SEÑORA DE ROJO SOBRE FONDO GRIS, RdP JOSÉ SACRISTÁN

Texto y Fotografía: Yolanda Aguas

Hoy a ofrecido una rueda de prensa en Zaragoza, José Sacristán. Su presencia en el Teatro Principal del jueves 22 al domingo 25 de octubre ha motivado este encuentro con él.
José Sacristán es uno de los más grandes actores de la historia de nuestro país. Ha trabajado con los directores más prestigiosos y populares: Berlanga, Garcia, Miró, Fernan Gómez, Camus, Buñuel.
A pesar de que el panorama cultural haya cambiado en los últimos tiempos, él sigue ahí, en televisión, en el cine, sobre los escenarios, demostrando en cada entrevista y en cada rueda de prensa que ser mayor no implica la neofobia.

Hace poco tiempo anunció que Señora de rojo sobre fondo gris, será -casi con toda seguridad- la última que la mantendrá en el mundo del teatro. “Tengo fechas cerradas hasta más allá del 2021; más tarde, será complicado que encuentre algún texto con el que me sienta más cómodo que este”, concretaba. De paso, no ha aclarado su futuro en el cine y la televisión: “Cada vez me cuestan más los rodajes”. Con 83 años, Sacristán cree que la vida le “trata bien”, pero que ha de ser consciente de su edad.
Su despedida de los escenarios será la puerta grande, con una obra que en realidad ha sido un empeño personal: “Cuando leí la novela de Miguel Delibes automáticamente me enamoré de ella. Yo estaba interpretando Las guerras de nuestros antepasados y le dije que la Señora de rojo… tenía que ser adaptada. Él me dijo que no insistiera porque no quería ponerle cara al personaje de Nicolás, pero poco antes de su muerte, pude hacer una lectura dramatizada de un par de pasajes, y junto con José Samano, volvimos a insitir. Con Delibes ya fallecido, fue la familia la que accedió a que hiciéramos esta adaptación”.

Y si aquello que rodea la obra no fuera suficiente, la historia de Señora de Rojo… no resta emoción a las representaciones. La novela plantea una reflexión casi existencialista de un pintor, Nicolás, ante la pérdida de su mujer con España en 1975 como telón de fondo. Delibes construye, en realidad, un reflejo de su propia memoria, y del intento reparar en él la memoria de su esposa Ángeles de Castro. En su discurso de ingreso en la Real Academia de la Lengua dijo de ella: “Soy consciente de que con su desaparición ha muerto la mitad de mí mismo”. En esta autoficción, Nicolás es un artista plástico que no consigue pintar. El paralelismo nunca se escondió, pero el escritor tampoco quiso ponerle nombre ni cara a los personajes. Si Cinco horas con Mario es la cara, Señora de roja con fondo gris es la cruz: dos historias con valores y vidas antitéticos, dos monólogos con ausencias.

Estará en el Teatro Principal de Zaragoza hasta el domingo, 25 de octubre.

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EXPLOTA EXPLOTA (Dir. Nacho Álvarez)

Texto: Yolanda Aguas

Cuenta la historia de María (García-Jonsson), una bailarina joven, sensual y con ansias de libertad a principios de los años 70, una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Con ella descubriremos cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad. Y todo ello contado a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà.
Explota explota, musical basado en los grandes éxitos de Raffaella Carrà y que apuntaba maneras para ser el éxito en taquilla que la industria del cine necesita en estos momentos. Pero, sorprendemente, no ha sido así.
‘Explota Explota’ es un musical celebrado en los años setenta en nuestro país que se enfrenta a la censura de la época con canciones de Raffaella Carrà. Y con una protagonista, Ingrid García Jonsson, con ganas de romper las absurdas normas establecidas. Qué puede salir mal a partir de aquí. Nacho Álvarez es el encargado de dirigir esta bonita locura, acompañado en el guion de Eduardo Navarro y David Esteban Cubero.

Ingrid García Jonsson es María, la protagonista. La joven rebelde que ama bailar y que quiere hacerlo por encima de la censura. No por el placer de saltarse las normas, que un poco también, más bien por el convencimiento de que esas normas son un sinsentido. Quiere cambiar las cosas para vivir mejor, para vivir como se debe vivir. Hay una escena muy significativa en la que reflexiona sobre lo decente y lo indecente, y queda claro el por qué de su incomprensión y su posterior rebeldía
Junto a ella, Verónica Echegui, Fernando Guallar es el joven enamorado de María, y completa el trío de buenas interpretaciones pasando por todos los estados de ánimo necesarios con naturalidad y con rotundidad. Bien por los tres, que tienen aún más compañía: Fernando Tejero, Pedro Casablanc, la fantástica diva Natalia Millán, el italiano Giuseppe Maggio o Fran Morcillo.

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Nota: La fotografía insertada en este artículo es propiedad de sus autores.

VERANO DEL 85 (Dir. François Ozon)

Texto: Yolanda Aguas

¿Con qué sueñas cuando tienes 16 años y estás en un resort en la costa de Normandía en los años 80?, ¿con tener un mejor amigo?, ¿con hacer un pacto de amistad que dure para siempre?, ¿con tener mil aventuras en barco o en moto acuática? O quizás sueñas con la muerte… Las vacaciones de verano acaban de comenzar y esta historia cuenta cómo Alexis empieza a crecer.

