ESPÍA A UNA MUJER QUE SE MATA (Dir. Daniel Veronese), por Yolanda Aguas

Tío Vania, de Antón Chéjov, palabras mayores (como todo el teatro del genio ruso). Los personajes que viven en la obra lloran, beben, duermen y se lamentan en escena. El profundo aburrimiento de sus existencias y el tedio hace que vivan dormidos, en un transcurrir de los días de eterna penitencia, resignación y conformismo.

Chejov escribió Tío Vania en su hacienda de Melikhovo, acompañado de Tolstoy, Turgenev, Grigorovich, Tachaikovsky y Goltsev. Admirados retratos que supervisaban su trabajo, el de doctor más que el de literato, pues el tiempo que le quedaba para cuentos y teatro era escaso: la salud de una veintena de aldeas –incluido un monasterio– dependía de su cuidado médico, sin olvidarse de las peonías que tan satisfecho le hacían sentir. Las veía al asomarse por la ventana del estudio que daba al jardín.    Los montajes de la obra siguen siendo aclamados más de un siglo después de que  Stanislavski la dirigiera, en 1900. La obra no fue un fracaso; pero tampoco tuvo el éxito esperado. La producción de La gaviota, dos años atrás,  había dejado el listón muy alto.  Pero las críticas, demasiado tibias, no le bajaron la moral al escritor. Sobre todo porque, cuando la obra se estrenó, sus pulmones tísicos se estaban dando un respiro en Yalta. Así, Antón Chéjov no pudo ver la representación hasta la primavera en que el Teatro del Arte de Moscú (MAT) inició una gira por la península.

De la mano del director argentino, Daniel Veronese, nos llega ahora una versión libre de “Tío Vania”.  Tras su éxito en Madrid, la compañía inicia gira por España.  Antón Chéjov un escritor de índole naturalista se caracterizó por escribir sobre los sentimientos y la vida de la sociedad que lo rodeaba, es decir Rusia de finales del siglo XIX. Para realizar el análisis de textos narrativos (teatro, relatos cortos…) debemos analizar los contenidos, es decir tema, ideas, personajes y ámbito. El análisis de las formas es también parte primordial de este análisis global, los espacios, tiempo, repeticiones…. Eso es lo que hace Veronese, en una muy acertada interpretación del texto y en la dirección de los actores.

En todo su conjunto, el reparto brilla sobradamente, mención aparte para el gran trabajo de Ginés García Millán (Vania) que firma una de sus mejores interpretaciones. Sus compañeros,  Marina Salas, dando vida al personaje de Sonia, Jorge Bosch (Astrov), Pedro G. de las Heras (Serebriakov), Natalia Verbeke (Elena)Susi Sánchez (María, la madre de Vania) y  Teleguin, interpretado por Malena Gutierrez, quien dota ese humor tan necesario para aliviar toda la tensión que se vive en la hacienda.

Precisamente, decía Susi Sánchez en una entrevista que: “Veronese y Chéjov ponen un espejo ante la desnudez y las pasiones íntimas del ser humano. Trata muchos temas pero quizá el más sobresaliente es el deterioro emocional que nos produce el reconocimiento de no haber podido cumplir nuestros sueños.  Es una obra extraordinaria que debería conocer todo el mundo. En este montaje, el espectador vive la experiencia de una montaña rusa emocional. Hay humor y también dolor. Es como ver a través de una mirilla las pasiones que se desatan en una familia”.

Así es, no duden en ver esta propuesta teatral de Daniel Veronese y del magnífico reparto que le acompaña.

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NOTAS: 

Las fotografías oficiales de la obra son propiedad de su autor.

Las fotografías de los intérpretes saludando al finalizar la representación, son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

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RdP en Teatro Principal de Zaragoza: ESPÍA A UNA MUJER QUE SE MATA, por Yolanda Aguas

Daniel Veronese define a los actores con los que trabaja como “máquinas poéticas de un engranaje teatral”.

En su nuevo trabajo en España, que estos días inicia gira, el director argentino ofrece su singular versión de “Tío Vania” de Chejov, que él ha titulado “Espía a una mujer que se mata”.

Hoy la han presentado en rueda de prensa en el Teatro Principal de Zaragoza (centro de operaciones de los teatros públicos de la ciudad), sus dos principales actores: Susi Sánchez y Ginés García Millán.  Recordamos que la obra se representará en el Teatro del Mercado, los días 19 y 20 (a las 20:30 h) y el domingo 21 (a las 18:30 h).

