LA ENFERMEDAD DEL DOMINGO (Dir. Ramón Salazar), por Yolanda Aguas

“El niño abandonado aprende que para vivir, necesita primero construir un espacio que le fue despojado y después entender, que habitarlo significa confiar en que ese lugar le pertenece”.  (Lidia P., escritora)

Anabel (Susi Sánchez) abandonó a su hija Chiara (Bárbara Lennie) cuando ésta apenas tenía ocho años. Treinta y cinco años después Chiara regresa con una extraña petición para su madre; le pide que pasen diez días juntas. Anabel ve en ese viaje la oportunidad para recuperar a su hija, pero no sabe que Chiara tiene un propósito oculto y que tendrá que enfrentarse a la decisión más importante de su vida.

La primera aparición de Anabel ya nos indica que estamos ante una mujer que ha logrado un absoluto éxito social. Es segura, firme y tiene templanza.  Maravillosamente vestida, da instrucciones a los empleados que deberán dar servicio durante la cena.  Entre esos empleados está una mujer que, tras escuchar las instrucciones de Anabel, se acaricia el pendiente.  Es Chiara.  Al finalizar la cena, Anabel y Chiara se quedan a solas en el majestuoso comedor.  Se miran, se sienten…

Chiara le deja una nota sobre la mesa.  La cita en un lujoso hotel y Anabel acude. Han pasado más de tres décadas y sólo le pide una cosa: pasar diez días juntas. Le dice que puede pensarlo, Anabel se levanta y se va.  Pasado un tiempo (y en una de las mejores escenas de la película), Anabel, su marido y el abogado de ambos, citan a Chiara y le hacen firmar un documento por el que se compromete a no reclamar nada una vez concluya el tiempo que pasarán juntas.

Siempre solemos pensar en el abandono como algo físico, que sucede cuando una persona a la que quieres te deja. En los niños ese abandono puede convertirse en un drama imposible de superar. Es una ausencia física pero, principalmente, es emocional.  Todas las personas tenemos necesidades emocionales que están relacionadas con la presencia de los demás, con su forma de comportarse con nosotros y sus papeles en nuestras vidas. Necesitamos que nos escuchen y nos comprendan.  Sentirnos queridos, valorados, apreciados y acompañados.

Ramón Salazar ha escrito un guión muy importante. Otros directores han tratado con anterioridad las relaciones entre madre e hija.  Cada una de esas películas tiene su propia historia, sus características, su recorrido, su propósito.

Hace bastantes años, viajé a Roma para encontrarme con Marco Ferreri. Hablamos mucho, durante la entrevista y luego cuando me invitó a comer. Él dirigió varias películas que tratan la maternidad y las formas en que cada mujer la vive.  “El futuro es mujer” mostraba a dos mujeres: una de ellas (Ornella Muti) quería experimentar la maternidad en el plano físico, ver la transformación de su cuerpo y vivir el parto.  La otra (Hanna Schygulla) anhelaba tener un hijo para cuidarlo y verle crecer.

En la otra gran película que el maestro italiano dirigió, “Historia de Piera” (1983), la relación entre madre (Hanna Schygulla) e hija (Isabelle Huppert) iba mucho más allá.  Era un intercambio de roles, porque la hija hacía de madre y la madre de hija, lo que producía un intenso distanciamiento emocional entre ellas. Sólo en la preciosa escena de la playa, cuando ambas se abrazan desnudas, vuelven a asumir sus roles con aquel abrazo que no era otra cosa que la recuperación del cordón umbilical.

Recordé nítidamente aquellas sensaciones de 1983 cuando vi la escena del lago de “La enfermedad del domingo”. La madre (Susi Sánchez) y la hija (Bárbara Lennie) recuperan por un momento ese cordón que se cortó dos veces: en el nacimiento de Chiara y cuando Anabel la abandonó.

Si Ferreri contó con dos actrices sublimes del cine europeo para dar vida a Eugenia (Hanna Schygulla, la madre, un papel con el que obtuvo el Premio como Mejor Actriz en el Festival de Cannes) y Piera (Isabelle Huppert, la hija), Ramón Salazar ha encontrado en Susi Sánchez y Bárbara Lennie a las actrices soñadas para protagonizar su película.

