PREMIOS MAX (XXI edición), por CineT Farö

Ayer se celebró la XXI edición de los Premios Max de las Artes Escénicas.  Una edición en la que han concurrido un total de 395 espectáculos, de los cuales 137 resultaron candidatos, y 38 llegaron a ser finalistas.

El MAX de Honor fue entregado al dramaturgo Sanchís Sinisterra.

Este es el Palmarés completo:

Mejor espectáculo de teatro
· Solitudes de Kulunka Teatro, S.L.

Mejor espectáculo de danza
· La desnudez de Cía. Daniel Abreu.

Mejor espectáculo musical o lírico
· Tic-Tac de Institut Valencià de Cultura (IVC) y Diputació de València.

Mejor espectáculo de calle
· Meeting point de Ertza.

Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar
· Kiti Kraft de Bambalina Titelles, S.L.

Mejor espectáculo revelación
· Fairfly de La Calòrica y Teatre Tantarantana.

Mejor autoría teatral
· Borja Ortiz de Gondra por Los Gondra (una historia vasca).

Mejor autoría revelación
· Joan Yago por Fairfly.

Mejor adaptación o versión de obra teatral
· Ángel Solo y Adolfo Fernández por En la orilla.

Mejor composición musical para espectáculo escénico
· Luis Miguel Cobo por Solitudes.

Mejor coreografía
· Daniel Abreu por La desnudez.

Mejor dirección de escena
· Julio Manrique por L’Ánec salvatge.

Mejor diseño de espacio escénico
· Elisa Sanz por Bodas de sangre.

Mejor diseño de vestuario
· Maria Araujo por Ricard III.

Mejor diseño de iluminación
· Lola Barroso por Furiosa Escandinavia.

Mejor actriz protagonista
· Pilar Gómez por Emilia (Mujeres que se atreven, 1ª parte).

Mejor actor protagonista
· Nacho Sánchez por Iván y los perros.

Mejor intérprete femenina de danza
· Eva Yerbabuena por Apariencias.

Mejor intérprete masculino de danza
· Daniel Abreu por La desnudez.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículos son propiedad de sus autores.

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CARMEN – Ballet Víctor Ullate (RdP T. Principal Zaragoza), por Yolanda Aguas

El bailarín y coreógrafo zaragozano Víctor Ullate, gran maestro de la danza, tiene claro que visitar el Teatro Principal de la capital aragonesa, ahora con su compañía de ballet, no es ir a un escenario más, porque es en el que debutó y ello conlleva que “siempre es un reto venir a Zaragoza”.

A pesar de haber triunfado en los escenarios más importantes del panorama mundial, Ullate ha afirmado que para él supone la misma responsabilidad que actuar en “la Ópera de París o en el Bolshoi de Moscú”.

“Venir a Zaragoza ha sido un regalo en un momento en el que he decidido dejar el día a día de la compañía, porque me voy a vivir a dos horas de Madrid, y que ya no va a ser como hasta ahora”, ha afirmado durante la presentación de la doble actuación que va a ofrecer su compañía de danza en el recinto de la capital aragonesa, donde se podrá disfrutar de la centenaria obra “Carmen”, una de sus obras más reconocidas y aplaudidas.

Víctor Ullate, junto al gerente del Patronato Municipal de las Artes Escénicas y de la Imagen de Zaragoza, Víctor López, en el Teatro Principal, ha presentado esta nueva representación de su compañía.

No obstante, a pesar de su anunciada salida del día a día de la compañía, Ullate ha explicado su extenso calendario de actividades, que la próxima semana le llevará a Moscú a participar en los premios “Benois de la danse”, donde realizarán una doble intervención con las representaciones de “Carmen” y “El Quijote” y en la que actuarán su hijo Josué y Lucía Lacarra, en la primera, y Polina Semiónova, en la segunda.

Sobre la obra que ofrecerá a los espectadores zaragozanos, siempre exigentes en estas representaciones por la enorme implantación del ballet que hizo en la ciudad la profesora María de Ávila, con quien Ullate arrancó su carrera de danza, el coreógrafo ha calificado la “Carmen” que se verá sobre el escenario como “fuera de uso, una mujer transgresora, libre de pensamiento y acción que pasa de ser una cigarrera a una mujer del mundo que necesita liberarse”.

“Es una Carmen divertida dentro de la tragedia, dentro de una historia muy bonita a la que quería dar encanto”, porque además, ha recordado, “la muerte está presente desde el principio hasta el final”.

Ullate se ha mostrado muy satisfecho por los éxitos que está cosechando esta obra que ya cuenta con una larga trayectoria sobre los escenarios y que desde su estreno en Oviedo, “donde fue un éxito brutal”, allí por donde ha pasado “ha impresionado y ha cautivado”.

Por todo ello, ha subrayado la importancia del vestuario diseñado por Anna Güell y la escenografía de Paco Azorín, que también ha contado con la colaboración de Lucía Lacarra.

Al respecto de su anunciada despedida, como coreógrafo, Ullate ha reconocido que no se va a desligar del todo, porque “la experiencia te hace ser maestro”.

“Los años pasan y ahora es el momento de poder respirar y disfrutar tanto de la compañía como de los alumnos de otra manera. Creo que ya me lo merezco”, ha reflexionado.

También ha apostado por no limitarse por nada, aunque para él “el pasado está muerto, el presente es lo que quiero vivir y el futuro quién sabe lo que puede pasar”.

