V ed. PREMIOS FEROZ: Ganadores, por Yolanda Aguas

Quinta edición de los Premios FEROZ, que vienen a ser como los Globos de Oro, es decir, los premios que la prensa especializada en cine entrega cada año previamente a los GOYA.

Los premios Feroz han conseguido consolidarse como una de las citas más importantes con nuestra cinematografía y como una celebración del gran nivel de la industria nacional, más desenfadada, aunque igual de relevante, que nuestros veteranos Goya.

Presentados por Julián López, ayer se entregaron unos premios que cada edición van adquiriendo mayor relevancia en el público y la industria.

La gala de 2018 será recordada como la gala de las mujeres, todos los premios fueron entregados por actrices, y la de Verano 1993 (Estiu 1993).

La película de Carla Simón fue la gran triunfadora con tres galardones. Le siguieron HandiaLa llamada y El autor, cada una con tres premios.

En series triunfó la comedia: Vergüenza se llevó los cuatro premios a los que aspiraba (mejor comedia, mejor actor protagonista, mejor actriz protagonista y mejor actor de reparto).

Lista completa de ganadores de los Premios Feroz 2018

CINE

MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA

– Verano 1993 (Estiu 1993), de Carla Simón

– El autor, de Manuel Martín Cuenca

– Handia, de Aitor Arregi y Jon Garaño

– No sé decir adiós, de Lino Escalera

– Verónica, de Paco Plaza

MEJOR COMEDIA

 La llamada, de Javier Ambrossi y Javier Calvo

– Abracadabra, de Pablo Berger

– Fe de etarras, de Borja Cobeaga

– Muchos hijos, un mono y un castillo, de Gustavo Salmerón

– Selfie, de Víctor García León

– Tierra firme, de Carlos Marqués- Marcet

MEJOR DIRECCIÓN

– Carla Simón por Verano 1993 (Estiu 1993)

– Aitor Arregi y Jon Garaño por Handia

– Isabel Coixet por La librería

– Manuel Martín Cuenca por El autor

– Paco Plaza por Verónica

MEJOR GUIÓN

– Carla Simón por Verano 1993 (Estiu 1993)

– Alejandro Hernández y Manuel Martín Cuenca por El autor

– Diego San José por Fe de etarras

– Pablo Remón y Lino Escalera por No sé decir adiós

– Fernando Navarro y Paco Plaza por Verónica

L’OREAL PROFESSIONEL A LA MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

– Natalie Poza por No sé decir adiós

– Marian Álvarez por ‘Morir’

– Laia Artigas por Verano 1993 (Estiu 1993)

– Sandra Escacena por Verónica

– Núria Prims por Incierta gloria– Maribel Verdú por Abracadabra

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

– Javier Gutiérrez por El autor

– Santiago Alverú por Selfie

– Javier Cámara por Fe de etarras

– Andés Gertrúdix por Morir

– Antonio de la Torre por Abracadabra

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

– Adelfa Calvo por El autor

– Anna Castillo por La llamada

– Belén Cuesta por La llamada

– Lola Dueñas por No sé decir adiós

– Gracia Olayo por La llamada

MEJOR ACTOR DE REPARTO

– David Verdaguer por Verano 1993 (Estiu 1993)

– Juan Diego por No sé decir adiós

– Jaime Ordóñez por El bar

– Oriol Pla por Incierta gloria

– Antonio de la Torre por El autor

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

– Pascal Gaigne por Handia

– José Luis Perales y Pablo Perales por El autor

– Carlos Riera y Joan Valent por El bar

– Alfonso de Vilallonga por La librería

– Eugenio Mira por Verónica

PREMIO ESPECIAL

La vida y nada más

Júlia ist

La mano invisible

Los del túnel

Mimosas

MEJOR TRÁILER

– Alberto Gutiérrez por La llamada

– Fernando Vallarino por El autor

– Rafa Martínez por El bar

– Rafa Martínez por Pieles

– Miguel A. Trudu por Verano 1993 (Estiu 1993)

– Rafa Martínez por Verónica

MEJOR CARTEL

– Iñaki Villuendas por el cartel de Handia

– Sergio González Kuhn por el cartel final de Pieles

– Sergio González Kuhn por el cartel final de El bar

– Cartel teaser de La llamada

– Olga Ortiz por el cartel de Verano 1993 (Estiu 1993)

