LA CHICA DANESA (Dir. Tom Hooper), por Yolanda Aguas

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Sin ser una película perfecta, ¿quién dice que la queremos así?, “La chica danesa” de Tom Hooper invita a la reflexión.

Dinamarca, años 20. La pareja de pintores formada por Einar (Eddie Redmayne) y Gerda Wegener (Alicia Vikander) disfruta de su éxito. Un día, por casualidad, la modelo a la que ella ha contratado para retratar en sus cuadros ha tenido que cancelar la cita y necesita terminar esas pinturas a tiempo. Para que ella pueda finalizar su trabajo, la pintora le pregunta a su marido si no le importaría ponerse medias y zapatos de mujer por unos instantes, a lo que él accederá sin problema. Esta revelación desencadenará el despertar de un anhelo largamente escondido por Einar: su deseo de ser mujer.

Al principio este juego les resulta apasionante y divertido, cuando los retratos resultan ser un éxito, y ella anima a su marido a adoptar una apariencia femenina. Después no lo será tanto para Einar, que se da cuenta de que se siente una mujer por dentro. La vida del matrimonio dará un enorme giro y el nacimiento de una identidad femenina en el cuerpo masculino de Einar provocará muchos problemas en su relación sentimental. En su lucha por hacer justicia a su yo interior, Einar se convertirá en Lili Elbe. Su decisión final será la de hacerse una operación de cambio de sexo, convirtiéndose así en pionero en la cultura transgénero y uno de los primeros en operarse y cambiar de sexo.

Este drama basado en la verdadera historia de esta pareja de artistas daneses, protagonistas de una de las más inusuales historias de amor de principios del siglo XX, es un guión de Lucinda Coxon (Pétalo carmesí, flor blanca, Wild Target) basado en la novela homónima de David Ebershoff.   El guión, que tiene puntos positivos, resulta sobrepasado por ciertos fallos en cuanto a la intensidad y riesgo a la hora de mostrar aspectos determinantes de la evolución (física y emocional) del personaje interpretado por Eddie Redmayne.

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El film está dirigido por el ganador del Oscar Tom Hooper (Los Miserables, El discurso del rey, The Damned United). Sus protagonistas son Eddie Redmayne (La Teoría del Todo, Mi semana con Marilyn, Los Pilares de la Tierra) y Alicia Vikander (Ex Machina, El séptimo hijo, Anna Karenina). Completan el reparto Matthias Schoenaerts (Lejos del mundanal ruido, A Little Chaos), Ben Whishaw (En el corazón del mar, Spectre) y Sebastian Koch (El puente de los espías, El libro negro, La vida de los otros).

No tenemos duda que puede obtener importantes premios, Oscar incluido, en las categorías de Fotografía, Vestuario y Banda Sonora Original.  Absolutamente fascinantes las tres.

El director de fotografía Danny Cohen (El discurso del rey), cuyo trabajo vuelve a ser impecable. Para recrear la frialdad de la sociedad danesa, Cohen se inspiró en los cuadros de Vilhelm Hammershøi, gracias a lo que pudo reproducir el Copenhague de la época y las estancias decoradas en tonos azules y grises, moda que vemos en la casa del matrimonio.  Es una fotografía ideal en la recreación de los paisajes, y de escenas que parecen postales.

El vestuario, autoría del gran Paco Delgado (ambos trabajaron también en Los miserables) me recuerda algunos de los fabulosos diseños de la gran figurinista de teatro María Araujo.

La Banda Sonora Original, del francés Alexandre Desplat, compositor también de la magnífica película “Sufragistas”, nos entrega una música melancólica, cautivadora y envolvente a partes iguales.  Es absolutamente maravillosa.  Un milagro interpretado al piano en sus momentos cumbres.

La chica danesa, narra la historia del primer caso conocido de una persona que decidió someterse a una cirugía para convertirse en mujer, convencido de que Dios lo hizo así, pero en un cuerpo diferente, al que denomina como “una enfermedad por curar”. Sin embargo, ésta historia se remonta más atrás cuando Einar Wegener, conocido pintor de paisajes norteños, estaba casado con su esposa, Gerda.