Ullate ha incidido en que en el mundo de la danza lo ha dado “todo”, pero para llegar a ese punto de rigor, disciplina, trabajo y amor por esta disciplina artística tuvo unos maestros como María de Ávila, “sin quien hoy no estaría aquí”, o Maurice Béjart.

En un rápido repaso a sus grandes obras como Samsara, Wonderland, El amor brujo o Bolero, Ullate ha calificado Carmen como “el broche final”, por lo que ha defendido que “hay que saber acabar a tiempo y decir adiós”.

“Ahora quiero tener más tiempo y poder dedicarme a los demás”, ha concluido.

Por su parte, Víctor López ha subrayado la compañía de Víctor Ullate cierra la programación de danza de esta temporada en el Teatro Principal y ha calificado la representación que ofrecerán como “un lujo de espectáculo”.

Además, ha recordado la importancia de Zaragoza en el mundo de la danza en España, pues se ha convertido en una inagotable fuente de talentos, de la que han salido gente como “Víctor Ullate que es un bailarín, un creador y un formador”.

Víctor Ullate Ballet actuará en el Teatro Principal de Zaragoza los días 2 y 3 de junio.

Regresa a casa, a su teatro, a su ciudad… 

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NOTA: Todas las fotografías publicadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

“Temps Salvatge” de Josep Maria Miró (RdP en el TNC), por Francesc Mazón Camats

Josep Maria Miró  nos pregunta desde el inicio: “¿Este es un sitio bonito para vivir?”

Xavier Albertí, al frente del TNC (Teatre Nacional de Catalunya) y director de la obra, abre el fuego de una intensa rueda de prensa, en el vestíbulo/pecera del Nacional.

Josep Maria Miró un dramaturgo joven, de amplia y reconocida obra, se estrena en la Sala Grande, diez actores magníficos y toda la capacidad del gigantesco escenario al servicio de un autor contemporáneo, un desafío.

La generación de escritores teatrales catalanes que empezó a finales del siglo pasado, después de una larga travesía por el desierto (¡Salve Benet i Jornet!), muchos desde el pequeño espacio de la Beckett, otros en las salas alternativas (entiéndase reducidas o minúsculas, siempre lejos)  han llegado finalmente a la Sala Gran del TNC, un enorme vientre de ballena los espera. Miró será el sexto autor vivo en llegar a la Sala Grande en los 22 años del TNC.

El encargo de una nueva obra hecho a Miró por Albertí, data de dos años, entorno Mayo-Junio del 2016, después del éxito de ”Fum” en la sala pequeña.

Bajo el título emblemático de “Temps salvatge” (atención, Temps en catalán es tanto singular, como plural). Dice Albertí tiempo cronológico y/o meteorológico, este que nos ha tocado vivir. Nos resume el argumento: Comunidad de vecinos, urbanización, piscina, polideportivo, el extrarradio “las afueras” suburbia…cercanos al bosque, a extraños…

Gente de orden, pintadas, amenazas, inmigrantes… Caché/Oculto, el miedo, los rumores y las redes, lo no dicho, las pulsiones ahogadas generadoras de abismos…

Dice Albertí, los dioses de las tragedias griegas y el teatro hace tiempo que se fueron o están muertos y nosotros la generación que ha crecido con los colores, dejando atrás el Blanco y Negro, somos seres humanos temerosos, asustados, en manos de los nuevos Súper Poderes.

Los diez personajes de la obra cuentan con actores no solo de enorme calidad artística, también ética y humana.

Los aquí presentes (todos, menos uno, por los dobletes televisivos) han trabajado durante dos meses, con esfuerzo, hacia dentro, huyendo del melodrama fácil, para encontrar instrumentos éticos que permitan a los personajes vivir y convivir. Redondea una de las actrices, entre todos hemos construido una enorme bola de nieve que ahora empujamos hacia el público.

Albertí pide que nos fijemos en como ese enorme espacio acoge espacios íntimos/interiores y devastados.

Atención al vestuario de la gran María Araujo con un trabajo sutil de los colores a partir de las pinturas de Hockney y Hooper (piscinas y soledad, sol exultante y penumbras interiores).

También al complejo y espectacular trabajo del escenógrafo LLuc Castell.  Albertí ha compuesto la música para un cuarteto de cuerdas.

El Sr. Director con cierta maldad, y mirada reprobatoria del dramaturgo nos destripa partes del múltiple entramado argumental, que puede parecer un melodrama entretejido con elementos del thriller, matiza luego Miró las influencias de Hitchcock y quizás el toque perverso de Haneke.

Cuatro apartamentos, piscina y fiesta en el  polideportivo, bosque cercano, conversaciones simultáneas, segmentación y cambios o saltos temporales. Incomunicación, desorientación e incapacidad de reacción, añade Carme Elias / Mercè.

La vida colectiva es un infierno, pero en el mundo contemporáneo no hay cielo, no hay premio, ni salvación. Toda comunidad se sostiene por el miedo a su propia destrucción, sostiene la filósofa Marina Garcès desde el prólogo de la edición de Tiempo Salvaje. Siempre el miedo, ya nos advertía Brecht, no tengamos miedo, no nos dejemos asustar…

Larga e intensa rueda de prensa, donde se habla del azar y la realidad, de La Manada y las violaciones de jóvenes en Colonia, durante el fin de año…Ofelia ahogada de Millet, a finales del S. XIX… Estos tiempos salvajes actuales nos exigen parar y ser capaces de reflexionar, para poder regenerarnos, nos dice la actriz Miriam Iscla/ Raquel.

