Archivos Mensuales: noviembre 2016

FSO: que la “fuerza” no desaparezca, por Yolanda Aguas

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La Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza fue el escenario de una noche llena de magia en la que la música sinfónica y el cine se unieron bajo la dirección de Constantito Martínez-Orts para rendir tributo a las grandes bandas sonoras de nuestra vida.

Hemos salido muchas veces de la sala de un cine silbando o tarareando un tema de su banda sonora.  Incluso, en numerosas ocasiones, somos capaces de adivinar el título de un film simplemente escuchando algunos compases de la música que suena a lo largo de su metraje.  Sin duda, la música de una película es un elemento imprescindible para que la obra del director esté completa.

La Film Symphony Orchestra regresó a Zaragoza para hacer un magnífico homenaje a todas aquellas bandas sonoras que nos han hecho soñar y atravesar los paisajes de miles de películas e historias que forman parte de nuestras vidas, como parte de su “FSO Tour 2016”, que está recorriendo las principales ciudades españolas con enorme éxito.  Prácticamente llena, la Sala Mozart acogió un concierto brillante en momentos y arriesgado por la elección del repertorio de este año.  El propio director, Constantino Martínez-Orts, así me lo reconoció en la entrevista que mantuvimos hace unos cuatro días.

Pero el de ayer era un concierto más que especial.  Había un elemento diferenciador al resto de los conciertos que han ofrecido y ofrecerán a lo largo de la geografía española.

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El gran compositor Bruce Broughton asistió en persona al concierto para recibir el premio Augusto “Oficios del cine” que le concedió el Festival de Cine de Zaragoza en su XXI edición.

La FSO, la orquesta del cine pionera y más importante de España, se está superando cada año y poco a poco ha convertido su proyecto en algo a gran escala, siendo esta Gira 2016 la más ambiciosa de todas.

El programa del concierto varió ligeramente en relación con el del resto de conciertos.  El tema que inicia el repertorio, “Silverado”, se interpretó al final y además dirigido bajo la batuta de su creador, Bruce Broughton, en un momento histórico que los asistentes jamás olvidaremos.  Fue una ejecución prácticamente perfecta e igual a la grabación original, algo que no extraña ya que los músicos que componen la FSO son extraordinariamente brillantes.

Por ello, y para iniciar el concierto, el maestro Martínez-Orts inició con la música de “Tombstone, la leyenda de Wyatt Eeap”.

Dieciséis bandas sonoras de todos los estilos, desde clásicos del suspense como Psicosis al western de Silverado, cine fantástico como Star Trek into the darkness o Gremlins, el gran cine bélico de La Gran Evasión.  La primicia de títulos que son interpretados en directo por vez primera en nuestro país como Capitán América: El primer Vengador, Chicken Run: evasión en la granja, El caballero oscuro o Sherlock Holmes: un juego de sombras.

La nueva entrega de una saga mítica firmada musicalmente por el maestro John Williams, Star Wars VII: El despertar de la fuerza de la que se incluye una maravillosa suite de 10 minutos que incluye temas de la película como la Marcha de la Resistencia, el tema de Rey o el Scherzo de los Ala-X. Sin duda el plato fuerte del concierto.

Las bandas sonoras más emocionantes también tuvieron cabida en el programa con la hermosísima música de La lista de Schlinder (también ganadora en su día del Oscar).  Y principalmente los dos momentos que destaco por encima de todos los demás:

La maravillosa interpretación de “Cinema Paradiso” de Ennio Morricone y “Chocolat” de Rachel Portman.  Los dos momentos que más me emocionaron.  Dos compositores que están entre mis top, junto a Miklos Rozsa, Zbigniew Preisner, Ryuichi Sakamoto, Bernard Herrmann, Eleni Karaindrou, Ángel Illarramendi y Alexander Desplat.

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Una maravillosa noche que concluyó con la divertida interpretación de “La guerra de las galaxias” del genial John Williams.  Con la luz de la Sala Mozart apagada, los arcos de los instrumentos de cuerda se iluminaron en rojo y azul como las espadas jedi.  Fue un juego de luces y sonido que sirvió de “broche de oro” a otro concierto de la FSO verdaderamente memorable.

Regresarán a Zaragoza el próximo 21 de abril, con la gira dedicada a “La música de las galaxias”.  Un monográfico de toda la música editada por John Williams para Star Wars.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son autoría y propiedad de Yolanda Aguas para CineTFarö.

NURIA ESPERT (Entrevista), por Yolanda Aguas

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La primera representación teatral que vi en directo fue la obra “Juana del amor hermoso” protagonizada por Lola Herrera.  Una vez le dije a ella “creo que usted es la responsable de que me guste tanto el teatro”.  Pero si Lola Herrera fue el “origen”, la verdad es que Nuria Espert me “atrapó” para siempre y asentó mi amor al teatro. 

La segunda vez que fui al Teatro Principal fue para ver a Nuria Espert en “La Tempestad”.

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Durante muchos años, en la década de los 80’s, la Sra. Espert venía a Zaragoza con sus montajes teatrales (siempre al Teatro Principal): “Las criadas”, “Maquillaje”…  y una vez actuó – en una inolvidable noche de verano – en el Anfiteatro del Rincón de Goya (ubicado en el actual Parque Grande José Antonio Labordeta) con “Salomé” (texto de Óscar Wilde con versión libre de su entrañable amigo Terenci Moix).

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Regresó con “El cerco de Leningrado”, junto a Maria Jesús Valdés (yo vi la obra en el María Guerrero de Madrid) pero no a Zaragoza capital, sino al Teatro Municipal Miguel Fleta del Centro Social de Utebo.

Luego pasaron muchos años sin visitar nuestra ciudad, años en los que realicé numerosos viajes a Madrid y Barcelona para ver sus trabajos.  Regresó con “La Loba”, de nuevo al Principal, y por último estuvo en el Teatro de las Esquinas con “La violación de Lucrecia”.

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Entrevistar a Nuria Espert era un deseo personal que, por diferentes razones, nunca había logrado.  Hoy, por fin, logré ese anhelado encuentro con ella. 