Magníficas escenas cuando Einar toca la suave seda, las medias, los guantes, el vestido… todo ello le llamará tanto la atención que él y su esposa deciden seguir jugando hasta el punto de llevar a su marido travestido a una fiesta. Allí, un hombre llamado Henrik se le insinuará y lo besará. Ese preciso momento supondrá el inicio de una explosión que sacará a la persona interior que Einar lleva encerrada, Lili Elbe.

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Eddie Redmayne y Alicia Vikander están sobresalientes.  Los dos por igual.  Él, confirmando lo que muchos ya sabemos: será el actor más importante en los próximos añosElla, interpretando con suavidad y convicción el papel de una mujer enamorada de su marido y por cuyo amor inmenso renuncia a él para que éste logre su felicidad.  Conmovedores momentos de la película.

Escenas panorámicas, magistral banda sonora, vestuario exquisito, interpretaciones del máximo nivel, todo esto hacen de La chica danesa una película imprescindible y necesariaAunque sólo sea como una forma de homenajear a todas aquellas personas que han luchado y luchan por vivir en el cuerpo y la identidad que sienten, como antes lo hicieron en el cine José Luis López Vázquez (Mi querida señorita, de Jaime de Armiñan) o Carmen Maura (La ley del deseo, de Pedro Almodóvar).

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

 

 

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III ed. PREMIOS FEROZ: Ganadores, por CineT Farö

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Tercera edición de los Premios FEROZ, que vienen a ser como los Globos de Oro, es decir, los premios que la prensa especializada en cine entrega cada año previamente a los GOYA.

Los premios Feroz han conseguido consolidarse como una de las citas más importantes con nuestra cinematografía y como una celebración del gran nivel de la industria nacional, más desenfadada, aunque igual de relevante, que nuestros veteranos Goya.

Presentados por la actriz Silvia Abril, ayer se entregaron unos premios donde la película ganadora de la noche fue LA NOVIA, que obtuvo seis premios.

Lista completa de ganadores de los Premios Feroz 2016

Mejor película: Drama

LA NOVIA

Mejor película: Comedia

NEGOCIADOR

Mejor dirección

PAULA ORTIZ, por La novia

Mejor actriz protagonista

Inma Cuesta, por La novia

Mejor actor protagonista

Ricardo Darín, por Truman

Mejor actriz de reparto

Luisa Gavasa, por La novia

Mejor actor de reparto

Mario Casas, por Mi gran noche

Mejor guion

Cesc Gay, por Truman

Mejor música original

La novia

Mejor tráiler

La novia

Mejor cartel

Requisitos para ser una persona normal

Premio Feroz Especial Jurado

B, la película

Premio Feroz de Honor

ROSA MARÍA SARDÁ

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THE HATEFUL EIGHT (Dir. Quentin Tarantino), por Yolanda Aguas

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Con un metraje de 167 minutos, que en ningún momento se notan, y esquivando los habituales y horribles recortes para su exhibición en películas de larga duración, Quentin Tarantino nos presenta su última película: Los odiosos ocho.

Esta es la octava película de Tarantino (si contamos las dos entregas de ‘Kill Bill’ como parte de una misma película, al igual que él lo hace), su segunda incursión en el western y el antepenúltimo largometraje que pretende crear para su filmografía. Si se mantiene en su promesa, estamos a dos películas de terminar con las 10 de Tarantino. Queda muy poco para que concluya su carrera como realizador de films.

Algunos años después de finalizar la Guerra de Secesión estadounidense, una diligencia avanza a toda velocidad para evitar la ventisca que les acecha.  En ella, el cazarrecompensas  John Ruth (Kurt Russell) y su fugitiva Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh), intentan llegar al pueblo de Red Rock, donde Ruth entregará a Domergue a la justicia para ahorcarla.  Sin embargo, el mayor Marquis Warren (Samuel L. Jackson) y Chris Mannix (Walton Goggins), un renegado sureño que afirma ser el nuevo sheriff del pueblo se unirán a la diligencia.

