CARME ELÍAS, por Yolanda Aguas

EL RECONOCIMIENTO A NUESTRA MEJOR ACTRIZ

http://www.rtve.es/alacarta/videos/premios-goya/carme-elias-goya-actriz-protagonista/396900/

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Cuando el pasado 1 de Febrero de 2009, se entregaron los Premios Goya de cine de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, se saldaba una deuda en el apartado de Mejor actriz protagonista.    Pocas veces fueron tan justos y merecidos, pocas veces nos han proporcionado tanta alegría, porque en aquella edición se reconoció y premió la mejor interpretación que una actriz ha logrado en España y en el cine europeo en los últimos años.

Carme  Elías nació en Barcelona en 1951, tiene tan sólo 62 años, y una trayectoria profesional repleta de grandes interpretaciones.

Ha logrado numerosos éxitos televisivos, en series de inolvidable recuerdo:   Turno de Oficio,  Anillos de Oro: Tiempo feliz de caramelo (episodio en el que trabajó  siendo ella  muy joven,  con el que muchos consideran el mejor actor español de todos los tiempos:   José María Rodero, a quién recordó en su discurso de agradecimiento al recoger su Goya), El Jardín de Venus, Cuentos imposibles, pero sobre todo debo destacar  la adaptación del libro de la escritora catalana Mercé Rodoreda:   Espejo roto (Mirall Trancat), en el que interpretó a Teresa, la protagonista de la obra y donde, creo sinceramente, realizó una composición insuperable.

Más recientemente, tuvimos la oportunidad de verla en la serie Herederos, donde alcanzó un registro de muchos quilates dando vida a una mujer “mala-malísima” con el que se divirtió enormemente.   Carme Elías es una persona delicada en las formas, elegante, serena…   Su personaje, Manuela, le dio la posibilidad de desarrollar un comportamiento totalmente alejado a lo que ella es (en el fondo y en las formas) lo que le permitió vivir momentos hilarantes junto a Concha Velasco (su “enemiga” en la serie).

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Pero donde ella reina desde siempre es en el Teatro.   Inició sus estudios  en el Instituto de Teatro de Barcelona, con profesores como Albert Boadella y Fabiá Puigserver y completó su formación artística en Nueva York con Lee Strasberg.

Ha representado lo mejor de los mejores:  Wilde, Pirandello, Shakespeare, Brecht, Strindberg, Calderón, Goldoni, Sófocles,  Tenesse Willians, Chejov (su preferido), Bernard Shaw, Esquilo y Dorfman.    La han dirigido también los mejores: Adolfo Marsillach, Josep Maria Flotats, Josep Montanyes,  Miguel Narros, Georges Lavandaunt,  Gerardo Vera, Isabel Coixet, Amelia Ochandiano, Jorge Lavelli, Juan Carlos Coraza, Carlos Gandolfo, María Ruiz, José Luis Gómez, Carme Portaceli y, el gran Josep María Mestres.    Y ha obtenido numerosos premios en el mundo del teatro.

Coincidiendo con algunas de las más grandes actrices mundiales (por ejemplo, Vanessa Redgrave), ha tenido la oportunidad de interpretar en El abanico de Lady Windermere, el personaje joven:   Margaret Windermere, y años después (con un gran éxito de público y crítica, en la temporada del TNC  2006-2007), el de Mrs.  Erlaine.

Una de sus mejores interpretaciones en teatro fue en PURGATORIO de Ariel Dorfman, junto al actor Viggo Mortensen.

Con ella, sus personajes alcanzan otra dimensión, sólo equiparable a lo que consiguen las más grandes actrices:   Vanessa Redgrave,  Gena Rowlands, Meryl Streep,  Judy Davis, Hanna Schygulla…

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El cine, sin embargo, había sido injusto con su talento.    Sólo algunos trabajos le permitieron demostrar que es una actriz de primera clase.   Trabajó con Pedro Almodóvar en La Flor de mi secreto,  con Fernando Fernán Gómez en Stico y Pesadilla para un rico, con Pere Portavella en Pont de Varsovia, con Gerardo Herrero en  Los Aires Difíciles

Y cuando creía que el cine había terminado para ella, llegó un guión   “profundo, inteligente, valiente y con un personaje magnífico”  que le entregó Javier Fesser.   Era el personaje de Gloria, la madre de la niña protagonista de CAMINO, con el que obtuvo, entre otros muchos galardones, un merecidísimo Premio Goya a la mejor actriz protagonista.

Entre esos “otros muchos galardones” ganó el Premio Sant Jordi, que Radio Nacional de Cataluña otorga en Barcelona, como mejor actriz española.    Y no ganó la Concha de Plata a la mejor interpretación femenina en la edición de 2008 del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, porque se lo negó el Jurado de la Sección Oficial que tuvo bastantes desaciertos.

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Le damos las gracias a Javier Fesser por ofrecerle, el que es hasta ahora, el papel cinematográfico de su vida.

Te damos las gracias a ti, Carme, porque nos haces vivir emociones sólo comparables con tu talento y  tus inolvidables interpretaciones.

Y por favor…, nunca dejes de persistir.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores. 

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EL HIPNOTISTA (Dir. Lasse Hällstrom), por Yolanda Aguas

Cansado de todos los que llevan con palabras, palabras, pero no lenguaje,
parto hacia la isla cubierta de nieve.
Lo salvaje no tiene palabras.
¡Las páginas no escritas se ensanchan en todas direcciones!
Me encuentro con huellas de pezuñas de corzo en la nieve.
Lenguaje, pero no palabras.

“Dios escribe en la arena y lo he sentido como un soplo de viento”

(Tomas Tranströmer – Poeta sueco.  Premio Nobel de Literatura 2011)

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Cuando un director europeo, con éxito dentro de la industria de Hollywood, decide volver a su país de origen, tras 25 años de ausencia,  para rodar un thriller (género en el que no suele moverse) despierta como mínimo la curiosidad por conocer los motivos que le llevaron a tomar esa decisión.