Cuando tuve delante a esta actriz mítica, contemplé a una mujer cercana, cariñosa,  acogedora…  Al concluir nuestra conversación, me quedó algo parecido a esa agradable sensación que sentimos cuando ha dejado de llover: el olor de la tierra mojada.

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Hace un tiempo, usted escribió el prólogo para el libro de memorias de Esteve Polls, “Cinco minutos antes que caiga el telón”:

“Todo lo que explica Esteve sobre nuestros primeros encuentros es rigurosamente cierto.  No explica, es lógico, que yo estaba totalmente deslumbrada por su talento y convencida que su ayuda y confianza en mí, me convertirían en una auténtica actriz.  Trabajé con él, una sola temporada (1953-1954) en el Orfeó Gracienc.  Inolvidable.  Fue una inmersión total, un curso acelerado, pasar de la nada a ser alguien”.

Cuando usted recibió el Premio Princesa de Asturias y emocionó a toda España con su discurso, imagino que tenía en su pensamiento al Sr. Polls y a otras personas que han sido determinantes en su vida profesional y personal.

Si le pido que nombre a tres, ¿quiénes serían?

Tienen que ser cuatro.  Esteve es uno, mi marido es otro, mi madre es otra y Víctor García es otro.  De verdad.

No en ese momento cuando yo estaba hablando en la ceremonia de los premios Princesa de Asturias, pero cuando me estaba preparando para hablar, las presencias que sentía a mi alrededor eran éstas.

Luego hay muchas más personas que me han influenciado, que me han dirigido o que me han ofrecido una oportunidad.  Muchísimas… pero el agradecimiento profundo, ése que dura toda la vida hasta que mueres, son estas cuatro personas.

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Decía Diderot en su “Paradoja del comediante”: “… los gestos, los tempos, el manejo de la voz y los sonidos, el furor…Todo forma parte de una imitación con la realidad configurada a partir de la memoria.  Al acabar la representación, el actor no padece dolor alguno ni melancolía, no está turbado, simplemente se despoja momentáneamente de todos esos recuerdos, hasta que llega un nuevo ensayo”.  Esa es, según Diderot, la paradoja del comediante: un actor no debe sentir nada, son los espectadores los que deben sentir. 

¿Está de acuerdo con esta filosofía?

No lo sé…  Es demasiada cuadriculada esta afirmación de Diderot.  Hay mucho de verdad en eso que dice, pero “el actor no debe sentir nada, es el espectador el que debe sentir”…  (guarda silencio unos largos segundos)

Parece difícil hacer sentir si no sientes…  Lo que es verdad es que tus sentimientos… (silencio de nuevo)

Es complicada esta pregunta.  La quiero contestar bien.  Vuelve a leerme el texto…

“… los gestos, los tempos, el manejo de la voz y los sonidos, el furor…Todo forma parte de una imitación con la realidad configurada a partir de la memoria…”

Sí, de acuerdo.

“Al acabar la representación, el actor no padece dolor alguno ni melancolía, no está turbado, simplemente se despoja momentáneamente de todos esos recuerdos, hasta que llega un nuevo ensayo…”

Sí, de acuerdo.

Esa es, según Diderot, la paradoja del comediante: un actor no debe sentir nada, son los espectadores los que deben sentir. 

¡No¡  Eso no puede ser así, es demasiado cuadriculado.  Puede ser de muchas maneras, no hay una sola manera.  Él habla como si hubiera encontrado (sonríe) la piedra Rosetta y no…

Hay grandes actores que llegan de maneras diferentes a eso.  No creo que la frialdad y la lejanía y todo lo demás inventado en la mente sea el único camino.  Es un camino, pero hay más caminos.  No se puede cerrar así.  No, eso es una teoría nada más.

Nuria, gracias por esta respuesta…

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Pienso ahora, al hilo de sus palabras, en un momento muy especial en su vida.  Su marido, Armando Moreno, había fallecido y yo viajé a Madrid para verla en el María Guerrero en “El cerco de Leningrado”.  Fui una semana después de la muerte del Sr. Moreno. 

Me pregunté cómo era posible que usted estuviera trabajando tan pronto, con la devastación interior que debía sentir por esa pérdida tan importante en su vida…

Fui a trabajar al día siguiente de morir Armando.  En ese período tremendo de mi vida, en esa pérdida tremenda…  yo quería estar en el escenario.  En el escenario era el único sitio donde yo podía respirar, en mi casa me ahogaba.  Sin poderlo evitar, me metía yo sola en un pozo y me encontraba mejor en el pozo que en la superficie.  Pero, en cambio, a las seis de la tarde me iba al teatro y empezaba a sentirme mejor, mejor…

Se levantaba el telón y hacía la función y notaba que el aire me llegaba hasta el fondo.  Todo el día y toda la noche me costaba respirar, y sólo allí los pulmones se llenaban de aire.

Mi hija Alicia se ocupaba entonces de ese espectáculo, “El cerco de Leningrado”, y me dijo “¿Quieres que cancele?  Mamá ¿cancelo?”.  Yo le dije “de ninguna manera. Ponme una función por la mañana, otra por la tarde y una por la noche”, porque era el único sitio donde podía soportar la pérdida.  Allí encima no pensaba en Armando, no pensaba en nada.  Realmente no estaba interpretando, ni estaba haciendo nada, estaba tratando de “salvar el pellejo”. (sonríe levemente)

El 14-01-2015, en el ensayo general previo al estreno oficial (15-01-2015) en la Sala Fabià Puigserver del Lliure de Montjuic, tuve la suerte de entrar la primera. No fue por nada excepcional, simplemente los invitados estábamos en una lista por orden alfabético y eso me permitió entrar la primera y estar durante toda la obra a menos de dos metros de usted.  Casi podía tocar al Rei Lear…

¡Uy¡ Qué bien… (reímos)

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Cuando leo este libro (“Arte y reto en la escena: La obra de Nuria Espert” de Ana Mª Arias de Cossio, ISBN 9788494371363), recuerdo toda su carrera que ha sabido llevar tan bien. Eso es muy difícil…

¿Qué criterios ha seguido? ¿Qué debe tener un personaje para que le atraiga y quiera interpretarlo?