El autor, Josep Maria Miró, afirma: Soy Hijo de las Torres Gemelas de New York, pertenezco a la actual generación del Mundo del Miedo.

Pienso, quizás esperando el Big One como los náufragos de Short Cuts 1993 del duo Altman- Carver.

Quizás la respuesta a la pregunta inicial de Miró, nos la dio Malcolm Lowry en el final de Bajo el Volcán. “¿Le gusta este Jardín que es suyo?  Evite que sus Hijos lo destruyan.

Temps Salvatge , Sala Gran TNC del 10 de Mayo al 17 de Junio.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

RdP “EL BURLADOR DE SEVILLA”, por Yolanda Aguas

La directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), Helena Pimenta presentó ayer en su sede del Teatro de la Comedia en Madrid la obra de Tirso de Molina dirigida, en esta ocasión, por Josep Maria Mestres.

En el momento de escribir este artículo, todavía no es seguro que el estreno previsto para hoy viernes se producirá o no.  Todo indica que los anunciados paros de los trabajadores del Inaem contra la fusión del Teatro Real y la Zarzuela impedirán, según fuentes sindicales, que se pueda llevar a cabo la función.

Borja Ortiz de Gondra da voz a la mujer en esta nueva versión del clásico de Tirso de Molina.  El dramaturgo ahonda desde la actualidad en el abuso y la injusticia hacia la mujer y saca a la luz la palabra olvidada de las víctimas que el arrogante seductor va dejando a su paso.  Ortiz de Gondra ha querido resaltar el papel y el valor de “mujeres que no son pobres, ni vírgenes; mujeres que tienen voluntad, saben lo que quieren y algunas incluso son burladoras”.

No me ha quedado más remedio que quebrar el silencio y conceder a esas mujeres -burladas y enmudecidas- el verbo que Tirso no quiso prestarles. Descubriendo que que Isabela es una burladora burlada a quien don Juan atrapa en su propio juego; que Tisbea es una arrebatada de amor que da el primer paso para seducirle invitándole a su cabaña y que Aminta es una aldeana que se deja deslumbrar por el ascenso social que le ofrece el caballero. Solo en el caso de doña Ana el silencio era escandaloso: la única mujer realmente forzada contra su voluntad en toda la obra no es en el original más que una ‘voz dentro’ a la que nunca se ve”,

Afirmando Ortiz de Gondra, que se vale de un soneto del propio Tirso para poner “carne y sangre en el escenario”.

Como ha explicado Helena Pimenta, la acción se traslada a la actualidad que Tirso imaginó hace cuatrocientos años, acentuando las distintas facetas de un mito que enfrenta a laos miedos y pasiones del individuo como miembro de la sociedad.

Según afirmó el director, Josep Maria Mestres, parte de la idea de que “todos somos don Juan de una manera u otra y pone de relieve una psicopatía cotidiana que pasa cuando nos deja de importar el otro. En este – Burlador – la peripecia de don Juan inquieta e intranquiliza y esa es su valiosa utilidad. Las mujeres de esta obra son de una modernidad radical para su época; son activas y denuncian a su agresor y descubren convicciones y comportamientos machistas seculares”.

Además, destaca la relación entre don Juan y su padre para subrayar “el terrible dolor paterno” y mostrar a dos seres humanos “incapaces de mirarse a los ojos, porque ambos saben que ya nada tiene remedio”.

Para Raúl Prieto, que interpreta al burlador, las mujeres de esta obra “no solo denuncian y ponen en evidencia los actos de don Juan sino que están llenas de voluntad y pasiones”.

Durante la intervención de Josep Maria Mestres, destacó el trabajo realizado con su equipo artístico al completo: Sonido, Iluminación y Vestuario, señalando que casi forman una familia por la continuidad de sus colaboraciones.

La obra podrá verse en el Teatro de la Comedia de Madrid hasta el 3 de junio de 2018.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

CALÍGULA (Aut. Albert Camus), por Yolanda Aguas

Recomiendo que vean un fantástico documental dedicado a la figura de “Calígula” en el que la profesora Mary Beard se embarca en un viaje de investigación para explorar la vida y los tiempos de Cayo Julio César Augustus Germanicus (Calígula), uno de los personajes más célebres de la historia.  Está considerado como el tirano más caprichoso de Roma y las historias contadas sobre él son de lo más extraordinario sobre cualquier emperador romano.

Se dice que hizo de su caballo un cónsul, se proclamó Dios vivo y se entregó a orgías escandalosas, incluso con sus tres hermanas, y eso es antes de mencionar la construcción de grandes puentes sobre la tierra y el mar, la prostitución de las esposas de los senadores y la matanza de la mitad la élite romana aparentemente por un capricho.

Todo eso en sólo cuatro cortos años en el poder antes de un violento y rápido asesinato en un callejón de su propio palacio a los 29 años de edad. El documental coloca a Calígula en el contexto de su época para revelar una asombrosa historia de asesinato, intriga y poder familiar dinástico.

Revela, además, un retrato más intrigante no sólo del monstruo sino también del hombre.

Llega ahora un nuevo montaje teatral del texto de Albert Camus, con dirección de Mario Gas.  Se trata de una coproducción entre el Teatro Romea, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y el Grec 2017.

Suetonio, un escritor romano que es uno de los maestros del género biográfico del mundo antiguo, dejó para la posteridad un retrato del tercer emperador romano, Cayo Julio César Augusto Germánico, que ha pasado a la historia con su sobrenombre infantil: Calígula. El escritor Albert Camus, uno de los autores imprescindibles de la Francia del siglo XX y premio Nobel de Literatura en 1957, partió de este retrato para crear una pieza teatral que es, de hecho, un conjunto de obras integradas en una sola.