Ambos intérpretes han manifestado que el título de la obra es muy significativo, pues desvela su vínculo con las relaciones familiares y remite a los sueños en todas sus acepciones, ya que el argumento pasa por los objetivos vitales de estos personajes.

No habrá vestimentas teatrales, ni ritmos bucólicos en fríos salones, ni trastos que denoten el tiempo campestre. La acción se desarrolla en la ya vieja y golpeada escenografía de Mujeres soñaron caballos. Una mesa, dos sillas y una botella. Quitando elementos hasta llegar a la expresión mínima, adecuada para los actores. Espía a una mujer que se mata, acaba sedimentando algunas cuestiones de orden universal: el alcohol, el amor por la naturaleza, los animales toscos y la búsqueda de la verdad a través del arte. Dios, Stanislavski y Genet, desvencijados.

Los nueve personajes originales de la obra se quedan en siete en esta versión.

Susi Sánchez (María, en la obra), ha indicado que “Daniel nunca repite una función, las adapta mucho a los actores. Esta preparación deja mucho margen para improvisar, no es una función hermética”.

Ginés García Millán, ha dado continuidad a las palabras de Susi Sánchez afirmando que “cuando el teatro se quiere hacer desde la verdad de la representación, es maravilloso.  Si Chéjov hubiese visto esta obra, estaría encantado”.

En una hermosa casa de campo, la apacible vida de Vania y de su sobrina Sonia se ve perturbada por la presencia de un viejo profesor y de su joven esposa.  Así comienza la presentación de “Espía a una mujer que se mata”, la versión de “Tío Vania”, la obra escrita por Antón Chéjov en 1899.

La obra de Daniel Veronese gira de nuevo por España, el país en el que más producciones ha hecho fuera de Argentina.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

PREMIOS MAX (XXI edición), por CineT Farö

Ayer se celebró la XXI edición de los Premios Max de las Artes Escénicas.  Una edición en la que han concurrido un total de 395 espectáculos, de los cuales 137 resultaron candidatos, y 38 llegaron a ser finalistas.

El MAX de Honor fue entregado al dramaturgo Sanchís Sinisterra.

Este es el Palmarés completo:

Mejor espectáculo de teatro
· Solitudes de Kulunka Teatro, S.L.

Mejor espectáculo de danza
· La desnudez de Cía. Daniel Abreu.

Mejor espectáculo musical o lírico
· Tic-Tac de Institut Valencià de Cultura (IVC) y Diputació de València.

Mejor espectáculo de calle
· Meeting point de Ertza.

Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar
· Kiti Kraft de Bambalina Titelles, S.L.

Mejor espectáculo revelación
· Fairfly de La Calòrica y Teatre Tantarantana.

Mejor autoría teatral
· Borja Ortiz de Gondra por Los Gondra (una historia vasca).

Mejor autoría revelación
· Joan Yago por Fairfly.

Mejor adaptación o versión de obra teatral
· Ángel Solo y Adolfo Fernández por En la orilla.

Mejor composición musical para espectáculo escénico
· Luis Miguel Cobo por Solitudes.

Mejor coreografía
· Daniel Abreu por La desnudez.

Mejor dirección de escena
· Julio Manrique por L’Ánec salvatge.

Mejor diseño de espacio escénico
· Elisa Sanz por Bodas de sangre.

Mejor diseño de vestuario
· Maria Araujo por Ricard III.

Mejor diseño de iluminación
· Lola Barroso por Furiosa Escandinavia.

Mejor actriz protagonista
· Pilar Gómez por Emilia (Mujeres que se atreven, 1ª parte).

Mejor actor protagonista
· Nacho Sánchez por Iván y los perros.

Mejor intérprete femenina de danza
· Eva Yerbabuena por Apariencias.

Mejor intérprete masculino de danza
· Daniel Abreu por La desnudez.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículos son propiedad de sus autores.

CARMEN – Ballet Víctor Ullate (RdP T. Principal Zaragoza), por Yolanda Aguas

El bailarín y coreógrafo zaragozano Víctor Ullate, gran maestro de la danza, tiene claro que visitar el Teatro Principal de la capital aragonesa, ahora con su compañía de ballet, no es ir a un escenario más, porque es en el que debutó y ello conlleva que “siempre es un reto venir a Zaragoza”.