Juntas dan vida al texto escrito por Salazar, lo hacen más hondo, más verdadero.  Un guión de mucho calado que conmueve más cuando llegan los silencios. Ahora podría relacionar muchas escenas de “La enfermedad del domingo” con escenas creadas por el gran Ingmar Bergman (y seguro que a Susi le encantaría porque alguna vez hemos hablado de nuestra admiración por él).  No lo haré, todo buen cinéfilo ya las conoce y este artículo se alargaría en exceso.

Concluyo y sugiero ya que todos los premios de interpretación que se entregarán el próximo año sean para el trabajo deslumbrante, profundo, emocionante y artesanal de la gran Susi Sánchez.  Este papel protagonista debía llegar a esta actriz española que es oro puro. Lleva años demostrándolo en el teatro, y ha dejado trabajos en cine y televisión que son auténticas muestras de magisterio interpretativo.

“La enfermedad del domingo” habla de la culpa, de la redención, de la pena, del dolor, del amor…  Lo hace con elegancia, con belleza extrema, con silencios y miradas que taladran y llegan a lo más íntimo.

Gracias por esta película y por las grandes interpretaciones que la habitan.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

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THE PARTY (Dir. Sally Potter), por Yolanda Aguas

Janet (Kristin Scott Thomas) acaba de ser nombrada ministra del Gobierno y por ello varios amigos se reúnen en una fiesta para celebrar su nombramiento.  The Party es una comedia envuelta en tragedia, en la que una celebración amistosa se convierte en cuestión de segundos en un violento encuentro. Una semana puede ser mucho tiempo en política, pero unos minutos pueden ser cruciales en una relación personal. Bajo una presión extrema en un ambiente de confianza, los secretos más recónditos salen a flote sin filtros.

Este es el abismo que la directora, Sally Potter, investigó como escritora. Ella quería invitar al espectador a la carcajada siendo testigo, a través de la inquisitiva lente de la cámara, de este grupo de personas que penden de un hilo para preservar su propio partido, oscilando constantemente entre lo moralmente correcto y lo políticamente aceptado. The Party se concibió como una película reducida a los elementos esenciales. Para la directora, el hecho de trabajar en un solo espacio y en tiempo real era una virtud. Además, rodaron en blanco y negro y sin efectos especiales.

Estas herramientas, aparentemente tan sencillas, llevaban el peso de contar toda la película. Con esta forma de trabajo, los elementos están muy expuestos. No hay lugar donde esconderse cuando se trabaja con ingredientes tan primarios como la historia, los personajes, el blanco y negro, las voces y la música. La cámara se adentra en las sombras y mira fijamente a las caras de unos personajes en pleno momento de crisis: una crisis que empuja a cada uno a contar la verdad.

Sally Potter manifestaba sentirse muy agradecida ya que el elenco fue magnífico, unos actores que se lanzaron al proceso creativo con amor y disciplina. En el momento actual donde los acontecimientos del mundo nos hacen a todos querer llorar, tuvieron la valentía de ponerse al servicio de la risa y su poder curativo.

Con catorce años, Sally Potter hizo su primera película en 8mm dejando intuir a tan temprana edad su gran talento. En 1992 Orlando, la valiente adaptación de Potter del clásico de Virginia Woolf, fue nominada a dos premios Oscar.

A este largometraje le siguieron otros como La lección de tango (1996), Vidas furtivas (2000), Yes (2004), Rage (2009) y Ginger And Rosa (2012). Sally Potter también ha dirigido multitud de cortometrajes (incluyendo Thriller y Play), series de televisión, y óperas. Además, ha trabajado como coreógrafa, músico, haciendo performance y cine experimental.

The Party es una película actual en blanco y negro y con 71 minutos de duración. Es también un film “de actores” donde dan lo mejor de sí mismos intérpretes de la categoría de Kristin Scott Thomas, Patricia Clarkson y Bruno Ganz.

Uno de sus mayores atractivos, es que la película tiene naturaleza teatral, una de esas películas en las que una reunión de amigos acaba saltando por los aires a medida que van revelándose secretos que se guardaban unos a otros. No es nuevo, hemos visto muchas películas así, pero el formato sigue funcionando a las mil maravillas.

La película reflexiona (y critica) numerosos asuntos: el sistema sanitario británico, la hipocresía de determinada especie de intelectuales y progresistas de profesión, personajes acomodados que, a la hora de la verdad, son todo lo contrario de lo que hacen ver a los demás (e incluso a sí mismos).

Destaca entre todos los personajes el interpretado por Patricia Clarkson, interpretando un papel que  le va como anillo al dedo.  Brillante como está siempre en todos sus trabajos.