El protagonista se enfrenta al absurdo de la existencia (uno de los temas clave en la obra de Camus) tras la muerte de su hermana y amante, Drusila, y en un intento de demostrar la mortalidad e infelicidad humanas, somete a sus súbditos a todo tipo de horrores y persecuciones.

En el momento álgido de su locura, Pablo Derqui (fascinante  y poderoso como actor) se transforma en David Bowie bailando y cantando uno de sus más célebres temas: Let’s Dance.  Junto a él en este gran momento de la obra, están Mónica López (Joker) y Xavier Ripoll (la Máscara).  Están estos dos últimos brillantes, no olviden que López es protagonista habitual de los montajes musicales de Mario Gas.

Mónica López es Cesonia, amante, cómplice, confidente y, también, víctima, de Cayo. Maravillosa actriz. Nacida en las Islas Canarias y afincada en Barcelona desde hace muchos años.  Es referente en el mejor teatro catalán. Respetadísima y de gran prestigio entre sus compañeros. Admirada por el público más exigente.  Colaboradora y amiga de Mario Gas, con el que ha trabajado como actriz y cantante en números montajes. También ha sido ayudante de dirección de Gas, como en “Las Troyanas”.  Deslumbró con el espectáculo: “Golfus de Roma” estrenado el 28 de julio de 1993 en el Teatro Romano de Mérida.

Cumplen muy bien en sus respectivos trabajos Xavier Ripoll (Helicón), Bernat Quintana (unas veces) y Carlos Cuevas (otras) (Escipión), Borja Espinosa (Quereas).  Pep FerrerPep MolinaAnabel Moreno y Ricardo Moya que dan vida a diversos personajes en el transcurso del espectáculo, unas veces senadores y otras vulgo pueblo.  En la función que vi en el Teatro Principal de Zaragoza, fue el actor Carlos Cuevas quien dio vida a Escipión.  Joven actor, tan sólo tiene 22 años, que también participó en una de las grandes obras del mejor teatro catalán: “Barcelona” de Pere Riera, estrenada en 2013 en la Sala Gran del TNC.

El Calígula de Albert Camus era un hombre que quería la Luna y cambiar el destino con su crueldad.  Durante la obra y de la magistral mano de Pablo Derqui, vemos cómo el hombre se va transformando en un monstruo.  Derqui logra el milagro con su voz, sus movimientos corporales y, especialmente, con su mirada.  Hagan lo posible por estar sentados en las primeras filas de los teatros, lo agradecerán.

Si tuvieron la fortuna de ver a José María Rodero interpretando a “Calígula” pensarán que es imposible superar (o tan siquiera igualar) aquella inolvidable interpretación. Cierto que no lo es, pero si alguien podía intentarlo era únicamente Pablo Derqui.  En silencio, trabajando con rigor, seriedad y mucha verdad, el actor catalán se ha convertido ya en nuestro mejor actorLe he visto muchas veces en teatro (“Desde Berlín” con Lima fue otra magistral creación), pero creo que este Calígula es su mejor trabajo.

Mientras Calígula agoniza, grita: “Todavía estoy vivo” y nosotros decimos, ante este actor inmenso:

DERQUI… ¡Por todos los Dioses¡

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NOTA:

Las fotografías oficiales de la obra insertadas en este artículo son autoría de David Ruano.

Las dos fotografías de los actores (saludando al finalizar la representación y de Mónica Lopez y Pablo Derqui antes de salir a escena) son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

 

NATALIA MENÉNDEZ (Entrevista), por Yolanda Aguas

El encuentro con Natalia Menéndez ha sido un regalo inesperado.  Largamente anhelado, es cierto, pero ha llegado como los primeros rayos de sol tras muchos días de niebla.

Sabía que iba a disfrutar mucho escuchándola.  Lleva muchos años demostrando su talento, su sensibilidad y su profunda inteligencia. 

Les invito a leer esta conversación, les aseguro que su discurso es de gran calado.

Permíteme iniciar esta conversación contigo con una pregunta relacionada con la educación que todos los niños deberían recibir para fomentar su amor al teatro.

Tú no eras todavía la Directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, pero en 2006, Vanessa Redgrave recibió el Premio Corral de Comedias, dotado con 20.000 euros, y lo donó para la realización de un proyecto en los institutos de Secundaria de Castilla-La Mancha, que sirviera para formar a los niños en el mundo del teatro.  En aquel momento ella manifestó “Intento hacer con el teatro lo mismo que Daniel Baremboin con la música, que ha unido a jóvenes árabes, israelíes y palestinos”.

¡Maravilloso proyecto¡

Durante tu gestión al frente del festival, me gustaría preguntarte si estuvo vigente aquel programa (u otros parecidos) en el que 20 niños – escolares de 11 a 12 años – participaron en un taller impartido por el grupo Sala Cuarta Pared.

Y si no lo estuvo, ¿qué otras actuaciones similares llevaste a cabo al respecto?

