RdP “GALATEA” en el TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas

Según nos señala el TNC en su página web oficial, “GALATEA” es la obra más personal de Josep M. de Sagarra, junto con Pájaros y lobos y La fortuna de Silvia.

Sobre el estreno de Galatea en diciembre de 1948 en el Victoria, Josep M. de Sagarra recordaba que el insólito frío de aquel invierno – y la falta de calefacción en el teatro – hicieron que el público viera la obra temblando con los abrigos puestos. La obra no fue bien recibida por la mayoría de la crítica, y Sagarra se lamentaba que la hubieran insultado como si fuera un incendiario o un corruptor de menores. Aún así, el dramaturgo no estaba de defender la obra: «Con La fortuna de Silvia , con Pájaros y lobos y sobre todo con Galatea creía, y creo sinceramente, que intentaba hacer un teatro más de acuerdo con mi conciencia y más acorde con el clima espiritual de nuestro tiempo ». Con el tiempo, el periplo por la posguerra europea de esta domadora de focas con nombre de ninfa marina ha terminado ocupando un lugar preeminente entre los títulos más importantes de la literatura dramática en lengua catalana.

Dirigida por Rafel Durán y protagonizada por magníficos actores: Anna Azcona, Nausicaa Bonnín, Roger Casamajor, Borja Espinosa, Pep Ferrer, Míriam Iscla, Jordi Llovet, Carol Muakuku, Quimet Pla, Santi Ricart y Ernest Villegas. la obra se representará en la Sala Petita del 29 de abril al 23 de mayo de 2021.

Comenzó la presentación el Director Artístico del Nacional, el maestro Xavier Albertí, indicando que “Puede parecer la historia de un personaje que sale del infierno de la guerra camino del cielo, pero yo la veo más bien como la salida del infierno hacia la aceptación del infierno. Es, además, una obra maestra de la literatura catalana y europea”.
Para su director escénico, Rafel Durán: “El texto no habla del coronavirus ni nosotros lo hemos introducido, pero todo lo que hemos vivido en el último año nos acerca al espíritu de la obra Galatea es el alter ego de Josep Maria de Sagarra, que tuvo que huir de España durante la Guerra Civil amenazado por la FAI y luego de París ante la llegada de los nazis. Nuestro país hace tiempo que no vive una guerra y quizás hemos creado una imagen distorsionada de ella, pero el coronavirus, sin ser lo mismo que una guerra, nos ha acercado a muchas de las cosas que ocurren en una guerra, como la muerte, el miedo, la perdida del trabajo y la incertidumbre ante el futuro. Uno de los temas que aborda “Galatea” es la confrontación entre el idealismo y el capitalismo, algo que también conecta con nuestros tiempos, porque hace un año que nuestra sociedad se debate entre priorizar la sanidad o el capitalismo”.
La obra teatral, escrita en 1947, narra el recorrido vital de Galatea, una mujer que tiene que sobrevivir a la derrota y a las atrocidades de la guerra.

El arte es otro de los protagonistas de este montaje, en este caso simbolizado por el circo, que también es metáfora de la vida al margen del sistema y del concepto de familia como ‘trouppe’, no necesariamente unida por lazos de sangre. Todo ello en una escenografía creada por Rafel Lladó, que “se aleja del realismo y del historicismo y crea un espacio a medio destruir y a medio construir, reflejo de la Europa de aquel momento”.
Incertidumbre, miedo y muerte envuelven la obra de Josep Maria de Sagarra “Galatea”, “sensaciones que hemos vivido de cerca durante la pandemia del coronavirus” y que conectan esta pieza escrita tras la II Guerra Mundial con el momento actual, según Rafel Duran, director del montaje.

LOS INTÉRPRETES

La gran Míriam Iscla (que – lamentablemente – no pudo asistir a la rueda de prensa) interpreta a Galatea (y que según me indicaron, en “top secret”, está magnífica en la obra), cuyo idealismo va de la mano del personaje de Jeremies, que interpreta Roger Casamajor, y se opone al de Samson, al que da vida Borja Espinosa.

Anna Azcona, Nausicaa Bonnín, Pep Ferrer, Jordi Llovet, Carol Muakuku, Quimet Pla, Santi Ricart y Ernest Villegas completan el reparto de ese montaje, el segundo sobre “Galatea” que acoge el TNC desde su fundación.

Anna Azcona destacó también que ésta era su “primera vez” como actriz en el Teatre Nacional de Catalunya. Realmente parece increíble pero nunca había tenido la oportunidad de trabajar en un montaje representado allí.
Como suele afirmar la gran Jane Fonda: “Nunca es demasiado tarde”.

EL SALTO DE DARWIN (Aut. Sergio Blanco)

Texto y fotografías (saludos finales): Yolanda Aguas

Fotografías de la obra: Esmeralda Martín

Darwin concluyó que “el ser humano paró la antigua ley selectiva, la del triunfo de los más aptos y la eliminación de los más débiles, para establecer un sistema de conductas solidarias de entreayuda y protección que constituyen el corazón de la civilización”.