La película es un disfrute total. 

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NOTA: Las fotografías oficiales de la película insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

CALÍGULA (Aut. Albert Camus), por Yolanda Aguas

Recomiendo que vean un fantástico documental dedicado a la figura de “Calígula” en el que la profesora Mary Beard se embarca en un viaje de investigación para explorar la vida y los tiempos de Cayo Julio César Augustus Germanicus (Calígula), uno de los personajes más célebres de la historia.  Está considerado como el tirano más caprichoso de Roma y las historias contadas sobre él son de lo más extraordinario sobre cualquier emperador romano.

Se dice que hizo de su caballo un cónsul, se proclamó Dios vivo y se entregó a orgías escandalosas, incluso con sus tres hermanas, y eso es antes de mencionar la construcción de grandes puentes sobre la tierra y el mar, la prostitución de las esposas de los senadores y la matanza de la mitad la élite romana aparentemente por un capricho.

Todo eso en sólo cuatro cortos años en el poder antes de un violento y rápido asesinato en un callejón de su propio palacio a los 29 años de edad. El documental coloca a Calígula en el contexto de su época para revelar una asombrosa historia de asesinato, intriga y poder familiar dinástico.

Revela, además, un retrato más intrigante no sólo del monstruo sino también del hombre.

Llega ahora un nuevo montaje teatral del texto de Albert Camus, con dirección de Mario Gas.  Se trata de una coproducción entre el Teatro Romea, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y el Grec 2017.

Suetonio, un escritor romano que es uno de los maestros del género biográfico del mundo antiguo, dejó para la posteridad un retrato del tercer emperador romano, Cayo Julio César Augusto Germánico, que ha pasado a la historia con su sobrenombre infantil: Calígula. El escritor Albert Camus, uno de los autores imprescindibles de la Francia del siglo XX y premio Nobel de Literatura en 1957, partió de este retrato para crear una pieza teatral que es, de hecho, un conjunto de obras integradas en una sola.

El protagonista se enfrenta al absurdo de la existencia (uno de los temas clave en la obra de Camus) tras la muerte de su hermana y amante, Drusila, y en un intento de demostrar la mortalidad e infelicidad humanas, somete a sus súbditos a todo tipo de horrores y persecuciones.

En el momento álgido de su locura, Pablo Derqui (fascinante  y poderoso como actor) se transforma en David Bowie bailando y cantando uno de sus más célebres temas: Let’s Dance.  Junto a él en este gran momento de la obra, están Mónica López (Joker) y Xavier Ripoll (la Máscara).  Están estos dos últimos brillantes, no olviden que López es protagonista habitual de los montajes musicales de Mario Gas.

Mónica López es Cesonia, amante, cómplice, confidente y, también, víctima, de Cayo. Maravillosa actriz. Nacida en las Islas Canarias y afincada en Barcelona desde hace muchos años.  Es referente en el mejor teatro catalán. Respetadísima y de gran prestigio entre sus compañeros. Admirada por el público más exigente.  Colaboradora y amiga de Mario Gas, con el que ha trabajado como actriz y cantante en números montajes. También ha sido ayudante de dirección de Gas, como en “Las Troyanas”.  Deslumbró con el espectáculo: “Golfus de Roma” estrenado el 28 de julio de 1993 en el Teatro Romano de Mérida.

Cumplen muy bien en sus respectivos trabajos Xavier Ripoll (Helicón), Bernat Quintana (unas veces) y Carlos Cuevas (otras) (Escipión), Borja Espinosa (Quereas).  Pep FerrerPep MolinaAnabel Moreno y Ricardo Moya que dan vida a diversos personajes en el transcurso del espectáculo, unas veces senadores y otras vulgo pueblo.  En la función que vi en el Teatro Principal de Zaragoza, fue el actor Carlos Cuevas quien dio vida a Escipión.  Joven actor, tan sólo tiene 22 años, que también participó en una de las grandes obras del mejor teatro catalán: “Barcelona” de Pere Riera, estrenada en 2013 en la Sala Gran del TNC.

El Calígula de Albert Camus era un hombre que quería la Luna y cambiar el destino con su crueldad.  Durante la obra y de la magistral mano de Pablo Derqui, vemos cómo el hombre se va transformando en un monstruo.  Derqui logra el milagro con su voz, sus movimientos corporales y, especialmente, con su mirada.  Hagan lo posible por estar sentados en las primeras filas de los teatros, lo agradecerán.