¡Que me de miedo¡  (ríe). Ése es un factor infalible ¿no?  Si me da miedo hay el 90% de probabilidades de que lo haga.  Si digo “¡qué buen personaje y tal…” y me deja como “eso ya lo he hecho o esto se parece a aquello que hice o no sé qué…” hay muchas posibilidades de que nunca lo interprete.

(Nuria pone su mano derecha encima del libro dedicado a su obra y lo mira en silencio unos segundos…)

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Este libro me causó una impresión extraña.  Daba la impresión de que todo había sido muy meditado, como que en mi carrera había un hilo muy claro y que yo soy una persona que ha seguido firme… así su camino.  Y yo no soy así.

Muchas de las cosas han llegado desde fuera, muchas de las cosas me han sido regaladas.  El “Rei Lear” fue una idea de Pasqual, no mía.  Nunca había pensado en eso…

“¿Quién teme a Virginia Woolf?” no quería hacerla de ninguna manera, pero al hacerla Adolfo y estar tan enfermo la acepté.

Muchas cosas que no…  Y aquí, en este libro, parezco más entera y más sabia de lo que soy.

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El trabajo que está interpretando actualmente es “Incendios” del dramaturgo canadiense de orígen libanés Wajdi Mouawad.  Un texto universal…

Sí, parte del éxito está en que cuando se entra al teatro a ver Incendios, interpretamos un texto contemporáneo y excepcional. Hay mucha entrega y emoción por parte de los actores hacia los espectadores en el escenario y se vive un gran espectáculo.  Wajdi Mouaward es un incendiario y con la tragedia que escribe busca inflamación.  De ahí que cuando entren los espectadores, saldrán de otra manera.

Es un espectáculo maravilloso y un texto único. Enlaza con todo el gran teatro del mundo pero con un sello personal del autor, que se ha convertido en el gran autor de principios del siglo XXI. Es una obra coral y en la que todo el mundo encuentra su momento y su oportunidad, una oportunidad que no todos los textos dan de mirar hacia adentro, de buscarte y, la mayor parte de las veces, de encontrarte.

Los espectadores que me han saludado al finalizar la obra me han dado las gracias por hacerles sentir lo que habían sentido y se llevan la emoción como si se hubieran llevado del teatro un regalo.

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Cuando en 1999 usted le entregó el Premio Donostia a Vanessa Redgrave, en aquella inolvidable noche para todos, en su precioso discurso afirmó que “Vanessa Redgrave es la mejor actriz de Europa”.  ¿Sigue pensando lo mismo? ¿Han vuelto a verse alguna vez?

No, no he vuelto a verla.

Yo soy una grandísima, una loca admiradora de Vanessa.  Pero está Irene Papas, Jeanne Moreau, Glenda Jackson… pero son poquísimas ¿eh? (sonríe ampliamente)  Son siete u ocho… no más.

Y Vanessa había estado viendo “La casa de Bernarda Alba” en Londres, el montaje que hice con Glenda.  Me había halagado muchísimo.  Vanessa estaba maravillosa y contenta de que yo le entregara el Premio Donostia.

Fue una noche feliz para las dos.

Fue una noche feliz para ustedes y para todos los que vivimos en directo aquel momento…

Nuria, muchas gracias por este tiempo que me ha concedido…

Gracias a ti querida…

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NOTAS:

Las fotografías de la Sra. Espert durante su presencia en el Teatro Principal de Zaragoza, son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

Las fotografías de la Sra. Espert entregando el Premio Donostia a Vanessa Redgrave, son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

Las fotografías de la Sra. Espert saludando al finalizar la representación de «Rei Lear», son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

El resto de fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

INCENDIOS: RdP en el Teatro Principal de Zaragoza, por Yolanda Aguas

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Poco a poco fueron llegando todos los actores y la productora de la obra dirigida por Mario Gas: “Incendios”.  De los primeros en pisar el hall del Teatro Principal de Zaragoza, el espacio Mariano Cariñena, fue el actor Alex García.  Al poco rato aparecía, por la puerta que lleva directamente a los camerinos, la mítica actriz Nuria Espert.

La Sra. Espert sonreía y saludaba a sus compañeros y a quienes estábamos allí.  Amable y muy pendiente de todos.  Ni un atisbo de divismo, incluso yo diría queriendo pasar desapercibida, con la intención de dar mayor protagonismo al resto del reparto.

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Hoy jueves y mañana viernes, Nuria Espert, Ramón Barea, Laia Marull, Carlota Olcina, Edu Soto y Álex García, entre otros, se subirán al escenario para llevar a cabo un espectáculo que no dejará indiferente a nadie.

Así lo ha indicado en rueda de prensa la recientemente premiada con el Princesa de Asturias de las Artes 2016, Nuria Espert, quien ha estado acompañada por la productora de ‘Incendios’, Pilar de Yzaguirre, otros seis compañeros del reparto y por el Gerente del Patronato de las Artes Escénicas y la Imagen, Víctor López Carbajales.

La obra, estrenada a nivel nacional en el pasado mes de septiembre, ha permanecido en cartelera durante 40 días en el Teatro de la Abadía, en Madrid, antes de ser llevada a San Sebastián, Vitoria, Logroño, y hoy a Zaragoza. Pilar de Yzaguirre ha comentado que «Por donde hemos pasado, hemos vivido la máxima entrega por parte de los espectadores. Hemos llenado y salvo en dos funciones, hemos colgado siempre el cartel ‘no hay entradas”.

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Nuria Espert ha explicado a los asistentes:

“Parte del éxito está en que cuando se entra al teatro a ver Incendios, interpretamos un texto contemporáneo y excepcional. Hay mucha entrega y emoción por parte de los actores hacia los espectadores en el escenario y se vive un gran espectáculo.  Wajdi Mouaward es un incendiario y con la tragedia que escribe busca inflamación.  De ahí que cuando entren los espectadores, saldrán de otra manera.

Es un espectáculo maravilloso y un texto único. Es excepcional. Enlaza con todo el gran teatro del mundo pero con un sello personal del autor, que se ha convertido en el gran autor de principios del siglo XXI. Es una obra coral y en la que todo el mundo encuentra su momento y su oportunidad, una oportunidad que no todos los textos dan de mirar hacia adentro, de buscarte y, la mayor parte de las veces, de encontrarte.