Lasse Hällstrom, el director de películas tan memorables como: “Las normas de la casa de la sidra”, “¿A quién ama Gilbert Grape?, “Chocolat” o la extraordinaria “Atando cabos”, lleva en esta ocasión al cine “EL HIPNOTIZADOR/Hypnotosören”. Es la primera de la serie de ocho libros de suspense/policíacos escritos por Lars Kepler.   Bajo este seudónimo se esconde el matrimonio formado por Alexander Ahndoril y Alexandra Coelho.    Tal como él mismo explicó en la rueda de prensa que el equipo de la película (en competición de la Sección Oficial  de la 60 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián) ofreció el día 28-09-2012: “De vez en cuando hago alguna película más comercial, de mayor presupuesto, pero otras puedo hacer obras de amor como esta o como la anterior que rodé, “La pesca del salmón en Yemen”.  En EE. UU. no se me ofrecen thrillers.  Se me ha acusado de ser demasiado blandengue en mis películas, porque mis películas son cálidas y eso me gusta, pero quería alejarme de ese enfoque sentimental y ser más duro.  El que fuera también un buen papel para Lena (Lena Olin, su esposa) también me atrajo”.

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El salvaje asesinato de una familia en su casa de Estocolmo inicia una investigación policial. La falta de pistas hace que el comisario judicial Joona Linna solicite la ayuda de un afamado hipnotizador, Erik Maria Bark, para interrogar al único superviviente: un chico de 15 años, en estado de shock. La investigación toma un giro inesperado cuando el hijo de Bark es secuestrado.  Joona y Erik Maria tendrán que trabajar juntos para resolver ambos misterios.

La película cuenta con un pesado lastre:  ser una adaptación de una novela negra de éxito.  Esa obligación a ceñirse al relato sin un maestro del género al timón con el acierto suficiente, hace que la trama se salte las reglas del género de manera desconcertante e ilógica. Como ejemplo la precipitación en la llamada al hipnotizador, sin apenas lugar en el tiempo, sin que consigamos creernos la supuesta desesperación policial que les obliga a recurrir a este polémico medio de investigación.  Esa imprecisión narrativa y temporal ya es una buena muestra de esa falta de acierto en el resto de la intrincada trama.

Esos desatinos en el guión no ayudan a conservar la atmósfera que en ocasiones si crea de manera muy acertada Hallström, poco ayudado por el libreto de Paolo Vacirca que hace demasiada agua en algunos momentos.   Eso desajusta la necesaria maquinaria de precisión de un thriller tan intenso.

El reparto, que cuenta entre otros con unos excelentes Mikael Presbrandt y LENA OLIN,  y otros actores correctos como Tobias Zilliacus y Helena af Sandeberg, mantiene el pulso sin demasiados esfuerzos, con la solvencia esperada, sobretodo en las escenas que defienden magníficamente Presbrandt y Olin.

Su funcionamiento como thriller, con sus giros argumentales y su par de sustos, la convierten en una opción muy válida para los amantes de este género.   Aunque para mi, la belleza del film radica en su preciosa fotografía y su envolvente música original.

Lasse Hallström,  con un indiscutible y talentoso oficio, logra momentos visuales muy bellos en esta película.

Destaco en primer lugar, el momento en que Lena Olin es hipnotizada por su marido para descubrir más cosas del momento en que el hijo de ambos fue raptado.   Con un picado sobre el inmenso y deslumbrante rostro de LENA OLIN (es maravilloso verla envejecer) el director nos transporta oníricamente a su deslumbrante recreación del cuadro CHRISTINA´S WORLD de Andrew Wyeth, algo que encuentro como homenaje encubierto al maestro Jean Luc Godard y su inolvidable film “Passión”.

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Otro instante de gran belleza se presenta cuando el matrimonio sale de la casa para conversar en su  jardín nevado.  Disfrutamos de un plano de Lena Olin de espalda a nuestra mirada, y le sigue un plano de la mano de Lena acariciando la nieve que descansa en la mesa, simbolizando la caricia que una madre anhela realizar a un hijo desaparecido.   Me impactó ese momento.

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Lo que más me gusta es el “tono” de esta película, el momento que filma a la majestuosa ciudad de Estocolmo, con esos lagos helados, esa luz mortecina, la presencia adormecida de la nieve creando una atmósfera sumamente serena.  Es delicioso ver cómo el director ha fotografiado esta ciudad, en una innegable declaración de amor.

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Personalmente pienso que quizá el final debió ser otro.  Quizá otro… más doloroso para que el  tempo  narrativo hubiera mantenido el pulso de la historia hasta su conclusión.  Con todo, la película se sigue con interés y por momentos llega a emocionar.

Y finalmente, los últimos nueve  minutos de la película (créditos incluidos), cuando todo se mezcla, cuando todo adquiere un sentido.   La vida y la muerte, la felicidad y la desdicha, la esperanza y el desasosiego…   Sería fácil decir que no debemos parar cuando hemos sufrido una pérdida (del tipo que sea), sería fácil aconsejarlo, es cierto…pero muchas veces cuando debemos pasar por ese trance nos pueden fallar las fuerzas.   Y cuando estamos en esa encrucijada de la vida es  realmente  bonito, al menos, poder verlo en el cine.

Estos nueve últimos minutos, reflejan precisamente eso: historias que finalizan y otras que comienzan.   Al fin y al cabo, en eso consiste la vida, en no perder nunca la esperanza que (cuando menos lo esperamos) puede llegar algo nuevo y hermoso.  Y…, entonces sí, poder afirmar que la vida continúa.

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NOTA:  Las 6 primeras fotografías adjuntadas en este post son las oficiales del film EL HIPNOTISTA y son propiedad de sus autores. 

El resto son “capturas de pantalla” que hemos realizado el equipo de redacción de CineT-Farö para ilustrar nuestras reflexiones sobre la película.

Las dos fotografías de la rueda de prensa en el Festival de Cine de San Sebastián fueron realizadas por nuestra amiga CHARO ALCALDE para CineT-Farö.