Debido a que no pueden proseguir hasta Red Rock por la gran ventisca, Ruth, Domergue, Warren y Mannix se refugian en la Mercería de Minnie.  Cuando llegan al local descubren a cuatros rostros desconocidos en lugar de Minnie y su marido.  Así, Bob (Demian Bichir), el verdugo Oswaldo Mobray (Tim Roth, que está magnífico), el vaquero Joe Gage (Michael Madsen) y el general confederado Sanford Smithers (Bruce Dern, impresionante trabajo el que realiza) también esperarán al final de la tormenta, provocándose grandes tensiones entre los ocho huéspedes.

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Con este argumento arranca la última película de Quentin Tarantino, que como viene siendo habitual él disfruta al máximo con la parte más violenta de la película, algo que es “marca de la casa”.  Son prácticamente tres horas de una historia con tintes de novela negra, claustrofóbica y con unos diálogos brillantes (Tarantino es un gran guionista, no lo olvidemos).  Todo ello y la nómina de magníficos actores con los que cuenta, hacen de Los odiosos ocho una película que hay que ver casi obligatoriamente.

No puedo negar que me horrorizó la forma, profundamente machista, con la que Tarantino define el personaje interpretado por Jennifer Jason Leigh (que sale vapuleada, golpeada, ninguneada y humillada por casi todos los hombres de la película).  No es sólo mi opinión, me consta que esto ha ocasionado innumerables protestas en grupos y asociaciones femeninas que luchan por los derechos de la mujer y contra la violencia de género. 

Volviendo a este proyecto de Tarantino, en lo meramente cinematográfico, hemos de recordar que su evolución se produjo de un modo tremendamente convulso. Primero vino la filtración a Internet del guión de Los odiosos ocho después de que el director descartase el proyecto. Se creía que esta historia, que había sido concebida originalmente para ser una secuela de Django Desencadenado en forma de novela, podría ser adaptada a una obra teatral con los actores adecuados. Pero después de su filtración se realizó una lectura en vivo del guión por parte del director con la presencia de la mayoría de actores del reparto, con la que se cambió de idea y decidió llevar el libreto adelante.

La fotografía de esta película es espectacular, cobijada y favorecida por los paisajes nevados de Colorado, rodados en 70 mm.  Pero lo que más me ha gustado de esta última película de Tarantino ha sido la innegable influencia que tiene de la reina de la novela negra, la escritora británica: Agatha Christie. Ocho personajes encerrados en una taberna y un misterio. Puede parecer extraño mencionar a Agatha Christie y Quentin Tarantino en la misma frase, pero no es la única novela de la escritora que genera un microcosmos humano en un espacio sin salida. Asesinato en el Orient Express es otro buen ejemplo. Hay hasta diez adaptaciones de cine y televisión de su obra más famosa. Sin embargo, Diez negritos  es la favorita del director y en la que se encuentran más semejanzas. Por ejemplo, el ambiente exterior nevado, algunos métodos de asesinato y un guiño directo en la escena de créditos en las que aparece una cruz en primer plano mientras los personajes se dirigen a la mansión remolcados por caballos.

Los odiosos ocho es, en definitiva, una película más del puro cine de entretenimiento, estilo Tarantino total, que gustará mucho a sus fans y hará pasar una tarde o noche de cine agradable a quienes por curiosidad vayan a verla.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

El “Tsunami”: PALMERAS EN LA NIEVE, por Yolanda Aguas

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Permítanme la broma de llamar “tsunami” a la respuesta popular que ayer protagonizó el público juvenil (femenino en su mayoría) con la visita de los protagonistas (Mario Casas, Berta Vázquez y Alain Hernández), el director Fernando González Molina y la autora de best seller, la escritora aragonesa Luz Gabás a la Universidad de Zaragoza.   Se celebraba la sesión 147 del ciclo “La Buena Estrella”, que dirige el profesor universitario, periodista y escritor Luis Alegre.