A pesar de haber triunfado en los escenarios más importantes del panorama mundial, Ullate ha afirmado que para él supone la misma responsabilidad que actuar en “la Ópera de París o en el Bolshoi de Moscú”.

“Venir a Zaragoza ha sido un regalo en un momento en el que he decidido dejar el día a día de la compañía, porque me voy a vivir a dos horas de Madrid, y que ya no va a ser como hasta ahora”, ha afirmado durante la presentación de la doble actuación que va a ofrecer su compañía de danza en el recinto de la capital aragonesa, donde se podrá disfrutar de la centenaria obra “Carmen”, una de sus obras más reconocidas y aplaudidas.

Víctor Ullate, junto al gerente del Patronato Municipal de las Artes Escénicas y de la Imagen de Zaragoza, Víctor López, en el Teatro Principal, ha presentado esta nueva representación de su compañía.

No obstante, a pesar de su anunciada salida del día a día de la compañía, Ullate ha explicado su extenso calendario de actividades, que la próxima semana le llevará a Moscú a participar en los premios “Benois de la danse”, donde realizarán una doble intervención con las representaciones de “Carmen” y “El Quijote” y en la que actuarán su hijo Josué y Lucía Lacarra, en la primera, y Polina Semiónova, en la segunda.

Sobre la obra que ofrecerá a los espectadores zaragozanos, siempre exigentes en estas representaciones por la enorme implantación del ballet que hizo en la ciudad la profesora María de Ávila, con quien Ullate arrancó su carrera de danza, el coreógrafo ha calificado la “Carmen” que se verá sobre el escenario como “fuera de uso, una mujer transgresora, libre de pensamiento y acción que pasa de ser una cigarrera a una mujer del mundo que necesita liberarse”.

“Es una Carmen divertida dentro de la tragedia, dentro de una historia muy bonita a la que quería dar encanto”, porque además, ha recordado, “la muerte está presente desde el principio hasta el final”.

Ullate se ha mostrado muy satisfecho por los éxitos que está cosechando esta obra que ya cuenta con una larga trayectoria sobre los escenarios y que desde su estreno en Oviedo, “donde fue un éxito brutal”, allí por donde ha pasado “ha impresionado y ha cautivado”.

Por todo ello, ha subrayado la importancia del vestuario diseñado por Anna Güell y la escenografía de Paco Azorín, que también ha contado con la colaboración de Lucía Lacarra.

Al respecto de su anunciada despedida, como coreógrafo, Ullate ha reconocido que no se va a desligar del todo, porque “la experiencia te hace ser maestro”.

“Los años pasan y ahora es el momento de poder respirar y disfrutar tanto de la compañía como de los alumnos de otra manera. Creo que ya me lo merezco”, ha reflexionado.

También ha apostado por no limitarse por nada, aunque para él “el pasado está muerto, el presente es lo que quiero vivir y el futuro quién sabe lo que puede pasar”.

Ullate ha incidido en que en el mundo de la danza lo ha dado “todo”, pero para llegar a ese punto de rigor, disciplina, trabajo y amor por esta disciplina artística tuvo unos maestros como María de Ávila, “sin quien hoy no estaría aquí”, o Maurice Béjart.

En un rápido repaso a sus grandes obras como Samsara, Wonderland, El amor brujo o Bolero, Ullate ha calificado Carmen como “el broche final”, por lo que ha defendido que “hay que saber acabar a tiempo y decir adiós”.

“Ahora quiero tener más tiempo y poder dedicarme a los demás”, ha concluido.

Por su parte, Víctor López ha subrayado la compañía de Víctor Ullate cierra la programación de danza de esta temporada en el Teatro Principal y ha calificado la representación que ofrecerán como “un lujo de espectáculo”.

Además, ha recordado la importancia de Zaragoza en el mundo de la danza en España, pues se ha convertido en una inagotable fuente de talentos, de la que han salido gente como “Víctor Ullate que es un bailarín, un creador y un formador”.

Víctor Ullate Ballet actuará en el Teatro Principal de Zaragoza los días 2 y 3 de junio.

Regresa a casa, a su teatro, a su ciudad… 

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NOTA: Todas las fotografías publicadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

“Temps Salvatge” de Josep Maria Miró (RdP en el TNC), por Francesc Mazón Camats

Josep Maria Miró  nos pregunta desde el inicio: “¿Este es un sitio bonito para vivir?”