En lo que se refiere al 2010 en adelante, hasta que terminó mi trabajo en el Festival I.T.C. de Almagro, creamos un certamen de teatro que se llamaba Barroco Infantil.  Era un certamen internacional donde además creamos por primera vez en España un Jurado mixto (tres niños y tres adultos).  Gracias  a esta primera vez nos copiaron muchos, que era lo que yo quería…

Estos tres niños elegidos en los tres colegios públicos de Almagro, a través de dibujos, poemas o lo que quisieran para que reflejaran lo que era para ellos el Festival y también para escucharles.  A todos los niños que habían participado se les ofrecía ver un espectáculo de teatro y a estos tres elegidos, y a lo largo de esos seis días que duraba el certamen Barroco Infantil, se les daba como una especie de taller o master class (como se le quiera llamar) en torno al teatro.

Se les enseñaba el teatro, el jefe técnico les contaba para qué servía cada cosa, se les explicaba quién era un figurinista, un escenógrafo, un iluminador, etc.  De alguna manera, ellos tenían que empezar a aprender cómo valorar los espectáculos y por ellos, luego había una cena en la que yo estaba invitada a escucharles (tanto a los adultos como a los pequeños) y realmente se les consideraba absolutamente.

Estos tres niños, no tanto por cantidad sino por la calidad que se impartía hacia ellos, yo creo que fue una actuación muy importante.  Creo que se han quedado impregnados, no para que sean actores, sino para que disfruten del teatro en su vida.  A mí lo del espectador del mañana no me interesa, me interesa el espectador de hoy. También buscamos (y lo conseguimos) que en ese certamen existiera el patrocinio de unas cuñas para que ellos estuvieran bien sentados.  Es decir, intentar buscar la comodidad del niño para que disfruten mejor del teatro.  Y luego eso, un aprendizaje a tres niños por año.

Ernesto Caballero manifestaba hace unos meses que: “La buena cultura es al mismo tiempo progresista, porque abre nuevos caminos, y conservadora, porque preserva una tradición”.

¿Qué opinas al respecto? ¿La izquierda tiene más sensibilidad hacia la cultura o es un tópico que no siempre se aproxima a la realidad?

Es que a mí los calificativos de progresista…  (reflexiona unos segundos).

Tal vez Ernesto Caballero al ser autor maneja mucho mejor las palabras que yo…  Creo que la mirada hacia el pasado es fundamental, que los clásicos con clásicos porque nos sobreviven, nos interrogan, nos proponen, nos sacuden, nos vapulean hoy.  Y también el ser creador significa que debemos de tener una mirada para mí no forzada. Para otros creadores sí debe ser forzada y debe ser fuerte.

Y respondiendo a la segunda parte de tu pregunta, no sé si te quieres referir a los políticos o a los creadores…  Si es a los políticos te diré que no, en absoluto.  No creo en absoluto en que la izquierda apueste más por la cultura que la derecha.

¡Qué interesante lo que dices¡

No lo creo en absoluto.  Creo en los políticos, en personas concretas que tienen y que saben lo que significa la cultura y el beneficio que procura a la sociedad: económica, material e inmaterial.  Finalmente se traduce en una calidad de vida.  Y esto, en absoluto, creo que tenga que ver con la izquierda.

Si te refieres a los creadores, de izquierda y de derecha, creo que hay muchos creadores de izquierdas que no lo son.  Creo en creadores que hacen evolucionar la cultura, que dan un punto de vista, que se atreven y que se arriesgan.  Y no sé si eso tiene que ver con la izquierda o con la derecha.

Citando de nuevo a la gran Vanessa Redgrave (un referente de vida para nosotros): “Sigo en el teatro porque lo considero vital para la resistencia del hombre, para la supervivencia del espíritu humano.  La primera vez que presencié el asedio de Sarajevo, durante y después de la guerra, entendí que la vocación del teatro, en todas sus formas, es la supervivencia del hombre”.

Natalia, ¿qué tiene el teatro para ti para que sea el eje de tu vida?

¡Es esencial¡ Es la médula, es el contacto entre una sociedad y tú. Es el calor o el frío que provocamos siendo espectadores y creadores.  Las Artes Escénicas, no diría sólo el Teatro, es el único lugar donde realmente se produce un encuentro real, físico…  Y eso, en estos momentos, me parece que es absolutamente necesario.

Eres actriz, directora, dramaturga, gestora…   Observando tu carrera, es evidente qué Natalia se ha sacrificado más para que las otras crecieran y crecieran…

¿Ha sido un precio demasiado alto para ti el sacrificio que ha hecho la actriz? o ¿los resultados en las otras tres facetas creativas te compensan?

Me compensan absolutamente… Desde pequeña leyendo los textos o viendo el teatro, nunca lo he hecho desde un lado sino desde múltiples lados.  A veces, ya dirigiendo, me colocaba actuando, a veces quería cambiar el texto, a veces quería ubicarlo en un espacio,   Es decir, que no es casual todo esto, y todas las demás profesiones que evidentemente no están reflejadas pero por las que sí he pasado.  Lo que me ha interesado sobretodo es el camino.  El camino y los proyectos: con quién los realizo y conocer bien, un poco de una manera renacentista.

De la sabiduría profesional en las Artes Escénicas que ya atesoras ¿Qué te habría gustado saber al dar tus primeros pasos?

Creo sinceramente que han sido muy necesarios los peldaños y todos los pasos que he dado. Cuando he hecho figuración como actriz, cuando he hecho ayudantías y auxiliares de dirección y de producción, cuando he manipulado una mesa de sonido o de luces y he colocado un decorado…  Salvo la parte, digamos, visual que yo no sé tejer ni sé dibujar… Salvo esa parte (¡que me hubiera encantado¡) así como cantar o tocar un instrumento que es lo que me falta… Todo ha sido necesario.