Normalmente, cuando vamos a las ruedas de prensa del ciclo “La buena estrella” solemos estar unos cinco o seis periodistas.  Algunas veces, vienen las cámaras de televisión locales, pero no sucede siempre.  Son encuentros muy bonitos y agradables que se desarrollan con una atmósfera casi familiar.  Naturalmente, eso facilita que las entrevistas sean también muy cálidas con los protagonistas de otras películas que vienen a compartir con nosotros (y con el público que asiste luego al coloquio) sus vivencias durante el rodaje y posterior estreno de la película.

Ayer viernes 15 de enero, y debido al apabullante éxito de taquilla de “Palmeras en la nieve” (no olvidemos que está recaudando más que la todopoderosa Stars Wars), todas las previsiones de asistencia de público (y prensa) se desbordaron como un tsunami.

Como algo excepcional, para acceder al coloquio que se iba a celebrar por la tarde en el  Aula Magna  se habían habilitado unas invitaciones disponibles a las 9.00 horas del mismo viernes, en conserjería del Paraninfo. Desde las 7.00, ya aguardaba gente para retirar la entrada y en poco más de diez minutos se habían agotado. Cuatro horas antes del inicio del coloquio, una larga fila en el interior del Paraninfo daba cuenta de la expectación que desata el protagonista de “Palmeras en la nieve”: el actor Mario Casas.

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Durante el encuentro con los periodistas, los actores, el director, Fernando González Molina, y la escritora han ido expresando sus sensaciones ante el éxito que está obteniendo la película (que cuenta con un presupuesto brutal de 10 millones de euros) y las vivencias de un rodaje que resultó ser difícil. “Nos ha supuesto un desafío a todos los niveles. Más que un actor o una actriz lo que interesa es el concepto de película, la historia. Pero trabajar con Mario es siempre una satisfacción porque es un actor que se entrega mucho a cada uno de los personajes que interpreta.  Esta es nuestra cuarta película juntos. En realidad, hemos crecido profesionalmente, de forma paralela.  El boca a boca está funcionando, eso es indudable, y estoy muy feliz que la película logre emocionar tanto al público”.

Para Luz Gabás la película “es el complemento perfecto del libro”. La escritora confesó que son tres las veces que ha visto el filme y que cada vez descubre un detalle nuevo, y bromeando dijo “está cargada de pequeños gestos, la próxima la voy a ver sola para disfrutarla al completo”.  Comentó que la primera vez que vio la película en Madrid estaba demasiado “tensa y abrumada”, que la juzgó más que la disfrutó, y que fue en la segunda ocasión en el estreno, cuando realmente se metió en la película con la que está encantada. Reconoce que en un largometraje no caben todas las escenas y detalles de un libro, pero entiende que la película sí que refleja toda la esencia de la historia: “De un libro se pueden hacer muchas interpretaciones, pero creo que Fernando ha hecho una interpretación muy atinada que comparte el 90 % de los lectores”.

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Mario Casas señaló que “Soy de esos actores metodistas que cuando me meto en un papel, mi yo real se adapta a él en mi día a día fuera del rodaje, lo vivo con mucha intensidad. Siempre me dice mi hermana que sigo el método inconscientemente porque empiezo a cambiar mi vestuario y mi forma de ser para interpretar al personaje. Me encanta mi profesión, me siento afortunado por trabajar en lo que amo y supone un proceso vital para mí. Amo esta profesión por encima de todo, y aunque me acusen a veces de hacer siempre películas comerciales, yo trabajo para llevar el cine a mucha gente”.

Alain Hernández y Berta Vázquez también han comentado lo orgullosos que se sienten del resultado. Vázquez reconoció que la película le ha cambiado la vida y que ha pasado de ser una chica normal a convertirse en actriz. “No hubo un día negativo en todo el rodaje, incluso cuando no me tocaba grabar quería estar observando la magia que suponía hacer una peli de estas características. Trabajar en esta película ha sido un sueño para mí. Nunca se me pasó por la cabeza ser actriz y es maravilloso, por muchos motivos, que Palmeras en la nieve haya sido mi primera experiencia como actriz”.