El tandem creativo entre el autor Sergio Blanco y la excelente (actriz, gestora cultural y directora escénica) Natalia Menéndez se está convirtiendo en garantía, no sé si de éxito seguro pero sí de propuesta artística de primer orden. Sergio Blanco (Ostia, Tebas Land, El bramido de Dusseldorf), vuelve a demostrar con “El salto de Darwin” que es una de las voces más importantes de los últimos años en la dramaturgia internacional.

Escribo este artículo nada más salir de la representación – viernes 16 de abril – en el Teatro Principal de Zaragoza. Si tuviera que definirla en una sola frase creo que sería : “El salto de Darwin” es una road teatral impregnada maravillosamente por otra road emocional en forma de banda sonora”. Si el texto es magnífico, no lo es menos la música elegida (años 70’s y 80’s) para hacer de ella una auténtica delicia. Escuchar temas como: Hotel California de los Eagles o Sin tu latido de Luis Eduardo Aute ayudan, ¡y de qué manera¡ a conmover profundamente al espectador.

El autor sitúa la acción en junio de 1982 en forma de una tragicomedia. Se trata de un viaje, tanto real como emocional, de una familia argentina muy singular (padre, madre, hija y su novio), que recorre durante tres días en un Ford Falcon, al que lleva enganchada una roulotte, más de 3 000 kilómetros para llegar hasta la localidad de Puerto Darwin, un lugar situado en el extremo sur argentino, en la misma frontera donde se desarrolló el conflicto de las Malvinas para esparcir allí las cenizas del hijo que ha perdido la vida combatiendo a las tropas invasoras de Gran Bretaña.

Esa particular road teatral de la familia la recorre también el espectro del hijo muerto cuya vuelta espera con fe esa Madre que deja siempre encendida una luz que le sirva de faro. Preciosa escena onírica entre madre e hijo bailando, sin duda simbolizando el anhelo que todos tenemos por tener la oportunidad para despedirnos de nuestros seres más queridos. Tema que no puede ser más actual, muchos de nosotros ni siquiera hemos podido decir adiós a quienes han fallecido durante esta terrible pandemia.

En el apartado técnico-artístico, Natalia Menéndez reúne a grandes profesionales: Mónica Boromello ha construido el espacio escénico (un gran panel al fondo con forma de glaciar, el viejo Ford en primer término, y la roulotte y una mesa y unas sillas de camping); Juan Gómez Cornejo ha iluminado magistralmente los saltos temporales de luz en esos tres días de viaje (especialmente la conmovedora escena final); Luis Miguel Cobo ha puesto la música original con el acierto de siempre; el gran Antonio Belart ha vestido con realismo a los personajes, y Álvaro Luna ha diseñado la videoescena para que el espectador acompañe en el viaje a la familia protagonista.

En el apartado interpretativo, Natalia Menéndez se ha rodeado de excelentes intérpretes. Goizalde Núñez (muy convincente en esa Madre rota de dolor por la muerte del hijo), Jorge Usón ( el Padre, eclipsado quizá por la fuerte personalidad de su esposa, pero lleno de bondad. Da gusto disfrutar de su presencia y su impresionante y bella voz), Olalla Hernández (Hija, y también la narradora de esta historia), Juan Blanco (Novio), Cecilia Freire (maravillosa e impecable interpretación como Kassandra, una chica transexual que se prostituye para sobrevivir, y que fue novia del hijo, ) y Teo Lucadamo (el Hijo asesinado en las Malvinas). Todos ellos muy bien en sus respectivos cometidos.

Quizá, y afilando mucho mi opinión, hay un momento del texto que creo innecesario: el pequeño monólogo del novio en el que nos explica la historia de Darwin. En los últimos años he asistido a varias representaciones en las que sus respectivos autores tienden a “explicar demasiado” – con monólogos – el sentido de sus obras. También lo han hecho autores muy consagrados, por poner un ejemplo, Albert Camus en el monólogo final de “El inconveniente”, por cierto tan brillantemente interpretado por Cayetana Guillén Cuervo. Creo que el público es capaz por sí solo de sacar sus propias conclusiones y estaría muy bien que los autores lo tuvieran en cuenta.

Quienes asistan a esta función encontrarán, a partes iguales, dolor, humor, amor y desesperación, en un texto narrativo que Natalia Menéndez (cada día con más magisterio escénico) ha sabido dirigir de forma muy brillante y precisa.

RdP “EL SALTO DE DARWIN” en el T. PRINCIPAL

Fotografía: Yolanda Aguas

En la mañana del miércoles 14 de abril, se ha presentado en el Teatro Principal de Zaragoza la obra de Sergio Blanco “El salto de Darwin”.  Con la presencia de su directora, la maestra Natalia Menéndez, y varios actores del reparto: Jorge Usón, Cecilia Freire, Olalla Hernández y Goizalde Núñez, el Gerente del Teatro Principal, José María Turmo ha destacado la calidad de este montaje y el éxito que está obteniendo en su ya extensa gira por el territorio nacional.