Los espectadores que me han saludado al finalizar la obra me han dado las gracias por hacerles sentir lo que habían sentido y se llevan la emoción como si se hubieran llevado del teatro un regalo”.

Ramón Barea comentaba que “puede ser una tragedia, un thriller o el viaje iniciático de dos jóvenes al pasado. Se habla de muchas cosas ‘Incendios’ contiene elementos que nos afectan, hieren y tocan. Una obra muy emocionante. La obra habla tantas cosas como remueve una guerra, de personas que sufren, de la familia, la amistad y de lo peor del ser humano».

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Laia Marull: “Detrás del fuego, pasiones, sufrimiento y conocimiento hay un tema que «nos toca de cerca. Hablamos del horror de la guerra y de las posibilidades del ser humano, algo que hoy por hoy, hay gente que está sufriendo”.

Alberto Iglesias: “Los ocho actores, bajo la dirección de Mario Gas, deberemos interpretar hasta 22 personajes diferentes para poder transmitir todo, y esto supone un ejercicio duro para nosotros».

Alex García: “Todos hemos conseguido, con el paso de las semanas convertirnos en una familia, en la que todos estamos muy unidos para ofrecer un bello espectáculo».

Pilar de Yzaguirre: “Sentimos una gran felicidad por actuar en Zaragoza. Traer a Mouawad es como si me hubiera tocado la lotería. Le descubrí en el año 2005 y supuso para mí encontrar algo nuevo. Sus textos son una gozada y espero que los espectadores sientan lo mismo. La traducción la ha realizado Eladio de Pablo, pero nunca llegué a pensar que haría la producción en español y el hecho de que la dirija Mario Gas es fantástico”. 

Para el gerente del Patronato Municipal de las Artes Escénicas y de la Imagen, Víctor López, “tener ‘Incendios’ en el Principal de Zaragoza es motivo de orgullo y satisfacción, ya que son un grupo de actores increíbles, al igual que la dirección. Su llegada a la ciudad es un auténtico lujo, y hay un nivel muy alto de interpretación».

Ambas sesiones, tanto la de este jueves 24, como la del viernes 25, comenzarán a las 20.30 horas.

La obra está dirigida por Mario Gas; la escenografía corre a cargo de Carl Fillio; las proyecciones de Álvaro Luna y la iluminación está controlada por Felipe Ramos. Nuria Espert, Laia Marull, Carlota Olcina, Alex García, Ramón Barea, Alberto Iglesias, Lucía Barrado y Edu Soto, integran el reparto.

Por cierto, ya no quedan entradas.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo, son propiedad y autoría de ANA TARTÓN y  YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

C. MARTÍNEZ-ORTS (Dir. FSO): Entrevista, por Yolanda Aguas

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El próximo sábado 26 de noviembre, la FSO (Film Symphony Orchestra) llegará a la Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza.  Cita ineludible con un público fiel, en colaboración con el Festival de Cine de Zaragoza.

Dieciséis bandas sonoras de todos los estilos, desde clásicos del suspense como Psicosis al western de Silverado, cine fantástico como Star Trek into the darkness o Gremlins, el gran cine bélico de La Gran Evasión.  La primicia de títulos que serán interpretados en directo por vez primera en nuestro país como Capitán América: El primer Vengador, Chicken Run: evasión en la granja, El caballero oscuro o Sherlock Holmes: un juego de sombras.

La nueva entrega de una saga mítica firmada musicalmente por el maestro John Williams, Star Wars VII: El despertar de la fuerza de la que se incluye una maravillosa suite de 10 minutos que incluye temas de la película como la Marcha de la Resistencia, el tema de Rey o el Scherzo de los Ala-X. Sin duda el plato fuerte del concierto.  Las bandas sonoras más emocionantes también tendrán cabida en el programa con la hermosísima música de La lista de Schlinder (también ganadora en su día del Oscar).

Nos hemos reunido hoy con Constantino Martínez-Orts, el director y creador de la magnífica FSO, para conversar de nuevo con él. 

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Nueva gira, nuevas ilusiones, nuevos logros…  ¿Qué nuevas sensaciones estás sintiendo en esta GIRA 2016?

Estoy especialmente satisfecho de ver que nuestro público está abierto a nuevas músicas, a nuevos planteamientos estéticos en cuanto a musicalizar una película.   No solamente vienen a escuchar esos highlights, esos grandes éxitos de los blockbuster del cine.  Es un público que está dispuesto ya a escuchar “Sherlock Holmes”, la apertura de “Gremlins” que no es tan conocida, la maravillosa música de Rachel Portman y su “Chocolat” o el preludio de “Psicosis”.

Cuando conocí el repertorio de la gira de este año me di cuenta que era más arriesgado… 

Este año hemos hecho una apuesta de repertorio más novedosa.  Estoy muy contento porque el público está disfrutando evidentemente de los temas clásicos como “Harry Potter y la piedra filosofal”, “Cinema Paradiso” o “Silverado” que son iconos en la Historia del Cine.  Veo que el público está encantado con un programa que, como dices, es más arriesgado que otros años pero lo están disfrutando muchísimo.

Llegáis a Zaragoza el próximo 26 de noviembre, para tocar de nuevo en la majestuosa Sala Mozart del Auditorio.  No pretendo ponerte en un compromiso, pero ¿es uno de los espacios donde interpretáis mejor por las condiciones de la sala?

Sí. La Sala Mozart tiene una acústica espectacular.  Tiene la particularidad de que es una sala gigante por la idiosincrasia de la construcción.  Todas las salas tienen sus reflexiones, pero esta de Zaragoza es una de las mejores de España sin ninguna duda.  Y no sólo por la acústica, el sitio es espectacular, es preciosa la Sala Mozart.  La verdad es que es una gozada tocar allí.

Contáis además con un público muy fiel.  Zaragoza es una plaza muy segura para la FSO…

Sí.  Este año vamos a agotar todas las localidades.  Eso significa que se genera una expectación, que el público nos está esperando.  Nuestro público tiene ganas de escuchar nuevas apuestas.  Noto que estamos creando un interés por la música de cine.

