilaron ante su féretro en el Palacio de La Aljafería. “Fue un momento decisivo para mí y vi que había que devolver a la gente el cariño que nos había dado”.

Un cariño que crece día a día, como comprobamos ayer en la preciosa y emotiva velada en el Teatro Principal de Zaragoza, y que tantas veces le acogió con sus canciones.

Tal vez se sorprendan a leer este artículo en una web dedicada al cine y al teatro.  En la familia Labordeta también son cineastas…  Además, su nieta, interpretó a “la novia” de joven en “La novia” de Paula Ortiz.  Pero, aunque ésto no fuera así, José Antonio Labordeta y su legado no necesitan justificación alguna para merecer nuestra atención porque ¡no le olvidaremos nunca¡

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NOTA:  Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

 

JOSEP MARIA FLOTATS, Premio Honorífico Anna Lizaran (XXIII Premios Butaca), por CineT Farö

Los Premios Butaca de Teatro de Cataluña concederán en esta edición el Premio Butaca Honorífico Anna Lizaran al actor y director Josep Maria Flotats, en reconocimiento a su trayectoria, llevando el talento catalán en el mundo y por su aportación y experiencia en la construcción de una estructura de teatro público.

La carrera de Josep Maria Flotats, que arranca a la Asociación Dramática de Barcelona, ha estado marcada por su educación francesa y por su formación en la Escuela Supérieure de Arte Dramatique de Strasbourg, el actual Teatro Nacional de Strasbourg, que le abrió las puertas de diferentes compañías hasta que en 1981 fue contratado por la Comédie-Française, de la que fue director y con la que llevó a Barcelona, dos años después, ‘Don Juan’ de Molière, representada en el Gran Teatro del Liceo.

Una vez terminada su etapa con la Comédie-Française, Josep Maria Flotats vuelve a Barcelona donde crea la Compañía Flotats, la compañía estable del Teatro Poliorama durante los diez años en que fue el Centro Dramático de la Generalitat de Cataluña y donde se interpretan montajes como ‘Cyrano de Bergerac’.

Su experiencia europea se traduce con la incorporación al teatro catalán de un estilo muy personal, preciosista y preciso, y con un trabajo de actores riguroso. Flotats ha sido el fundador y primer director del Teatro Nacional de Cataluña y su compañía, que se presenta el 12 de noviembre de 1996 en la sala Talleres con ‘Ángeles en América’ de Tony Kushner. El teatro se inaugura oficialmente el 11 de septiembre de 1997 con ‘La Gaviota’ de Chéjov. En 1998, Flotats se instala en Madrid donde funda su propia compañía con la que estrena ‘Arte’ en el Teatro Marquina.

Josep Maria Flotats ha mostrado su talento y excelencia como actor, director, adaptador, traductor, creador, productor teatral y, también, como gestor cultural en todo el mundo. Hay que recordar que Josep Maria Flotats ha difundido la cultura en lengua catalana con las producciones en catalán ‘Un réquiem a Salvador Espriu’ en París y ‘Ahora que los almendros ya están batidos’ en Madrid y en Frankfurt.

El Premio Honorífico Anna Lizaran se suma al amplio listado de reconocimientos que acumula, entre ellos: el Gérard Philippe (1970), el Prix de la Critique Française (1980), el Premio Nacional de Teatro (1989), los nueve premios Max o los dos premios Unión de Actores al mejor actor.

Hay que sumar a estos premios, diferentes distinciones honoríficas como Oficial de la Legión d’Honneur, oficiaba des Arts et des Lettres, en Francia; la Cruz de Sant Jordi de la Generalitat de Cataluña, la Medalla de oro al Mérito en las Bellas Artes y el doctorado honoris causa por la Universidad Autónoma de Barcelona.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

EL PRÍNCIPE DE MAQUIAVELO (Dramaturgia: Juan Carlos Rubio), por Yolanda Aguas

Es cierto que esta obra de teatro, con dramaturgia de Juan Carlos Rubio, no es apta para todos los públicos. Este es uno de los casos en que los creadores deben contar con la complicidad intelectual del público que asistirá a las representaciones.  Y es de agradecer.

Es una obra que fusiona textos de los títulos más conocidos del autor italiano y que da voz a un intenso personaje para demostrar que el poder, sea cual sea la época o la ideología, obedece siempre a las mismas reglas, independientemente del fin y de los medios.

Además de El Príncipe, el montaje de Rubio recoge fragmentos de otras obras de Maquiavelo como Discursos sobre la primera década de Tito Livio, Del arte de la guerra, La mandrágora y correspondencia personal del autor. El trabajo del director hizo especial hincapié en el pensamiento de Maquiavelo pero quitando muchas referencias históricas a gobernantes y a ejércitos.

Las conspiraciones en los despachos de los políticos, la corrupción de los mismos y de los poderosos, el maltrato a los más débiles…, son algunos de los temas que aborda el texto.

Son palabras pronunciadas por Maquiavelo en el siglo XVI, pero que siguen igual de vivas (o más) en la actualidad.  Existe una evidente conexión con la problemática política de nuestros días.

La escenografía es sencilla pero magnífica. Los elementos sonoros también.

Y esta propuesta teatral cuenta con un actor maravilloso, Fernando Cayo, que ofrece todo un recital interpretativo. Pura maestría.

No nos sorprende, es cierto, el actor vallisoletano de clara y perfecta dicción. Voz profunda y potente, bellísima.  Es una delicia verle interpretar en teatro, cine o televisión.

Le vi hace dos años en los Teatros del Canal en Madrid, y ayer volví a disfrutar como la primera vez.

Fernando Cayo, ha hecho suyo el texto del ensayista y diplomático renacentista, ambientado en un despacho de los años sesenta, y juega divirtiendo y divirtiéndose durante toda la función. Los últimos veinte minutos son insuperables, cuando “el diplomático” ya no lo es, cuando “el leñador” asume su nuevo estatus social.  Una transformación dolorosa, desde cualquier punto de vista.

Sigue la gira, si tienen oportunidad no duden en verla.  Es un regalo para la inteligencia.

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NOTAS:

Las fotografías oficiales de “El príncipe de Maquiavelo” insertadas en este artículos son autoría de Sergio Parra.

Las fotografías de Fernando Cayo saludando al finalizar la función en T. de las Esquinas, son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.