Si tuvieron la fortuna de ver a José María Rodero interpretando a “Calígula” pensarán que es imposible superar (o tan siquiera igualar) aquella inolvidable interpretación. Cierto que no lo es, pero si alguien podía intentarlo era únicamente Pablo Derqui.  En silencio, trabajando con rigor, seriedad y mucha verdad, el actor catalán se ha convertido ya en nuestro mejor actorLe he visto muchas veces en teatro (“Desde Berlín” con Lima fue otra magistral creación), pero creo que este Calígula es su mejor trabajo.

Mientras Calígula agoniza, grita: “Todavía estoy vivo” y nosotros decimos, ante este actor inmenso:

DERQUI… ¡Por todos los Dioses¡

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NOTA:

Las fotografías oficiales de la obra insertadas en este artículo son autoría de David Ruano.

Las dos fotografías de los actores (saludando al finalizar la representación y de Mónica Lopez y Pablo Derqui antes de salir a escena) son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

 

EL CUADERNO DE SARA (Dir. Norberto López Amado), por Yolanda Aguas

Estamos ante otra de las películas españolas con ambición exclusiva de hacer dinero y ganar a un público fácil que no espera “cine de autor”.  Eso que en literatura se denomina best seller.

Laura busca desde hace años a su hermana Sara, desaparecida en medio de la selva del Congo. Ni la ONG para la que trabajaba ni la Embajada tenían noticias de su paradero… hasta que aparece una foto de un poblado minero del este del Congo con la imagen borrosa de Sara. Sin dudarlo un momento, Laura viaja hasta Kinshasa dispuesta a adentrarse en el territorio de los “Señores de la Guerra”, dejando atrás las diferencias que la separaron de su hermana, y sin sospechar que esa peligrosa aventura le llevará a poner en peligro su propia vida.

La película está rodada en Uganda, cuenta con magníficos paisajes naturales (como no podía ser de otra manera) pero el desarrollo de los personajes no alcanza una acertada dimensión.

Belén Rueda, actriz que siempre se esfuerza en todos sus trabajos, cumple su cometido con eficacia.  Le acompañan algunos estupendos actores como Ramón Barea o Marian Álvarez.

“El cuaderno de Sara” es una película de aventuras.  Habla de las relaciones y conflictos familiares escondidos y de un mundo inmerso en guerras.

Aunque esta película no me ha producido demasiado interés, sí me gustaría destacar el notable esfuerzo de la producción y equipos técnico y actoral.  Me consta que ha sido un rodaje muy complicado.

En definitiva, es una película para pasar una tarde de invierno en el cine sin más pretensiones.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

PREMIOS GOYA 2018 (Palmarés), por Yolanda Aguas

Isabel Coixet ha arrasado con los premios más importantes, como era de justicia. “La librería” ha obtenido: Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Guión Adaptado.  Cuando escribí mi artículo dedicado a la película ya manifesté que estábamos ante su mejor y más hermosa película.  Un gran trabajo que ha obtenido una justa recompensa.  La Coixet vuelve a demostrar su profunda sensibilidad, su gran inteligencia y su incuestionable magisterio.  

“Handia”, la otra gran película del pasado año se ha llevado diez premios. El premio a la Mejor Dirección Novel ha sido para Carla Simón por ‘Verano 1993’, también justo, aunque Lino Escalera también lo merecía por su impresionante película “No sé decir adiós”.

Nuestra querida Nathalie Poza ha obtenido el Goya como Mejor Actriz Protagonista (¡ya era hora académicos¡).  Ella ha protagonizado el discurso más bello de los últimos años: “Salta, abraza tus heridas y conviértelas en una obra de arte, porque merece la pena. No sé si cambiaremos el mundo, pero a mí este oficio me ha salvado la vida” .

Ella también señaló como grandes referentes a las otras nominadas, Maribel Verdú (‘Abracadabra’), Emily Mortimer (‘La librería’) y Penélope Cruz (‘Loving Pablo’), juró que “no sabía que se podía ser tan feliz en un escenario”, y se explayó en las dedicatorias. A su profesora de interpretación Cristina Rota, “por ayudarla a crear desde la particularidad”; al guionista Pablo Remón, porque es “muy sospechoso que un tío” escribiera un personaje femenino como el suyo, y al director, Lino Escalera, reputado cortometrajista que da su salto al largo, porque creía que con un papel tan dramático le iba a “arrancar la vida, pero me la ha devuelto”. Pero sobre todo a Juan Diego “que nos contó que, con esta película, había aprendido a morir”.