La presencia de la FSO en Zaragoza está asociada en los últimos años al Festival de Cine de Zaragoza.  José Luis Archelenges “Archy” (Director del festival de cine) ha sido determinante para que el compositor Bruce Broughton sea homenajeado durante el concierto con el Premio «Oficios de Cine» con la colaboración del Festival. 

¿Cómo surgió la idea de concederle este premio y de la posibilidad de que Broughton  participe en vuestro concierto en Zaragoza?

Fue entre Archy y yo, son circunstancias que se dan.  Yo tengo una relación íntima con Bruce, como la tengo con otros muchos compositores de Hollywood.  El Festival de Cine de Zaragoza (FCZ) ha sabido valorar desde siempre el trabajo honesto y sincero que hacemos en la FSO y yo se lo agradezco.  Como tú decías antes, otras orquestas se han querido “subir al carro” por oportunismo.  En cierta medida, se han querido aprovechar del camino que nosotros hemos abierto en España, pero Archy siempre ha reconocido el factor diferenciador que nos distingue por muchas razones.  Por la calidad de la orquesta, por la selección del repertorio, por la calidad de las versiones que hacemos… Todo esto, el FCZ lo ha sabido apreciar y se ha forjado como una alianza más sólida.

En esta línea, hablando un día en confianza con Archy, surgió la idea de entregar un premio a Bruce Broughton.  Yo estaba junto a él en un Jurado Internacional de un concurso de composición de Bandas Sonoras.  Pensamos que era una gran idea entregarle el Premio “Oficios del Cine” a un compositor de Bandas Sonoras.  Cuando las cosas se hacen con corazón y voluntad funcionan.  Se lo dijimos a Bruce y él aceptó.  Y no sólo eso, es que además Bruce vendrá a Zaragoza el próximo 26 de noviembre para recibir su premio y para dirigir “Silverado” ¡con la FSO en la Sala Mozart¡

¡Una gozada¡  (reímos).

Quiero preguntarte por dos compositores que destaco especialmente en el programa de la FSO Gira 2016:

ENNIO MORRICONE: Interpretar a Morricone era uno de tus deseos…  Has elegido dos grandes composiciones: “Cinema Paradiso”, que me parece perfecto, y “Los odiosos ocho”.   Comprendo que esta última haya entrado por recibir el Oscar 2016, pero siempre pensé que LA MISIÓN estaría presente la primera vez que incluyeras a Morricone en un programa de la FSO.  Él dice siempre que “La Misión” es su composición preferida.

 A ver… Morricone ¡ya era hora que estuviera en el programa¡  Este año le hemos incluido por partido doble y se podía haber hecho por partida triple o cuádruple.  ¡O haber hecho un monográfico de Morricone¡  (reímos)

O una semana de conciertos de Ennio Morricone…  Lo cierto es que esperamos que haya más giras y tendremos más conciertos para poder incluir “La Misión”, “Los intocables de Eliot Ness” o la música que compuso para  los westerns (“La muerte tenía un precio”, “El bueno, el feo y el malo”…). ¡Pues no hay música de cine de Morricone para incluir¡

Te he dicho que este año lo tenemos en el programa por partida doble, pero en realidad es por partida tripe.  Junto a “Cinema Paradiso” hemos añadido también el Tema de Amor… No son temas muy largos y son preciosos.  Los hemos enlazado.

En cuanto a “Los odiosos ocho”, no soy yo quién para decirlo pero quizá no me parece de lo mejor que ha compuesto para el western, pero es muy loable que a sus 87 años Morricone continúe utilizando la orquesta como instrumento, que no se haya tecnologizado.  Que nos devuelva a ese western fresco que nos suena a las últimas BSO que hizo hace cuarenta años antes de dejar el género.  Que volviera otra vez, junto a Tarantino, que creara esa música y que le diera por fin el Óscar ha sido estupendo.

Confieso que yo tenía mis reservas de si a nuestro público le iba a gustar porque es una partitura muy obstinada. Es un tema que se repite y se repite… pero al público le está encantado.

Constantino, me hace muy feliz que por fin hayas incluido la música de Rachel Portman:  Chocolat, Una suite.  Llevo dos años pidiéndote que la incluyeras en el repertorio porque es una compositora extraordinaria. 

 ¡Y no será la única vez que la incluyamos¡  Tiene grandes composiciones como “Las normas de la casa de la sidra” o “Emma” con la que ganó el Óscar en 1996.  Estamos hablando de joyitas…

Hemos hecho una Suite de “Chocolat” que es un recorrido de nueve minutos por toda la Banda Sonora.  No es poco, pero en esos nueve minutos no te da tiempo de incluir ni todos los temas que quieres ni como te gustaría exponerlos.  Lo que hemos hecho es exponer los temas más mágicos y todo lo que se ve en la película como la seducción, la insinuación…  Aparece todo un poco y es como una degustación de lo que es “Chocolat”

La pena es que no podamos hacer una Suite de veinte minutos donde aparecieran todos los temas íntegros, pero al público le gusta mucho porque crea una atmósfera completamente distinta en el concierto. No tiene nada que ver con “Conan” o “Harry Potter”.

Rachel Portman es todo sutileza, esas melodías tan bonitas…

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¿Cómo fueron las gestiones para obtener los derechos para interpretarla? ¿La conoces personalmente?

No la conozco personalmente, pero las gestiones con ella y con su equipo fueron muy bien.  Sus composiciones estarán en los próximos programas de la FSO.  Te aseguro que “Emma” y “Las normas de la casa de la sidra” caerán tarde o temprano.

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Cuando Fernando Trueba ganó el Óscar por “Belle Epoque”, en su discurso de agradecimiento dio las gracias a Billy Wilder tras decir que no creía en Dios y solo creía en Billy Wilder. El propio Trueba comentó que al día siguiente le llamó el propio Wilder y le dijo: “Hola Fernando, soy Dios”.

¡Yo tendría que decir que sólo creo en John Williams¡

Jajajaja  ¡ya sabías lo que te iba a preguntar¡

Sí… John Williams, pero igual, si fuéramos justos, sería como los doce Dioses del Olimpo de la mitología griega.  Zeus quizá sería John Williams, pero también podría serlo Bernard Herrmann.  En este Olimpo del cine cada cual ha dejado su legado, pero sí… yo creo para mí sería John Williams.