MARIDOS Y MUJERES (Dir. Alex Rigola, para el Teatro de La Abadía), por Yolanda Aguas

TEATRO PRINCIPAL DE ZARAGOZA, 01-03-2013

 portadamujer_a75fa0b0b2bd704af0e324cb0Cartel de Maridos y mujeres'

¿Me ocultas cosas?, ¿Soy fría en la cama? ¿Crees que alguna vez romperemos? ¿Alguna vez te has sentido atraído por otra mujer?.  Estas son algunas de las primeras frases que pronunciaba Mía Farrow en Maridos y Mujeres (la película), cuando en el abarrotado cine Loews de Nueva York, en la calle 19 con Broadway, la gente se partía de la risa.   Era el minuto ocho de la película, y así hablaba Mía Farrow,  pálida, devastada, la cara contraída de una forma que sólo se consigue cuando se está angustiado “de verdad”.

Para el crítico Vincent Canby, de The New York Times, Maridos y Mujeres era “la respuesta cómica” de Allen a la obra de su admirado (y nuestro) director Ingmar Bergman.  Para Mike Clark, de USA Today, “era una comedia agridulce que envejecería bien”.  Y el crítico Jack Mathwes, del diario Newsday, alababa la película por encima de los cotilleos, aunque según su opinión, el último trabajo de Allen no superaba a Hanna y sus hermanas, el anterior (y gran éxito) trabajo estrenado en 1986.

Con estas premisas y finalizada su etapa al frente de la Dirección Artística del prestigioso Teatre Lliure de Barcelona,  Alex Rigola volvió al Teatro de La Abadía para adaptar Maridos y Mujeres de Woody Allen, con una obra que encara con humor, los dramas que en muchas ocasiones conlleva la vida en pareja.

En su propuesta escénica original estrenada en La Abadía (acertadísima donde el público rodeaba casi por completo el escenario) encontramos lo que podría ser el salón de nuestra casa, una gran mesa de centro rodeada de cómodos sofás donde se va desarrollando la acción, y donde los actores que no están en escena también observan la trama como el resto de espectadores.

El montaje que vimos en Zaragoza varió lo necesario para adaptarlo a nuestro Teatro Principal (un teatro con el escenario  “a la italiana”), y como el propio ALEX RIGOLA explicó en la rueda de prensa que ofreció un día antes de su estreno en Zaragoza, la suerte fue que él pudo estar personalmente realizando estas modificaciones.   Modificaciones centradas principalmente en la iluminación y diseño escenográfico.

Rafael Campos y Alex Rigola 2013-02-28 --Alex Rigola en T. Principal de Zaragoza

Me gustó especialmente el tono íntimo en el que se desarrolla toda la obra, donde el espectador  siente como si un amigo, al que hace algún tiempo que no ve, le estuviera contando lo que ha pasado en su vida en ese tiempo.

La obra fluye durante hora y media sin apenas notarlo, enlazando las vidas de todos los personajes de una forma natural, sin pausas…

Antes de este montaje, Rigola ya trabajó para La Abadía con:  Ubú Rey de Jarry, Largo viaje hacia la noche, de O´Nell y Días mejores de Richard Dressler.

Álex Rigola es un autentico maestro dirigiendo: (Largo viaje hacia la noche, 2666, Santa Juana de los mataderos, Ricardo III, etc…),  Él siempre abre un mundo mucho más grande del que en principio pudiera parecer, y tiene siempre la facilidad  de dejar al espectador un poso que hace reflexionar y debatir cuando sale del teatro.

En cuanto al elenco de actores poco hay que decir:  es un grupo de actores impresionantes, formados casi todos en LA ABADÍA, lo que significa garantía de éxito, Luis Bermejo, Israel Elejalde, Nuria Mencía, Elisabet Gelabert, Alberto Jiménez y Miranda Gas, están absolutamente maravillosos.   El Teatro de La Abadía siempre fiel a su lema “el placer inteligente” nos ha invitado una vez más a disfrutar del teatro con mayúsculas.

Un espectáculo emocionante, grandes interpretaciones (destaco a Elisabet Gelabert, magnífica actriz que emociona profundamente en todos sus trabajos) y una propuesta teatral de uno de nuestros mejores directores:  Alex Rigola.

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Nota:  

Las 2 fotografías oficiales de la obra de teatro MARIDOS Y MUJERES insertadas al comienzo de este post, son de ROS RIBAS.  

Las 2 fotografías de ALEX RIGOLA son propiedad y autoría de Yolanda Aguas.

ANNA LIZARÁN: Entrevistas

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Siguiendo con nuestro eterno homenaje  a la maravillosa actriz ANNA LIZARÁN, en este post iremos añadiendo, poco a poco, aquellas entrevistas que nos parezcan de gran interés.

Esta que va a continuación, es de las mejores, se realizó el pasado 22 de febrero de 2012,

http://www.rtve.es/alacarta/videos/gent-de-paraula/gent-paraula-pgm57-annalizaran-1/1323275/

La siguiente es de hace algunos años, pero tiene también mucha relevancia.  La entrevista fue realizada por la periodista Anna Castells, el día 25-11-1983

http://www.rtve.es/alacarta/videos/arxiu/arxiu-tve-catalunya-aperitiu-amb-anna-lizaran/1664538/

NOTA:   Las entrevistas que aparecen en este post Homenaje a ANNA LIZARÁN son propiedad de sus autores y se han utilizado sin ánimo de lucro).

ANNA LIZARÁN: Interpretaciones

El impresionante archivo audiovisual que posee RTVE – Cataluña,  puso a disposición del público muchas obras que se representaron en Barcelona y que (afortunadamente para los buenos aficionados al teatro) fueron grabadas en video.

Estos videos son propiedad de sus autores: RTVE y las compañías teatrales que las pusieron en pie, así como de sus autores e intérpretes.

Rescatamos estos magníficos testimonios de teatro, como muestra de nuestro  eterno homenaje  a una de las más grandes actrices de la escena europea:  ANNA LIZARÁN.

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Nota:  Las fotografías de ANNA que aparecen en este post, son propiedad de sus autores (se han utilizado sin ánimo de lucro).

Obra:  QUARTET (Heiner Múller), dirección LLUIS PASQUAL.  Teatre LLIURE.

