RICARD III: RdP en el TNC, por Yolanda Aguas

Numerosos medios de Barcelona y otras ciudades, como Zaragoza, asistimos a la rueda de prensa celebrada ayer en el hall del Teatre Nacional de Catalunya (TNC).

La ocasión lo merecía, era la presentación oficial de la gran apuesta de la temporada 2016-2017: Ricard III de Shakespeare.

Con un elenco de auténtico lujo compuesto por 14 actores, Lluis Homar, Carme Elias y Julieta Serrano (que este año cumple 60 años sobre los escenarios) Joel Joan, Roger Casamajor y Oriol Genís y dirigidos por Xavier Albertí, poco a poco fuimos conociendo numerosos detalles de esta gran producción teatral.

Lluís Homar encarna a Ricardo III en el ambicioso montaje de Xavier Albertí, quien incide en las causas de la monstruosa maldad del protagonista con una puesta en escena respetuosa con el texto, pero estéticamente alejada del canon.  El estreno oficial será el próximo 4 de mayo en la Sala Gran del Teatre Nacional de Catalunya (TNC).

Xavier Albertí: “La idea la planteó Homar. El impulso de hacer un Shakespeare suele venir más de actores que se ven preparados para abordarlo que de directores. Tras releer la obra y darme un tiempo para pensar decidí lanzarme a esta maquiavélica, diabólica y fascinante partitura que es para mí Ricardo III.  La traducción, meticulosa, al catalán realizada por Joan Sellent ha permitido que pudiéramos respetar al máximo el texto de Shakespeare”.

Albertí continuó explicando: “Una fidelidad a la palabra en verso que no va acompañada de una puesta en escena de época, sino de un sincretismo de estilos, presente tanto en el vestuario como en la música y la escenografía. Esta última es una estructura de hierro y metacrilato de dos alturas, que muestra a los personajes en el interior y el exterior de un palacio muy contemporáneo, casi futurista.

Ricard III es también una obra que nos interpela sobre el protagonismo que tienen en nuestra vida las heridas que hemos recibido desde el nacimiento y, en definitiva, sobre el mal que este dolor nos puede llevar a hacer a los otros, mientras no seamos capaces de asumirlo”.

Lluis Homar reconoció que ha visto a todos los grandes actores que han dejado muestra grabada de sus interpretaciones de Ricardo III, desde Al Pacino a Laurence Olivier, y disfrutó en persona la interpretación de Kevin Spacey en el montaje de Sam Mendes cuando pasó por Avilés (Asturias). “Siempre me he sentido fascinado por este personaje pero pensaba que no lo entendía bien, que no sabría cómo abordarlo, hasta que hace un par de años empecé a ver la posibilidad”.

Para presentar las deformaciones físicas de Ricardo III, el actor Lluís Homar explicó que en este montaje se exteriorizan principalmente gracias al vestuario. Un collarín al cuello, una bota con estructura metálica como las utilizadas en otros tiempos por los enfermos de poliomielitis, y una coraza en el tronco son los signos más visibles de esas malformaciones de las que habla Shakespeare y que convierten al protagonista en su ser marginal que, a pesar del rechazo social, emprende una ascensión imparable hasta llegar a conquistar el trono de Inglaterra.

En su opinión, una de las grandezas de la obra es que explora las profundidades del alma humana y “no habla del mal como algo externo, sino como algo que todos tenemos en nuestro interior y sólo algunos se atreven llevar hasta sus últimas consecuencias“.

La intención del director es que el alma oscura del protagonista salpique a los espectadores a través de la palabra y la puesta en escena, que cuenta con la proyección de vídeos en 3D de Franc Aleu, pregrabados y grabados en directo, y mucha y muy variada música en directo.

Para las dos grandes actrices catalanas, Carme Elias y Julieta Serrano, esta obra supone un reencuentro tras muchos años sin poder trabajar juntasAmbas destacaron que formar parte de este proyecto a supuesto para ellas una gran alegría por la importancia del texto y de su autor.

La obra estará en cartel hasta el próximo 11 de junio.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son autoría y propiedad de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

LA MENTIRA: RdP en Zaragoza, por Yolanda Aguas

Se ha celebrado hoy, en el Teatro Principal de Zaragoza, la rueda de prensa dedicada a la obra teatral: “La mentira” del autor francés Florian Zeller.  Protagonizada por los actores Carlos Hipólito, Natalia Millán, Mapi Sagaseta, Armando del Río y dirigida por el argentino  Claudio Tolcachir.