Se podrá ver en el Teatro Principal de Zaragoza en cuatro funciones programadas para los próximos días 15, 16, 17 y 18 de abril, que comenzarán a las 19.00 horas.

El salto de Darwin viene a alertarnos de que la condición humana puede en cualquier instante regresar como especie a un estado animal. En las road movie los personajes siempre parten de sus casas buscando un mundo mejor ¿una tierra prometida?, para construir una vida mejor: a esto mismo nos invita El salto de Darwin.

Saber entonces que este texto que significa mi reconciliación con mi lengua materna va a ser representado en Madrid, que es el lugar geopolítico por excelencia de este hermoso idioma, es para mí algo profundamente conmovedor. El español es la única lengua en donde la palabra paz tiene como última letra aquella letra que cierra todos los alfabetos: nuestra lengua ha comprendido a la perfección que la paz es lo único que cierra y pone un fin definitivo al horror que es la guerra. Seguramente es por eso que esta obra solo la podía escribir en esta lengua.

Sergio Blanco

Salto. Quiero seguir saltando. Desde todos los lugares posibles, de todas las maneras que puedo y pueda ofrecer. Apuesto por la teoría de Darwin, toda mi vida he creído en ella. Por eso hoy aporto El salto de Darwin, de Sergio Blanco.

Esta road teatro? que nos lleva de la comedia a la tragedia, que nos enseña la ingenuidad y la perversidad humana, de lo más conmovedor a lo más detestable del ser humano, me atraviesa de tal manera y me conmueve tanto, que siento la necesidad de montarla. Me interesa todo lo que de ella rezuma, el estudio que su autor hace de los porqués de la guerra, que empieza como un juego y que se va pervirtiendo o que ya estaría en nosotros, en esos animales llamados humanos. Al mismo tiempo, se desarrolla una petición de paz con sus saltos, con su ternura, con sus detalles, con su amor por la diferencia, con la compasión y el entendimiento hacia el otro, con un deseo muy concreto de evolución del ser humano. Que esa evolución sea hacia el salto de Darwin. Eso es lo que me hace apostar firmemente por esta completa, lúcida y apasionante obra.

Humor y dolor atraviesan los personajes sin avisar. En un minuto pasamos de la risa al llanto, porque el tiempo es y no es, no existe, es siempre. Porque la Guerra ha sido siempre. Porque la Paz es siempre.

Natalia Menéndez

El salto de Darwin sucede el segundo fin de semana del mes de junio de 1982, durante el cual se libra la última batalla de la Guerra de las Malvinas, que culmina con la rendición del 14 de junio. Toda la acción se desarrolla en distintos paisajes de la Ruta Nacional N°40, que recorre Argentina de norte a sur. Cada una de las escenas transcurre en torno a un Ford Falcon del año 1971, en el cual el Padre, la Madre, la Hija y su Novio atraviesan el país para esparcir las cenizas del hijo recientemente asesinado en la batalla que ha tenido lugar en la localidad de Puerto Darwin. Dicho Ford Falcon remolca una pequeña caravana con capacidad para cuatro personas, sobre cuyo techo es posible ver al Espectro del Hijo Muerto que, con su guitarra eléctrica, entona diferentes temas musicales de los años 80. Cada vez que lo hace -y a medida que la ruta se aproxima al sur-, un viento suave empieza a levantarse. El mismo viento que viene de Beirut, Saigón, Bagdad, Kabul, Kosovo, Troya… El mismo viento que finalmente terminará trayendo una vez más a Kassandra.

Una coproducción del Teatro Español y Entrecajas en colaboración con el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid.

RdP “GALDÓS ENAMORADO” en el TEATRO PRINCIPAL

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas


Con la presencia del Gerente del Patronato de artes escénicas y de la imagen, José María Turmo, y los actores EMILIO GUTIÉRREZ CABA y MARÍA JOSÉ GOYANES, se ha presentado la comedia teatral ‘Galdós enamorado’, de Alfonso Zurro.

Es una obra que versa sobre la relación sentimental y epistolar que mantuvieron Benito Pérez Galdós (Emilio Gutiérrez Caba) y Emilia Pardo Bazán (María José Goyanes). Se representará en el Teatro Principal de Zaragoza desde este jueves 8 de abril hasta el día 11 de este mismo mes.

‘Galdós enamorado’ es una comedia llena de intriga que no pretende ser una biografía de estas dos grandes personalidades literarias, sino tejer una trama sobre su mutua admiración y enamoramiento. La ficción se ha basado en la correspondencia que ambos se intercambiaban, aunque solo se conservan las cartas que escribió doña Emilia. “Todo se olvida cuando te subes a un escenario”, ha dicho en rueda de prensa la actriz que encarna a Pardo Bazán, María José Goyanes, quien ha definido a los dos personajes como “fascinantes”.

Sobre la relación de las dos figuras literarias, Goyanes ha dicho que cree que “se amaron locamente” y que en el contraste de sus personalidades es donde residía la “atracción y admiración” que sentían el uno por el otro.
El actor Emilio Gutiérrez Caba ha afirmado que los actores le deben a Galdós “piezas estupendas” y el teatro, por su parte, le debe también “un gesto de gratitud” y de “homenaje muy sincero”.

