MRS. DALLOWAY (Autora: Virginia Woolf)

Texto: Yolanda Aguas

Fotografías del reparto saludando: Yolanda Aguas

Fotografías oficiales de “Mrs. Dalloway”: Sergio Parra

Tengo delante de mi escritorio una fotografía de Virginia Woolf.  Se trata del famoso retrato que le hizo George Charles Beresford (en Julio de 1902) cuando ella tenía veinte años.  La lámina, en Platinum Print, es propiedad de la National Portrait Gallery (Londres).

Menciono este detalle antes de escribir mi artículo sobre la función que vi ayer, martes 9 de abril, en el Teatro Español de Madrid porque la obra de Virginia Woolf ha sido y es muy importante para mí.

Añado también que “The Hours” de Stephen Daldry es una de mis películas preferidas, así como “Mrs. Dalloway” de Marleen Gorris.  Y añado que creo firmemente que nadie podrá interpretar mejor que Vanessa Redgrave el personaje de Clarissa DallowaySu monólogo en la ventana durante la fiesta es magistral e insuperable.

“MRS. DALLOWAY” de Carme Portaceli

No descubro nada nuevo cuando digo que la Portaceli es una de los directores de escena más brillantes de nuestro país. Su trayectoria así lo avala. Ha firmado montajes magníficos: “La rosa tatuada”, “Sólo son mujeres”, “Jane Eyre”, “Troyanas”, “Frankenstein”, “Prometeo”…

Estoy segura que para ella, la obra de Woolf es tan importante como para millones de mujeres que nos hemos sentido “cobijadas e inspiradas” por la vida y obra de la gran escritora anglosajona.  Seguro que ama el libro “Mrs. Dalloway” y también creo que ha puesto toda su sabiduría y su corazón en este montaje para el Teatro Español.

A lo largo de la hora y media de función se intercalan momentos muy brillantes y emotivos con otros de cierta tibieza.  De ahí que no puedo afirmar que éste sea uno montaje “redondo”.  Con todo, la fuerza de los intérpretes proporciona a la función ese peldaño de más que la dramaturgia no tiene.  No es demasiado grave, pero esa tibieza existe y debo expresarlo.  Lo siento de verdad, me hubiera gustado afirmar que estábamos ante un montaje histórico: la autora, la directora, la actriz protagonista y el Teatro Español así lo merecen.

La Portaceli se ha arriesgado introduciendo elementos que desconciertan y nadie negará que ha sido valiente en su propuesta teatral.  El segundo número musical,  instantes antes del inicio de la fiesta, no era necesario ya que produce un efecto de “desconexión” emocional con la historia que estábamos viendo hasta ese momento.

Por lo demás, ya conocemos la historia que Woolf escribió.  Es una de las más importantes de la Literatura Universal.  Una joya de la Literatura.  Lectura imprescindible.  Vivir y amar.  Amar y sufrir. El precio y los peajes que cada ser humano, especialmente cada mujer, debe pagar y transitar a lo largo de su vida.  Eso y mucho más es “Mrs. Dalloway”.  En su novela, Woolf vuelve a los temas recurrentes de su obra: el mundo interior, la soledad, la bisexualidad, la amistad, las dudas… 

La escenografía es preciosa.  La presencia de las flores (y la forma de aparecer, ¡brillante¡) conmueven hasta las lágrimas. ¡Bravo Portaceli¡

Mrs. Dalloway  habla de fantasmas existenciales, de ausencias, de presencias…  Y del amor, en cualquiera de sus manifestaciones.

La directora valenciana juega en escena con dos personajes, dos mujeres: Clarissa Dalloway y Angélica.  Entre ambas, escuchamos la voz de la propia Virginia Woolf (preciosos esos momentos, nada más emocionante que oír la voz original de la autora durante la representación de una de sus obras).  En ese juego de voces y de mujeres, aparece el suicidio, el feminismo, la esperanza, y el miedo.  De memoria recordamos las palabras que Woolf escribió. De memoria también, el guión de David Hare para la película dirigida por Stephen Daldry, basado en la novela de Michael Cunningham, The Hours, con el que ganó el Pulitzer en 1999.