“La mentira” se estrenó en el Teatro Arriaga de Bilbao en septiembre del año pasado y tras permanecer cinco meses en Madrid, inició su gira por España el pasado marzo.

La obra tiene como objetivo debatir sobre la sinceridad, hablar de la pareja y hacer reír. Una comedia donde se cuestionarán los límites de la sinceridad, tomando como punto de partida una infidelidad que no se sabe si saldrá a la luz.

Carlos Hipólito, Natalia Millán y Armando del Río han destacado que el autor “construye una arquitectura teatral impecable y consigue que no decaiga la atención, va dando vueltas a la trama, introduciendo sorpresas y el espectador está siempre alerta”.

Carlos Hipólito (Pablo), Natalia Millán (Alicia), Armando del Río (Miguel) y Mapi Sagaseta (Laura) dan vida a los personajes de esta obra que no es sino un juego de mentiras y verdades que, con una perfecta maquinaria, dirige al público a un sorprendente final.

Carlos Hipólito: “Alicia descubre al marido de su mejor amiga con otra mujer, y justo ese día quedan a cenar. Ella quiere contarlo pero su marido no le deja… ¿por qué? Esta comedia no viene dada por una sucesión de chistes fáciles, sino que son las propias situaciones las que provocan la risa.  La trama plantea un debate sobre si contar lo que se ha descubierto o no”.

Armando Del Río: “es una función en la que el público tiene más información que los propios personajes en ciertos momentos, sin embargo, en otros, es sorprendido por la propia historia. Es un placer tanto interpretarla como verla. Es una diversión continua”.

Natalia Millán: “Es una obra muy divertida en la que la atención no decae y pone en tensión al espectador. Durante las funciones se llega a escuchar a los espectadores diciendo “¡No, no hagas eso, no! Si vas a verla con amigos, desata risas; si se va con la pareja, hay silencios incómodos”.

Estarán este viernes y sábado a las 20.30 horas y el domingo a las 18.30 horas.

Sinopsis de la obra:

Alicia (Natalia Millán) sorprende al marido (Armando del Río) de su mejor amiga (Mapi Sagaseta) con otra mujer. Esa misma noche Alicia y su marido (Carlos Hipólito) van a cenar con la pareja. ¿Qué hacer, contarle a su amiga la verdad o mantener la mentira común? ¿Debe contarlo? Su propio marido insiste con vehemencia en que no lo haga. ¿Por qué? ¿Tiene él algo que ocultar? Un juego de mentiras y verdades que, con una perfecta maquinaria, nos dirige a un sorprendente final.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE MÉRIDA: Programación 2017, por Yolanda Aguas

Se celebrará entre el 5 de julio y el 27 de agosto su sexagésima tercera edición en el Teatro Romano de la capital extremeña.

Siete montajes, seis de ellos estrenos absolutos, y un concierto, constituyen la oferta del certamen.

Esta edición, dirigida por Jesús Cimarro a través de su empresa  Pentación Espectáculos, continúa la apuesta por la nueva creación, con textos inéditos y originales jamás representados en Mérida, como «Séneca» o «La comedia de las mentiras», y nombres emergentes o consolidados del teatro contemporáneo nacional y nuevos en el Teatro Romano emeritense, como el dramaturgo Alberto Conejero o los actores y actrices Ana Wagener, Diego Garrido, Pablo Derqui, Amaia Salamanca, Alba Flores y Ricardo Gómez, entre otros.

Este año la programación se complementará con el Encuentro Internacional sobre «La construcción de la ciudadanía en el teatro clásico griego, sus personajes divinos y humanos».

El encuentro tendrá lugar del 19 al 21 de julio y reunirá en Mérida a figuras del teatro y de la cultura, especialistas y estudiosos nacionales e internacionales, como Carme Portaceli, Anna Caballé, Laura Freixás, Juan José Sánchez Tamayo, Ana de Miguel, Thierry Roisin, Margarita Borja (coordinadora del encuentro), Anne Grummet, Christine Hamilton, Charo Feria y Carmen Magallón, entre otros.