Javier Gutiérrez ganó por “El Autor”, aunque nosotros íbamos con Andrés Gertrudix y su trabajo en “Morir”.

La gala será recordada como la más feminista de la historia, donde los abanicos de #MÁSMUJERES han compartido protagonismo con los nominados y ganadores.

 El Goya de Honor ha sido para Marisa Paredes:Por fin nos vemos las caras”, ha dicho cuando ha mirado al Goya. La actriz, de 71 años, ha recibido un fuerte aplauso por parte de todos los asistentes a la gala y se ha acordado en su discurso de Yvonne Blake, la presidenta de la Academia de Cine que sufrió un ictus y ha sido la gran ausente de la noche.

Lista completa de ganadores de los Premios Goya 2018:

Mejor Película

La librería – GANADORA

El autor

Verano 1993

Handia

Verónica

 

Mejor Dirección

Isabel Coixet, por La librería – GANADORA

Manuel Martín Cuenca, por El autor

Aitor Arregi y Jon Garaño, por Handia

Paco Plaza, por Verónica

 

Mejor Actor Protagonista

Javier Gutiérrez, por El autor – GANADOR

Antonio de la Torre, por Abracadabra

Javier Bardem, por Loving Pablo

Andrés Gertrúdix, por Morir

 

Mejor Actriz Protagonista

Nathalie Poza, por No sé decir adiós – GANADORA

Maribel Verdú, por Abracadabra

Emilie Mortimer, por La librería

Penélope Cruz, por Loving Pablo

 

Mejor Actor de Reparto

David Verdaguer, por Verano 1993 – GANADOR

José Mota, por Abracadabra

Antonio de la Torre, por El autor

Bill Nighy, por La librería

 

Mejor Actriz de Reparto

Adelfa Calvo, por El autor – GANADORA

Anna Castillo, por La Llamada

Belén Cuesta, por La Llamada

Lola Dueñas, por No sé decir adiós

 

Mejor Actor Revelación

Eneko Sagardoy, por Handia – GANADOR

Pol Monen, por Amar

Eloi Costa, por Pieles

Santiago Alverú, por Selfi

 

Mejor Actriz Revelación

Bruna Cusí, por Verano 1993 – GANADORA

Ariana Paz, por El autor

Itziar Castro, por Pieles

Sandra Escacena, por Verónica

 

Mejor Dirección Novel

Carla Simón, por Verano 1993 – GANADORA

Sergio G. Sánchez, por El secreto de Marrowbone

Javier Calvo y Javier Ambrossi, por La Llamada

Lino Escalera, por No sé decir adiós

 

Mejor Guión Original

Aitor Arregui y Andoni de Caños, Jon Garaño y José Mari Goenaga por Handia – GANADORA

Pablo Berger, por Abracadabra

Carla Simón, por Verano 1993

Fernando Navarro y Paco Plaza, por Verónica

 

Mejor Guión Adaptado

Isabel Coixet, por La librería – GANADORA

Manuel Martín Cuenca y Alejandro Hernández, por El autor

Coral Cruz y Agustí Villaronga, por Incierta gloria

Javier Calvo y Javier Ambrossi, por La Llamada

Mejor Canción Original

La Llamada de Leiva, en La llamada – GANADORA

Algunas veces de José Luis Perales, en El autor

Feeling lonely on the Sunday Afternoon de Alfonso de Vilallonga, en La librería

Rap zona hostil de Fenyx y Roque Baños, en Zona hostil

 

Mejor Música Original

Pascal Gaigne, por Handia – GANADOR

Alberto Iglesias, por La cordillera

Alfonso de Vilallonga, por La librería

Chucky Namanera (Eugenio Mira), por Verónica

 

Mejor Diseño de Vestuario

Saioa Lara, por Handia – GANADORA

Paco Delgado, por Abracadabra

Mercè Paloma, por La librería

Tatiana Hernández, por Oro

 

Mejor Montaje

Laurent Dufreche y Raúl López, por Handia – GANADORES

David Gallart, por Abracadabra

Ana Pfaff y Didac Palou, por Verano 1993

Bernat Aragonés, por La librería

 