1994

 Versió actualitzada de “Les amistats perilloses” de Heiner Müller amb Anna Lizaran i Lluís Homar, des del Teatre Lliure, a Barcelona
Obra:  LORENZACCIO   (Alfred d’Musset), dirección LLUIS PASQUAL.  Teatre LLIURE.
1989
Obra:  LORENZACCIO – Parte 1   (Alfred d’Musset), dirección LLUIS PASQUAL.  Teatre LLIURE.
Obra:  LORENZACCIO – Parte 2   (Alfred d’Musset), dirección LLUIS PASQUAL.  Teatre LLIURE.
Obra:  MARÍA ESTUARDO  (Schiller), dirección Josep MONTANYES.  Teatre LLIURE.
1990
Obra:  MAGAHONNY  (B. Becht), dirección Fabiá PUIGSERVER.  Teatre LLIURE.
1977
NOTA:   Estos enlaces se facilitan SIN ÁNIMO DE LUCRO, como continuación a nuestro homenaje a ANNA LIZARÁN.

ANNA LIZARAN, por Yolanda Aguas

ANNA LIZARAN,  actriz.

Video “Homenatge a Anna Lizaran”  es  (c)  TeatralNet

Ya no es mágico el mundo. Te han dejado. Ya no compartirás la clara luna ni los lentos jardines.  Ya no hay una luna que no sea espejo del pasado,  cristal de soledad, sol de agonías. 

 

Sólo me queda el goce de estar triste, esa vana costumbre que me inclina al Sur, a cierta puerta, a cierta esquina.

(JORGE LUIS BORGES, 1964)

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(Escuchen su maravillosa voz, en una escena de la película de VENTURA PONS:  El porqué de las cosas)

(Y una divertida entrevista en RADIO BARCELONA. CADENA SER):

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DECLARACIONES DE ANNA LIZARAN :  LO QUE PENSABA SOBRE SU PROFESIÓN, con motivo del estreno de la película de VENTURA PONS:  ACTRICES (Actrius – 1997):

“He hecho alguna cosa en el cine, pero lo mío ha sido el teatro.  La primera película fue precisamente con Ventura Pons: El vicari d’Olot.

Me gusta trabajar con él, sobre todo después del monólogo de El porqué de las cosas. Te deja ensayar y eso siempre se agradece.  Me gustaría aprender con él este oficio, tocar techo.  Sabe que puede contar conmigo.  Cuando vi E.R. (obra teatral de Josep María Benet i Jornet) en el teatro pensé que el papel que hago en la película sería el que me gustaría para mí, por eso cuando me llamó le dije que sí, ahora, con quién sea y cómo sea.  Y la elección de actrices no ha podido ser mejor.

Para mí el actor es la persona que puede ser lo que no es en la vida, pero no como terapia sino como juego.  Yo puedo estar por la mañana comprando en el supermercado ajos y patatas y por la noche sé que puedo ser el rey Lear o una puta alcohólica.  El teatro es una gran mentira sincera, aunque en la vida también hay momentos de una intensidad muy fuerte.

Soy buena espectadora, pero prefiero hacer teatro que verlo. O incluso dirigir, algo que hice recientemente y me lo pasé en grande.  Yo nunca tuve ninguna maestra, ninguna Empar Ribera como la de la obra.  Soy de Esparraguera, ya sabe, pastorets, la Passió, muchos grupos amateurs.  Estuve con Comediants y ahora ya hemos celebrado los 20 años del Teatre Lliure.  Son muchos en una compañía, sé que puedes cansarte como se cansan los matrimonios, pero por ahí ha pasado mucha gente.

Me considero muy buena actriz, aunque conozco mis limitaciones y ya no me interesa luchar por según qué.  Sé que me hago mayor y que hay papeles que se me escapan, pero no me sabe mal.  También pienso, sin nostalgia, en unas cuantas interpretaciones deliciosas.  Cada momento es el momento y cuando se llega a una cierta edad es cuando el actor o la actriz consigue ese poso de vivencias donde buscar.  ¿La popularidad?  No me interesa mucho.

Una es muy dura consigo misma.  La crítica a veces tiene razón, a veces ninguna, porque el teatro no es una ciencia exacta, es algo vivo y cambia con cada función, aunque se trate de la misma obra.  En cualquier caso, el público siempre tiene la razón, a él le debemos nuestro trabajo.  Soy de las que piensa que al público se le puede educar, que en teatro tiene que haber cosas asequibles o cosas más experimentales y que lo popular no es sinónimo de malo, ni lo experimental, de sublime.

No moriré encima de un escenario, sería un susto para quienes te están mirando y afortunadamente en la vida hay muchas cosas con las que disfrutar aparte del teatro.  No soy una fanática ni del teatro ni de la interpretación.  Todo llega, los momentos de éxito y de declive.  Y te lo has de tomar todo con calma.  ¿El consejo a una actriz que comienza?  Que se arriesgue mucho, que busque, que no tenga miedo al ridículo, que se moje el culo.  Equivocándose es como se aprende”.

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Su trabajo en AGOST, en el TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA:   Memorable e histórico.

DECLARACIONES DE ANNA LIZARAN :  su trabajo con el prestigioso TEATRE LLIURE:

“En el LLiure, la obra la elige el director, así ha sido siempre.  En alguna reunión se intentó decidir títulos colectivamente, pero la cosa no salía.  Los actores, a menudo, van encadenando trabajos: mientras representan una obra, ya ensayan otra.  Eso va muy bien para los dos personajes.  Unos de los contrastes más fuertes que he vivido en ese sentido es cuando trabajaba en la función de Danza de agosto y ensayaba Quartet:  los personajes eran uno la antítesis del otro.   Aprovechas lo que te guardas en uno, lo das en el otro.   Favorece tu faceta de actriz.  Te hace estar muy despierta.  Los primeros diez años del LLIURE esta alternancia era continua y físicamente resultaba agotador, ahora está más dosificado”.