PROGRAMA EN EL TEATRO ROMANO:

«La orestiada», de Esquilo. Versión de Luis García Montero. Dirección: José Carlos Plaza. Intérpretes: Ana Wagener, Juan Fernández, Roberto Álvarez, Amaia Salamanca, Ricardo Gómez, María Isasi y Alberto Berzal. Del 5 al 9 de julio.

«Calígula», de Albert Camus. Dirección: Mario Gas. Intérpretes: Pablo Derqui, Borja Espinosa, Mónica López y Bernart Quintana. Del 12 al 16 de julio.

«Troyanas», de Eurípides. Versión de Alberto Conejero. Dirección: Carme Portaceli. Intérpretes: Aitana Sánchez Gijón, Ernesto Alterio, Alba Flores, Maggie Civantos, Pepa López, Míriam Iscla y Gabriela Flores. Del 19 al 23 de julio.

«Séneca», de Antonio Gala. Dirección: Emilio Hernández. Intérpretes: Diego Garrido, Carmen Linares, Esther Ortega, Eva Rufo, José Luis Sendarrubias, Aka Thiemele, Antonio Valero, Ignasi Vidal y Carolina Yuste. Del 26 al 30 de julio.

«La bella Helena», de Jacques Offenbach. Versión de Miguel Murillo y Ricard Reguant. Dirección: Ricard Reguant. Gisela, Cata Munar, Rocío Madrid, Miriam Queba, Clara Alvarado, Tamara Agudo, Leandro Rivera, Roger Pera, José Antonio Moreno, Joan Carles Bestard, Pablo Romo, Javier Pascual y Mikel Hennet. Del 2 al 6 de agosto.

«La comedia de las mentiras», de Plauto. Versión de Pep Antón Gómez y Sergi Pomermayer. Dirección: Pep Antón Gómez. Intérpretes: Pepón Nieto, María Barranco, Canco Rodríguez, Paco Tous, Raúl Jiménez, Angie Fernández y Marta Guerras. Del 9 al 15 y del 18 al 20 de agosto.

Concierto de Arcángel, Las Nuevas Voces Búlgaras y Ana Moura. 17 de agosto.

«Viriato», de Florián Recio. Dirección: Paco Carrillo. Intérpretes: Fernando Ramos, Ana García, Pedro Montero, Manuel Menárguez, David Gutiérrez, Jesús Manchón, Juan Carlos Tirado, Paca Velardiez y José Francisco Ramos. Del 23 al 27 de agosto.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

UNA GATA SOBRE UN TEJADO DE ZINC CALIENTE (Aut. Tennesse Williams), por Yolanda Aguas

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La obra del genial dramaturgo Tennesse Williams ha sido magníficamente llevada al cine.  Recordemos grandes adaptaciones como: Un tranvía llamado deseo (1951), dirigida por Elia Kazan, Dulce pájaro de juventud (1961), dirigida por Richard Brooks, De repente el último verano (1959), dirigida por Joseph L. Mankiewic, La noche de la iguana (1964), dirigida por John Houston y, por supuesto, La gata sobre el tejado de zinc (1958) dirigida por Richard Brooks.   Ver, una y otra vez, cada una de estas películas es una absoluta delicia.

La gata sobre el tejado de zinc, se encuadra dentro de sus grandes temáticas, inspiradas mayormente por experiencias ligadas a su propia vida: la constante oposición entre la hipocresía y falsedad de los convencionalismos sociales, así como de sus personajes dominantes y agresivos.

La obra se concentra en su inicio en la tensa relación entre Brick y Maggie. Maggie en su profunda sensualidad con la que pretende atraer a su marido y exigir sus derechos como esposa.  Brick muestra una tremenda sequedad amargada y se refugia en el alcohol. Se intuye que un suceso ha sido la causa de tal perturbación. También se define la tensión entre los dos hermanos siempre manifestadas por sus parejas respectivas, Maggie y Mae, quienes constantemente están manifestando su preocupación por la herencia del Imperio Pollitt. Y, finalmente, no tarda en manifestarse una mentira con la que el médico de la familia – quien se la desvela a Brick – oculta la realidad de la enfermedad del abuelo Pollitt y su desahucio.

Esta mentira no hace más que seguir desvelando otras falsedades y frustraciones que acompañan a nuestros personajes. Entre medio nos enteramos de que la tensión entre Brick y Maggie se debe a algo relacionado con un íntimo amigo de Brick, Skiper. El primer desvelamiento le sucede a la abuela Pollitt, quien convencida de que el abuelo está fuera de peligro persiste en una alegría desbordada y sofocante.