MEJOR DOCUMENTAL

– La Chana

– Converso

– Esquece Monelos

– Muchos hijos, un mono y un castillo

– Niñato

TELEVISIÓN

MEJOR SERIE DRAMÁTICA

– La zona. Temporada 1

– La casa de papel. Temporada 1

– Estoy vivo. Temporada 1

– El Ministerio del Tiempo. Temporada 3

Sé quién eres. Temporada 1

MEJOR SERIE DE COMEDIA

– Vergüenza. Temporada 1

– Allí abajo. Temporada 3

– El fin de la comedia. Temporada 2

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA DE TV

– Javier Gutiérrez por Vergüenza

– Eduard Fernández por La zona

– Francesc Garrido por Sé quien eres

– Hugo Silva por El Ministerio del Tiempo

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA DE TV

– Malena Alterio por Vergüenza

– Úrsula Corberó por La casa de papel

– Aura Garrido por El Ministerio del Tiempo

– Alexandra Jiménez por La zona

– Blanca Portillo por Sé quién eres

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DE TV

– Emma Suárez por La zona

– Susana Abaitua por Sé quién eres

– Alba Flores por La casa de papel

– Cayetana Guillén Cuervo por El Ministerio del Tiempo

– Ana Polvorosa por Las chicas del cable

MEJOR ACTOR DE REPARTO DE TV

– Miguel Rellán por Vergüenza

– Jaime Blanch por El Ministerio del Tiempo

– Álex Monner por Sé quién eres

– Alejo Sauras por Estoy vivo

– Paco Tous por La casa de papel

FEROZ DE HONOR

– Verónica Forqué

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

 

 

 

 

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NATALIA MENÉNDEZ (Entrevista), por Yolanda Aguas

El encuentro con Natalia Menéndez ha sido un regalo inesperado.  Largamente anhelado, es cierto, pero ha llegado como los primeros rayos de sol tras muchos días de niebla.

Sabía que iba a disfrutar mucho escuchándola.  Lleva muchos años demostrando su talento, su sensibilidad y su profunda inteligencia. 

Les invito a leer esta conversación, les aseguro que su discurso es de gran calado.

Permíteme iniciar esta conversación contigo con una pregunta relacionada con la educación que todos los niños deberían recibir para fomentar su amor al teatro.

Tú no eras todavía la Directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, pero en 2006, Vanessa Redgrave recibió el Premio Corral de Comedias, dotado con 20.000 euros, y lo donó para la realización de un proyecto en los institutos de Secundaria de Castilla-La Mancha, que sirviera para formar a los niños en el mundo del teatro.  En aquel momento ella manifestó “Intento hacer con el teatro lo mismo que Daniel Baremboin con la música, que ha unido a jóvenes árabes, israelíes y palestinos”.

¡Maravilloso proyecto¡

Durante tu gestión al frente del festival, me gustaría preguntarte si estuvo vigente aquel programa (u otros parecidos) en el que 20 niños – escolares de 11 a 12 años – participaron en un taller impartido por el grupo Sala Cuarta Pared.

Y si no lo estuvo, ¿qué otras actuaciones similares llevaste a cabo al respecto?

En lo que se refiere al 2010 en adelante, hasta que terminó mi trabajo en el Festival I.T.C. de Almagro, creamos un certamen de teatro que se llamaba Barroco Infantil.  Era un certamen internacional donde además creamos por primera vez en España un Jurado mixto (tres niños y tres adultos).  Gracias  a esta primera vez nos copiaron muchos, que era lo que yo quería…

Estos tres niños elegidos en los tres colegios públicos de Almagro, a través de dibujos, poemas o lo que quisieran para que reflejaran lo que era para ellos el Festival y también para escucharles.  A todos los niños que habían participado se les ofrecía ver un espectáculo de teatro y a estos tres elegidos, y a lo largo de esos seis días que duraba el certamen Barroco Infantil, se les daba como una especie de taller o master class (como se le quiera llamar) en torno al teatro.

Se les enseñaba el teatro, el jefe técnico les contaba para qué servía cada cosa, se les explicaba quién era un figurinista, un escenógrafo, un iluminador, etc.  De alguna manera, ellos tenían que empezar a aprender cómo valorar los espectáculos y por ellos, luego había una cena en la que yo estaba invitada a escucharles (tanto a los adultos como a los pequeños) y realmente se les consideraba absolutamente.

Estos tres niños, no tanto por cantidad sino por la calidad que se impartía hacia ellos, yo creo que fue una actuación muy importante.  Creo que se han quedado impregnados, no para que sean actores, sino para que disfruten del teatro en su vida.  A mí lo del espectador del mañana no me interesa, me interesa el espectador de hoy. También buscamos (y lo conseguimos) que en ese certamen existiera el patrocinio de unas cuñas para que ellos estuvieran bien sentados.  Es decir, intentar buscar la comodidad del niño para que disfruten mejor del teatro.  Y luego eso, un aprendizaje a tres niños por año.

Ernesto Caballero manifestaba hace unos meses que: “La buena cultura es al mismo tiempo progresista, porque abre nuevos caminos, y conservadora, porque preserva una tradición”.

¿Qué opinas al respecto? ¿La izquierda tiene más sensibilidad hacia la cultura o es un tópico que no siempre se aproxima a la realidad?

Es que a mí los calificativos de progresista…  (reflexiona unos segundos).

Tal vez Ernesto Caballero al ser autor maneja mucho mejor las palabras que yo…  Creo que la mirada hacia el pasado es fundamental, que los clásicos con clásicos porque nos sobreviven, nos interrogan, nos proponen, nos sacuden, nos vapulean hoy.  Y también el ser creador significa que debemos de tener una mirada para mí no forzada. Para otros creadores sí debe ser forzada y debe ser fuerte.