Goyanes ha manifestado que Zaragoza es uno de los teatros que “más nerviosa” le ponen, aunque actuar en esta ciudad le trae muchos recuerdos de su familia y es para ella como “volver a casa”. Gutiérrez Caba ha coincidido con la actriz ya que, según ha dicho, siente por “Zaragoza un cariño entrañable”.

El espectáculo, que está recomendado para todos los públicos, dará comienzo los cuatro días a las 19.00 y el precio de sus entradas oscilará entre los 5 y los 25 euros, con la función del jueves bonificada.

SEÑORA DE ROJO SOBRE FONDO GRIS, RdP JOSÉ SACRISTÁN

Texto y Fotografía: Yolanda Aguas

Hoy a ofrecido una rueda de prensa en Zaragoza, José Sacristán. Su presencia en el Teatro Principal del jueves 22 al domingo 25 de octubre ha motivado este encuentro con él.
José Sacristán es uno de los más grandes actores de la historia de nuestro país. Ha trabajado con los directores más prestigiosos y populares: Berlanga, Garcia, Miró, Fernan Gómez, Camus, Buñuel.
A pesar de que el panorama cultural haya cambiado en los últimos tiempos, él sigue ahí, en televisión, en el cine, sobre los escenarios, demostrando en cada entrevista y en cada rueda de prensa que ser mayor no implica la neofobia.

Hace poco tiempo anunció que Señora de rojo sobre fondo gris, será -casi con toda seguridad- la última que la mantendrá en el mundo del teatro. “Tengo fechas cerradas hasta más allá del 2021; más tarde, será complicado que encuentre algún texto con el que me sienta más cómodo que este”, concretaba. De paso, no ha aclarado su futuro en el cine y la televisión: “Cada vez me cuestan más los rodajes”. Con 83 años, Sacristán cree que la vida le “trata bien”, pero que ha de ser consciente de su edad.
Su despedida de los escenarios será la puerta grande, con una obra que en realidad ha sido un empeño personal: “Cuando leí la novela de Miguel Delibes automáticamente me enamoré de ella. Yo estaba interpretando Las guerras de nuestros antepasados y le dije que la Señora de rojo… tenía que ser adaptada. Él me dijo que no insistiera porque no quería ponerle cara al personaje de Nicolás, pero poco antes de su muerte, pude hacer una lectura dramatizada de un par de pasajes, y junto con José Samano, volvimos a insitir. Con Delibes ya fallecido, fue la familia la que accedió a que hiciéramos esta adaptación”.

Y si aquello que rodea la obra no fuera suficiente, la historia de Señora de Rojo… no resta emoción a las representaciones. La novela plantea una reflexión casi existencialista de un pintor, Nicolás, ante la pérdida de su mujer con España en 1975 como telón de fondo. Delibes construye, en realidad, un reflejo de su propia memoria, y del intento reparar en él la memoria de su esposa Ángeles de Castro. En su discurso de ingreso en la Real Academia de la Lengua dijo de ella: “Soy consciente de que con su desaparición ha muerto la mitad de mí mismo”. En esta autoficción, Nicolás es un artista plástico que no consigue pintar. El paralelismo nunca se escondió, pero el escritor tampoco quiso ponerle nombre ni cara a los personajes. Si Cinco horas con Mario es la cara, Señora de roja con fondo gris es la cruz: dos historias con valores y vidas antitéticos, dos monólogos con ausencias.

Estará en el Teatro Principal de Zaragoza hasta el domingo, 25 de octubre.

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JÚSTICIA. D’un temps, d’un país… (Aut. Guillem Clua)

Texto: Francesc Mazón Camats
Fotografías: May Zircus para el TNC

Estamos frente a una obra compleja y ambiciosa, aunque no del todo ajustada.

Una crónica histórica e intimista a lo largo de unos 80 años de un país y una clase social concretas, no exenta de melodrama, crítica y también de momentos cómicos o ácidos. Puntuada por “hits” imprevisibles, el final de la guerra civil en Barcelona, los Beatles en la Monumental, la primera manifestación homosexual en la Rambla…

Narración con constantes saltos espacio/temporales y múltiples voces y personajes, quizás todo en la mente confusa y en declive de un juez y político, Salvador Gallart, ejemplo de hombre poderoso de la Catalunya pujolista.

Presencia escénica impactante de Josep Maria Pou, un gran personaje, temible y frágil a la vez (podría ser una variación, menos trascendente, del film “Providence” de Alain Resnais/John Gielgud ).

Empieza la obra con una misa, un reconocimiento público al juez y político en su jubilación “Gràcies per ser un bon jutge, gràcies per ser un bon home“ y acaba con un arrepentimiento, una expiación privada de todas sus traiciones, sus hipocresías y su autoengaño, el de un perdedor que enterró en su profundo interior sus deseos y su posible felicidad.