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En la versión que vi ayer, Maggie Civantos encarna a Maggie.  Cierto que tiene una misión extremadamente difícil, porque en España su personaje ha sido interpretado por grandes actrices: Aurora Bautista, Carme Elias y Aitana Sánchez-Gijón. Civantos intenta defender su personaje pero, y lamento decirlo, no logra su objetivo.  Para dar vida a este personaje atormentado no basta con salir en ropa interior mostrando su belleza, son necesarias muchas más cosas.  Para empezar algo tan esencial en una actriz de teatro (también de cine y televisión) como una buena dicción.  Apenas pude seguir el texto, hubo demasiados momentos en que era incapaz de entenderle.  La noté “acelerada” y algo insegura.  Seguramente, y con la ayuda de la magnífica directora Amelia Ochandiano, será capaz de pulir y mejorar su interpretación conforme pasen más funciones.  Maggie (el personaje creado por Williams) es fuego, por dentro y por fuera, es energía vital y todo esto no lo vi anoche en su trabajo.

Brick está interpretado por Eloy Azorín al que da vida con más acierto que su compañera.  Muy seguro todo el tiempo, creando junto a Juan Diego la que me parece la mejor escena de esta propuesta teatral de Ochandiano.  El padre, en cierto modo, asume su responsabilidad ante su hijo preocupándose por él. Quiere saber…

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Marta Molina como Mae y José Luis Patiño como Gooper interpretan sus personajes con corrección. Gooper, el hermano mayor, junto a su esposa Mae haciendo méritos para hacerse con la posible herencia del patriarca.  Los dos llenos de ambición.

Dejo para el final a los dos grandes veteranos de la función: Juan Diego como Padre y Ana Marzoa como Madre. Actores que no necesitan presentación porque su prestigio les precede.  Verles de nuevo en un escenario ha sido maravilloso.

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Pienso que siempre es complicado interpretar personajes que los espectadores conocemos tanto.  Sin querer, nos viene el recuerdo de sus antecesores.  Especialmente Burl Ivers, como Big Daddy (que también lo interpretó en la versión teatral de Broadway dirigida por Elia Kazan, con Barbara Bel Geddes y Ben Gazzara en los papeles protagonistas).y Judith Anderson (inolvidable ama de llaves en “Rebeca”), como Mae.  No puedo negar que me encantó ese “reencuentro” con Diego y Marzoa porque les he admirado desde siempre.

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Este nuevo montaje, producción de José Velasco (Zebra Producciones) y dirección de Amelia Ochandiano necesita “más rodaje”.  Como dije anteriormente, las obras están vivas y van evolucionando conforme se hacen más representaciones.  Su directora lo sabe muy bien, y estoy segura que con su toque maestro hará lo necesario para hacer más grande el hermoso texto de Tennesse Williams: “que emula la tragedia griega en el sur de Estados Unidos, un cruce de pasiones y emociones, de odios, asco, ambición, dominio y pasión” como dijo hace años el gran Eduardo Haro Tecglen.

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NOTA:

Todas las fotografías oficiales de “Una gata sobre un tejado de zinc caliente” insertadas en este artículo son propiedad de Zebra Producciones.

Las fotografías de todo el reparto saludando al finalizar la representación, son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

Las fotografías de Juan Diego y Ana Marzoa en el Teatro Principal de Zaragoza , son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

UNA GATA SOBRE UN TEJADO DE ZINC CALIENTE: RdP en Teatro Principal de Zaragoza, por Yolanda Aguas

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Me ha hecho especial ilusión poder saludar hoy al actor Juan Diego.  Disfruté de su trabajo en el montaje que dirigió Carlos Martín, “Ricardo III” para el Teatro Español de Madrid, pero no había tenido la oportunidad de hablar con él desde nuestro primer encuentro.

Fue en Valencia, en octubre de 1990, cuando la desaparecida Mostra de Cine del Mediterráneo dedicó un homenaje al director italiano Marco Ferreri.  Esta mañana, durante la rueda de prensa, le recordé a Juan que fue precisamente él quien me presentó al maestro italiano.

Aquella tarde-noche en Valencia les aseguro que es difícil de olvidar para mí,  porque conocí a Marco Ferreri, Juan Diego, Annie Girardot y Hanna Schygulla.