Los espectadores que conozcan todo esto disfrutarán mucho de la propuesta de Portaceli.  Los que lleguen sin tanta información tardarán más en conseguirlo. Es un montaje para eruditos en la vida y obra de Virginia Woolf.  Y eso no me parece mal, todo lo contrario.

En el apartado de las interpretaciones, debo destacar a Gabriela Flores (Angélica, la mujer suicida).

Actriz habitual en numerosos montajes de la Portaceli.  Una actriz que siempre realiza brillantes interpretaciones.  Aquí tiene el (imagino) enorme placer de pronunciar un resumen de las palabras que Woolf escribió a su marido antes de morir:

“Querido:
Estoy segura de que me vuelvo loca de nuevo. Creo que no puedo pasar por otra de esas espantosas temporadas. Esta vez no voy a recuperarme. Empiezo a oír voces y no puedo concentrarme. Así que estoy haciendo lo que me parece mejor. Me has dado la mayor felicidad posible. Has sido en todos los aspectos todo lo que se puede ser. No creo que dos personas puedan haber sido más felices hasta que esta terrible enfermedad apareció. No puedo luchar más. Sé que estoy destrozando tu vida, que sin mí podrías trabajar. Y sé que lo harás. Verás que ni siquiera puedo escribir esto adecuadamente. No puedo leer. Lo que quiero decir es que te debo toda la felicidad de mi vida. Has sido totalmente paciente conmigo e increíblemente bueno. Quiero decirte que… Todo el mundo lo sabe. Si alguien pudiera haberme salvado, habrías sido tú. No me queda nada excepto la certeza de tu bondad. No puedo seguir destrozando tu vida por más tiempo.  No creo que dos personas pudieran haber sido más felices de lo que lo hemos sido nosotros. V.”

Destaco también el trabajo de Manolo Solo (el amor que regresa y al que ella rompió el corazón) e Inma Cuevas (Sally, la mujer a la que amó Clarissa en su juventud) están magníficos en sus respectivos papeles.

El resto del reparto cumplen correctamente con su trabajo:  Anna Moliner, Zaira Montes (a quien vi recientemente en “La geometría del trigo” de Alberto Conejero), Jordi Collet y Jimmy Castro.

Blanca Portillo, en un gran esfuerzo interpretativo,  logra acercarnos en muchas ocasiones al espíritu, a la esencia de su personaje (Clarissa Dalloway).  El reto era muy grande para ella, y quizá la referencia de la Redgrave debía pesar como una losa.

Como dije anteriormente, sin ser un montaje histórico, “Mrs. Dalloway” en el Teatro Español está siendo todo un éxito de público.  Agotan localidades casi todos los días.  Y les animo a acudir, durante muchos momentos es una función que emociona profundamente. Creo que les gustará.

Teatro Español (Madrid): Del 28-03-2019 al 05-05-2019.  Habrá gira.

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RdP “COM ELS GRECS” (Teatre Lliure)

Texto y Fotografías: Francesc Mazón

Com els Grecs,  Steven Berkoff

Cuatro” bestias” de la escena catalana contemporánea: Mercè Aranega, Sílvia Bel, Pep Cruz y Pablo Derqui en una versión iconoclasta de Edipo Rey.

El díscolo chico malo de los 70s y 80s, Steven Berkoff (hoy abuelo malo de 82 años) actor y dramaturgo, situó a Eddy en el Londres caótico de la era Thatcher.

“Una isla cerrada en su podredumbre gradual (···) un lugar gélido, encendido de vez en cuando por el rugido de la bestia, de la frustración y el tedio (…) la espantosa fiebre del sábado noche…”.

Del triunfo del mezquino y salvaje neoliberalismo al abismo actual.

Los dioses y las ideologías dominantes están muertas, dice el director Josep Maria Mestres.