La primera parte la más equilibrada y brillante, pasa del ayer, la derrota y el rápido reciclaje de una burguesía catalana que se traicionó a sí misma para no perder sus privilegios, al presente de esa misma burguesía poderosa y arrogante, pero corroída moralmente, que se homenajea, ignorante de su previsible caída.

Memorables escenas en una cena familiar (¡un clásico! ) en las que destacan: Anna Sahun en su doble papel de hija borde, altanera, y madre humillada y maltratada del juez. Y la gran Vicky Peña que pasa de una matriarca enérgica y castradora, una “loba” capaz de todo por salvar “los muebles“ a una esposa aparentemente engañada y a la vez iluminada por la fe en los ovnis y las abducciones extraterrestres, que avistó en noches místicas en el monte sagrado de Montserrat. Y justifican, según ella, la desaparición total de su suegra.

Comprobamos el pulso firme de Josep Maria Mestres con un reparto inmejorable, el esfuerzo físico y emocional de un equipo cohesionado.

Estupendo Pere Ponce (su debut en la Sala Grande) que compone con rigor dos personajes muy complejos : El hombre hundido que deviene autista emocional y déspota maltratador y el anulado y pusilánime yerno actual en manos de una desatada Sahun. Que firmeza, que riqueza de matices…

Espectacular escenografía de Paco Azorín y magnífica iluminación de Ignasi Camprodon.

La obra se encalla por saturación en el segundo acto, aun con momentos ácidos, una “Baixant de la font del Gat“ en versión “cruising” gay vergonzante, o un impecable Manel Barceló/ Sr. Garcés, como un elegante y siniestro ejecutor de las cloacas del poder. Pero el autor decide introducir un “macGuffin” de thriller para llevarnos a una nueva subtrama que conduce a la quiebra moral del Sr. Juez. Un “whodunit“ falso final rompe el clímax, que con esfuerzo titánico restaura el gran Pou en un brillante y conmovedor monólogo final.

Una obra necesaria y por momentos brillante, que debemos dejar fluir. El inmenso trabajo de todos lo merece.

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“JUSTICIA” de Guillem Clua. Rueda de prensa en el TNC (Teatre Nacional de Catalunya)

Texto y fotografías: Francesc Mazón Camats


Xavier Albertí, responsable de la nave del TNC, convoca a los medios para presentarnos una nueva obra, en la sala Gran, de un autor contemporáneo catalán : “JUSTíCIA“ de Guillem Clua, Barcelona 1973.

Abre el fuego con una revelación, en su día Duran i Lleida (socio preferente de Convergència ) dijo : “Si yo fuese el conseller de cultura Gang Bang “2011, obra de Josep Maria Miró, no se habría estrenado nunca en el TNC (por su temática homosexual)”. Esta censura hoy día sería imposible y Clua no ha rebajado nunca sus expectativas y su libertad. Algo ha cambiado.

Clua, de la misma generación que Miró y con una extensa y reconocida obra, toma la palabra: “Para mí es un reto, como una puesta de largo, enfrentarse a la sala Grande, al inmenso escenario (¡temible!) y llenar de público esta envidiada sala“. Presenta su obra con la pretensión de hablar de nuestra identidad, como comunidad y de las identidades de nuestros próceres, de los poderosos que nos han conducido hasta el (incierto) presente. “Identidades afectivas, sexosociales y de un país forjado a partir de una derrota y de muchas renuncias, traiciones e hipocresías“.

Todo en torno a la figura “bigger than Life” de un juez, Samuel Gallart, hijo de la burguesía catalana que traicionó sus ideales para salvar sus privilegios.
Un juez y político que la noche de su homenaje familiar, cuando su mente empieza a oscurecerse, deberá enfrentarse a sus fantasmas, a su amarga herencia, a su doble moral…

De eso no se habla… eso ahora no toca…. ¡Voleu callar¡

Todos los nacidos como el sr. Juez en la inmediata posguerra, reconocemos ese largo, terrible silencio impuesto.
Josep Maria Mestres, uno de nuestros mejores directores escénicos, interviene para hablarnos de ese texto largo, potente y ambicioso. Habla de la complejidad de una obra que intenta reflejar ¡los últimos 80 años!

¿Quiénes somos? ¿Cómo somos? ¿Porqué somos así?

Insiste en la enorme exigencia para los actores y actrices de un magnífico y transversal reparto que doblan o triplican sus papeles y también ejercen de narradores, un esfuerzo físico y emocional que agradece. Desde la veteranía de Josep Maria Pou, Vicky Peña o Manel Barceló; hasta el reconocimiento de esa generación intermedia: Pere Ponce, Anna Sahun, Roger Coma o Anna Ycobalzeta, para llegar al debut de dos jovencísimos Katrin Vankova y Marc Bosch, junto al ya reconocido Alejandro Bordanove. Diez magníficos para veintipico papeles…

Josep Maria Pou, el maestro, reitera las confesiones iniciales. Volver al pasado reciente. Estreno de “Àngels a Amèrica“ de Tony Kushner, obra fundacional del TNC, un 12 de Noviembre de 1996. En el ágape de la inauguración, alguien innombrable de la esfera del poder, sentenció: “¡Qué pena inaugurar el Teatre Nacional de Catalunya con una obra de maricones¡“ Esa obra que Clua afirma lo decidió a dedicarse al teatro. Confirmación, entre un reparto espléndido, del Pou de regreso a casa. Él era el ciudadano Roy Cohn, el marica homófobo, mano derecha de McCarthy en la caza de brujas fascista.