Y respondiendo a la segunda parte de tu pregunta, no sé si te quieres referir a los políticos o a los creadores…  Si es a los políticos te diré que no, en absoluto.  No creo en absoluto en que la izquierda apueste más por la cultura que la derecha.

¡Qué interesante lo que dices¡

No lo creo en absoluto.  Creo en los políticos, en personas concretas que tienen y que saben lo que significa la cultura y el beneficio que procura a la sociedad: económica, material e inmaterial.  Finalmente se traduce en una calidad de vida.  Y esto, en absoluto, creo que tenga que ver con la izquierda.

Si te refieres a los creadores, de izquierda y de derecha, creo que hay muchos creadores de izquierdas que no lo son.  Creo en creadores que hacen evolucionar la cultura, que dan un punto de vista, que se atreven y que se arriesgan.  Y no sé si eso tiene que ver con la izquierda o con la derecha.

Citando de nuevo a la gran Vanessa Redgrave (un referente de vida para nosotros): “Sigo en el teatro porque lo considero vital para la resistencia del hombre, para la supervivencia del espíritu humano.  La primera vez que presencié el asedio de Sarajevo, durante y después de la guerra, entendí que la vocación del teatro, en todas sus formas, es la supervivencia del hombre”.

Natalia, ¿qué tiene el teatro para ti para que sea el eje de tu vida?

¡Es esencial¡ Es la médula, es el contacto entre una sociedad y tú. Es el calor o el frío que provocamos siendo espectadores y creadores.  Las Artes Escénicas, no diría sólo el Teatro, es el único lugar donde realmente se produce un encuentro real, físico…  Y eso, en estos momentos, me parece que es absolutamente necesario.

Eres actriz, directora, dramaturga, gestora…   Observando tu carrera, es evidente qué Natalia se ha sacrificado más para que las otras crecieran y crecieran…

¿Ha sido un precio demasiado alto para ti el sacrificio que ha hecho la actriz? o ¿los resultados en las otras tres facetas creativas te compensan?

Me compensan absolutamente… Desde pequeña leyendo los textos o viendo el teatro, nunca lo he hecho desde un lado sino desde múltiples lados.  A veces, ya dirigiendo, me colocaba actuando, a veces quería cambiar el texto, a veces quería ubicarlo en un espacio,   Es decir, que no es casual todo esto, y todas las demás profesiones que evidentemente no están reflejadas pero por las que sí he pasado.  Lo que me ha interesado sobretodo es el camino.  El camino y los proyectos: con quién los realizo y conocer bien, un poco de una manera renacentista.

De la sabiduría profesional en las Artes Escénicas que ya atesoras ¿Qué te habría gustado saber al dar tus primeros pasos?

Creo sinceramente que han sido muy necesarios los peldaños y todos los pasos que he dado. Cuando he hecho figuración como actriz, cuando he hecho ayudantías y auxiliares de dirección y de producción, cuando he manipulado una mesa de sonido o de luces y he colocado un decorado…  Salvo la parte, digamos, visual que yo no sé tejer ni sé dibujar… Salvo esa parte (¡que me hubiera encantado¡) así como cantar o tocar un instrumento que es lo que me falta… Todo ha sido necesario.

Soy una persona lenta.  Ambiciosa pero lenta, porque me interesa el camino. Si se ve el trayecto que yo llevo y cómo lo he ido haciendo, cómo acepté el primer protagónico después de muchos años de haber actuado y que fue “La discreta enamorada”…

Con Berta Riaza…

Sí.  ¡Antes habían pasado muchas obras¡  Es decir, a mí no me corre prisa.  Lo que me corre es mucha curiosidad por el cuerpo.

Dante habló en “La Divina Comedia” de los temas que envuelven al ser humano: el amor, la culpa, el castigo, la venganza, la redención…

¿Hay algún otro texto, si no es éste, que te gustaría poner en escena que presente estos temas?  Ese texto que tú sueñas montar…

Yo quiero montar “La vida es sueño”.  Es uno de mis textos soñados.  Yo diría que el sexo (como deseo), el poder y el miedo, probablemente sean los tres temas para mí más interesantes.

Si les preguntara a tus amigos, ¿qué crees que destacarían ellos de ti?

Supongo que dirían el humor, porque yo lo necesito para vivir, supongo que dirían la generosidad…  (guarda silencio) y la curiosidad.

Y a tí ¿qué te gustaría que ellos destacaran?

Eso también…  Creo que sí.  Quizá la sencillez, aunque a veces me complico un poco la vida.  Puede que la honestidad, pero es que eso me gustaría que no fuera un valor sino que estuviera ya dentro.

Natalia, ¿con qué tipo de personas te gusta rodearte? (Humana y profesionalmente)

Me gusta la gente que es plata.  En el código gitano, la persona que habla en plata es la persona que es honesta.  Que esas personas tengan humor y ganas de vivir.