Los actores, todos, confirman que con la obra se han puesto en riesgo.

Son antihéroes con los que debemos empatizar. Una obra feroz, gamberra,  que combina un humpr salvaje con Shakespeare.

Una tragedia transgresora. ¡Reír antes de temblar!

LA OBRA DE BERKOFF:

Uno de los padres de la iglesia cristiana decía que Homero maleducaba al pueblo con sus mitos porque el pueblo los entendía de modo literal e irreverente. Despojados de religión e irreverentes como los griegos, aquí están los mitos creados por Steven Berkoff en 1980, en plena era Thatcher, presentados por Josep Maria Mestres. Visionario es poco.

Duración de la obra: 2 horas (sin pausa)

Coloquio con el público: 21 de abril

Teatre LlIURE – Gràcia  (Del 11-04 al 12-05-2019)

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RdP “LA VUELTA DE NORA” (T. Principal Zaragoza)

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas

La obra “La vuelta de Nora”, la secuela de “Casa de Muñecas”, de Ibsen, escrita por Lucas Hnath, llega al Teatro Principal de Zaragoza, con la revolución de la mujer de nuevo como hilo conductor.

La obra, dirigida por Andrés Lima, que estará en escena los próximos tres días, está interpretada por Aitana Sánchez-Gijón (en el personaje de Nora), Roberto Enríquez (como Torvald), María Isabel Díaz Lago (en el papel de Anne Marie, la niñera), y Elena Rivera (como Emmy, una de las hijas del matrimonio).

La historia de “La vuelta de Nora” parte del momento en que Nora toca el timbre del hogar que abandonó quince años atrás, y el caos emocional que produce su vuelta en la familia que dejó. La obra, que fue todo un éxito en Broadway, aborda de nuevo aspectos como el papel social de la mujer y el hombre, que ya trató Ibsen hace 140 años y que entonces supuso una auténtica revolución.

Para presentar la obra en Zaragoza, han estado Aitana Sánchez-Gijón y Elena Rivera.

Aitana Sánchez-Gijón: “La obra está escrita en un lenguaje contemporáneo, del siglo XXI, y acerca el conflicto y la situación de los personajes al día de hoy. La obra original de Henrik Ibsen, representada por primera vez en 1879, se hizo eco de la revolución de la mujer y abre muchas preguntas sobre el control del hombre sobre la mujer hasta anularla.

Lo que propone el autor es que el cambio lo tenemos que hacer todos y que los modelos tienen que cambiar para todos, ya que los hombres son prisiones también de algo que se les ha impuesto: unos roles medievales. El cambio que transforma a Torvald se produce gracias al portazo de Nora cuando abandona el hogar familiar, ya que si ella no da ese paso y toma esa decisión tan radical, dolorosa para todos y tan cuestionable su ex marido no se hubiera planteado su actitud.

Gracias a esos portazos, que siguen dando las mujeres, los hombres reaccionan, despiertan y se cuestionan.  Una situación que se produce cada vez más, afortunadamente, aunque también hay otros hombres que se encastillan y reaccionan con una gran agresividad y virulencia”.

En relación con su trabajo en esta obra, Sánchez-Gijón ha asegurado asimismo que con Nora se ha enfrentado a uno de los personajes más complicados de su carrera, porque como madre es difícil asumir que abandone a sus hijos, pero también, ha precisado, “entiendo su necesidad de dejarlo todo y reencontrarse, porque en su situación es: o eso o la muerte”.

Elena Rivera, que interpreta a la hija de Nora, ha explicado que su papel aborda el “amor hacia una ausencia, la de una madre que no ha ejercido como tal. Nora no es mi madre sino Anne Marie que es quien me ha criado. Nora ha vuelto para destruir otra vez la familia. Vive en esa dualidad, porque no le viene bien que vuelva, pero al mismo tiempo anhela a su madre y de ahí sus contradicciones y todas esas capas de las que se envuelve porque tiene miedo tras afrontar como pudo, el abandono de su progenitora. 