Ironías, un fantasma del pasado, Ethel Rosenberg, ejecutada en la silla eléctrica, lo perseguía incansablemente (estupenda Monserrat Carulla).
Pou i Vicky Peña (hija de la gran Carulla) son ahora “els pals de paller” las vigas maestras de esa casa que amenaza ruina (la sombra alargada de El Tiempo y los Conway de J B Priestley).

Como dice el juez Samuel Gallart: “Arriba un Moment a la vida que no saps si caus o voles ¡“

Siete semanas que se preveen exitosas y controvertidas en el TNC.

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NO MÁS BESOS (Aut. Diana Son)

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas

Fotografías de la obra: Esfera Ocho Producciones

Hace dos meses presentamos en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza el libro: “Cine y Violencia contra las mujeres. Un enfoque caleidoscópico”, publicado por Prensas Universidad de Zaragoza (ISBN: 978-84-1340-005-1) en diciembre de 2019. En él colaboro con un texto: “Electroshock. El dolor permanente”, donde analizo la película dirigida por Juan Carlos Claver, “Electroshock”, que fue protagonizada magistralmente por Carme Elias, Susi Sánchez y Julieta Serrano.

En mi reflexión y análisis de la película apuntaba que vivimos en una sociedad que todavía no puede aceptar plenamente cualquier otra forma de amar diferente a la heterosexual. Y, al mismo tiempo que pedía comprensión para quienes no pueden aceptarlo, también lo reclamaba (y añadía la palabra respeto) para quienes no aman de la misma forma (heterosexual) que ellos. Respeto, esa es la clave. La máxima del vive y deja vivir.

En la vida de las personas, de todas las personas, la educación es fundamental. En este sentido, es muy aconsejable impregnarse del pensamiento de figuras esenciales en la literatura y la filosofía. De ahí que ahora nombre a la filósofa y escritora catalana, Marina Garcés. ¡Léanla, por favor¡ Relativamente hace poco, ella afirmaba que Europa tapa sus ojos y vuelve la espalda a las personas que huyen de sus países y mueren ahogados en el Mediterráneo. Afirmaba que “los europeos negamos esa ayuda porque tememos al diferente, rechazamos lo que nos es desconocido”. Y esa negación, ese rechazo… nos hace perder sabiduría, tolerancia y una mayor y mejor humanidad. Los seres humanos, a veces, somos así de imbéciles.

Por si no han visto la película, “Electroshock” narra, con algunas licencias de guion, la historia real de dos mujeres que vivieron su historia de amor durante treinta años. Un amor que sufrió las coacciones, impedimentos y violencia (física y verbal) de su entorno más próximo, de toda una sociedad y de unos métodos clínicos aterradores. Eran los años 60, 70 y 80’s.  Una vez más, la violencia ejercida por quienes saben íntimamente (pero no reconocen) que no tienen razón.

Vivimos ya en pleno siglo XXI, y llega a nuestros teatros una obra escrita a finales del s. XX por Diana Son, “No más besos” que Miriam Vázquez (actriz, productora y traductora de la obra) ha traído a nuestro país.   Ayer vi la obra en el Teatro del Mercado de Zaragoza, y es una delicatessem teatral que espero todos sepamos reconocer.  Han hecho un gran esfuerzo.

Narra la historia de Callie (Patricia Garó) y Sara (Miriam Vázquez) quienes se conocen y se enamoran inesperadamente en la ciudad de Nueva York. Todo comienza como un cuadro de soledad, de aquella soledad que viven los seres humanos en las grandes ciudades pese a estar rodeados constantemente.

Poco a poco, ambas se sienten de manera inesperada, fuertemente atraídas la una por la otra, y comienzan a vivir un amor diferente, tal vez empujadas por sus respectivas situaciones. La atracción va ocurriendo entre ellas con la incertidumbre y la inocencia de un primer amor… Pero su primer beso provocará un suceso trágico que cambiará sus vidas para siempre.

La función tiene un lenguaje claramente cinematográfico. Me llegaron recuerdos de una película exquisita, Your Friends & Neighbors (1998) de Neil LaButte. La historia entre los personajes interpretados por Catherine Keener y Nastassja Kinski podría tener cierta conexión con los de Patricia Garó y Miriam Vázquez, aunque sin la violencia sufrida por éstos últimos. Me refiero al proceso de acercamiento, del descubrimiento, de la sorpresa afectiva entre los personajes, por momentos me lo recordó. La memoria nos salva, sin ella estamos perdidos. Con ella construimos lo vivido y preparamos lo que queda por vivir.