En los años de los que hablaba ANNA LIZARAN, los actores hacían algo más que meterse en la piel de dos personajes: “hasta limpiar los lavabos.  Estábamos tan firmemente convencidos de la importancia de sacar adelante el Lliure… Al acabar un espectáculo, en la última función, desmontábamos la tramoya entre todos.  Ahora ya hay gente que se encarga específicamente de esas tareas, pero te queda esa cosa sufridora, que yo creo que es muy característica de los actores del Lliure: te preocupas del conjunto, se te va el ojo a un roto en el decorado, a un clavo que sale…”

1979 La bella Helena1986-87 La senyora de Sade (Ros Ribas)2000 La nit de les Tribades (Ros Ribas)1977 Leonci i Lena1985 La señorita Julia (Ros Ribas)1990 Maria Estuardo (Ros Ribas)2000 El jardín de los cerezos (Ros Ribas)2006 La tempestad (Ros Ribas)1983-84 Al vostre gust (Ros Ribas)

CONMOCIÓN EN LA FAMILIA DEL TEATRO AL CONOCER EL FALLECIMIENTO DE ANNA LIZARAN:

(LA VANGUARDIA – Editorial del día 15-01-2013)

La relación de obras en que ha participado, de papeles que ha interpretado y con los que ha despertado la admiración de la audiencia, es larga. Cada aficionado al teatro tendrá sus preferencias, pero muchos coinciden en señalar sus actuaciones en La bella Helena, La senyoreta Júlia, Un matrimoni de Boston o Agost como logros para el recuerdo.

El prestigio de una actriz se construye, obviamente, a base de papeles exitosos. Y esos papeles exitosos los construye la actriz echando mano de una serie de recursos interpretativos que, en el caso de Lizaran, eran abundantes y de gran calidad. Quienes estos días la han despedido en nuestras páginas –críticos como Joan-Anton Benach y dramaturgos y directores como Sergi Belbel, Pau Miró o Ventura Pons, entre otros– han subrayado su pasión, su sensibilidad, su poderío, su entrega, su ternura, su humor, su perfeccionismo… Y estas han sido, en efecto, como reconocerán tantos espectadores, algunas de las muchas cualidades de Lizaran; de ese haz de talentos que convierten a una creadora de la escena en una figura enorme y única. Lizaran lo ha sido, porque ha llevado su profesión a un nivel de excelencia que pocos alcanzan.

Y por ello la evocamos ahora con tristeza, dado el vacío que abre su pérdida, pero también con infinita gratitud por tantas veladas en las que su arte interpretativo nos sedujo, nos maravilló y nos conmovió.

(EL PAIS –  por MARCOS ORDÓÑEZ 16-01-2013)

DE PIE, SEÑORAS Y SEÑORES

Ya somos, de golpe y para siempre, los que diremos “nosotros vimos actuar a la Lizarán”. La enorme Anita, salvaje y generosa, payasa y trágica, impúdica y sutilísima, con un talento más allá de toda medida y un corazón más grande que el Camp Nou. Qué escándalo, qué despilfarro. Tantos discípulos que ya no podrán aprender de ti, tantos espectadores que van a quedarse sin una nueva dosis de poesía y felicidad. Todas las obras que ya no harás, todas las películas en las que podrías haber actuado. Ha muerto Anna Lizaran y ha llegado el frío.

Teníamos que vernos. Teníamos que llamarnos. Está visto que no puede dejarse nada de un día para otro. Mi mujer te vio la noche de tu muerte. Hacía tiempo que no teníamos noticias. Te asomaste un momento a despedirte. Veíamos por televisión a Norma Aleandro en un episodio de En terapia, con Diego Peretti. Dijo: “¿Has visto? Ese gesto, esa mirada es de la Lizaran”. Vale, Anita Ariel, mensaje recibido. Y luego, a primera hora de la mañana, la desvelada crónica de Jacinto Antón, y en la cabeza un verso, como una jaculatoria, como un estribillo obsesivo, aquel verso de Chora, de Josep Maria de Sagarra: “Aquesta gràcia de la terra / no creguis que amb la mort hagi acabat”.

Cuánta gracia, cuánta vida, cuánto teatro. Ahora tendría que venir la enumeración de tus trabajos, pero no: demasiadas interpretaciones culminantes, no caben, desbordan este artículo como desbordabas tú el escenario, siempre en el tono, siempre en la verdad, en comedia y en drama. Dejémoslo en primera y última. La primera fue, en mi memoria, un triple deslumbramiento, La nit de les tríbadesLa bella Helena, Les tres germanes, en aquel irrepetible Lliure del 78. En la última, Dues dones que ballen, de Papitu Benet, también en el Lliure, tragabas cincuenta pastillas bailando Something stupid. Decías: “Estoy harta de morirme, en las últimas temporadas ya me he muerto mucho”. Y era verdad: ForastersAgostDues dones… Por eso te apetecía tanto hacerLa Bête, pero ya no hubo tiempo. Querías volver a reír, tú, que te reías de la luna, que no concebías la vida sin risa, que cuando te preguntaron, muy serios, muy sorprendidos, por qué habías elegidoArsénico y encaje antiguo para tu debut como directora, respondiste: “Porque es muy divertida”.

Las grandes (la Espert, la Sardá, la Machi) sois tremendamente divertidas. ¿Te acuerdas cuando la Espert fue a tu camerino a llenarte de elogios, la noche en que os conocisteis, y tu te quedaste muda y al cabo de un rato contestaste “Creo que mañana me compraré una nevera”? Y aquella gloriosa borrachera durante la gira de Godot, cuando te levantaste en el bar con la irónica majestad de Tallulah Bankhead y le dijiste a Jesús Castejón “Esta noche iré caminando hasta el hotel”, y el hotel estaba enfrente, al otro lado de la calle. No cruces esa calle, Anita. Quédate un rato más, tómate la penúltima y cuéntanos otra historia. Vuelve a recordarnos los nombres de los perfumes y los alegres alcoholes que elegías para cada obra, un pequeño toque tras las orejas, un corto trago antes de salir a escena. Vuelve a decirnos que lo peor de Agost era estar tanto rato en aquella habitación tan alta, casi en los telares, sin poder orinar, y nosotros sabíamos que decías eso, humilde como todas las grandes, para quitarle importancia a la torrentera de plácemes. Vuelve a hablarnos de tus proyectos, vuelve a ponerte tu careta de perezosa incorregible, tú, justamente tú, que como cuenta Belbel eras incapaz de hacer una italiana sin echar toda la carne en el asador, como si cada ensayo fuera estreno. Escucha lo que dice de ti María Delgado en Contemporary Theatre Review: “Tenía la alegría de Judi Dench, el ingenio de Maggie Smith, la terrestre humanidad de Pauline Collins, la fiereza de Helen Mirren, la intensidad vocal de Fiona Shaw”. Sopla un viento fuerte, no te oigo, echas a andar, te nos vas hacia nuestro pasado, hacia el país de los grandes muertos y las grandes noches. La reina Lizaran acaba de efectuar su salida de escena y se dispone a entrar en el hotel, al otro lado del telón. De pie, señoras y señores.