Soy una persona lenta.  Ambiciosa pero lenta, porque me interesa el camino. Si se ve el trayecto que yo llevo y cómo lo he ido haciendo, cómo acepté el primer protagónico después de muchos años de haber actuado y que fue “La discreta enamorada”…

Con Berta Riaza…

Sí.  ¡Antes habían pasado muchas obras¡  Es decir, a mí no me corre prisa.  Lo que me corre es mucha curiosidad por el cuerpo.

Dante habló en “La Divina Comedia” de los temas que envuelven al ser humano: el amor, la culpa, el castigo, la venganza, la redención…

¿Hay algún otro texto, si no es éste, que te gustaría poner en escena que presente estos temas?  Ese texto que tú sueñas montar…

Yo quiero montar “La vida es sueño”.  Es uno de mis textos soñados.  Yo diría que el sexo (como deseo), el poder y el miedo, probablemente sean los tres temas para mí más interesantes.

Si les preguntara a tus amigos, ¿qué crees que destacarían ellos de ti?

Supongo que dirían el humor, porque yo lo necesito para vivir, supongo que dirían la generosidad…  (guarda silencio) y la curiosidad.

Y a tí ¿qué te gustaría que ellos destacaran?

Eso también…  Creo que sí.  Quizá la sencillez, aunque a veces me complico un poco la vida.  Puede que la honestidad, pero es que eso me gustaría que no fuera un valor sino que estuviera ya dentro.

Natalia, ¿con qué tipo de personas te gusta rodearte? (Humana y profesionalmente)

Me gusta la gente que es plata.  En el código gitano, la persona que habla en plata es la persona que es honesta.  Que esas personas tengan humor y ganas de vivir.

Es la primera vez que hablamos, y no puedo evitar preguntarte por tu padre.

(1991) “Oportunidad: bonito chalet familiar” Aut. Juan José Alonso Millán

Estreno: 16-01-1991 en el Teatro Maravillas de Madrid.

Dirección: Juanjo Menéndez  Intérpretes: Natalia Menéndez…

(1999) “La mirada”  Aut. Yolanda Pallín

Estreno: 1-02-1999 en la Sala Manuel de Falla de la S.G.A.E. Madrid

Dirección: Natalia Menéndez  Intérpretes: Juanjo Menéndez…

Me encantaría saber, Natalia, qué pasaba por aquel padre y aquella hija cuando trabajaron juntos en teatro, él dirigiendo, y especialmente, cuando fuiste tú la que le dirigió a él.

¿Qué sensaciones te quedan de aquellos momentos?

En “Oportunidad: bonito chalet familiar”, no sólo me dirigía él sino que yo era su ayudante de dirección y además estábamos los dos en el escenario.  Y en la función hacíamos también de padre y de hija.  Yo tenía que romper el miedo y mi preocupación de ser “hija de”.  Tenía que romper ya esa idea.  Para mí era muy personal y muy importante hacer teatro de vodevil, teatro comercial con él.  El texto era un divertimento y tenía que hacerlo.

Él y yo tuvimos siempre una relación empática brutal. Trabajos juntos mucho, él me enseñó el placer de la lectura de los autores del Siglo de Oro: Quevedo, Góngora, Lope de Vega, Calderón y, sobretodo, Cervantes.

Trabajamos mucho a la sombra, pero para mí hacía falta un reconocimiento, como: “’¡Ya¡  Ya lo he hecho”.  Era como una especie de demostración.  Y duré como cuarenta días, porque recuerdo que el estreno fue cuando estalló la Guerra del Golfo y duré los cuarenta días de esa guerra porque enseguida entré en la CNTC (Compañía Nacional de Teatro Clásico).  Y él lo aceptó de una manera ¡tan generosa¡  Él sabía lo que yo estaba haciendo en ese momento y lo que yo quería hacer.  Era un poco como quitarme ese peso.

En cambio, en la segunda vez, con “La mirada” me emocionó profundamente.  Él ya estaba enfermo de Alzheimer y fue el último trabajo que él hizo.  Él estaba muy perdido y yo le di la oportunidad de recuperar el estar con un texto de Yolanda Pallín y con unos actores que fueron de una gran generosidad.  Me da mucha ternura ese último momento porque realmente fue su último paso con un texto teatral.  Fue una lectura dramatizada pero que tenía mucho movimiento.

Yo siempre le he visto como un padre más que como un actor.  El actor, está claro que estaba pero para mí era un padre y eso me emociona más.

Durante tu faceta como actriz, has trabajado con Charo Soriano (en dos ocasiones), nombrábamos antes a Berta Riaza, Enric Majó… 

Lola Herrera, Arturo Fernández…

¿Qué te enseñaron estos grandes maestros?

¡Tantas cosas¡  Yo he dirigido a Agustín González, he trabajado con Aurora Redondo, Mari Carmen Prendes, Aurora Bautista, María Isbert, Jesús Puente…

¡Es que es una generación tan bestia¡ Adolfo Marsillach, que he sido amiga suya, también de Pilar Miró…  María Jesús Valdés, Julieta Serrano…

A todas estas personas, si hay algo que les une a todos y a todas, es su coraje y su entrega.  Quiero nombrar también a Marisa Paredes, Maria Fernanda D’Ocón…

¡Qué grandes¡

Aunque son de diferente generación, son personas muy potentes.  Es que son personas que en el trabajo han conocido lo que es deslomarse, dejarse la piel…

Arturo Fernández es una persona que quiero muchísimo.  Está en activo y lo nombro porque probablemente con él muera un caballero a la hora de hacer un tipo de teatro que va a desaparecer. Es un hombre que está acostumbrado a hacer tres funciones diarias.