Parece un tópico pero es que es justo sus cincuenta nominaciones a los Óscars, pero ya no es sólo eso.  El papel comercial que ha podido tener con los blockbuster de Steven Spielberg, es que es un maestro del oficio, de musicalizar secuencias, de entrar en la psicología de los personajes, como lo ha hecho en Star Wars.   Si tú escuchas un pasaje de Star Wars, ya reconoces por la música el personaje del que se trata (Han Solo, Luke Skylwaker, la princesa Leia…) y sin ver la película.

Cada vez tienes más éxito con la FSO.  Eso también conlleva mayor responsabilidad. ¿Te preocupa no estar a la altura de las expectativas de tus fans?

Siempre. Yo tengo muy en cuenta a nuestros fans.  Nosotros somos una iniciativa privada sin ningún tipo de subvención (nacional, autonómica o local), con lo cual dependemos exclusivamente de la taquilla.   Si los conciertos van bien podremos seguir.  Soy muy consciente de las críticas (no todas son constructivas). Intentamos satisfacer, en la medida de lo posible, a nuestro público y desde luego de estar a la altura de las expectativas de todo el m mundo.

¿Cuál es el mayor sueño que tienes con la FSO?

¡Se están cumpliendo muchos¡

Ahora quizá el más deseado sea el de grabar Bandas Sonoras.  Comenzamos con la idea de desarrollar muchas dimensiones como FSO, con humildad.  Ahora estamos haciendo treinta conciertos por toda España.  Nos encantaría que la música para el cine español se grabara aquí.  Tenemos grandes compositores que trabajan aquí y en el extranjero.  La verdad es que nos encantaría que contaran con nosotros y que no se fueran a grabar a Bratislava, por ejemplo.

Ese es mi siguiente sueño a conseguir.

¿Puedes adelantarme algo de la Gira 2017?

Te adelanto que el día 21 de abril estaremos de regreso en Zaragoza.  Haremos un programa completo de John Williams.

¡No me lo creo¡  (reímos)

Sí.  Es un proyecto que hace tiempo quería desarrollar y venimos con un concierto que se va a llamar “La música de las galaxias”.  Es un monográfico de toda la música editada por John Williams para Star Wars.

Es concierto, pero he incluido un elemento nuevo y es que yo introduzco cada pieza y la contextualizo para introducir al público en el proceso de la creación.  Quiero acercar al público al proceso de la composición, en las particularidades de la música, anécdotas con la relación del director de la película y el compositor.  Todo esto creo que enriquece la experiencia y que venir a escuchar a la FSO sea algo más que escuchar un concierto.

Muchas gracias Constantino, y que siga vuestro éxito…

Gracias a ti por tu interés de siempre.

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PROGRAMA DE LA GIRA 2016 DE LA FSO:

PARTE I

Silverado – Títulos principales (B. Broughton)

Psicosis – Preludio (B. Hermann)

Cinema Paradiso – Tema (E. Morricone)

La gran evasión – Marcha (E. Bernstein)

Los odiosos 8 – La última diligencia de Red Rock (E. Morricone)

Sherlock Holmes: un juego de sombras – ¿El final? (H. Zimmer)       ’

Star Trek into darkness – Suite (M. Giacchino)

Gremlins – Suite (J. Goldsmith)

PARTE II

Suite sorpresa – 10 bandas sonoras en 100 segundos

Conan el bárbaro – El yunque de Crom (B. Poledouris)

La lista de Schindler – Recuerdos (J. Williams)

Chocolat – Suite (R. Portman)

Star Wars VII: El despertar de la fuerza – Suite (J. Williams)

  1. Marcha de la Resistencia
  2. Tema de Rey
  3. Scherzo de los Ala-X
  4. Los pasos del Jedi y Finale

Harry Potter y la piedra filosofal – Tema (J. Williams)

El caballero oscuro – Suite (H. Zimmer – J. Newton Howard)

Capitán América – Marcha (A.  Silvestri)

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NOTAS:

Las fotografías de Constantino Martínez-Orts insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

Las fotografías de Rachel Portman insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

 

FESTIVAL DE CINE DE ZARAGOZA: Presentación XXI ed., por Yolanda Aguas

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Hoy se ha presentado la XXI edición del Festival de Cine de Zaragoza por su director, José Luis Archelengues, y el consejero municipal de Economía y Cultura, Fernando Rivarés, quienes han destacado el aumento del número de sedes oficiales, que se amplían hasta doce con lugares como El Plata, los cines Palafox o Las Armas, y la creación de tres certámenes internacionales.

En la Gala de Inauguración se proyectará una semana antes de que llegue a las salas de cine: «1898. Los últimos de Filipinas». El certamen aragonés dará comienzo el 24 de noviembre hasta el 3 de diciembre.  El festival entregará 24 premios y realizará diez homenajes.

Se trata de los certámenes «Aragón negro», que se complementará con el de largometrajes de cine de autor «Cine al cierzo«, mientras que el Certamen de Escolares del festival se internacionaliza y pasa a llamarse «Zaragoza International Youth Film Festival» tras integrarse en la red de festivales europeos de «Youth Cinema Work«.

En cuanto a los homenajeados, el festival otorgará el Premio Augusto «Ciudad de Zaragoza» al director Nacho García Velilla y a la actriz Rosa María Sardá en reconocimiento a su trayectoria profesional, mientras que el premio «Talento del siglo XXI» recaerá en el presentador Arturo Valls.

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También serán premiadas por el «Apoyo al cortometraje» las actrices Macarena Gómez y María José Moreno, y el zaragozano Ignacio Estaregui, director de «Justi&Cia», recibirá el premio «Del corto al largo» por su salto a las cintas de larga duración tras pasar por el festival en ediciones anteriores con sus cortometrajes.