1977 Ascensió i caiguda de la ciutat de Mahagonny1977 La cacatua verda1977-78 Titus Andrónic1978 Hedda Gabler1978 La vida del rei Eduard II d'Anglaterra1980 El misántropo (Ros Ribas)1976-77 1 Cami de nit1980 Jordi Dandin (Ernest Serrahima)1980 El balcó (Ros Ribas)1983 Advertencia per a embarcacions petites (Ros Ribas)1985 Un dels ultims vespres de Carnaval (Ros Ribas)1987-88 Lorenzaccio Lorenzaccio (Ros Ribas)1989 Las noches de Figaro (Ros Ribas)1990 Capvespre al jardí (Ros Ribas)1992 El dol escau a Electra (Ros Ribas)1992 El parc (Ros Ribas)1996 Lear o el somni d'una actriu (Ros Ribas)2005-2006 Un matrimonio de Boston (Ros Ribas)homenatge-a-anna-lizaran-1

(EL PAIS –  por JACINTO ANTÓN 14-01-2013)

Lágrimas, risas, aplausos y besos por Lizaran

La última función de Anna Lizaran fue de las que no se olvidan. Su familia, compañera Irene y amigos orquestaron una ceremonia de despedida laica maravillosa. No podía irse la Lizaran de bolo, ese bolo definitivo del que nadie regresa, parafraseando al Bardo, de mejor manera. Una verdadera multitud, con la profesión teatral en masa, abarrotó la capilla del tanatorio de las Corts en el mejor reparto de la historia de la escena reciente. Todos eran secundarios. Entre los presentes, Eduard Fernández, Josep Maria Pou, Enric Majó, Imma Colomer, Àlex Rigola, Frederic Amat, Xavi Clot, Maife Gil, Daniel Martínez, Lluís Soler, Pere Arquillué, Oriol Broggi, Rosa Maria Sardà, Carme Sansa…. Entre los políticos, Pasqual Maragall, el alcalde Xavier Trias y el consejero de Cultura, Ferran Mascarell. La gran estrella yacía en el ataúd y destellaba en una pantalla mientras sonaba la voz de Sílvia Pérez Cruz cantando Plora amb mi.

En una ceremonia llena de momentos emotivos destacó el sonetí de la Rosada de Toldrà interpretado al violín por la sobrina nieta de Anna Lizaran, Maria Florea. Elisenda Roca, gran amiga de Anita, condujo parte del acto y recordó a la actriz en el escenario y en la intimidad haciendo llorar y reír alternativamente a los asistentes en una verdadera montaña rusa de emociones desbordadas de la que nadie salió indemne. “Era imposible no quererla”, sintetizó Roca, tras recordarla sufriendo con el Barça o su obsesión con poner lavadoras. El periodista televisivo Josep Lluís Merlos, primo hermano de la Lizaran, mezcló genialmente sentimiento y bromas para evocar a una mujer capaz de tantos registros emotivos. “¡Ni Xirgu ni hostias, Anita es la más grande!”, exclamó, arrancando una ovación. La imaginó de gira en Citerea o en Mahagonny, o cabalgando en la grupa del caballo de Joaquin Murrieta –aquí Lluís Homar, en primera fila, por alusiones, apuntó en voz alta: “¡Yendo a comprar una nevera!”. Recordó Merlos la frase de la actriz “tocaros que son cuatros días” e invitó a todos los presentes a besarse, lo que la gente hizo sin reservas. El Cant del Ocells provocó una oleada de tristeza casi física, punteada de suspiros. Sergi Belbel tomó la palabra para recordar la polivalencia de la actriz y la mujer, capaz de todos los papeles del Auca. “La mejor en todo, como actriz, mujer, amiga”. Predijo que un día “seremos envidiados al decir: ‘yo trabajé con la Lizaran, yo ví a la Lizaran o la Lizaran me dijo esto o aquello’”.

Destacó cómo era “insuperable en el renegar: nadie decía ‘Merda’ como tú”. Y la evocó en el palco del FC Barcelona con una bufanda para taparse la boca y poder insultar con los peores denuedos al árbitro sin que nadie se enterara de que era ella la que gritaba. Se le rompió la voz al acabar: “Sensa tu la vida serà una verdadera merrrrda. Te querremos siempre”. La ceremonia tuvo incontables momentos inolvidables. Concluyó con un audiovisual con imágenes de la carrera de la actriz, incluidas unas inéditas de sus ensayos de La Bête en el Teatre Nacional de Catalunya (TNC), obra que no pudo llegar a estrenar. El actor que la sustituyó, Jordi Bosch, se emocionó visiblemente al verla con el mismo disfraz que usó luego él. El acto acabó con todos los asistentes puestos en pie y un larguísimo aplauso que arreciaba por momentos como una lluvia sobre los cristales. La última salida de escena de Anna Lizaran se produjo mientras los empleados de la funeraria sacaban su ataúd y sonaba una fanfarria. A algunos entonces les desbordó la emoción: Joel Joan lloraba a moco tendido y Julio Manrique acudió a consolarlo. Montse Guallar se manifestaba huérfana. Un pequeño corro juntó fuera ya a Fermí Reixach, Toni Sevilla y Homar, viejos camaradas del viejo Lliure. Mientras la multitud se desperdigaba un frío insoportable parecía llegarte hasta los huesos. Cayó el telón. Anna Lizaran se ha marchado y qué difícil va a ser acostumbrarse.