María Isbert, que aprendió inglés para sacar a su hijo de la cárcel…  Son personas que no han tenido miedo.  Han vivido la guerra, han vivido la postguerra, han vivido el hambre…

Florinda Chico… Gente que ha sido “peleona”, te podían caer mejor o peor como personas, pero han luchado, han combatido…  y cada uno ha tirado para adelante.

Recuerdo una frase de mi padre que me decía: “No lo pienses, ¡hazlo¡”, porque yo pensaba mucho las cosas, meditaba mucho… Demasiado.

Con Miguel Narros y Andrea D’Odorico hiciste “La doble inconstancia” (1993) de Marivaux.

En 2004, obtienes el Diploma de Estudios Avanzados (Universidad Carlos III de Madrid) con tu Tesina: “Las falsas confidencias de Marivaux, traducción, notas y análisis crítico”.

Mi pregunta es doble:

¿Qué significó para tí participar en aquel inolvidable montaje?

¿Por qué Marivaux para tu Tesina?

¡Me encantan estas preguntas¡ Me encantan… (sonríe)

Además de ser hija de quién soy, soy sobrina de Jean-Pierre Miquel (Director de la  Comédie-Française, Director del Théâtre de l’Odéon, Director del Conservatorio de París), con el que también tuve una empatía brutal.   Mi padre y él murieron los dos en el año 2003.  Son dos personas que han sido pilares en mi vida, han sido faros.  Ya digo, Cervantes por un lado y, de pronto, Marivaux por otro.

Quien me descubre a Marivaux es Jean-Pierre Miquel, y da la casualidad que yo quería trabajar con Miguel Narros.  Me parecía alguien muy importante, era un director que me gustaba mucho porque se fijaba en esos textos y por su forma de dirigir. Cuando me llamó me hizo una prueba para el Marivaux y pensé “¡Qué maravilla¡”.

En ese montaje de 1993 estaban: Carme Elias, Ana Gracia, Antonio Valero…

Sí, pero yo no sabía el reparto cuando hice la prueba…  Entonces, me dicen: “Vas a ser la hermana pequeña de Carme Elias”.  Pensé: “’¡Madre mía¡”

Estaba también Ginés García Millán (prácticamente arrancamos juntos en la profesión, éramos tan jóvenes…).

Hicimos una gira muy larga, pero con Carme tuvimos una relación maravillosa.  Fue una obra que viví a fondo, con ese elenco… En particular con Carme a quien cogí un cariño enorme.  Luego nos hemos perdido más de vista…

Sí, no habéis vuelto a trabajar juntas en teatro…

No. Hubo una oportunidad para hacerlo pero en ese momento yo no me sentí capacitada.

Por eso te digo que yo he hecho una carrera muy lenta.  Cuando no me he visto capacitada porque no podía aportar nada he desistido.

En “La doble inconstancia” estaba también Andrea D’Odorico…

Sí.  Conocer a Andrea fue importantísimo en mi vida.  De hecho, cuando fallece Miguel Narros, a la primera persona que Andrea le ofrece dirigir desde su productora es a mí.

Hicimos el Pirandello (“Tantas voces”)…  Andrea fue otro pilar de mi vida… me provocaba leer, era un tipo muy vehemente pero con un amor brutal por el teatro.

Me dio la oportunidad de dirigir ese Pirandello que a mí no se me olvidará nunca.

Natalia, has estado rodeada de figuras esenciales en nuestra escena…

He tenido mucha paciencia para elegir a la gente aunque la gente pareciera que me elegía a mí (sonríe).

La idea es que yo me colocaba en un lugar para intentar encontrar esas oportunidades.

No me importaba hacer pruebas… es más, María Jesús Valdés me preparó la prueba para entrar en la CNTC.  ¡Yo quería entrar en la Compañía¡  Yo se lo pregunté a María Jesús: “¿Me preparas?”.  Estuvimos tres días preparando la prueba.  Cuando llegué el resto de mis compañeras no se sabían ni el texto.

Yo sí me he preparado mucho las pruebas, he hecho muchas.  Nunca he tenido ningún tipo de problema en que me examinaran.

María Jesús Valdés… “El cerco de Leningrado”, “La visita de la vieja dama”… ¡qué barbaridad¡

¡Qué barbaridad¡  (reímos)

Una mujer sensacional, muy generosa, muy amiga de mis padres…

Hace unas semanas entrevisté a María Araujo, la gran figurinista de nuestras Artes Escénicas.  Has trabajado con ella en siete ocasiones:

(2007) El curioso impertinente, (2007) La sospecha, (2009) Música clásica, (2010) Realidad, (2013) La amante inglesa, (2015) No feu bromes amb l’amor y (2017) La Villana.

La pregunta es obligada y además me encanta hacértela: ¿Qué seguridad encuentras en ella para pedirle que sea una colaborada tan próxima a ti?

¿Qué destacas en su forma de trabajar y en su creatividad?

Con “El curioso impertinente” la cuestión fue que el escenógrafo era Joaquim Roy.  Yo siempre pregunto al escenógrafo con quién quiere trabajar, sobre todo al principio, o a quién quiere como iluminador porque entiendo que se tiene que llevar bien con ese triángulo.  Quim me propuso tres figurinistas.  Yo buscaba el rojo, necesita el rojo…

¡El color preferido de María¡ 

¡Claro¡  Yo necesitaba que la actriz, en un momento dado, Nuria Mencía tuviera un vestido rojo.  Lo tenía clarísimo que debía ser rojo.   ¡Y el rojo de María me dejó loca¡

Cuando le llamé me preguntó: “¿Por qué me has elegido a mí?”.  Y yo le respondí: “Por el rojo”.