Fernando Rivarés ha destacado la renovación del festival tras su edición número 20 y ha anunciado que los tres nuevos certámenes internacionales «no serán los últimos porque habrá más el año que viene«.  Por su parte, José Luis Archelengues ha confirmado que «el festival mira el futuro no olvidándose de su pasado» y ha detallado que tras el 20 aniversario se plantearon las próximas ediciones «consolidando lo que ya estaba establecido y mejorándolo» con novedades que lo reforzaran. Se trata, a su juicio, de un festival «más que consolidado» a nivel nacional» y un «punto de referencia», entre otras cosas porque el ganador del certamen de cortometrajes pasa automáticamente a la fase final de los Premios Goya.

También ha destacado la exposición «Aragón, arte y cine» en la que el colectivo de artistas Zathué colabora y que se instalará a partir del sábado en el centro comercial Aragonia hasta el 8 de enero.

Otra de las actividades que ha destacado Archelengues es la proyección en la filmoteca de Zaragoza, un día antes de la inauguración del festival, de la película censurada de Fernando Fernán Gómez «El mundo sigue», donde acudirán las únicas personas del equipo con vida, la actriz Gemma Cuervo y la montadora Rosa Salgado.

En total, se han recibido 899 piezas en esta edición, un hecho que ha resultado «una auténtica locura» que obligará a la organización a adelantar a marzo el plazo de recepción de cintas para terminar la selección antes.

Sin duda, la XXI edición promete vivir grandes momentos en torno al cine y a los profesionales que lo habitan.

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NOTAS:

Las fotografias insertadas en este artículo de Rosa María Sardá, Nacho G. Velilla y «Los últimos de Filipinas» son propiedad de sus autores.

Las fotografías de Fernando Rivarés y José Luis Archelengues durante la rueda de prensa son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CineTFarö.

DESPUÉS DE LA TORMENTA (Dir. Hirokazu Kore-Eda), por Yolanda Aguas

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Llega por fin a la cartelera española la última película del maestro japonés Hirokazu Kore-Eda: “Después de la tormenta” (After the Storm),  que ya vimos en PERLAS de la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

En esta nueva película de Kore-Eda se pueden reconocer muchos de los temas habituales del director (con el mundo de la infancia siempre presente) como el intento de encontrar armonía en una comunidad,  el impacto traumático del divorcio en la niñez o la vida cotidiana de las familias japonesas.  El propio director reflexionaba en San Sebastián sobre la magia del cine, y que viajar con sus películas alrededor de todo el mundo le permite comprobar que públicos muy distintos se ríen en los mismos momentos que el japonés. 

A pesar de haber empezado una prometedora carrera de escritor, Ryota va de desilusión en desilusión. Se ha divorciado de Kyoko y gasta todo el dinero que gana como detective privado apostando en las carreras, por lo que finalmente no puede pagar la pensión alimentaria de su hijo de 11 años, Shingo. Después de la muerte de su padre, su madre y su exesposa parecen continuar con su vida Ahora Ryota intenta ganarse nuevamente la confianza de sus seres queridos y formar parte de la vida de su hijo. La situación no parece fácil, pero un día, un tifón obliga a toda la familia a pasar una noche juntos.

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Nueva historia sobre los lazos familiares y cuya concepción proviene de su vida personal. Es “la historia de una familia que comienza a tomar forma”. Kore-Eda empezó a escribir el guion en 2013 inspirado en su propia madre, quien después de quedarse viuda se fue a vivir a una urbanización en el año 2001.  Kore-eda visitaba a su madre en épocas de vacaciones navideñas  y tiene muchos recuerdos que lo motivaron a realizar la película: “El primer recuerdo que se vino a mi mente fue una escena caminando a través de la urbanización con el pasto que se había puesto muy bonito por la mañana después de un tifón”.

La mayor parte del reparto, muy conocido en Japón, repite con este director que examina con lupa el complicado y melancólico universo familiar en un país donde todavía perviven antiguas tradiciones y creencias en continuo enfrentamiento con la más moderna de las civilizaciones, la de la revolución tecnológica.

El universo familiar y los conflictos personales constituyen la línea narrativa de “Después de la tormenta”. Presentada en el último Festival de Cannes en la sección Una cierta mirada, la película “Después de la tormenta” (Umi yori nada Fukaru, cuya traducción literal sería “Aun más profundo que el océano”, en referencia a una famosa canción japonesa), y su quinta participación en la más prestigiosa competición cinematográfica, después de “Distance” (2001), “Nobody Knows” (2004), “Air Doll”  (2009), “De tal padre tal hijo” (2013) y “Nuestra pequeña hermana” (2015).

Otra joya del maestro Kore-Eda, a quien fuimos a saludar durante su visita a San Sebastián. Son muchos años compartiendo con él sus ruedas de prensa, y sentimos un cariño mutuo. Las fotografías que verán a continuación son un ejemplo de ello.

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NOTAS:

Las fotografías oficiales de «Después de la tormenta» insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Las fotografías de Hirokazu Kore-Eda durante su última visita a San Sebastián (2016) son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

YO, DANIEL BLAKE (Dir. Ken Loach), por Yolanda Aguas

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Daniel Blake (Dave Johns) es un carpintero de casi 60 años que por primera vez en su vida se ve obligado a acudir a los servicios sociales. Al caer enfermo por problemas cardiacos, solicita ayuda al Estado, para poder subsistir. Comenzará entonces toda una odisea, ya que Daniel se verá atrapado en un laberinto burocrático. Y es que, a pesar de que el médico le ha prohibido trabajar, la Administración le obliga a encontrar un empleo o de lo contrario recibirá una sanción.

En el transcurso de sus citas al «Job Center», Daniel se cruza con Rachel, una madre soltera de dos niños que tuvo que aceptar un alojamiento a 450 km de su ciudad para evitar que la envíen a un hogar de acogida. Prisioneros de la maraña de aberraciones administrativas actuales de Gran Bretaña, Daniel y Rachel intentarán ayudarse mutuamente.

El cineasta británico Ken Loach (Jimmy’s Hall, La parte de los ángeles, Buscando a Eric) dirige este drama que ha co-escrito con su colaborador habitual, Paul Laverty (El olivo, También la lluvia), y que protagonizan Dave Johns (Harry Hill) y Hayley Squires (Noche real).