“Palmeras en la Nieve”, que está nominada a cinco premios Goya, la protagonizan Mario Casas, Adriana Ugarte, Macarena García, Alain Hernández, Berta Vázquez, Emilio Gutiérrez Caba, Djedje Apali, Daniel Grao, Fernando Cayo, Celso Bugallo, Petra Martínez y Laia Costa. Se trata de la producción española de mayor presupuesto en los últimos años, rodada en castellano entre Colombia, Huesca y Gran Canaria, donde se han construido espectaculares escenarios para recrear los parajes naturales existentes en Guinea Ecuatorial. Se rodó a lo largo de catorce semanas empleando a más de 70 actores, más de 250 técnicos y más de 2.200 extras, cifras que convierten a Palmeras en la Nieve en la producción de habla castellana más grande de los últimos tiempos.

Un rodaje extremo, tanto en Colombia en una zona de guerrillas hace cinco años a la que sólo podían acceder en barcas, como en Benasque, donde la nieve complicó el trabajo.

La historia cuenta cómo el descubrimiento accidental de una carta olvidada durante años empuja a Clarence (Adriana Ugarte) a viajar desde las montañas de Huesca a Bioko para visitar la tierra en la que su padre Jacobo (Alain Hernández) y su tío Killian (Mario Casas) pasaron la mayor parte de su juventud, la isla de Fernando Poo. En las entrañas de un territorio tan exuberante y seductor como peligroso, Clarence (Adriana Ugarte) desentierra el secreto de una historia de amor prohibido enmascarado en turbulentas circunstancias históricas cuyas consecuencias alcanzarán el presente.

Tras la rueda de prensa, el público se divirtió mucho durante el coloquio con los protagonistas de la película, que asistieron también a la proyección en la Sala 4 de los cines Palafox de Zaragoza.

Nunca un tsunami ha hecho feliz a tanta gente…

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

CLOUDS OF SILS MARIA (Dir. Olivier Assayas), por Yolanda Aguas

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Es conveniente disfrutar del recuerdo de la gran película “Eva al desnudo” (All About Eve) de Josep L. Mankiewicz, de sus magníficas actrices (Bette Davis y Celeste Holm) y de esos inolvidables personajes (Margo Channing y Eva Harrington – este último interpretado por Anne Baxter- ) y hacerlo sin caer en la tentación de hacer comparaciones con la película (extraordinaria también) de Olivier Assayas. Digo esto porque la tónica general en muchos de los compañeros que han escrito sus críticas dedicadas a Viaje a Sils María, ha sido caer en ella (como – por otra parte – era lógico y comprensible).

La única similitud entre ambas películas es la constatación, una vez más, de la ambición y falta de respeto que una joven actriz puede mostrar ante otra madura y ya consagrada. En la película de Olivier Assayas se tratan muchos más temas: la lealtad, la memoria afectiva, el miedo, la soledad, la humildad, la serenidad, la aceptación de la madurez, el amor…  Clouds of Sils Maria  es una película suprema.

Maria Enders es una actriz madura a la que le ofrecen un papel en una obra que protagonizó veinte años atrás. Lo hará con una joven promesa controvertida en su vida social, mientras que Enders ensaya con reparo al recordar viejos tiempos dolorosos.

Presentada en Cannes y nominada a seis premios César, Clouds of Sils Maria es una película de producción francesa con unas extraordinarias interpretaciones. En primer lugar, Juliette Binoche es la absoluta protagonista y nos ofrece un personaje que le viene como anillo al dedo al encarnar a una mujer madura, una actriz que se mueve entre lo más alto, siendo capaz de elegir papeles, realizando sesiones de fotos en hoteles y luciendo vestidos de primera marca, detalles que son creíbles por ser ella una gran actriz. La acompaña Kristen Stewart quien está magnífica en su papel, mucho mejor que en otras ocasiones. En este caso es Valentine, jefe de prensa, asistente y confidente de Enders (Binoche), una chica que lo comparte todo con ella y a la que ayuda en sus sesiones de ensayo. En tercer lugar aparece la joven estrella Jo-Ann Ellis, interpretada por Chloë Grace Moretz. Ella interpreta a una promesa de Hollywood, salida de películas de superhéroes y con una vida social bastante tumultuosa.