(LA VANGUARDIA –  por XAVIER ANTICH 21-01-2013)

 SE LLAMABA ANNA LIZARAN

Y a nadie que la haya visto en un escenario puede extrañarle la conmoción que su muerte ha provocado. Otros, estos días, lo han recordado desde la proximidad amistosa y las confidencias por haber compartido intimidades. Yo, como otros miles de espectadores teatrales, no la conocí en persona. Y sin embargo, desde 1980, cuando la descubrí en aquel incendio de pasiones desatadas que se produjo en el Teatre Lliure de Gràcia con aquel prodigio que fueron las representaciones de El balcó de Jean Genet, no he dejado de asistir a sus creaciones como si fuera alguien muy próximo.

Una práctica habitual, quizás bienintencionada, hace que, ante cualquier muerto del mundo de la cultura o la política, se hable, a menudo con aspavientos exagerados, del difunto, y a hacer elogios que sólo pueden expresarse con la tranquilidad que el viento se lo llevará con la misma frivolidad que se dicen. Y, así, somos capaces de convertir a un poeta de domingos en un candidato olvidado por el Nobel o a un político franquista en el responsable del retorno de la democracia. Sin embargo, en el caso de Anna Lizaran, sobre la que se han escrito cosas elogiosísimas estos días, nada ha sido exagerado ni fuera de medida, porque ella ha sido, sin duda, una de las grandes damas del teatro europeo de nuestra época.

El gran Lluís Pasqual la convenció en 1976 para volver de París, donde estaba siguiendo los cursos de Lecocq, y formar parte del equipo fundador del Teatre Lliure. “Un lugar”, escribió hace años Pasqual, “donde todo el mundo, arriba y abajo -y esta frontera queríamos disolver- vive un mundo, una experiencia diversa y próxima. Que está allí, pero que también está dentro”. Un teatro con vocación pública, de construcción de espacio en común, de experiencias compartidas, de verdad sobre nuestro mundo. Un teatro que quería hacer mucho más que teatro. O, dicho de otra manera: que quería hacer teatro de verdad. Teatro que hablara desde la vida, y que devolviera la vida más rica, más sutil, más densa. Nada de teatro como entretenimiento, para ocupar el tiempo, para pasar el rato. Entonces, de eso, se decía, y creo que justamente, teatro de arte. Y en este cometido, Anna Lizaran, fue una pieza clave de una renovación esencial del teatro catalán, comparable a la que se estaba produciendo aquellos años en el teatro europeo: en París, en Milán, en Berlín…

Anna Lizaran recordaba una anécdota a raíz de la preparación de un montaje ya mítico, La nit de les tríbades, la obra del beso en la boca con Muntsa Alcañiz, en que, por primera vez, veíamos en escena, y de bien cerca, emocionados, los amores de una mujer por otra mujer. Era una obra, decía la Lizaran, en la cual el riesgo, como siempre, era teatralizar demasiado, y en la que se pretendía, como también casi siempre, “interpretar a partir de nosotros mismos, con nuestros gestos habituales, nuestra manera de hacer”. Preparando la obra, recordaba la Lizaran, hicieron, a sugerencia de Fabià Puigserver, una prueba. Carlota Soldevila tenía una perra, Masha, que siempre estaba en el Lliure con ellos. Y, cuando trabajaban, Masha lo sabía perfectamente, y se ponía a dormir en el taller del lado de la sala de ensayo. Sólo salía cuando reconocía, y lo hacía siempre, desde la otra sala, que el ensayo se había acabado y en las conversaciones, el tono de las palabras y el ambiente se hacía audible que ya se había acabado el teatro. Con esta obra, Puigserver propuso que había que engañar a Masha, conseguir que se presentara en el ensayo mientras trabajaban, convencida, sin embargo, de que ya habían acabado. Y cómo decía, pícara, y muy contenta, Anna Lizaran, lo consiguieron a menudo, varias veces. Eso fue el Lliure de aquellos años. Y eso era Anna Lizaran, la vida en escena, la verdad teatral, siempre, hasta este terremoto que fueron las representaciones de Agost, en el TNC, la obra más vista del teatro catalán y que permanecerá en las retinas y la memoria de miles de espectadores.

Cada uno tendrá, entre los pasadizos del recuerdo, la función en la que descubrió a la Lizaran, sabiendo que tenía enfrente un prodigio. La despampanante La bella Helena, la sutileza de la Primera història d’Esther, el hachazo de La senyoreta Júlia, el emocionante Leonce i Lena -con una divertidísima Lizaran de rey-, los increíbles ejercicios de transformismo de Al vostre gust o Quartet, el drama de Una jornada particular… La Lizaran habría podido decir, quizás lo dijo, lo que repetía a menudo Maria Casares: “Hago teatro para estar en peligro”. Porque siempre era ella: no porque se pusiera, ella, en cada papel, cosa que le habría sido muy fácil, sino porque cada papel era una forma de explorar la fragilidad y la vulnerabilidad de las identidades que recreaba o, también, la fortaleza del carácter, a veces, incluso, en el momento de hundirse o hacerse trizas.

En Camí de teatre, Lluís Pasqual explicó una historia bellísima, a raíz de descubrir, estupefacto, una vez, que una misma mujer, a la que no conocía, había ido al teatro tres veces a ver la misma obra. “¿Como es que ha venido tres veces seguidas a ver el espectáculo?”, le preguntó. Y ella, como la cosa más natural del mundo, le contestó: “¿Sabes?, en el teatro, te sientes menos sola…”. Sé que, por eso mismo, porque muy a menudo nos ha hecho sentir menos solos, somos miles los espectadores conmocionados por la muerte de Anna Lizaran que, en el momento de su desaparición, sólo podemos sentir una gratitud infinita y, además, las ganas irreprimibles de decirlo en voz bien alta.

1993 Quartet (Ros Ribas)2011 Dues dones que ballen (Ros Ribas)1999 Esperando a Godot (Ros Ribas)2012 Valere, la Bestia de David Hirso. Dir. Sergi Belbel.

Dejamos un video muy bonito que un admirador hizo por ella:

Y otro más…

(c)  Las fotografías que aparecen en este post son propiedad de sus autores:  Teatre Lliure y Teatre Nacional de Catalunya (se han utilizado para nuestro homenaje a ANNA LIZARAN).