Es la primera vez que hablamos, y no puedo evitar preguntarte por tu padre.

(1991) “Oportunidad: bonito chalet familiar” Aut. Juan José Alonso Millán

Estreno: 16-01-1991 en el Teatro Maravillas de Madrid.

Dirección: Juanjo Menéndez  Intérpretes: Natalia Menéndez…

(1999) “La mirada”  Aut. Yolanda Pallín

Estreno: 1-02-1999 en la Sala Manuel de Falla de la S.G.A.E. Madrid

Dirección: Natalia Menéndez  Intérpretes: Juanjo Menéndez…

Me encantaría saber, Natalia, qué pasaba por aquel padre y aquella hija cuando trabajaron juntos en teatro, él dirigiendo, y especialmente, cuando fuiste tú la que le dirigió a él.

¿Qué sensaciones te quedan de aquellos momentos?

En “Oportunidad: bonito chalet familiar”, no sólo me dirigía él sino que yo era su ayudante de dirección y además estábamos los dos en el escenario.  Y en la función hacíamos también de padre y de hija.  Yo tenía que romper el miedo y mi preocupación de ser “hija de”.  Tenía que romper ya esa idea.  Para mí era muy personal y muy importante hacer teatro de vodevil, teatro comercial con él.  El texto era un divertimento y tenía que hacerlo.

Él y yo tuvimos siempre una relación empática brutal. Trabajos juntos mucho, él me enseñó el placer de la lectura de los autores del Siglo de Oro: Quevedo, Góngora, Lope de Vega, Calderón y, sobretodo, Cervantes.

Trabajamos mucho a la sombra, pero para mí hacía falta un reconocimiento, como: “’¡Ya¡  Ya lo he hecho”.  Era como una especie de demostración.  Y duré como cuarenta días, porque recuerdo que el estreno fue cuando estalló la Guerra del Golfo y duré los cuarenta días de esa guerra porque enseguida entré en la CNTC (Compañía Nacional de Teatro Clásico).  Y él lo aceptó de una manera ¡tan generosa¡  Él sabía lo que yo estaba haciendo en ese momento y lo que yo quería hacer.  Era un poco como quitarme ese peso.

En cambio, en la segunda vez, con “La mirada” me emocionó profundamente.  Él ya estaba enfermo de Alzheimer y fue el último trabajo que él hizo.  Él estaba muy perdido y yo le di la oportunidad de recuperar el estar con un texto de Yolanda Pallín y con unos actores que fueron de una gran generosidad.  Me da mucha ternura ese último momento porque realmente fue su último paso con un texto teatral.  Fue una lectura dramatizada pero que tenía mucho movimiento.

Yo siempre le he visto como un padre más que como un actor.  El actor, está claro que estaba pero para mí era un padre y eso me emociona más.

Durante tu faceta como actriz, has trabajado con Charo Soriano (en dos ocasiones), nombrábamos antes a Berta Riaza, Enric Majó… 

Lola Herrera, Arturo Fernández…

¿Qué te enseñaron estos grandes maestros?

¡Tantas cosas¡  Yo he dirigido a Agustín González, he trabajado con Aurora Redondo, Mari Carmen Prendes, Aurora Bautista, María Isbert, Jesús Puente…

¡Es que es una generación tan bestia¡ Adolfo Marsillach, que he sido amiga suya, también de Pilar Miró…  María Jesús Valdés, Julieta Serrano…

A todas estas personas, si hay algo que les une a todos y a todas, es su coraje y su entrega.  Quiero nombrar también a Marisa Paredes, Maria Fernanda D’Ocón…

¡Qué grandes¡

Aunque son de diferente generación, son personas muy potentes.  Es que son personas que en el trabajo han conocido lo que es deslomarse, dejarse la piel…

Arturo Fernández es una persona que quiero muchísimo.  Está en activo y lo nombro porque probablemente con él muera un caballero a la hora de hacer un tipo de teatro que va a desaparecer. Es un hombre que está acostumbrado a hacer tres funciones diarias.

María Isbert, que aprendió inglés para sacar a su hijo de la cárcel…  Son personas que no han tenido miedo.  Han vivido la guerra, han vivido la postguerra, han vivido el hambre…

Florinda Chico… Gente que ha sido “peleona”, te podían caer mejor o peor como personas, pero han luchado, han combatido…  y cada uno ha tirado para adelante.

Recuerdo una frase de mi padre que me decía: “No lo pienses, ¡hazlo¡”, porque yo pensaba mucho las cosas, meditaba mucho… Demasiado.

Con Miguel Narros y Andrea D’Odorico hiciste “La doble inconstancia” (1993) de Marivaux.

En 2004, obtienes el Diploma de Estudios Avanzados (Universidad Carlos III de Madrid) con tu Tesina: “Las falsas confidencias de Marivaux, traducción, notas y análisis crítico”.

Mi pregunta es doble:

¿Qué significó para tí participar en aquel inolvidable montaje?