Xavier Albertí, al frente del TNC (Teatre Nacional de Catalunya) y director de la obra, abre el fuego de una intensa rueda de prensa, en el vestíbulo/pecera del Nacional.

Josep Maria Miró un dramaturgo joven, de amplia y reconocida obra, se estrena en la Sala Grande, diez actores magníficos y toda la capacidad del gigantesco escenario al servicio de un autor contemporáneo, un desafío.

La generación de escritores teatrales catalanes que empezó a finales del siglo pasado, después de una larga travesía por el desierto (¡Salve Benet i Jornet!), muchos desde el pequeño espacio de la Beckett, otros en las salas alternativas (entiéndase reducidas o minúsculas, siempre lejos)  han llegado finalmente a la Sala Gran del TNC, un enorme vientre de ballena los espera. Miró será el sexto autor vivo en llegar a la Sala Grande en los 22 años del TNC.

El encargo de una nueva obra hecho a Miró por Albertí, data de dos años, entorno Mayo-Junio del 2016, después del éxito de ”Fum” en la sala pequeña.

Bajo el título emblemático de “Temps salvatge” (atención, Temps en catalán es tanto singular, como plural). Dice Albertí tiempo cronológico y/o meteorológico, este que nos ha tocado vivir. Nos resume el argumento: Comunidad de vecinos, urbanización, piscina, polideportivo, el extrarradio “las afueras” suburbia…cercanos al bosque, a extraños…

Gente de orden, pintadas, amenazas, inmigrantes… Caché/Oculto, el miedo, los rumores y las redes, lo no dicho, las pulsiones ahogadas generadoras de abismos…

Dice Albertí, los dioses de las tragedias griegas y el teatro hace tiempo que se fueron o están muertos y nosotros la generación que ha crecido con los colores, dejando atrás el Blanco y Negro, somos seres humanos temerosos, asustados, en manos de los nuevos Súper Poderes.

Los diez personajes de la obra cuentan con actores no solo de enorme calidad artística, también ética y humana.

Los aquí presentes (todos, menos uno, por los dobletes televisivos) han trabajado durante dos meses, con esfuerzo, hacia dentro, huyendo del melodrama fácil, para encontrar instrumentos éticos que permitan a los personajes vivir y convivir. Redondea una de las actrices, entre todos hemos construido una enorme bola de nieve que ahora empujamos hacia el público.

Albertí pide que nos fijemos en como ese enorme espacio acoge espacios íntimos/interiores y devastados.

Atención al vestuario de la gran María Araujo con un trabajo sutil de los colores a partir de las pinturas de Hockney y Hooper (piscinas y soledad, sol exultante y penumbras interiores).

También al complejo y espectacular trabajo del escenógrafo LLuc Castell.  Albertí ha compuesto la música para un cuarteto de cuerdas.

El Sr. Director con cierta maldad, y mirada reprobatoria del dramaturgo nos destripa partes del múltiple entramado argumental, que puede parecer un melodrama entretejido con elementos del thriller, matiza luego Miró las influencias de Hitchcock y quizás el toque perverso de Haneke.

Cuatro apartamentos, piscina y fiesta en el  polideportivo, bosque cercano, conversaciones simultáneas, segmentación y cambios o saltos temporales. Incomunicación, desorientación e incapacidad de reacción, añade Carme Elias / Mercè.

La vida colectiva es un infierno, pero en el mundo contemporáneo no hay cielo, no hay premio, ni salvación. Toda comunidad se sostiene por el miedo a su propia destrucción, sostiene la filósofa Marina Garcès desde el prólogo de la edición de Tiempo Salvaje. Siempre el miedo, ya nos advertía Brecht, no tengamos miedo, no nos dejemos asustar…

Larga e intensa rueda de prensa, donde se habla del azar y la realidad, de La Manada y las violaciones de jóvenes en Colonia, durante el fin de año…Ofelia ahogada de Millet, a finales del S. XIX… Estos tiempos salvajes actuales nos exigen parar y ser capaces de reflexionar, para poder regenerarnos, nos dice la actriz Miriam Iscla/ Raquel.

El autor, Josep Maria Miró, afirma: Soy Hijo de las Torres Gemelas de New York, pertenezco a la actual generación del Mundo del Miedo.

Pienso, quizás esperando el Big One como los náufragos de Short Cuts 1993 del duo Altman- Carver.