Anécdota aparte, el magnífico actor andaluz está en Zaragoza porque protagoniza ‘Una gata sobre un tejado de zinc caliente’ que este fin de semana se representa en el Teatro Principal con la dirección de Amelia Ochandiano.

Le acompañan en el escenario los actores Eloy Azorín, Maggie Civantos, José Luis Patiño, Marta Molina y Ana Marzoa (estupenda actriz a quien estos días podemos ver en la serie “Pulsaciones” junto a Pablo Derqui).

Una gata sobre un tejado de zinc caliente es uno de los grandes clásicos del siglo XX, un intenso drama familiar, profundo, honesto, divertido y sensual. Conflictos universales y eternos (la muerte, la mentira, el sexo, la represión, la homosexualidad, la ambición, la frustración) en una de las tormentas familiares más famosas del teatro clásico contemporáneo.

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La tormenta se aproxima y la tensión va subiendo en esta obra maestra de Tennessee Williams, crispando aún más las difíciles relaciones entre todos los miembros de la familia.

La obra maestra de Tennessee Williams  (Cat on a Hot Tin Roof), Premio de la Crítica y por la cual ganó su segundo premio Pulitzer, fue estrenada en 1955 en Broadway con dirección de Elia Kazan. Además es la favorita del autor.

Según nos ha explicado su directora, Amelia Ochandiano, “el objetivo de esta versión es mostrar las facetas más ocultas de cada uno de los personajes, mediante temas actuales como la familia, la pasión, la adicción o el desamor.  Se trata de un grandísimo texto teatral de Tennesse Williams que, así de primeras, apetece.  Es una función muy exigente y muy difícil.  Los personajes pasan por un ejercicio emocional muy elevado porque el autor lo pone al límite.  Viven constantemente al borde de la crisis y estallan una por una”.

 En concreto, surge de una última versión de su clásico que hace en unas conversaciones con el cineasta Elia Kazan, en el que le da una vuelta a la trama y le da más protagonismo a ese abuelo al que da vida Juan Diego, que atraviesa la función de principio a fin y que ha servido para que ambos puedan trabajar juntos por primera vez, algo que ya habían intentado en el pasado.  Tanto Juan Diego como Amelia Ochandiano, han recalcado que esta versión de la obra busca “hablar de asuntos cotidianos de la vida, como la muerte, la vida o la homosexualidad, y todo ello genera una gran crisis dentro de los personajes que forman el núcleo familiar.

Sobre el trabajo que Ochandiano ha realizado con el resto de los actores, ha manifestado que “El reparto es muy diferente, cada uno trabaja con su método, pero el proceso ha sido maravilloso y las crisis han sido todas creativas y no personales”.

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Juan Diego decidió protagonizar esta obra porque su personaje cuenta “una historia que consigue traspasar la barrera entre ficción y realidad, lo que consigue calar en los espectadores.  Este tipo de personajes son imprescindibles para el teatro y la cultura porque consiguen que la gente ría, llore, reflexione… en definitiva, que sienta. Esta es la razón por la que el teatro es necesario en esta sociedad.  Debemos cuidar la cultura.  Es una obligación que va desde nosotros, los actores, hasta los gobernantes, que son los principales responsables”.

En respuesta a la pregunta que le formulé: “¿Qué debe tener un personaje para que usted decida interpretarlo?, el gran actor nos dijo: “La historia ha de servir de algo, que la gente sienta, reflexione, ría y que cumpla así el cometido para el que se hicieron las nobles y bellas artes.  Pido que mi personaje sea verdad, que tenga sus razones, porque de lo contrario es muy difícil estar bien en un texto en el que estás mintiendo”.

La directora, Amelia Ochandiano, está encantada con el trabajo con Juan Diego:

Juan Diego y su personaje aportan la verdad y la defensa de un pensamiento y, al final, es el espectador el que se lleva los puntos de vista y los sentimientos de todos. Al tratar al personaje desde las tripas y la verdad, han aparecido toques distintos, como ciertos puntos de sentido del humor. 

Trabajar con él es un ejemplo, por su dedicación, su entrega, su disciplina y su generosidad.  Juan es un toro de Miura, pero yo también soy tremenda y lo que podría haber acabado como un choque de trenes ha culminado en una relación de confianza desde el primer momento”.

La compañía realizará tres únicas funciones de “Una gata sobre un tejado de zinc caliente” en la capital aragonesa.