En el apartado de las interpretaciones, Jorge San José (George), Rubén Riera (Peter), Ángeles Porras (Sra. Winsley/Enfermera) y Óscar Olmeda (Detective Cole) cumplen muy bien con su trabajo.

Las dos actrices protagonistas, Miriam Vázquez (Sarah) y Patricia Garó (Callie) tienen la frescura necesaria para dar vida a sus personajes. También, cuando lo requiere la escena, hondura y sentimiento.  Únicamente observo que el tempo en algunos momentos debería ser más pausado. Aunque comprendo que la obra es larga y darle ese otro tempo supondría añadir unos ocho minutos más.  No obstante, creo oportuno recordar que -cuando es necesario- el público sabe otorgar el favor de la atenta espera… Y esta obra bien lo merece.

Es una mínima apreciación por mi parte, que estoy segura el director de la obra, Óscar Olmeda, podría solucionar. El Teatro es un Arte, y el Arte no es estático; va creciendo con cada representación… Evoluciona.  Él y sus dos magníficas actrices sabrían solucionarlo.

No más besos es un viaje emocional que presenta los temas esenciales de la vida: el amor, la amistad, las ilusiones, la lealtad, el miedo, las dudas… 

Alternándolo con la gira que van haciendo por España, se representará en el Teatro Lara, sala Lola Membrives, todos los viernes hasta finales de marzo. Ojalá puedan ir a Barcelona… tienen que verla también allí (ese circuito, Oficial y Off, barcelonés debería hacerles un hueco).

Termino ya, mientras escribo este artículo escucho “Moonglow” (en la versión de Carly Simon), una canción que, por su elegancia, le va como anillo al dedo a esta obra y con la que ya siempre asociaré.

Ya saben… la memoria a la que antes aludía.

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RdP “EUROPA CABARET” en el Teatro Principal de Zaragoza.

Texto y fotografías: Yolanda Aguas

Esta tarde hemos asistido a la rueda de prensa para presentar la obra “Europa Cabaret” que se representará en el Teatro Principal durante los días 15-16 y 17 de noviembre.

La obra está codirigida por Carlos Martín (Teatro del Temple) y Serena Sinigaglia (Teatro Stabile di Bolzano).  Es una producción de ambos teatros junto a Vereinigte Bühnen Bozen y la colaboración del Patronato de las Artes Escénicas y la Imagen de Zaragoza.

 En Italia se han realizado 38 representaciones y la han visto 3.200 espectadores.  Es un proyecto que nació con la intención de explorar el concepto de Europa.  Son textos de Roberto Cavosi (Europa en Marte) y Michele De Vita Conti (Divina Europa).  El reparto es internacional, y entre ellos hay dos actores aragoneses: María Pilar Pérez Aspa y Balbino Lacosta. 

Les acompañan: Fabio Bussotti, Milutin Dapcevic, Rufin Doh, Marcela Serli, Karin Verdorfer, Sandra Zoccolan, y es una maravilla escucharles en diferentes idiomas.

Los intérpretes aragoneses, junto al resto del elenco, estuvieron presentes ayer en Zaragoza acompañando a los directores de Europa Cabaret durante la presentación del montaje que cierra el 25 aniversario del Teatro del Temple.

 La obra se divide en dos partes.

La primera está dirigida por Sinigaglia. Europa en Marte, compuesta por escenas breves que van de la corte del Rey Sol a la Inglaterra de Tomás Moro, y a través de fragmentos de la historia de Europa ver la riqueza de su pasado para no repetir errores. Como dijo la directora italiana: Somos huérfanos de algo que sucedió y que debemos recordar para no repetir lo malo.

La segunda parte de la historia es La diva Europa, y está dirigida por Carlos Martín. Parte de esta ola de la historia que llega a lo contemporáneo. En ella, Balbino Lacosta se reencarna en Cristo que viene a buscar a los dioses del Olimpo con preocupación por la migración actual.

La solución es una road movie en el mar donde Jesús va con los emigrantes y se encuentra con sirenas devoradoras de hombres y con Drácula para llegar a una metáfora alucinada final sobre este mundo que nos rodea. Un canto sobre esta Europa que navega como los trozos de hielo, pero se desconoce hacia dónde va.  Todo ello con ritmo de cabaret, humor y buena dosis de ironía.

Declaraciones de los creadores:

Carlos Martín: “Una de esas apuestas necesarias para el teatro y para la cultura en Europa, no solo por el título de la obra sino porque de alguna manera reúne a diferentes talentos en la dirección, la interpretación y la producción y constituye una reflexión sobre las ideas, las formas, el arte y sobre esta Europa nuestra, que coincide mucho con el teatro en ser dos grandes enfermos crónicos que gozan de muy buena salud.  La idea de este proyecto llegó por casualidad, a partir de los textos de Michele De Vita Conti que guardaba en un cajón con la idea de plantear una mirada surrealista, mitológica y de amplio espectro sobre la idea de una Europa que navega como trozos de hielo con la esperanza de reencontrarse.  Esta Europa nuestra que, al igual que el teatro son dos enfermos crónicos que gozan de muy buena salud”.