Es la primera vez que trabaja en el Teatro Principal de su ciudad (Elena Rivera nació en Zaragoza) y también la primera vez que trabaja con Andrés Lima.

“La vuelta de Nora” se representará los próximos 5, 6 y 7 de abril.

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RdP en el T. Principal Zaragoza: EL CASTIGO SIN VENGANZA

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas

La Compañía Nacional de Teatro Clásico trae al escenario del Teatro Principal de Zaragoza, desde este viernes y hasta el domingo, la representación de la obra de Lope de Vega “El castigo sin venganza”, una obra de senectud del escritor madrileño en la que demuestra todo su saber sobre la tragedia. Una relación incestuosa entre el hijo bastardo del duque de Ferrara y su mujer durante la ausencia del noble mientras participa en una guerra da pie a la tragedia de “El castigo sin venganza”, la obra que Lope de Vega adaptó del italiano Matteo de Bandello.

“Quizá es la obra más dura y sin salida de Lope. No deja ni una pizca de esperanza”, ha explicado en la presentación el actor Joaquín Notario que encarna el papel principal del Duque de Ferrara, junto a Beatriz Argüello (Casandra) y Rafa Castejón (Federico).

El Gerente del Patronato Municipal de las Artes Escénicas y de la Imagen del Excmo. Ayuntamiento de Zaragoza, Víctor López, ha calificado de un honor para la programación del recinto zaragozano contar con este espectáculo que dirige Helena Pimenta, quien no ha podido asistir a la rueda de prensa por enfermedad, que se enmarca en el protagonismo especial que se le quiere dar a la mujer durante el mes de marzo, y que presenta un impresionante elenco.

Joaquín Notario ha explicado que Lope de Vega escribió esta obra con sentido amargo de la vida y que con la dirección de Pimenta se cuenta desde el punto de vista femenino y con otra forma de enfocar a los personajes en la que se demuestra que el poder corrompe, destroza y arrasa y como el poderoso lo arrasa todo.  “Es una función que no es difícil de ver para el espectador, pero que invita a pensar. El teatro tiene la ventaja de que cuando se acaba se puede reflexionar”, ha concluido.

Sobre la obra ha comentado que se ha representado en Madrid con notable éxito desde el pasado otoño hasta el mes de febrero tras más de dos meses de ensayos.

Por su parte, Beatriz Argüello ha defendido que es una tragedia magistralmente escrita por Lope de Vega en la que se huye de los estereotipos del ser humano ante su incapacidad de controlar sus sentimientos y en la que no hay buenos ni malos.

Por su parte, la gran actriz Nuria Gallardo, que interpreta a Aurora, se ha mostrado feliz de regresar a Zaragoza y al Teatro Principal, uno de los templos teatrales de España, donde se siente como en casa.  Continuadora de una dinastía artística brillante, Nuria Gallardo manifestó que trabajar junto a Helena Pimenta es una de las experiencias más importantes de su trayectoria profesional.

Ya saben, la CNTC representará “El castigo sin venganza” de Lope de Vega los próximos días 22, 23 y 24 de marzo.

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RdP “QUÈ VA PASSAR AMB BETTE DAVIS Y JOAN CRAWFORD?”, por CineT Farö

Texto: Yolanda Aguas

Fotografías de la RdP: Francesc Mazón Camats

Esta mañana se despejó la incógnita.  Desde que se anunció esta función en la presentación de la Temporada 2018-2019 del Teatre Akadèmia de Barcelona, en septiembre 2018, sabíamos que Vicky Peña y Carme Elias iban a protagonizar la obra pero no “quién iba a ser quién”.

En la rueda de prensa que se ha celebrado esta mañana, se ha confirmado lo que muchos ya sospechábamos: Vicky Peña será Joan Crawford y Carme Elias será Bette Davis.  Sin duda nos espera un duelo interpretativo inolvidable.

La Historia del Cine cuenta con muchas anécdotas de rodajes, de relaciones entre actores, de amistades profundas y grandes enemistades.  Unas son más conocidas que otras, pero la que todo buen cinéfilo conoce bien es la profunda enemistad entre la Davis y la Crawford.  Es relación es mítica.