Mejor Cortometraje de Animación

Woody and Woody, de Jaume Carrió – GANADORES

Colores, de Arly Jones y Sami Natsheh

El ermitaño, de Raúl Díez

Un día en el parque, de Diego Porral

 

Mejor Cortometraje Documental

Los desheredados, de Laura Ferrés – GANADORA

Primavera rosa en México, de Mario de la Torre

The Fourth Kingdom, de Adán Aliaga y Álex Lora

Tribus de la inquisición, de Mabel Lozano

 

Mejor Cortometraje de Ficción

Madre, Rodrigo Sorogoyen – GANADOR

Australia, de Lino Escalera

Baraka, de Néstor Ruiz Medina

Como yo te amo, de Fernando García-Ruiz

Extraños en la carretera, de Carlos Solano

 

Mejor Sonido

Aitor Berenguer, Gabriel Gutiérrez, Nicolas de Poulpiquet, por Verónica – GANADORES

Daniel de Zayas, Pelayo Gutiérrez y Alberto Ovejero, por El autor

Sergio Bürmann, David Rodríguez y Nicolas de Poulpiquet, por El bar

Iñaki Díez y Xanti Salvador, por Handia

 

Mejor Dirección de Producción

Ander Sistiaga, por Handia – GANADORES

Mireia Graell Vivancos, por Verano 1993

Alex Boyd y Jordi Berenguer, por La librería

Luis Fernández Lago, por Oro

 

Mejor Dirección de Fotografía

Javier Agirre Erauso, por Handia – GANADOR

Santiago Racaj, por Verano 1993

Jean Claude Larrieu, por La librería

Paco Femenía, por Oro

 

Mejor Dirección Artística

Mikel Serrano, por Handia – GANADOR

Alain Bainée, por Abracadabra

Llorenç Miquel, por La librería

Javier Fernández, por Oro

 

Mejor Maquillaje y Peluquería

Ainhoa Eskisabel, Olga Cruz y Gorka Aguirre, por Handia – GANADORES

Sylvie Imbert y Paco Rodríguez Frías, por Abracadabra

Eli Adánez, Sergio Pérez Berbel y Pedro de Diego, por Oro

Lola Gómez, Jesús Gil y Óscar del Monte, por Pieles

 

Mejores Efectos Especiales

Jon Serrano y David Heras, por Handia – GANADORES

Reyes Abades e Isidro Jiménez, por Oro

Raúl Romanillos y David Heras, por Verónica

Reyes Abades y Curro Muñoz, por Zona hostil

 

Mejor Película Iberoamericana

Una mujer fantástica, de Sebastián Lelio (Chile) – GANADORA

Amazona, de Clare Weiskopf y Nicolas van Hemelryck (Colombia)

Tempestad, de Tatiana Huezo (México)

Zama, de Lucrecia Martel (Argentina)

 

Mejor Película Europea

The Square, de Ruben Östlund – GANADORA

Cest la vie!, de Eric Toledano y Oliver Nakache

Lady Macbeth, de William Oldroyd

Toni Erdmann, de Maren Adz

 

 

Mejor Película de Animación

Tadeo Jones 2. El secreto del rey Midas, de Enrique Gato y David Alonso – GANADORA

Deep, de Julio Soto

Nur eta Herensugearen tenplua, de Juan Bautista Berasategui

 

Mejor Película Documental

Muchos hijos, un mono y un castillo, de Gustavo Salmerón – GANADORA

Cantábrico, los dominios del oso pardo, de Joaquín Gutiérrez Acha

Dancing Beethoven, de Arantxa Aguirre

Saura(s), de Félix Viscarret

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

SIN AMOR (LOVELESS) (Dir. Andrei Zvyagintsev), por Yolanda Aguas

Boris (Aleksey Rozin) y Zhenya (Maryana Spivak) están en medio de un proceso de divorcio. El amor se ha acabado entre ellos y lo han encontrado en otras personas. Aunque separados, las discusiones y la poca comunicación siguen siendo la tónica habitual entre ellos. Ninguno de los dos parece estar interesado en Alyosha (Matvey Novikov), su hijo de doce años que vive atormentado por la falta de cariño y comprensión que recibe de sus padres. Hasta que desaparece. Será entonces cuando la pareja no tenga más remedio que unir sus fuerzas para encontrar a su hijo desaparecido. Con el paso de los días, tanto los esfuerzos como la preocupación irán en aumento.