¿Por qué Marivaux para tu Tesina?

¡Me encantan estas preguntas¡ Me encantan… (sonríe)

Además de ser hija de quién soy, soy sobrina de Jean-Pierre Miquel (Director de la  Comédie-Française, Director del Théâtre de l’Odéon, Director del Conservatorio de París), con el que también tuve una empatía brutal.   Mi padre y él murieron los dos en el año 2003.  Son dos personas que han sido pilares en mi vida, han sido faros.  Ya digo, Cervantes por un lado y, de pronto, Marivaux por otro.

Quien me descubre a Marivaux es Jean-Pierre Miquel, y da la casualidad que yo quería trabajar con Miguel Narros.  Me parecía alguien muy importante, era un director que me gustaba mucho porque se fijaba en esos textos y por su forma de dirigir. Cuando me llamó me hizo una prueba para el Marivaux y pensé “¡Qué maravilla¡”.

En ese montaje de 1993 estaban: Carme Elias, Ana Gracia, Antonio Valero…

Sí, pero yo no sabía el reparto cuando hice la prueba…  Entonces, me dicen: “Vas a ser la hermana pequeña de Carme Elias”.  Pensé: “’¡Madre mía¡”

Estaba también Ginés García Millán (prácticamente arrancamos juntos en la profesión, éramos tan jóvenes…).

Hicimos una gira muy larga, pero con Carme tuvimos una relación maravillosa.  Fue una obra que viví a fondo, con ese elenco… En particular con Carme a quien cogí un cariño enorme.  Luego nos hemos perdido más de vista…

Sí, no habéis vuelto a trabajar juntas en teatro…

No. Hubo una oportunidad para hacerlo pero en ese momento yo no me sentí capacitada.

Por eso te digo que yo he hecho una carrera muy lenta.  Cuando no me he visto capacitada porque no podía aportar nada he desistido.

En “La doble inconstancia” estaba también Andrea D’Odorico…

Sí.  Conocer a Andrea fue importantísimo en mi vida.  De hecho, cuando fallece Miguel Narros, a la primera persona que Andrea le ofrece dirigir desde su productora es a mí.

Hicimos el Pirandello (“Tantas voces”)…  Andrea fue otro pilar de mi vida… me provocaba leer, era un tipo muy vehemente pero con un amor brutal por el teatro.

Me dio la oportunidad de dirigir ese Pirandello que a mí no se me olvidará nunca.

Natalia, has estado rodeada de figuras esenciales en nuestra escena…

He tenido mucha paciencia para elegir a la gente aunque la gente pareciera que me elegía a mí (sonríe).

La idea es que yo me colocaba en un lugar para intentar encontrar esas oportunidades.

No me importaba hacer pruebas… es más, María Jesús Valdés me preparó la prueba para entrar en la CNTC.  ¡Yo quería entrar en la Compañía¡  Yo se lo pregunté a María Jesús: “¿Me preparas?”.  Estuvimos tres días preparando la prueba.  Cuando llegué el resto de mis compañeras no se sabían ni el texto.

Yo sí me he preparado mucho las pruebas, he hecho muchas.  Nunca he tenido ningún tipo de problema en que me examinaran.

María Jesús Valdés… “El cerco de Leningrado”, “La visita de la vieja dama”… ¡qué barbaridad¡

¡Qué barbaridad¡  (reímos)

Una mujer sensacional, muy generosa, muy amiga de mis padres…

Hace unas semanas entrevisté a María Araujo, la gran figurinista de nuestras Artes Escénicas.  Has trabajado con ella en siete ocasiones:

(2007) El curioso impertinente, (2007) La sospecha, (2009) Música clásica, (2010) Realidad, (2013) La amante inglesa, (2015) No feu bromes amb l’amor y (2017) La Villana.

La pregunta es obligada y además me encanta hacértela: ¿Qué seguridad encuentras en ella para pedirle que sea una colaborada tan próxima a ti?

¿Qué destacas en su forma de trabajar y en su creatividad?

Con “El curioso impertinente” la cuestión fue que el escenógrafo era Joaquim Roy.  Yo siempre pregunto al escenógrafo con quién quiere trabajar, sobre todo al principio, o a quién quiere como iluminador porque entiendo que se tiene que llevar bien con ese triángulo.  Quim me propuso tres figurinistas.  Yo buscaba el rojo, necesita el rojo…

¡El color preferido de María¡ 

¡Claro¡  Yo necesitaba que la actriz, en un momento dado, Nuria Mencía tuviera un vestido rojo.  Lo tenía clarísimo que debía ser rojo.   ¡Y el rojo de María me dejó loca¡

Cuando le llamé me preguntó: “¿Por qué me has elegido a mí?”.  Y yo le respondí: “Por el rojo”.

Desde el principio, nuestra colaboración fue un flechazo. Fue un entendimiento brutal, ella fue muy sincera, yo fui muy sincera…

Lo bonito es trabajar desde la plata, desde la sinceridad, desde la honestidad…  De decirnos todo y poder “achuchar”.