Desde el principio, nuestra colaboración fue un flechazo. Fue un entendimiento brutal, ella fue muy sincera, yo fui muy sincera…

Lo bonito es trabajar desde la plata, desde la sinceridad, desde la honestidad…  De decirnos todo y poder “achuchar”.

Cuando estás con gente que es muchísimo más importante que tú en su materia todo es más fácil.  ¡Con María lo es¡

Es lo que tiene que ser, tienes que coger a gente muy grande para que te ayude a crecer y poderles pedir tus sueños y que ellos los hagan el tripe de grandes.

María me dice: “Es que tú siempre me pides cosas… de pronto me pides animales…”.

Sí, le pido animales, le pido plantas…

Flores…

¡Claro¡ Le pido cosas que para mí son muy importantes.

Y lo que se ha producido con María es que ya existe también una amistad. Nos conocemos mucho y yo sé cómo se toma el trabajo, la importancia que le da, la imaginación que tiene.  Tiene mucha imaginación, pero tiene mucho rigor al tiempo…  Me gusta mucho.  Y es una grande de las grandes del teatro, y no digo sólo de España.

Natalia, para terminar este encuentro por hoy… 

Un sueño-deseo profesional y personal…

Un deseo profesional sería dirigir ¡una gran comedia¡  La autoría actual no apuesta por la comedia porque creo que es más fácil escribir drama o tragedia que escribir comedia.  Y porque además en la profesión está como desmerecida la comedia, pero al público le fascina.  A mí me encantaría encontrar una comedia actual.  Ese sería un sueño profesional: dirigirla y actuar también.

¿Quieres retomar tu faceta como actriz?

Sí, pero no a cualquier precio.

¿Y un sueño personal? No perder la calma ni la alegría.

Muchísimas gracias…

Un placer.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

TEBAS LAND: RdP en T. Principal de Zaragoza, por Yolanda Aguas

Hoy se ha presentado en rueda de prensa, en el Espacio Mariano Cariñena del Teatro Principal de Zaragoza, la obra Tebas Land que se representará en el Teatro del Mercado del 19 al 21 de enero.

Han asistido el Gerente del Patronato de las Artes Escénicas y de la Imagen, Víctor López, la directora del montaje, Natalia Menéndez, y los dos protagonistas: Israel Elejalde y Pablo Espinosa.

Tomando como tema central la figura del parricidio, el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco escribe su pieza de teatro Tebas Land, inspirada en el legendario mito de Edipo, en la vida del santo europeo del siglo IV San Martín y en un expediente jurídico creado e imaginado por el propio Blanco en el cual se narra el juicio de un joven parricida llamado Martín Santos.

A partir de los distintos encuentros que mantienen en la cancha de baloncesto de una prisión este joven parricida y un dramaturgo que trata de escribir la historia de dicho crimen, Tebas Land irá poco a poco centrándose no tanto en la reconstrucción del parricidio como en la representación escénica de los encuentros entre ambos personajes. De este modo, la pregunta inicial que abre la pieza, “¿cómo es posible matar a alguien?”, será reemplazada por la pregunta final “¿cómo es posible representar a alguien?”

Tebas Land se aleja así de la dimensión ética del parricidio para concentrarse en las posibilidades estéticas de su representación y ofrecer finalmente una bella tesis sobre el acontecer teatral.

Tanto para la directora, Natalia Menéndez, como para el actor protagonista, Israel Elejalde, piensan que la obra llegará especialmente al público de Zaragoza, al que ambos han calificado como de “muy entendido” en teatro.

La obra se estrenó en Madrid el pasado 10 de noviembre de 2017, con éxito rotundo de público y crítica.  Ahora inician una gira ante la que se muestran muy ilusionados.

Tebas Land es la primera obra que  Menéndez dirige tras dejar la dirección del Festival de Almagro y ha sido así porque es el texto que más le ha removido de cuantos ha leído en el siglo XXI, centrado en una tragedia inquietante y curativa para poder entender su propia vida. “Es una obra que habla de las posibilidades que tiene una persona que se siente bien tratada y que recibe una segunda oportunidad después de haber pasado por momentos complicados en su vida”.

Israel Elejalde ha dicho que la obra tiene una carpintería teatral perfecta porque trata varios temas de forma sencilla, que no es lo mismo que decir simple.

Como la necesidad de abandonar los prejuicios que solemos tener contra quienes no habitan en nuestro círculo más cercano. Por ello decidió aceptar este proyecto de entre los muchos textos que tiene la oportunidad de elegir.

El actor alicantino Pablo Espinosa, conocido por series de televisión como “Física y química” o “El secreto de Puente Viejo”, interpreta a un joven parricida.  El actor ha manifestado: “Ha sido un reto para mí porque cada vez que te toca interpretar un personaje te toca también ahondar en su realidad y en su mundo, y para mí ha sido un antes un después porque tampoco me había planteado todas estas cuestiones”.

Como hemos comentado al comienzo de este artículo, el montaje se podrá ver en el Teatro del Mercado este viernes, día 19 (a las 20.30), el sábado 20 (a las 20.30) y  el domingo 21 (a las 18.30).

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.