Quizás la respuesta a la pregunta inicial de Miró, nos la dio Malcolm Lowry en el final de Bajo el Volcán. “¿Le gusta este Jardín que es suyo?  Evite que sus Hijos lo destruyan.

Temps Salvatge , Sala Gran TNC del 10 de Mayo al 17 de Junio.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

RdP “EL BURLADOR DE SEVILLA”, por Yolanda Aguas

La directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), Helena Pimenta presentó ayer en su sede del Teatro de la Comedia en Madrid la obra de Tirso de Molina dirigida, en esta ocasión, por Josep Maria Mestres.

En el momento de escribir este artículo, todavía no es seguro que el estreno previsto para hoy viernes se producirá o no.  Todo indica que los anunciados paros de los trabajadores del Inaem contra la fusión del Teatro Real y la Zarzuela impedirán, según fuentes sindicales, que se pueda llevar a cabo la función.

Borja Ortiz de Gondra da voz a la mujer en esta nueva versión del clásico de Tirso de Molina.  El dramaturgo ahonda desde la actualidad en el abuso y la injusticia hacia la mujer y saca a la luz la palabra olvidada de las víctimas que el arrogante seductor va dejando a su paso.  Ortiz de Gondra ha querido resaltar el papel y el valor de “mujeres que no son pobres, ni vírgenes; mujeres que tienen voluntad, saben lo que quieren y algunas incluso son burladoras”.

No me ha quedado más remedio que quebrar el silencio y conceder a esas mujeres -burladas y enmudecidas- el verbo que Tirso no quiso prestarles. Descubriendo que que Isabela es una burladora burlada a quien don Juan atrapa en su propio juego; que Tisbea es una arrebatada de amor que da el primer paso para seducirle invitándole a su cabaña y que Aminta es una aldeana que se deja deslumbrar por el ascenso social que le ofrece el caballero. Solo en el caso de doña Ana el silencio era escandaloso: la única mujer realmente forzada contra su voluntad en toda la obra no es en el original más que una ‘voz dentro’ a la que nunca se ve”,

Afirmando Ortiz de Gondra, que se vale de un soneto del propio Tirso para poner “carne y sangre en el escenario”.

Como ha explicado Helena Pimenta, la acción se traslada a la actualidad que Tirso imaginó hace cuatrocientos años, acentuando las distintas facetas de un mito que enfrenta a laos miedos y pasiones del individuo como miembro de la sociedad.

Según afirmó el director, Josep Maria Mestres, parte de la idea de que “todos somos don Juan de una manera u otra y pone de relieve una psicopatía cotidiana que pasa cuando nos deja de importar el otro. En este – Burlador – la peripecia de don Juan inquieta e intranquiliza y esa es su valiosa utilidad. Las mujeres de esta obra son de una modernidad radical para su época; son activas y denuncian a su agresor y descubren convicciones y comportamientos machistas seculares”.

Además, destaca la relación entre don Juan y su padre para subrayar “el terrible dolor paterno” y mostrar a dos seres humanos “incapaces de mirarse a los ojos, porque ambos saben que ya nada tiene remedio”.

Para Raúl Prieto, que interpreta al burlador, las mujeres de esta obra “no solo denuncian y ponen en evidencia los actos de don Juan sino que están llenas de voluntad y pasiones”.

Durante la intervención de Josep Maria Mestres, destacó el trabajo realizado con su equipo artístico al completo: Sonido, Iluminación y Vestuario, señalando que casi forman una familia por la continuidad de sus colaboraciones.

La obra podrá verse en el Teatro de la Comedia de Madrid hasta el 3 de junio de 2018.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

CALÍGULA (Aut. Albert Camus), por Yolanda Aguas

Recomiendo que vean un fantástico documental dedicado a la figura de “Calígula” en el que la profesora Mary Beard se embarca en un viaje de investigación para explorar la vida y los tiempos de Cayo Julio César Augustus Germanicus (Calígula), uno de los personajes más célebres de la historia.  Está considerado como el tirano más caprichoso de Roma y las historias contadas sobre él son de lo más extraordinario sobre cualquier emperador romano.

Se dice que hizo de su caballo un cónsul, se proclamó Dios vivo y se entregó a orgías escandalosas, incluso con sus tres hermanas, y eso es antes de mencionar la construcción de grandes puentes sobre la tierra y el mar, la prostitución de las esposas de los senadores y la matanza de la mitad la élite romana aparentemente por un capricho.