Cuando estás con gente que es muchísimo más importante que tú en su materia todo es más fácil.  ¡Con María lo es¡

Es lo que tiene que ser, tienes que coger a gente muy grande para que te ayude a crecer y poderles pedir tus sueños y que ellos los hagan el tripe de grandes.

María me dice: “Es que tú siempre me pides cosas… de pronto me pides animales…”.

Sí, le pido animales, le pido plantas…

Flores…

¡Claro¡ Le pido cosas que para mí son muy importantes.

Y lo que se ha producido con María es que ya existe también una amistad. Nos conocemos mucho y yo sé cómo se toma el trabajo, la importancia que le da, la imaginación que tiene.  Tiene mucha imaginación, pero tiene mucho rigor al tiempo…  Me gusta mucho.  Y es una grande de las grandes del teatro, y no digo sólo de España.

Natalia, para terminar este encuentro por hoy… 

Un sueño-deseo profesional y personal…

Un deseo profesional sería dirigir ¡una gran comedia¡  La autoría actual no apuesta por la comedia porque creo que es más fácil escribir drama o tragedia que escribir comedia.  Y porque además en la profesión está como desmerecida la comedia, pero al público le fascina.  A mí me encantaría encontrar una comedia actual.  Ese sería un sueño profesional: dirigirla y actuar también.

¿Quieres retomar tu faceta como actriz?

Sí, pero no a cualquier precio.

¿Y un sueño personal? No perder la calma ni la alegría.

Muchísimas gracias…

Un placer.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

TEBAS LAND: RdP en T. Principal de Zaragoza, por Yolanda Aguas

Hoy se ha presentado en rueda de prensa, en el Espacio Mariano Cariñena del Teatro Principal de Zaragoza, la obra Tebas Land que se representará en el Teatro del Mercado del 19 al 21 de enero.

Han asistido el Gerente del Patronato de las Artes Escénicas y de la Imagen, Víctor López, la directora del montaje, Natalia Menéndez, y los dos protagonistas: Israel Elejalde y Pablo Espinosa.

Tomando como tema central la figura del parricidio, el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco escribe su pieza de teatro Tebas Land, inspirada en el legendario mito de Edipo, en la vida del santo europeo del siglo IV San Martín y en un expediente jurídico creado e imaginado por el propio Blanco en el cual se narra el juicio de un joven parricida llamado Martín Santos.

A partir de los distintos encuentros que mantienen en la cancha de baloncesto de una prisión este joven parricida y un dramaturgo que trata de escribir la historia de dicho crimen, Tebas Land irá poco a poco centrándose no tanto en la reconstrucción del parricidio como en la representación escénica de los encuentros entre ambos personajes. De este modo, la pregunta inicial que abre la pieza, “¿cómo es posible matar a alguien?”, será reemplazada por la pregunta final “¿cómo es posible representar a alguien?”

Tebas Land se aleja así de la dimensión ética del parricidio para concentrarse en las posibilidades estéticas de su representación y ofrecer finalmente una bella tesis sobre el acontecer teatral.

Tanto para la directora, Natalia Menéndez, como para el actor protagonista, Israel Elejalde, piensan que la obra llegará especialmente al público de Zaragoza, al que ambos han calificado como de “muy entendido” en teatro.

La obra se estrenó en Madrid el pasado 10 de noviembre de 2017, con éxito rotundo de público y crítica.  Ahora inician una gira ante la que se muestran muy ilusionados.

Tebas Land es la primera obra que  Menéndez dirige tras dejar la dirección del Festival de Almagro y ha sido así porque es el texto que más le ha removido de cuantos ha leído en el siglo XXI, centrado en una tragedia inquietante y curativa para poder entender su propia vida. “Es una obra que habla de las posibilidades que tiene una persona que se siente bien tratada y que recibe una segunda oportunidad después de haber pasado por momentos complicados en su vida”.

Israel Elejalde ha dicho que la obra tiene una carpintería teatral perfecta porque trata varios temas de forma sencilla, que no es lo mismo que decir simple.

Como la necesidad de abandonar los prejuicios que solemos tener contra quienes no habitan en nuestro círculo más cercano. Por ello decidió aceptar este proyecto de entre los muchos textos que tiene la oportunidad de elegir.

El actor alicantino Pablo Espinosa, conocido por series de televisión como “Física y química” o “El secreto de Puente Viejo”, interpreta a un joven parricida.  El actor ha manifestado: “Ha sido un reto para mí porque cada vez que te toca interpretar un personaje te toca también ahondar en su realidad y en su mundo, y para mí ha sido un antes un después porque tampoco me había planteado todas estas cuestiones”.

Como hemos comentado al comienzo de este artículo, el montaje se podrá ver en el Teatro del Mercado este viernes, día 19 (a las 20.30), el sábado 20 (a las 20.30) y  el domingo 21 (a las 18.30).