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Clouds of Sils Maria tiene como base la historia de una antigua obra que interpretó el personaje de Juliette Binoche veinte años atrás. Ella era Sigrid, una joven activa que le provocaba el suicidio a Helena, una mujer posesiva y pasiva. Ahora, tras la muerte del escritor amigo de la obra, un director de moda decide contar con ella para una nueva versión más actualizada pero ofreciéndole el papel de Helena, la mujer madura que se ahoga en sí misma. Ella es reticente por el cariño que le tiene a su primer papel y porque una amiga suya que interpretó a Helena falleció por suicidio en la vida real. Es ahí cuando viaja a Sils Maria, una hermosa zona de Suiza donde el escritor de la obra y amigo de María falleció contemplando la hermosa vista de la “serpiente de Maloja”, una inmensa nube que entra en el valle en ciertos momentos otorgando una vista impresionante.

En el viaje a Sils Maria, se encuentra con la viuda del escritor fallecido, interpretada por la actriz alemana Angela Winkler (inolvidable actriz del Nuevo Cine Alemán, y protagonista de obras cumbre de esa etapa cinematográfica: El honor perdido de Katharina Blum (Dir. Volker Schlöndorff y Margarethe von Trotta), El tambor de hojalata (Dir. Wolker Schlöndorff), Locura de mujer (Margarethe von Trotta)y muchas otras, y que tiene también una importante trayectoria teatral).

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El encuentro (y todas las escenas junto a Juliette Binoche) muestra una complicidad entre ambas que va más allá de sus respectivos papeles en la película.  Observo algo que emociona: el respeto que Binoche muestra ante Winkler, el reconocimiento que hace una gran actriz  a otra, y que sin duda es consecuencia de la profunda inteligencia y sensibilidad de una mujer (Binoche) que está por encima de los aspectos banales que la fama puede traer.  Si no se han fijado…  háganlo, esas miradas de Binoche a Winkler son hermosas y hacen creer que no todo está perdido.

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Olivier Assayas es un experto al ofrecernos en dos actos cómo una actriz se reinventa y trata de amoldarse a lo que toca: la edad, el paso del tiempo… el suyo.  La película es brillante precisamente porque en ella hay varias conclusiones que sacar y porque precisa de la complicad del público.

Destacamos el instante donde Valentine, que no se ve tan valorada por María, llega a entender la presión y la angustia de la actriz, por lo que decide por su cuenta hacer de Helena marchándose sin decir nada, simplemente para que María vuelva a ser Sigrid por una última vez.  Es más una despedida que un abandono… aunque podría interpretarse de muchas formas y todas, seguramente, serían acertadas.

El epílogo nos muestra un momento despiadado cuando el personaje de Binoche le comenta un detalle sobre la obra a Moretz, quien creía que a pesar de su edad y sus fiestas, parecía una persona con cierto sentido común, pero comprende que el éxito y el protagonismo le sobrepasan, por lo que acepta su nuevo rol como una muestra de madurez y aceptación del nuevo momento que le toca vivir (maravilloso y emocionante plano final de Juliette Binoche, grande entre las más grandes actrices de la Historia del Cine).

Viaje a Sils María es una de las mejores películas que he visto a lo largo de mi vida.  Es hermosa, exigente, dura, emocionante, despiadada… es, en definitiva,  un fiel reflejo de lo que es la vida.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

EL MUNDO ABANDONADO (Dir. Margarethe von Trotta), por Yolanda Aguas

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Tengo como uno de los recuerdos más bonitos de mi actividad profesional, como crítica de cine y teatro, el encuentro que tuve en París con Margarethe von Trotta.  Fue en su domicilio parisino, en Pigalle, muy cerca también de la casa de Jean-Claude Carrière -con quién me crucé en la calle al terminar la entrevista con Von Trotta-.