Serena Sinigaglia: “Europa es una especie de galaxia, llena de constelaciones y agujeros negros. Esta imagen es la que queríamos reflejar en la primera parte de la obra: los momentos de sombra y de luz del continente

María Pilar Pérez Aspa: “Estoy emocionada por volver a Zaragoza y actuar en este teatro al que yo tanto venía cuando estudiaba en la Escuela Municipal de Teatro. Esta obra reflexiona sobre muchas cosas, como que en Europa ha existido unión económica pero nunca unión de idioma.  Se trata de una crítica ácida al momento presente”.

Balbino Lacosta: “Este es el teatro que quiero hacer, el que mueve a la reflexión y se aleja de lo fácil y lo superficial”.

Al finalizar la rueda de prensa, nos quedamos para asistir a un pase de gráficos que se convirtió en un ensayo general. 

No desvelamos ahora nada más…  Solo un consejo: vayan a ver esta propuesta teatral.

Teatro Principal, días 15, 16 y 17 de noviembre.

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Nota: Las fotografías realizadas durante el ensayo general aparecen en este artículo con la autorización de María López Insausti (Coproductora de Europa Cabaret, y Jefa de Producción de Teatro del Temple.  Agradecemos su amabilidad).

RdP “EL FUNERAL” con CONCHA VELASCO en el Teatro de las Esquinas.

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas

Concha Velasco regresa a Zaragoza.  El Teatro de las Esquinas era el único teatro de Zaragoza en el que no había trabajado. Lo hará con ‘El funeral’, una «comedia sobrenatural», escrita y dirigida por su propio hijo Manuel, en la que interpreta a Lucrecia Conti, una artista fallecida, una diva («un personaje basado en muchas actrices diferentes», dijo Velasco), que vuelve de entre los muertos a su propia capilla ardiente, que se celebra en un teatro. Allí estará su familia, su representante (interpretado por Jordi Rebellón) y el propio público, que tendrá un papel muy participativo en esta obra que rompe varias veces la cuarta pared. Irene Gamell, Ana Mayo y Emmanuel Medina completan el reparto de este montaje que estará en cartel del 4 al 20 de octubre.

«La obra es muy divertida, esto no es Shakespeare, lo que no quiere decir que no sea inteligente», explicó Velasco. «Se hacen guiños al mundo del cine, de la televisión, a cosas de los jóvenes, porque mi hijo Manuel tiene 43 pero parece que tenga 18».

De este primer trabajo con su hijo, comentó:«Ha sido demasiado duro conmigo en los ensayos, no me pasaba nada. La única diferencia con otros directores que he tenido es que me llamaba madre. Pero es que yo también soy muy exigente con los directores…».

A punto de cumplir 80 años, Velasco ha sufrido algunos reveses de salud, pero sigue llena de proyectos. Rodará una nueva temporada de la serie de televisión ‘Las chicas del cable’, cuyo, personaje, curiosamente, también ha sido resucitado. Y prepara con Bambú Producciones un proyecto aún en proyecto de una serie sobre su propia vida.

Dice no tener complejos –«si acaso un poco el cuello»–, y se dice recuperada en lo personal de bajones pasados y se enorgullece de haber suspendido actuaciones solo tres veces en toda su vida. Su compromiso es total: «Al escenario salgo pensando que el público ha comprado una entrada anticipadamente, y no se le pueden contar excusas, distraerle contándole cosas, hay que darle. Tiene que tener la sensación de que es la primera vez y la última». En este empeño tiene una aliada especial, la Virgen del Pilar, a la que reza todos los días y cuyas estampitas y fotos suyas con ella pueblan la nevera de su casa.

Velasco ha señalado con esta obra, que ya lleva más de 5.000 entradas vendidas en la preventa, ha descubierto una parte de ella como actriz “que no conocía” y se ha dado cuenta de que “es mucho más graciosa de lo que creía”. “Con el traje de fantasma que me han hecho, que es espléndido, estoy guapa y feliz. Yo quiero ser una señora mayor pero coqueta y mujer de toda la vida”, ha comentado. La obra nació de un encargo que la gran estrella de nuestra escena le hizo a su hijo Manuel.  La actriz no ha querido desvelar mucho sobre lo que se va a encontrar el espectador, sí señaló que se interactúa mucho con el patio de butacas aunque confesó que lo que peor llevaba era que el público no le pueda tocar porque su personaje es el de un fantasma.

La comedia sobrenatural ‘El Funeral’ tendrá lugar de los días 2 al 6, del 9 al 13 y del 16 al 20 de octubre. Se trata de una producción de Pentación Espectáculos. El reparto corresponde a Concha Velasco, Jordi Rebellón, Ana Mayo, Irene Gamell y Emmanuel Medina. La producción, por su parte, corre a cargo de Jesús Cimarro y la dirección depende de Manuel M. Velasco.

Los horarios serán de miércoles a viernes a las 20.30 horas, los sábados a las 18.00 y a las 20.30 horas y los domingos a las 18.00 horas.

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