Todo eso en sólo cuatro cortos años en el poder antes de un violento y rápido asesinato en un callejón de su propio palacio a los 29 años de edad. El documental coloca a Calígula en el contexto de su época para revelar una asombrosa historia de asesinato, intriga y poder familiar dinástico.

Revela, además, un retrato más intrigante no sólo del monstruo sino también del hombre.

Llega ahora un nuevo montaje teatral del texto de Albert Camus, con dirección de Mario Gas.  Se trata de una coproducción entre el Teatro Romea, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y el Grec 2017.

Suetonio, un escritor romano que es uno de los maestros del género biográfico del mundo antiguo, dejó para la posteridad un retrato del tercer emperador romano, Cayo Julio César Augusto Germánico, que ha pasado a la historia con su sobrenombre infantil: Calígula. El escritor Albert Camus, uno de los autores imprescindibles de la Francia del siglo XX y premio Nobel de Literatura en 1957, partió de este retrato para crear una pieza teatral que es, de hecho, un conjunto de obras integradas en una sola.

El protagonista se enfrenta al absurdo de la existencia (uno de los temas clave en la obra de Camus) tras la muerte de su hermana y amante, Drusila, y en un intento de demostrar la mortalidad e infelicidad humanas, somete a sus súbditos a todo tipo de horrores y persecuciones.

En el momento álgido de su locura, Pablo Derqui (fascinante  y poderoso como actor) se transforma en David Bowie bailando y cantando uno de sus más célebres temas: Let’s Dance.  Junto a él en este gran momento de la obra, están Mónica López (Joker) y Xavier Ripoll (la Máscara).  Están estos dos últimos brillantes, no olviden que López es protagonista habitual de los montajes musicales de Mario Gas.

Mónica López es Cesonia, amante, cómplice, confidente y, también, víctima, de Cayo. Maravillosa actriz. Nacida en las Islas Canarias y afincada en Barcelona desde hace muchos años.  Es referente en el mejor teatro catalán. Respetadísima y de gran prestigio entre sus compañeros. Admirada por el público más exigente.  Colaboradora y amiga de Mario Gas, con el que ha trabajado como actriz y cantante en números montajes. También ha sido ayudante de dirección de Gas, como en “Las Troyanas”.  Deslumbró con el espectáculo: “Golfus de Roma” estrenado el 28 de julio de 1993 en el Teatro Romano de Mérida.

Cumplen muy bien en sus respectivos trabajos Xavier Ripoll (Helicón), Bernat Quintana (unas veces) y Carlos Cuevas (otras) (Escipión), Borja Espinosa (Quereas).  Pep FerrerPep MolinaAnabel Moreno y Ricardo Moya que dan vida a diversos personajes en el transcurso del espectáculo, unas veces senadores y otras vulgo pueblo.  En la función que vi en el Teatro Principal de Zaragoza, fue el actor Carlos Cuevas quien dio vida a Escipión.  Joven actor, tan sólo tiene 22 años, que también participó en una de las grandes obras del mejor teatro catalán: “Barcelona” de Pere Riera, estrenada en 2013 en la Sala Gran del TNC.

El Calígula de Albert Camus era un hombre que quería la Luna y cambiar el destino con su crueldad.  Durante la obra y de la magistral mano de Pablo Derqui, vemos cómo el hombre se va transformando en un monstruo.  Derqui logra el milagro con su voz, sus movimientos corporales y, especialmente, con su mirada.  Hagan lo posible por estar sentados en las primeras filas de los teatros, lo agradecerán.

Si tuvieron la fortuna de ver a José María Rodero interpretando a “Calígula” pensarán que es imposible superar (o tan siquiera igualar) aquella inolvidable interpretación. Cierto que no lo es, pero si alguien podía intentarlo era únicamente Pablo Derqui.  En silencio, trabajando con rigor, seriedad y mucha verdad, el actor catalán se ha convertido ya en nuestro mejor actorLe he visto muchas veces en teatro (“Desde Berlín” con Lima fue otra magistral creación), pero creo que este Calígula es su mejor trabajo.

Mientras Calígula agoniza, grita: “Todavía estoy vivo” y nosotros decimos, ante este actor inmenso:

DERQUI… ¡Por todos los Dioses¡

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NOTA:

Las fotografías oficiales de la obra insertadas en este artículo son autoría de David Ruano.

Las dos fotografías de los actores (saludando al finalizar la representación y de Mónica Lopez y Pablo Derqui antes de salir a escena) son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.