Fue muy generosa al dedicarme casi tres horas de conversación.  Hablamos de toda su trayectoria hasta ese momento, era 1996, como actriz, directora de cine y de ópera.  Aquellos días estaba de lleno en la promoción de su película “La promesa” (Das Versprechen), y preparaba ya el guión de “La calle de las rosas” (Rosenstraße).

Mujer y directora de cine comprometida con todo lo relativo a la lucha y reivindicación por los derechos de la mujer, no olvidemos sus extraordinarias películas: “Hanna Harendt” (2012) y “Rosa Luxemburg” (1986), nos presenta estos días su última película “El Mundo Abandonado” (“Die abhandene Welt) una historia muy personal: la narración de cómo encontró a una hermanastra oculta, un secreto del que su madre jamás le habló.

Cuando Margarethe von Trotta estaba preparando “Las Hermanas Alemanas” (“Die bleierne Zeit”), que se estrenó en 1981, sentía una extraña necesidad por hacer películas sobre la relación entre dos hermanas, a las que en su imaginación llamaba Ana y María.  Recordamos que con “Las hermanas alemanas”, obtuvo el León de Oro del Festival de Venecia y una mención especial en la SEMINCI de aquel año.  Ésta es su cuarta película sobre hermanas pero, en realidad, la tenía en mente desde que unos meses después de estrenar en 1979 “Las hermanas, o el balance de la felicidad” (“Schwestern oder Die Balance des Glücks”), tras recibir una carta de una mujer que quería contarle cosas de su madre recién fallecida.

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Aquella mujer, que le contaba muchas cosas de su madre, quería hacerle algunas preguntas. Para Von Trotta fue un shock enorme cuando quiso conocer a aquella que decía ser su hermanastra y que se parecía terriblemente a su madre, más que ella. “Mi madre nunca me había dicho nada y estábamos muy unidas; mi padre había muerto cuando yo tenía 10 años y se suponía que nos lo contábamos todo, bueno  yo le contaba todo y esperaba que ella también me lo contara, sobre todo algo tan importante. Las mentiras están por todas partes y todos mentimos con una cierta banalidad, pero cuando te toca a ti duele. Y mucho”.

Y de la historia de esta hija oculta, que nació 15 años antes que Margarethe, surgió “El Mundo Abandonado”, una ficción que Von Trotta centra en la curiosidad de un padre que descubre en internet a una cantante de ópera que es idéntica a su esposa fallecida hace un año; como él es incapaz, le pide a su única hija, cantante de jazz fracasada y abandonada por su novio, que la busque y averigüe. “Todo los detalles que se cuentan en la película son reales, salvo que ni mi hermana ni yo somos cantantes”, cuyo momento favorito de la película, por real precisamente, es cuando a Sophie (Katja Riemann) se le caen las lágrimas al observar a Caterina (Barbara Sukowa), porque es idéntica a su madre muerta.

Pero la música tiene mucha más importancia en la película, porque el título cita al verso “He sido abandonado por el mundo”, de una de las canciones de Friedrich Rückert a las que Gustav Mahler puso música, y también porque Von Trotta quería hacer un homenaje a sus dos actrices “fetiche”, especialmente Barbara Sukowa (su alter ego). “Barbara, que trabaja conmigo por séptima vez, lleva 30 años cantando música clásica; el único momento en que está doblada es cuando interpreta la ópera ‘Norma’, pero el resto es ella, y Katja tiene un grupo de jazz hace quince años”. Por otro lado, la madre de Margarethe tenía Alzheimer, igual que Rosa, el personaje de la mujer que crió a la hija oculta, por lo que “con una madre muerta y la otra sin memoria, aquel secreto de esas amigas que se quisieron hasta la muerte también vivía en ‘un mundo abandonado’, en el caso de una, y abandonada por el mundo, la otra”.

“El mundo abandonado” es una película que habla de la amistad de dos mujeres.  Tema al que siempre vuelve la gran directora alemana, no podemos olvidar “La Africana” y, muy especialmente, “Locura de mujer”, protagonizada por Hanna Schygulla y Angela Winkler.

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NOTA: Las fotografías oficiales de “El mundo abandonado” insertadas en este artículo, son propiedad de su autor.