La primera será esta tarde a las 20.30 horas, la segunda, sábado 11, a las 20.30 horas y, por último, se representará domingo 12, a las 18.30 horas.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CineT Farö.

 

HAMLET: RdP en TEATRO PRINCIPAL DE ZARAGOZA, por Yolanda Aguas

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Con motivo de las conmemoraciones por el 400 aniversario del fallecimiento de William Shakespeare el pasado año, hubo un número considerable de producciones donde el protagonista era el genial dramaturgo inglés y su magistral obra.   Al hilo de todo ello, la Compañía Nacional de Teatro Clásico y la propia compañía de Miguel del Arco, Kamikaze Producciones, estrenó una nueva versión de “Hamlet” que llega al Teatro Principal de Zaragoza en los primeros días de 2017.  El reparto está formado por: Israel Elejalde, como Hamlet; Ángela Cremonte, como Ofelia; Daniel Freire, como Claudio; Cristóbal Suárez, como Laertes; José Luis Martínez, como Polonio; Jorge Kent, como Horacio, y Ana Wagener, como Gertrudis.

Como saben, Kamikaze Producciones es la compañía fundada por Miguel del Arco junto a su socio Aitor Tejada.

Miguel del Arco es uno de los directores de teatro más importantes de la escena contemporánea española. Entre sus múltiples facetas creativas ha desarrollado su labor como actor, guionista de cine y televisión, productor y director teatral.

La obra “Hamlet” se centra en la historia del príncipe de Dinamarca, que acaba de perder a su padre. Al dolor de la muerte de su progenitor se suma el hecho de que su madre, la reina, se ha casado con el tío de Hamlet, Claudio. El fantasma del rey se aparece ante Hamlet para revelarle un oscuro secreto: fue Claudio quien lo asesinó para ocupar el trono casándose con la reina. El fantasma del rey pide a Hamlet que vengue su muerte matando a Claudio.

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Según han explicado en la rueda de prensa de hoy en el Teatro Principal de Zaragoza, la revisión de la obra de Shakespeare “pretende dialogar con el espectador moderno. Pretendemos que el público se adentre en la mente del personaje y en su reflexión sobre temas como la fragilidad de la razón, el sufrimiento y el dolorQueremos acercarnos y dialogar con el espectador moderno. Por ese motivo, hemos eliminado anacronismos no entendibles hoy en día”.

En la obra participan siete actores, a diferencia de la función clásica que cuenta con muchos más personajes.  Algo que suele ser habitual en los últimos años para reducir los costes de producción.

El actor Israel Elejalde, protagonista de la función, ha hecho hincapié en la voluntad de Miguel del Arco para adentrarse en la mente de Hamlet y no dejar claro si lo que aparece es un fantasma o una elucubración.   El director busca que el espectador reflexione sobre temas como el sufrimiento, el dolor y la fragilidad de la razón. Por otra parte, el espectador podrá comprobar que la separación de lo real e irreal está presente sobre el escenario durante toda la función.

Uno de los principales alicientes de esta obra, por no decir la principal, es la presencia de la actriz Ana Wagener (magnífica en todos sus trabajos).

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La representación de esta obra, que tendrá lugar este viernes y sábado, a las 20.30 horas, y este domingo, a las 18.30 horas.

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NOTA:

Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

La fotografía oficial de HAMELT es propiedad de Kamikaze Producciones.

PANORAMA DESDE EL PUENTE (Aut. Arthur Miller), por Yolanda Aguas

Todavía recuerdo su imponente figura alejándose entre las columnas del Hotel de la Reconquista de Oviedo.  Era ya muy tarde y él estaba cansado.  Caminaba apoyado en un bastón y con la otra mano buscaba el brazo de su acompañante.  Era el año 2002 y había obtenido el Premio Príncipe de Asturias de las Letras.  “Maestro indiscutible del drama contemporáneo que, con independencia de espíritu y notable sentido crítico, ha logrado transmitir desde la escena las inquietudes, los conflictos y las aspiraciones de la sociedad actual, renovando así la permanente lección humanística del mejor teatro”, éstas fueron las palabras con las que el Jurado justificó su elección para tan prestigioso premio internacional.

También se lo pasó fenomenal en las comidas y cenas que compartió con el gran Woody Allen (Premio Príncipe de Asturias de las Artes en esa misma edición).