El título de la obra que se estrenará el próximo 27 de febrero, es un guiño a la famosa película “¿Qué fue de Baby Jane?” (1962), dirigida por Robert Aldrich.

La obra de Marboeuf,  “Què va passar amb Bette Davis y Joan Crawford?”,  transcurre en el camerino de cada una durante el rodaje.  La pared de separación es el espejo donde se miran, un espacio vacío que permite un atractivo juego teatral en una escenografía diseñada por Sebastià Brossa y Paula Bosch.

Según ha explicado Guido Torlonia, director artístico del Akadèmia y también de esta obra, el texto es divertido y ácido de Jean Marboeuf protagonizado por dos sólidas actrices catalanas: Carme Elias convertida en Bette Davies y Vicky Peña, en Joan Crawford.

Torlonia ha expresado, con toda la razón, que no comprendía cómo Elías y Peña apenas hubieran trabajado juntas.  Lo hicieron, muy brevemente al inicio de sus carreras: “No entiendo cómo no han hecho algo cara a cara antes”.  El director italiano ya dirigió a Elias hace cuatro años, en el primer y único monólogo protagonizado por la actriz: “Al galop” inspirado en la vida de otra mujer fascinante, Diana Vreeland, editora de las revistas de moda Bazaar y Vogue.

En una obra de estas características, la caracterización y maquillaje eran especialmente importantes.  Viendo el resultado final, sin duda Helena Fenoy y Marta Ferrer, han realizado un gran trabajo.  Su trabajo se ha basado en el estilo de las estrellas de Hollywood de aquella época.

El vestuario, de vital importante también, es una creación de la figurinista Gloria Viguer.

Las dos actrices están felices e ilusionadas con este nuevo trabajo:

Carme Elias: “No hacemos una imitación del personaje, sino que interiorizamos y vivimos sus sentimientos. No es una obra superficial. Hay mucha parte biográfica pero cada momento refleja un estado de ánimo. Bette Davis luchó toda su vida por imponer su manera de ser en un mundo cargado de prejuicios. Cuando Joan Crawford le propuso rodar el filme en seguida vio que era una oportunidad.

Los conflictos y la competición entre ambas son apasionantes. La obra permite asomarse al mundo de la interpretación. Se ve qué es crear un personaje, entrar dentro de él y competir con él dentro de una obra. Pero también sus conflictos y dudas internas de cada una, sus depresiones y alegrías”.

Elias, destacó que más allá del duelo de egos, el texto teatral muestra el machismo imperante en el Hollywood: “Tanto una como otra luchó para ser respetadas en la industria, para ser cabeza de cartel y tener buenos papeles. Aún hay mucha influencia machista en todos los mensajes y productos del cine. La irrupción de la mujer en la producción, la dirección y la autoría está cambiando un poco las cosas, aunque no se trata de competir sino de complementar y enriquecer. Pero continúa habiendo agravios y Hollywood es el paradigma: los actores cobran más que las actrices”.

Ante la pregunta del motivo por el que ambas divas de Hollywood se enfadaron, Elias piensa que “fue una mezcla de su personalidad y de acumulación de pequeños detalles. Cuando eres actor tienes que ir con mucho cuidado con los límites para no ofender a los otros intérpretes con los que trabajas”.

Vicky Peña: “Nos hemos documentado sobre sus vidas e intentamos acercarnos a un perfil físico reconocible pero no hacemos una imitación o un calco de como se movían y hablaban. Estamos en el teatro y queremos volar libres. Para mí ha sido un reto  emular a Crawford, es un trabajo bonito, interesante y curioso porque interpretar a una actriz que a su vez hace un personaje permite ver cómo es este oficio.