 

 

SUFRAGISTAS (Dir. Sarah Gavron), por Yolanda Aguas

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Fue en 1984 cuando el director James Ivory dirigió “Las bostonianas”, película que narraba, en la sociedad victoriana del siglo XIX, la historia de Olive, una militante sufragista de Nueva Inglaterra interpretada por la siempre insuperable Vanessa Redgrave.  Era la cruzada de esa mujer que emprende la educación de Verena, una ingenua joven, cuyo padre es un curandero que la exhibe por sus grandes dotes de oradora. Olive desea poner a Verena al servicio de la causa feminista. Verena también despierta sentimientos amorosos en el joven Basil Ransome, un abogado de escasos recursos, procedente del Mississipi, donde las opiniones que triunfan son exactamente opuestas al Movimiento feminista de Boston.

Desde entonces, y aunque parezca sorprendente, en muy escasas ocasiones (por no decir ninguna, ya que existen documentales) se había hablado de la lucha que unas valientes mujeres británicas protagonizaron para conseguir el derecho al voto femenino.

Llega ahora a nuestra pantallas la película “Sufragistas” de la mano de la directora Sarah Gavron y con Carey Mulligan, Helena Bonham-Carter y Meryl Streep en los papeles principales (aunque ésta última, Streep, realiza una colaboración de lujo).

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La película narra la historia de la valerosa lucha de las sufragistas inglesas en los albores de la Primera Guerra Mundial. La mayoría de estas mujeres no venían de clases altas, sino que eran mujeres trabajadoras que veían cómo sus protestas pacíficas no servían para nada. Radicalizadas y volviendo su lucha cada vez más violenta, estaban dispuestas a perderlo todo en su búsqueda incansable de la igualdad: sus trabajos, sus casas, sus hijos y sus vidas. Principalmente, la película se centra en la historia de Maud (Carey Mulligan), una de estas valientes mujeres, que luchó por la dignidad de las mujeres y por su derecho a poder votar.

No es un drama de época nostálgico, que celebra discretamente lo lejos que han llegado las mujeres, sino un impactante recordatorio de los sacrificios que hicieron las sufragistas y de lo lejos que aún tienen que llegar las mujeres en su lucha por la igualdad. La película muestra las acciones que llevaron a cabo estas mujeres y sugiere el maltrato que recibieron de la policía y de ciertos grupos sociales.

La labor de las sufragistas se detuvo con la Primera Guerra Mundial. Emmeline Pankhurst (Meryl Streep) aceptó apartarse de sus actividades y ayudar al Gobierno a cambio de que liberasen a todas las mujeres encarceladas. Cuando finalizó el conflicto, en 1918, volvió a su lucha. Viajó a EE.UU. cuando se aprobó allí el derecho al voto de las mujeres y fundó el Partido Conservador.  En 1928, poco antes de morir, vio cómo se conseguía el sufragio femenino en su país.

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Meryl Streep, que ha dicho que esta es una historia “que todas nuestras hijas deberían conocer y todos nuestros hijos deberían grabar en su corazón”, interpreta a Emmeline Pankhurst, líder de la Unión Política y Social de las Mujeres (WSPU), cuyo lema era “hechos, no palabras”. Este grupo apostaba por la acción frente a las moderadas de la Unión nacional de Sociedades de Sufragio Femenino (NUWSS) que insistían en sus reuniones y mítines y se oponían a la rebelión.

La película habla también de  la lucha de clases, mostrando las duras condiciones en las que trabajaba la clase obrera en las fábricas sin apenas protección alguna.  Uno de los aciertos de esta película es no caer en la simpleza de presentar a los hombres como “el enemigo”.  Ni todos los hombres son malos ni todas las mujeres son heroínas.  Gayron acierta de pleno en el tratamiento que da en esta relación hombres-mujeres.  Es una dirección muy al estilo “británico” sin que eso signifique nada peyorativo.

Película necesaria, por su mensaje y por mantener siempre presente la memoria histórica, no tan lejana, que es fundamental en el necesario progreso hacia la igualdad.

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