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

23 ed PREMIOS FORQUÉ (Palmarés), por Yolanda Aguas

“El autor” y “La librería”, premio Forqué “ex aequo” a la mejor película

“La librería”, dirigida por Isabel Coixet, y “El autor” de Manuel Martín Cuenca, han sido elegidas este sábado “ex aequo” ganadoras del Premio Forqué al mejor largometraje de ficción en una gala celebrada en el Palacio de Congresos de Zaragoza. Es la primera vez en las 23 ediciones de estos premios que dos películas comparten el galardón principal, al obtener el mismo número de votos.

Los equipos de ambos filmes ganadores han subido al escenario a recoger el premio, aunque sólo había una estatuilla preparada.

Martín Cuenca no ha podido asistir a la ceremonia porque está rodando en Miami, mientras que Isabel Coixet ha asegurado que su película ha tenido que superar “muchos palos en las ruedas” en el extranjero para salir adelante.

PALMARÉS completo de la 23ª edición de los Premios Forqué:

Mejor Largometraje: ‘La librería’ (Isabel Coixet) y ‘El autor’ (Manuel Martín Cuenca)

Mejor interpretación masculina: Javier Gutiérrez por ‘El autor’

Mejor interpretación femenina: Nathalie Poza por “No sé decir adiós”

Mejor Documental: “Muchos hijos, un mono y un castillo” de Gustavo Salmerón

Mejor Película Latinoamericana: “Una mujer fantástica” de Sebastián Lelio

Mejor Cortometraje: “Madre” de Rodrigo Sorogoyen

Premio Forqué al Cine y la Educación en Valores: “Lo que de verdad importa” de Paco Arango

Medalla de Oro de Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales: Carlos Saura

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

MOLLY’S GAME (Dir. Aaron Sorkin), por Yolanda Aguas

Aaron Sorkin, el autor de guiones tan complejos y redondos como “La red social” o “Steve Jobs”, además de series como El ala oeste de la Casa Blanca o The Newsroom, salta a la dirección y lo hace con una película larga (a veces resulta demasiado larga) que evoluciona sin dejar apenas respirar al espectador. Molly’s Game no solo no defrauda sino que hace al espectador utilizar la materia gris, algo que -como digo muchas veces-  es de agradecer.

La ahora afamada Molly Bloom llegó a ser un referente de las partidas de póker clandestino, con elevadas sumas de dinero y personajes de alta cuna social y del mundo del espectáculo. Tanto Los Ángeles como Nueva York, dos de las ciudades más destacadas de la urbe estadounidense, vieron cómo Molly se convirtió en algo muy destacado para muchos protagonistas. Y también para enemigos, claro.

La película cuenta con un montaje veloz y bien contado, con la protagonista contando un buen montón de hechos de su vida que hacen partícipe al espectador desde el primer minuto de película. Es verdad que se busca la espectacularidad de las partidas del juego de mesa de cartas con un movimiento de imágenes y situaciones algo “tramposas” pero perfectas para que no se descuide la trama principal: el avance y crecimiento personal de la protagonista en este mundo que combinaba timbas de glamour con peligrosos personajes.

Estamos ante un drama entretenido y bien construido, a partir de un caso real que dio bastante que hablar en EE.UU. Aaron Sorkin sigue dando garantías como guionista y ahora como director (aunque en esta última faceta sin tanto brillo como guionista).

El otro punto de la película lo confiere Idris Elba, quien interpreta al abogado de Molly y debe sacarla de un difícil montón de acusaciones a cargo del FBI por las que su cliente puede terminar en prisión. La trama subliminal de la relación familiar paternofilial queda algo más diluida, forzada, e incluso sentimentaloide pero no molesta demasiado. Costner no está mal en su personaje. Ni otros también reconocibles como Michael Cera, aunque salgan lo justo.

Molly’s Game atrapa por su actriz principal, por su historia entre dramática y con tensión jurídica y de espionaje de fondo y porque Sorkin sigue dando grandes frases a sus personajes. Son frases inteligentes y eruditas (algo que siempre se le acaba criticando al autor) pero da gusto ver a personajes y situaciones elevadas donde prácticamente los insultos, la vulgaridad, lo chabacano o la incultura brillan por su ausencia.

Es difícil no recomendar Molly’s Game a quienes amen el mundo del juego (como ya vimos en Casino, de Scorsese), el mundo de los juicios y sus complejidades (como la Erin Brokovich, de Steven Soderbergh) o de los farsantes y vividores (como en el Lobo de Wall Street, también de Scorsese).

Molly’s Game es apta en realidad para casi todo el mundo amante del cine de carácter jurídico pero también lúdico. Y por supuesto, para cualquiera que disfrute de las grandes interpretaciones (otra más) de esa gran actriz llamada Jessica Chastain.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

75 ed. GLOBOS DE ORO (Ganadores), por CineT Farö

La 75 edición de los Globos de Oro que entrega la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA) se celebró en Los Ángeles (EEUU) y la lista completa de ganadores es la siguiente:

CINE

Mejor película dramática: Tres anuncios en las afueras.