Es admirable cómo está escrito el texto, a través de esas cartas de ambas con distintos interlocutores.   A través de ellas vemos el alma de estas dos mujeres que empiezan el proyecto llenas de energía e ilusión y acaban con una enorme dificultad para comunicarse por circunstancias del rodaje, por sus propias personalidades o por pequeños conflictos que se generaron con el estudio”.

Guido Torlonia, ha explicado otros aspectos de la función: “Pensamientos, acción, sentimientos van siguiendo una lógica abstracta en esta obra donde las protagonistas se relacionan entre ellas y con los demás a través de cartas. Su contenido, es pura invención pero se basa en hechos reales, documentos y declaraciones. La obra recorre de la vida de ambas y aparecen evocados personajes de la época como Marylin Monroe, familiares de las actrices y el director del filme. Él en realidad fue la víctima  porque estaba en medio y tenía que escuchar a ambas”.

Teatre Akadèmia, del 27 de febrero al 31 de marzo 2019.  El coloquio con el público será el día 28 de febrero.

Fotografías oficiales: DAVID RUANO.

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MOBY DICK (Dir. Andrés Lima), por Yolanda Aguas

“Moby Dick”, obra teatral dirigida por Andrés Lima, cuenta con la adaptación de Juan Cavestany del famoso clásico de Herman Melville.  Ambicioso proyecto, sin duda, que exigía ser protagonizado por un actor tan importante como Josep Maria Pou.

El gran actor catalán se pone en la piel del capitán Ahab, uno de los grandes personajes de la literatura universal, para relatar la obsesión de este viejo lobo de mar con la gran ballena blanca.  La versionada función es una fascinante metáfora de la lucha del hombre contra sí mismo y la naturaleza, presentada en una depurada puesta en escena. Ahab evidencia la obsesión humana que va más allá de la razón, capaz de consumir la voluntad y eliminar cualquier elemento bondadoso del alma. El montaje nos narra la historia de Ismael, un joven aventurero que llega al puerto de Nantucket dispuesto a enrolarse como marinero en cualquier barco que vaya a la caza de ballenas.

Los responsables artísticos de este montaje teatral, comparan al capitán Ahab con otros grandes como Otello o Macbeth. La obra, además, invita al espectador a hacer un viaje a las profundidades de la locura de un hombre capaz de todo para satisfacer su empeño: “Yo soy la locura enloquecida”.

Jaume Manresa firma la composición musical y sonora del montaje, mientras que Miguel Ángel Raió es el responsable del mundo de las imágenes, Beatriz San Juan de la escenografía y el vestuario, y Valentín Álvarez de la iluminación.  David Martí y Montse Ribé son los responsables del estudio DDT SFX, que son ganadores del Oscar al mejor maquillaje por su trabajo en «El laberinto del fauno» de Guillermo de Toro, y que también colaboran en “Moby Dick”.

Es la primera vez que el prestigioso actor trabaja a las órdenes de Andrés Lima, director de éxitos como UrtainMedeaDesde Berlín o Los Mácbez, quien explicó que este Moby Dickes más la historia de Ahab, o más bien la pesadilla de Ahab, que no es otra que la ballena blanca y todo lo que significa. Es una obsesión destructiva, es violencia y odio, y que además puede suscitarnos empatía, incluso admiración.

Exquisita puesta en escena al servicio de un actor pletórico de talento, de magia, de sabiduría escénica infinita. Josep Maria Pou, ACTOR.  Él es el TEATRO.

Desde que le descubrí en el programa Noche de Teatro de TVE (10-05-1974), junto a Irene Gutiérrez Caba, en la obra “La visita de la vieja dama”, he seguido toda su trayectoria profesional.  Le he visto innumerables veces en teatro, siempre brillante…  Sin embargo, al verle ayer como capitán Ahab, fui consciente de contemplar una de sus más grandes interpretaciones.  Quizá la mejor.

Si aman el teatro en su máxima expresión, no deberían perderse este trabajo de POU que ya es histórico.

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NOTAS:

Las fotografías oficiales de “Moby Dick” son autoría de David Ruano para FOCUS.