Hay mucho cine en la apuesta y destellos que van a emocionar en tanto uno muestre disposición para dejarse llevar por la nostalgia o por las circunstancias, ya que los más jóvenes pueden verse totalmente identificados en lo expuesto. En resumen, un Ozon bien marinado que no sacia del todo, pero cosquillea en el paladar. Quedémonos con ese momento Sailing en la pista de baile, es íntimo… pero también un regalo que el joven y trágico David nos hace para que nos imaginemos un poco eternos.
Alexis (Félix Lefebvre), de 16 años, aparece en la primera secuencia del filme custodiado por gendarmes y acto seguido frente a una educadora que le suplica que le explique lo ocurrido. El joven narra los acontecimientos a través de la escritura y en su relato aparece el futuro cadáver, David Gorman (Benjamin Voisin), de 18 años y de ahí a la evocación de una época pasada, del verano en que todo cambió, y que Ozon nos muestra en su esplendor mientras suena In Between Days de la banda británica The Cure.

Por cierto, la imagen de Robert Smith está presente como un fantasma icónico durante todo el filme, algo que sus fans agradecemos. El filme propone y suma secuencias que perduran, como esos paseos de los protagonistas en moto, sus incursiones en el mar en el velero Calypso o esa recopilación de miradas inflamadas mientras los protagonistas curan sus heridas tras una pelea en un parque de atracciones. Solo esa secuencia delicada y desnuda ya justifica todo un filme.
Otro de esos momentos mágicos y que procuran que el recuerdo de los días felices se transformen en manos de Ozon en una ensoñación que va más allá de lo físico, se da en la secuencia de la discoteca; en ella David y Alexis bailan desenfrenados hasta que el primero hace un aparte y aísla al joven enamorado colocándole unos walkman con la canción Sailing de Rod Steward, el tema silencia el repertorio de la discoteca y nos hace participes de ese regalo. Un momento cinematográfico muy bello.


De nuevo el cine de Ozon… no hace falta añadir más.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

AKELARRE (Dir. Pablo Agüero)

Texto: Yolanda Aguas

País Vasco, 1609. Los hombres de la región se han ido a la mar. Ana participa en una fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rostegui, encomendado por el Rey para purificar la región, las arresta y acusa de brujería. Decide hacer lo necesario para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia mágica durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas.

La película es de gran calidad visual, destacando de ella la impresionante fotografía que muestra de un lúgubre País Vasco en el año 1609. También es muy acorde la gran capacidad del filme en caracterizar no solo a los personajes, sino también las localizaciones, lo cual hace que perfectamente podamos involucrarnos en todo el ambiente. Sin duda, otro gran acierto de esta película, son las fantásticas interpretaciones. Destacan muy favorablemente las protagonistas que interpretan a las jóvenes acusadas de brujería, con una gran Amaia Aberasturi a la cabeza del magnífico reparto, lleno de nuevos nombres y jóvenes promesas del cine vasco.
Tal y como dice el título de la película, ‘Akelarre’ es grandiosa, y es que, la mejor escena del filme, es el propio akelarre, el cual se celebra al final de la película con una hilarante y escalofriante coreografía. Una escena esencial en la historia del cine vasco que una vez más, nos muestra otra historia, desde una perspectiva hasta ahora no vista, de la brujería vasca

El ritmo que cobra la película en determinados momentos, que hacen que haya instantes aburridos, densos e innecesarios.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

UNA PASTELERÍA EN NOTTING HILL (Dir. Eliza Schroeder)

Texto: Yolanda Aguas

Decidida a cumplir el sueño de su difunta madre de abrir una pastelería en Notting Hill, la joven Clarissa pide ayuda a la mejor amiga de su madre, Isabella, y a su excéntrica abuela, Mimi. Estas tres generaciones de mujeres necesitarán superar el dolor, las dudas y las diferencias para honrar el recuerdo de su amada Sarah mientras se embarcan en un viaje para establecer en Londres una tienda llenar de amor, esperanza y coloridos pasteles.
La película Una pastelería en Notting Hill acabará reuniendo a tres generaciones que intentarán por todos los medios llevar a buen puerto el sueño de la difunta Sarah (Candice Brown). El amor moverá a tres mujeres con personalidades muy distintas para intentar aportar la mejor versión de sí mismas para sacar la pastelería hacia adelante, y así, de alguna manera honrar el recuerdo de su ser querido.

Las interpretaciones de Shannon Tarbet, como Clarissa, Celia Imrie como Mimi y Shelley Conn como Isabella suponen el verdadero sustento y motor de la trama. Su fuerza y decisión caracterizan a este grupo de inexpertas emprendedoras, que deberán confiar en ellas mismas y en el apoyo de sus compañeras para mantener el negocio.
La película supone el debut en la dirección de Eliza Schroeder y en el guion para Jake Brunger, plantea en su inicio un melodrama que con el paso de los minutos irá transformándose en una comedia gastronómica, para finalizar como una comedia romántica al uso.
Se echará de menos durante todo el metraje algo más de arrojo y valentía para salirse del canon previamente establecido en este tipo de películas. Concluyendo, un relato amable aunque quizá demasiado edulcorado y ligero. Se echa de menos más riesgo tanto en su guion como en los elementos técnicos que la componen. Aún así resulta entretenida y vistosa, aunque no nos resulte lejana a un telefilm de sobremesa.

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Nota: Las fotografía insertada en este artículo es propiedad de sus autores.