En líneas generales, la película tiene como arteria argumental de fondo la dignidad humana que se sobrepone a innumerables obstáculos de una sociedad deshumanizada.  Habla de esa leve línea que separa tener una vida tranquila, económicamente hablando, a vivir en permanente angustia simplemente por perder un empleo.  A partir de ese momento, y sin pretender vivir instalados en el lujo, un ser humano puede dejar de existir por el simple hecho de convertirse en “invisible” socialmente.  

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El protagonista de la historia, Daniel Blake (excelente carpintero cuando estaba activo) se tiene que enfrentar a las dificultades burocráticas para el reconocimiento de una minusvalía que avala su médico. A eso se suma la dificultad de acceder a otra vía para obtener un subsidio, la del paro.

Blake se enfrenta a una máquina funcionarial deshumanizada, que lejos de dar seguridad social, aplasta a las personas atendiéndolas con frialdad excesiva, o dando por supuesto que todos han de ser expertos en el manejo de herramientas informáticas u otros métodos que los avances de la vida moderna nos han traído. Aunque estas dificultades pesan, el buen corazón de Blake sigue estando dispuesto a ayudar a la gente con la que se topa, como es el caso de una joven madre soltera, recién llegada desde Londres a Newscastle, y que tiene que sacar adelante a dos criaturas en medio de grandes dificultades.  Naturalmente, el espectador empatiza enseguida con el protagonista y los obstáculos que debe sortear en su vida cotidiana, porque cualquiera ha conocido situaciones kafkianas  parecidas. Loach y Laverty hablan del buen fondo de las personas, pero también de lo fácilmente que podemos caer en la depresión o en la miseria material y espiritual, por las trabas de un ambiente social adverso, un sistema que no piensa en las personas, considerándolas puro número.

Puede que para algunos espectadores esta película predisponga en exceso a la lágrima del público.  De pensarlo, seguramente obedezca a que no han tenido en su primer entorno una historia similar, algo tan habitual en los últimos años.  Con todo, la película invita a una profunda reflexión sobre la necesidad de construir una sociedad más humana y más justa.

Una película muy necesaria.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículos son propiedad de sus autores.

QUE DIOS NOS PERDONE (Dir. Rodrigo Sorogoyen), por Yolanda Aguas

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Madrid, verano de 2011. Crisis económica, Movimiento 15-M y millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso, violento y caótico que nunca. En este contexto, los inspectores de policía Alfaro y Velarde deben encontrar a lo que parece ser un asesino en serie cuanto antes y sin hacer ruido. Esta caza contrarreloj les hará darse cuenta de algo que nunca habían pensado: ninguno de los dos es tan diferente del asesino.

Arriesgado proyecto el de Rodrigo Sorogoyen, quien ya nos fascinó con su magnífica “Stockholm” (2013), al llevar al cine una historia tan potente y con escenas ciertamente no aptas para todos los públicos.

El cine español suele acertar con sus thrillers y películas de género negro. No está lejana la magnífica película de Alberto Rodríguez,  La Isla Mínima (2014).  En el caso que nos ocupa, la historia gira en torno a un asesino en serie.  Al comienzo de la película nos viene a la memoria el caso de los asesinatos de ancianas en Santander.  “Que Dios nos perdone” es una película en la que los dos policías asignados al caso deben dar con el asesino lo antes posible, y para no salir del tópico, ambos policías que trabajan juntos son totalmente opuestos entre sí.

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La pareja protagonista está compuesta por Antonio de la Torre y Roberto Álamo.  Álamo, interpretando casi el mismo personaje de siempre: está encasillado en hombres con exceso de testosterona.  Antonio de la Torre, otra vez magnífico, da vida al policía intelectual, comedido y contradictorio.  Aunque su trabajo en este film no alcanza las cotas de “Caníbal” (obra maestra del reciente cine español que él protagonizó), sigue demostrando ser uno de nuestros mejores actores.

En el apartado interpretativo destacamos la presencia de la gran actriz Mónica López, que aunque muy breve es una pincelada de calidad.

Presten atención a las primeras escenas de la película que están filmadas con cámara en mano.  Más adelante, el director opta por el plano fijo logrando momentos de máxima tensión.

Una segunda película muy interesante para Rodrigo Sorogoyen, con un guión co-escrito con la aragonesa Isabel Peña.   Un buen ejemplo del cine negro que se hace en nuestro país.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

 

ELLE (Dir. Paul Verhoeven), por Yolanda Aguas

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El comienzo de la película no deja lugar a dudas, es impactante.  Un gato comienza a maullar cuando su dueña cierra la puerta del patio con él todavía fuera. Tras un par de segundos, la mujer abre de nuevo echándole la bronca al felino mientras éste entra en el salón con elegancia. Pero antes de que la puerta se cierre por segunda vez, una mano enfundada en un guante negro agarra el marco y con una sacudida golpea a la señora en la cabeza. Ruidos, cristales impactando contra el suelo y gritos desesperados que se tornan placenteros.

Paul Verhoeven e Isabelle Huppert dispuestos a fascinar al espectador con una obra brillante e inquietante a partes iguales.  Hacía tiempo que no asistía a un ejercicio cinematográfico de esta magnitud. 

Lógicamente no era fácil encontrar una actriz que fuera capaz de dar tanto a un director.  Quizá tenía que ser la Huppert, acostumbrada a protagonizar obras maestras del cine negro al lado del inolvidable director Claude Chabrol. Otras actrices, magníficas todas, declinaron la oferta de Paul Verhoeven: Diane Lane, Nicole Kidman, Sharon Stone, Marion Cotillard…

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Sinceramente no creemos que ninguna de ellas hubiera encarnado mejor que la Huppert el papel de Michèle, la propietaria de una empresa de desarrollo de videojuegos que es violada en su propia casa por un enmascarado.

La víctima, valiente y decidida, comprende que no quiere cursar ninguna denuncia y proseguirá con su vida, que tanto en lo profesional como en lo familiar empezará a manifestar indicios de amenaza.   Elle es una película profundamente turbadora, extraordinaria en su ritmo narrativo, y sobresaliente en el apartado de las interpretaciones.

Isabelle Huppert, que debería ganar el Óscar por este trabajo, vuelve a demostrar que es una de las mejores actrices del Séptimo Arte en toda su historia. 

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NOTA: Las fotografías oficiales de ELLE insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.