Filme dirigido por el ruso Andrei Zvyagintsev (Leviatán), que co-escribe el guión junto a su colaborador habitual Oleg Negin. Sus protagonistas son Maryana Spivak, Aleksey Rozin y el joven Matvey Novikov.

Viviendo en una guerra de reproches y rencor, el matrimonio protagonista de Loveless desatiende las necesidades de su hijo o, aún peor, lo utilizan para dañar al otro. Un comportamiento que, al poco de empezar el film, provocará la fuga del pequeño. Arrancará entonces un drama que permite a Zviáguintsev dar rienda suelta a su espléndido manejo del suspense.

Con el relato en tensión por la búsqueda del niño, Loveless alcanza sus mejores momentos, cuando una cámara flotante resigue la odisea de los protagonistas a través de edificios en ruinas y morgues espeluznantes. En conjunto, Zviáguintsev decide poner el énfasis en la soledad de los personajes, tanto en el marco de los paisajes nevados como en el interior de las casas, o incluso en los puestos de trabajo, donde los protagonistas yacen rodeados por criaturas tan alienadas como ellos mismos.

La película no habla directamente de política, pero si habla de la influencia de las decisiones históricas de la nación en sus ciudadanos y familias y de cómo los proyectos identitarios quiebran o se desvían cuando la falta de amor es obvia.

Grandes llanuras heladas, con climas esteparios tremendamente duros, pieles insensibles por el frío gélido, el viento y la nieve generando un carácter muy concreto.  Ahí es donde pone su mirada Zvyagintsev arrancando Sin amor (Loveless) con el paisaje pictórico y helado de la llanura rusa, con sus árboles desviados, tumbados o arrancados de sus raíces por esas condiciones extremas ¿quién puede seguir erguido ante una estampa así? Esta es la gran alegoría del director ruso, el clima, su geografía, marca todo lo que viene después.

Quizá sea el momento más importante de la película cuando aparece la abuela del chico conversando con la madre. En ese diálogo nos damos cuenta de la grave envergadura de este problema, que no es otro que el de la deshumanización y suicidio moral de los personajes del filme.

Impactante y revelador el plano en el que se ve un grupo de operarios desmantelando el apartamento.

Una película que exige mucho al espectador por la dureza de sus planteamientos.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO (Dir. Yorgo Lanthimos), por Yolanda Aguas

Hace algunas semanas escribí un artículo dedicado a la última película de Darren Aronofsky, “Madre”.  En él, invitaba a los lectores a que vieran la película para poder participar en las conversaciones que sus amigos pudieran mantener sobre la misma.  Es importante, y aconsejable, tener opinión propia.

Antes de que sigan leyendo este artículo, vuelvo a aconsejarles lo mismo.  Vean “El sacrificio de un ciervo sagrado”, pero háganlo con la mente abierta y dispuestos a entrar en el personal mundo creativo del director griego.

El viaje que nos propone Lanthimos es una auténtica inmersión hacia territorios complejos de transitar.

Steven (Colin Farrell) es un eminente cirujano casado con Anna (Nicole Kidman), una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim (Raffey Cassidy) y Bob (Sunny Suljic). Cuando Steven entabla amistad con Martin (Barry Keoghan), un niño de dieciséis años sin padre, a quien decide proteger, los acontecimientos dan un giro siniestro y es que, el neurólogo observa desesperado cómo sus hijos contraen una enfermedad que él es incapaz de explicar. Steven tendrá que escoger entonces entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo.

El inicio de la película es tremendamente impactante, vayan preparados, es un thriller muy singular con toques de intriga.  Una verdadera metáfora de la vida espiritual y sobrenatural. Cine fascinante, sí… pero no apto para todos los públicos.

En la Historia del Cine tenemos películas y cineastas muy personales que nos han impactado con sus propuestas.  Eso está muy bien.  Quiero citar “El ángel exterminador” de Luis Buñuel, película extraordinaria (obra maestra para mí) con uno de los finales más potentes que he visto y disfrutado.  En la película de Lanthimos, el espectador no sale indemneSufre una auténtica sacudida emocional que puede dejar a muchos muy descolocados.

Los personajes viven de forma anómala, turbia… y sin embargo no se hacen preguntas.  Seres vivos que no ven, atrapados en una ceguera por simple conformidad.

Nicole Kidman, como siempre, está maravillosa.

Una película extraña, compleja, peculiar y muy interesante.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.