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“Panorama desde el puente” (A view from the bridge) — le supuso a Miller su segundo Pulitzer después del de 1949 por Muerte de un viajante.  Célebre obra teatral que transcurre en los años cincuenta del pasado siglo, en los suburbios portuarios de Nueva York. En ese decorado, dominado por la imponente presencia del puente de Brooklyn, Miller aborda el drama de los inmigrantes ilegales, sobre cuya existencia precaria y clandestina se cierne la amenaza de los funcionarios de Inmigración y la posible expulsión del país. Tal es el caso de Marco (estupendo Pep Ambrós) y Rodolpho (Marcel Borràs, un agradable descubrimiento para mí), dos jóvenes hermanos sicilianos, huidos de la miseria de su tierra natal, que se refugian en la humilde casa del estibador Eddie Carbone (interpretado por el “emperador” Eduard Fernández).

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Éste, un ser impulsivo, de instintos tan bienintencionados como primarios, vive con su esposa Beatrice (Mercè Pons, que realiza una precisa  y muy contenida interpretación) y una sobrina, Catherine (Marina Salas), una muchacha a la que Eddie quiere proteger obsesivamente del hostil mundo exterior. Entre Catherine y Rodolpho no tarda en surgir una mutua atracción, pero los celos y las sospechas comienzan a atormentar a Eddie y le impulsan a tomar un camino sin retorno.

La figura narrativa del abogado Alfieri (fantástico Jordi Martínez) emerge de la sombra y empieza su monólogo anunciando la tragedia que está a punto de contar. Un narrador que  siempre está presente en escena observando toda la trama de la obra. Esta figura de la tragedia griega que Miller utilizó para dar las reflexiones más filosóficas sobre lo que sucede y sobre la miseria moral del personaje protagonista.

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Como si creara un mecanismo de precisión, Arthur Miller ensambla los elementos de esta tragedia en que se cruzan carácter y destino, traición y culpa, y que, como señala Eduardo Mendoza en el prólogo escrito especialmente para la edición en castellano, “enfrenta al espectador (o al lector) a un constante dilema; enjuiciar una conducta que sabe censurable, pero que difícilmente puede condenar sin reservas”El texto en catalán fue traducido por Joan Sellent, artífice de impecables traducciones a ese bellísimo idioma.

La obra habla de personas, sujetos comunes y corrientes, dándole así carácter universal. El deseo incestuoso, el honor, la legalidad, la intolerancia y los conflictos culturales derivados de la inmigración son expuestos con profunda lucidez. Eddie Carbone se enamora de quien no debe. Al hacerlo, pone en riesgo a su familia y su buena reputación.

Destaco las escenas grupales. La secuencia inicial, la procesión religiosa y el combate de Eddie y Marco se desarrollan con indudable vitalidad. El reparto funciona como una sola unidad resaltando los pasajes más entrañables del montaje.

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El texto de Miller estará siempre asociado con la ruptura de la amistad de su autor con Elia Kazan por la denuncia de éste ante el Comité de Actividades Antiamericanas que el senador MacCarthy dirigió y con la relación del autor con Marilyn Monroe.

La dirección de esta nueva puesta en escena, producción del Teatre Romea,  corre a cargo del francés Georges Lavaudant, prestigioso director escénico que trabaja con regularidad en nuestro país.  En 1999 dirigió a Carme Elias y Lluir Homar en Els gegants de la muntanya” (Los gigantes de la montaña) de Luigi Pirandello en la Sala Gran del TNC,  y en 2006 en Madrid dirigió a Núria Espert y Lluís Homar en “Play Strindberg” de Friedrich Dürrenmatt en el Teatro de la Abadía, entre otros importantes trabajos.

La obra dura 110 minutos que pasan en un suspiro. Inmensa interpretación de Eduard Fernández, que nos ofrece momentos inolvidables.  Destaco sus interactuaciones con el abogado en las que con maestría, contiene la rabia y las lágrimas hasta el momento de permitir que se deslicen sobre su demudado rostro.

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Ayer, tras la función, la compañía mantuvo un animado encuentro con el público asistente.

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NOTA:

Todas las fotografías oficiales de “Panorama desde el puente” son propiedad del Teatre Romea de Barcelona.

Las fotografías de la compañía saludando al final de la representación y posterior coloquio son propiedad de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

Las dos fotografías de la presencia de Arthur Miller en Oviedo son propiedad de sus autores.