Las dos fotografías del reparto de “Moby Dick” saludando al finalizar la representación en el Teatro Principal de Zaragoza, son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

 

MARÍA ARAUJO (Premio Augusto Oficios del Cine, FCZ 2018), por Yolanda Aguas

El pasado 1 de diciembre, se celebró la Gala de Clausura de la 23 edición del FCZ (Festival de Cine de Zaragoza).  Su director, José Luis Archelenges, concedió a María Araujo el Premio Augusto Oficios del Cine por su brillante trayectoria como Figurinista. 

Para el FCZ, “María Araujo está considerada como una de las más importantes figurinistas de España, ha alternado su trayectoria como creadora de moda con la realización de vestuario, la investigación de imagen y la caracterización de personajes para cine, televisión y teatro.  Su contribución a las Artes Escénicas a lo largo de cuarenta años motiva este reconocimiento”.

Para acompañarla en esta inolvidable velada, desde Barcelona viajaron a Zaragoza algunas de sus maravillosas amigas: Marta Tatge, Txon Oiza y Núria Ribó, a las que tuve el placer de unirme.

Con motivo de esta importante distinción para la gran creadora canaria, tuve el honor de escribir para el catálogo del FCZ el texto que pueden leer a continuación:

MARÍA ARAUJO, EL ARTE DE CREAR NUEVAS PERSONALIDADES.

“Lo que hacemos los modistos es una mezcla entre magia y camuflaje. Logramos que el público crea que, cada vez que ve a un actor en la pantalla, es una persona diferente”. Edith Head

María Araujo cumple en este año 2018 cuarenta años de trayectoria profesional.  Está considerada la más importante y prestigiosa figurinista de nuestras Artes Escénicas. Siempre estuvo rodeada de artistas pero un trabajo de fin de curso motivó que diera sus primeros pasos profesionales en el campo del maquillaje y la caracterización.

No fue un camino fácil, en aquellos días no había tradición en España y María tuvo que viajar a Nueva York para recibir una completa formación de la mano de Dick Smith (el primer artista de maquillaje honrado en 2011 con un Oscar honorífico de la Academia de las Artes y las Ciencias por su trayectoria). Fue el autor de la transformación de Marlon Brando en Vito Corleone (The Godfather) o Linda Blair en El exorcista. En 1985 ganó un Óscar por su trabajo en Amadeus.

Al poco tiempo de regresar a España, la llamó Josep A. Salgot para trabajar con él en su película “Mater amatísima” (1980).  Fue un trabajo junto a Victoria Abril a quien hizo pasar por un arco temporal que abarcaba la edad que ella tenía entonces, unos veinte años, hasta una mujer con cincuenta años. Fue un trabajo muy afinado porque la Sra. Abril iba sin maquillaje. M. Araujo: “Hay que tener en cuenta que cuando se hacen cicatrices, por ejemplo, siempre hay un maquillaje con el que puedes tapar y puedes disimular.  Aquí era a pelo. Me costó mucho pero saqué adelante este trabajo y sigo estando contenta.  Victoria tenía en la película un hijo que era autista y que iba creciendo.  Me acordé de la película “El padrino”, y para que la cara fuera transformándose yendo a mayor, le hice una dentadura postiza que el joven actor tuvo que ponerse.  Para mí fue un trabajo interesantísimo. Así que yo empecé en este mundo artístico a partir del maquillaje”.

El momento decisivo de su carrera, y quizá también de su vida, fue conocer al maestro Josep María Flotats: ella creó la nariz que llevó Flotats en su montaje mítico e inolvidable de “Cyrano de Bergerac”.  A partir de ese momento, María formó parte de la Compañía Flotats durante toda su etapa en el Teatro Poliorama de Barcelona y, años más tarde, en la nueva etapa del TNC (Teatre Nacional de Catalunya).  La colaboración Flotats-Araujo se compone de los siguientes títulos (entre los años 1985-2002):

Caracterización y Maquillaje:  (1985) Cyrano de Bergerac, (1988) Lorenzaccio, (1988) El misántropo, (1990) Ara que els ametllers ja están batuts.