(c)  Los textos que adjuntamos de la prensa especializada, por el fallecimiento de Anna Lizaran,  son propiedad de sus autores y  respectivos periódicos. 

(c) Los videos que hemos adjuntado en este homenaje a la gran ANNA LIZARAN, son propiedad de sus autores.

CONOCIENDO A JULIA (Being Julia) (Dir. István Szabó), por Yolanda Aguas

Mi opinión sobre Being Julia, una de las más deliciosas comedias de los últimos 25 años.

En 1950, Joseph L. Mankiewitcz dirigió ALL ABOUT EVE (Eva al desnudo) que no sólo es una de las más importantes películas de la Historia del Cine sino la mejor que ha retratado el mundo del teatro.   Lo más destacable de esta película es su construcción dramática y los magníficos diálogos de Mankiewicz, aunque  lo que le confiere mayor relevancia es todo aquello que no se dice y que no se hace, todo sucede entre bastidores, aludiendo el pequeño mundo del teatro al gran teatro del mundo.   Más que un análisis del mundo de la escena es un análisis de las circunstancias que rodean al triunfo así como una penetrante indagación de los impulsos femeninos.

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Being Julia (Conociendo a Julia) del director István Szabó, habla de: amor, deseo, triunfo, traición, venganza…  aspectos de la vida que no sólo se encuentran en el teatro sino en la vida real y que son el resultado de la experiencia de las personas y de la imaginación.

Combina además, la sofisticada atmósfera de la época con una serie de observaciones universales sobre los hombres, las mujeres, la vida y el arte.  Es una metáfora de los papeles que todos desempeñamos en las relaciones íntimas y en las comedias, tragedias y melodramas que forman parte de nuestras vidas.   Por este motivo, hay momentos de una gran conexión con la película, con lo que en ella nos cuenta y con nuestras propias sensaciones que afloran cada vez con mayor intensidad conforme avanza la trama.

El director  regresó con este film al ambiente del vodevil tras obtener el Oscar como mejor película en habla no inglesa con su extraordinaria: MEPHISTO, aunque después lo bordeara con su aproximación al mundo de la ópera, con la irregular: CITA CON VENUS, interpretada por la gran Glenn Close.

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Lo más destacado de esta, para mí muy interesante película, es el magnífico equipo (artístico y técnico) con el que se rodeó el director húngaro.  Detallo este sensacional equipo:

  • El guionista:  Ronald Harwood, adaptando la obra “Teatro” del escritor americano W. Somerset Maugham, brillantísimo autor  cuyas obras han sido llevadas al cine casi siempre con gran acierto.  Mención obligatoria es:  El Filo de la Navaja, de Edmund Goulding, protagonizada por Tyrone Power.   Me permito recordar que Ronald Harwood ganó un Óscar por su guión para El Pianista de Roman Polanski.
  • El productor:  Robert Lantos, verdadera alma de esta historia, que pone en pie películas tan interesantes como las que ha producido para los siguientes directores:

ü  ATOM EGOYAN:  Ararat, El viaje de Felicia o la magistral El Dulce Porvenir.

ü  DAVID CRONENBERG:  Crash

ü  DENNIS ARCAND:  Stardom

ü  O el propio ISTVÁN SZABÓ, con el que ya había trabajado en Sunshine.

  • La diseñadora de producción:  Luciana Arrighi, ganadora del Óscar por Regreso a Howard’s End, y nominada por “Lo que queda del día” y “Ana y el Rey”.
  • El compositor de la B.S.O.:   Michael Danna, autor también de “La feria de las vanidades – Vanity Fair”, La boda del monzón o Kamasutra

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Y, por supuesto, el magnífico plantel de actores de esta película.  Todos, los actores protagonistas así como los característicos que dan fuerza y arropan el gran trabajo de una impresionante actriz principal: ANNETTE BENING.

La Sra. Bening preparó su personaje evocando a los modelos interpretativos de sus primeros años de profesión, e incluso trabajando el acento británico para reproducir el tono y matices de la lengua que se hablaba en el Londres de los años 30.  Annette es una mujer inteligente y sabía muy bien que esta “Julia Lambert” podría ser un papel muy importante en su carrera, quizá el más definitivo.   En su interpretación despliega múltiples recursos, sus incontestables encantos: provoca con su sonrisa, conmueve con sus lágrimas –falsas o verdaderas-, ríe a carcajadas, tiene ataques de histeria, se comporta como una mujer doliente… Interpreta sin descanso, dentro y fuera de las obras de teatro que se reflejan en la película.

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Le robaron el Óscar.  De justicia hubiera sido que ganara ella, sobretodo por la brillante y magistral escena final de su venganza, escena que despierta la hilaridad general del público.

No obtuvo el Óscar, pero sí ganó el Globo de Oro en 2005 como mejor actriz en Comedia o musical:

La escena de la improvisación durante uno de los actos de la obra de teatro que representa junto a la joven y ambiciosa actriz que quiere ocupar su lugar.  Hacía tiempo que no me reía tanto y disfrutaba tanto en un cine.   Para Annette Bening, las comparaciones con la incomparable BETTE DAVIS, hubieran sido injustas porque me parece que sabiendo respetar y separar ambas interpretaciones, creo que más que alejarlas por la rivalidad artística, deberían unirlas como si la propia Bette Davis la llevara de su propia mano hacia adelante.  Me parece que con ello lo único que estamos haciendo es reconocer un trabajo espléndidamente realizado por ambas actrices del que todos los que amamos el cine salimos altamente beneficiados.

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Por último, y como siempre nos gusta saber cómo son los actores cuando los tenemos “muy cerca”, puedo contarles que conocí a la Sra. Annette Bening “muy de cerca” en la estupenda rueda de prensa que ella ofreció durante su estancia en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.   Fue en septiembre del año 2004, cuando ella presentó su película Being Julia y recibió el prestigioso Premio Donostia.   Finalizada la rueda de prensa,  se acercó a nosotros amablemente para intercambiar unas palabras y firmarnos el pressbook de la película.   Lo cierto es que todos guardamos un muy grato recuerdo de aquel inolvidable momento.

Stars of the Toronto Film Festival

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