Mejor película de comedia o musical: Lady Bird.

Mejor actor de drama: Gary Oldman, por El instante más oscuro.

Mejor actriz de drama: Frances McDormand, por Tres anuncios en las afueras.

Mejor actor de comedia o musical: James Franco, por The Disaster Artist.

Mejor actriz de comedia o musical: Saoirse Roan, por Lady Bird.

Mejor actor secundario: Sam Rockwell, por Tres anuncios en las afueras.

Mejor actriz secundaria: Allison Janney, por Yo, Tonya.

Mejor director: Guillermo del Toro, por La forma del agua.

Mejor guión: Martin McDonagh, por Tres anuncios en las afueras.

Mejor Banda Sonora Original: Alexandre Desplat, por La forma del agua.

Mejor canción original: This Is Me, de Benj Pasek y Justin Paul, en El gran showman.

Mejor película animada: Coco, de Lee Unkrich y Adrian Molina.

Mejor película extranjera: En la sombra, de Fatih Akin (Alemania y Francia).

TELEVISIÓN

Mejor drama: The Handmaid’s Tale.

Mejor serie de comedia o musical: The Marvelous Mrs. Maisel.

Mejor miniserie: Big Little Lies.

Mejor actor de serie dramática: Sterling K. Brown, por This Is Us.

Mejor actriz de serie dramática: Elisabeth Moss, por The Handmaid’s Tale.

Mejor actriz de comedia o musical: Rachel Brosnahan, por The Marvelous Mrs. Maisel.

Mejor actor de comedia o musical: Aziz Ansari, por Master of None.

Mejor actriz de miniserie: Nicole Kidman, por Big Little Lies.

Mejor actor de miniserie: Ewan McGregor, por Fargo.

Mejor actor secundario de serie televisiva: Alexander Skarsgård, por Big Little Lies.

Mejor actriz secundaria de serie televisiva: Laura Dern, por Big Little Lies.

PREMIO Cecil B. DeMille: Oprah Winfrey.

ESTILISMOS EN LOS GLOBOS DE ORO:


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WONDER WHEEL (Dir. Woody Allen), por Yolanda Aguas

A punto de cumplir los 40, Ginny sufre de terribles migrañas que mitiga dándole a la bebida y se arrepiente constantemente de haber engañado a su primer marido, un músico con el que tuvo a su único hijo, un travieso niño pelirrojo de tendencias pirómanas y apasionado del cine. “Cuando se trata del amor resultamos ser nuestro peor enemigo”, dice esta mujer de fuerte temperamento en un momento del filme.

La protagonista (Kate Winslet) sufre una profunda crisis de identidad. Pagó cara su infidelidad con un matrimonio de compromiso. Humpty la rescató cuando no tenía adónde ir y ella le agradeció el gesto dejando atrás sus sueños de convertirse en una gran actriz para desvanecerse en un circo sin escapatoria rodeada de gritos y música de feria a todas horas. 

 La vida le regala un romance inesperado con Mickey durante el verano, el atractivo salvavidas de la playa, un joven universitario con ínfulas de escritor que se enamora con facilidad y tiene tendencia al melodrama. Precisamente es el personaje de Justin Timberlake el que ejerce de hilo conductor de los hechos, el que describe esas calurosas semanas expuestas al engaño, a la pasión… y a la tragedia.

La puesta en escena es formidable fotografíada por el genial Vittorio Storaro y por una atmósfera escénica a lo Tennessee Williams, incluso lo están también algunos de sus personajes centrales, como esa pareja que componen Humpty y Ginny, un Jim Belushi con trazas decadentes de Kowalski y una inconmensurable Kate Winslet más atravesada aún de amargura que Blanche Dubois.

El drama humano que plantea tiene calado existencial, desgarro y emociones que le dan vueltas a su mundo, arriba y abajo, como la noria de Coney Island que asiste a los hechos, enrevesados, tortuosos y que le plantean al espectador dudas sobre si ha de mirarlos a través de una lente de comedia, de tragedia o de melodrama…

Es una película redonda, amarga y que husmea en las cocinillas del corazón humano donde hierven los deseos, las decepciones, pero no es una de esas películas en las que el talento de Woody Allen explosione en frases que duran años en tu cabeza, como aquel final brillante e inolvidable de “Otra mujer” acompañado por la música de Satie.

Woody Allen, presenta en esta película ese punto doloroso y áspero de ocaso, ilusión, sexo y decepción, que aquí no combate con su eficaz píldora del humor ácido, sino con una subtrama de mafia descolorida y desaprovechada, y con el único objetivo de proporcionarle la coartada moral a su relato, y un desenlace más desconcertante que genial.

La insuperable Kate Winslet nunca ha estado mejor.  Y, si no fuera por la presencia en la competición de Francesc McDormand y su trabajo en “Tres anuncios en las afueras”, me atrevería a afirmar que el Óscar será para ella.

Es una película de Woody Allen, y con eso está dicho todo.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.