Figurinismo: (1992) Cavalls de mar, (1993) Tot Assajant Dom Joan, (1994) Cal dir-ho?, (1996) Angels a America, (2002) París 1940.

Resumir en pocas líneas toda la obra de María Araujo no es tarea fácil. En otros casos basta con nombrar los títulos más conocidos, citar algunos directores y algunas anécdotas para que la lectura resulte agradable.  La impresionante obra de María Araujo debe ser revisada con la atención y reconocimiento que merece.  De modo que, aunque en una breve aproximación, su C.V. sería el siguiente: Artes Escénicas: 142 títulos (Teatro de texto, Óperas, Zarzuelas y Musicales). Cine: 9 películas. Televisión: 7 títulos (Series Tv, Dramáticos y Spots)

Ha firmado trabajos para los teatros y compañías más importantes: Compañía Nacional de Teatro Clásico, Centro Dramático Nacional, Teatre Nacional de Catalunya, Teatre Poliorama, Teatre Lliure, Teatre Romea de Barcelona, Teatro Goya de Barcelona, Mercat de les Flors, Teatro Español, Teatro de la Abadía, Teatro Arnau de Barcelona, Teatro María Guerrero, La Cuina del Teatre Adrià Gual de Barcelona, Teatro Condal, Teatro Tívoli, Teatro Albéniz, Sala Villarroel de Barcelona, Teatro de la Zarzuela, Teatro del Liceu, Teatro Real de Madrid, etc.

Los más importantes director/as de nuestra escena han confiado en ella para la creación del VestuarioNatalia Menéndez, Josep María Pou, Mario Gas, Ramon Simó, Josep Maria Mestres, Carles Alfaro, Xavier Albertí

De mención obligatoria es su colaboración con Víctor UllateMaría Araujo firmó para “El amor brujo” (2014), uno de sus trabajos más brillantes. Como dijo Ullate: “Los abrigos creados por María bailan en los cuerpos de mis bailarines. María ha hecho un trabajo maravilloso y emocionante”.

Los más destacados actores y actrices de nuestra escena han llevado sus diseños: Anna Lizaran, Carme Elias, Vicky Peña, Josep Maria Pou, Josep Maria Flotats, Francesc Orella, Míriam Iscla, Emma Vilarasau, Susi Sánchez, Javier Cámara, Raúl Prieto, Abel Folk, Constantino Romero, Rosa Novell, Enric Majó, Adriana Ozores, María Asquerino, Concha Velasco, Carmen Machi, Gloria Muñoz, Pablo Derqui, Nathalie Poza, Lluis Homar…

Premios y Distinciones:

Premio MAX: (1999) Amadeus, (2014) El lindo Don Diego, (2018) Ricard III

Premio ADE “Adrià Gual” (Figurinismo): (2008) Tío Vania, (2010) El arte de la comedia, (2013) El lindo Don Diego, (2016) L’avar

Premio Gran Vía de Teatro Musical (Figurinismo): (2009) Sweeney Todd.

Premio de la Crítica de las Artes Escénicas de Barcelona (Figurinismo): (1984) Cal dir-ho?, (1999) Amadeus, (1999) Dones sàbies, (2016) Amor and Shakespeare, (2017) Ricard III.

Can de Plata de las Artes (Cabildo de Gran Canaria): (2017) Trayectoria Profesional.

Y por último, como broche de oro y culminando un año 2018 tan significativo en la vida de María Araujo, el FCZ (Festival de Cine de Zaragoza) tiene el honor de concederle el Premio Augusto Oficios del Cine por toda su Trayectoria Profesional.

Una artista suprema y un ser humano excepcional. Como dije en una ocasión: María hace fácil estar a su lado y no querer dejarla…

¡Enhorabuena maestra¡

Yolanda Aguas  (Crítica de Cine y Teatro. Redacción/Fotografía www.cinetfaro.com)

(Zaragoza, Noviembre 2018).

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINETFARÖ.