Texto: Francesc Mazón Camats

AD ASTRA: HIJOS Y PADRES

La aplastante sombra edípica que recorre casi toda la carrera de James Gray, desde su deslumbrante inicio en “Little Odessa“ hasta este “Ad Astra” espectacular y profundo filme, parece un tema recurrente y obsesivo.

Cerrando casi la temporada, en espera de los premios, habitualmente erróneos o discutibles, volvamos  a este film que debería ser la confirmación de su indiscutible talento y personalidad, hasta ahora ninguneada en su país y aclamada en Europa, especialmente en Francia.

Su film más caro y de acabado perfecto, gracias al apoyo de la productora de Brad Pitt (que produjo pero renunció a protagonizar su anterior maravilla “The Lost City of Z“) ofrece a este actor, un niño envejecido, su mejor trabajo hasta la fecha, lejos del histrionismo del considerado su cénit en “12 Monos”.

Peter Pan se ha hecho mayor, su rostro tan americano de eterno joven, similar al de Keir Dullea, el protagonista de 2001, ahora ligeramente ajado que expresa desde un estricto control, una profunda melancolía, algo perdido en su infancia y ya irrecuperable.

Desde la introspección, con un profundo soliloquio, la voz de su alma oculta bajo la frialdad inamovible de un astronauta. Le espera un largo viaje hacia el límite de nuestro sistema solar, amenazado por un oscuro, apocalíptico desastre, provocado por un padre desaparecido hace lustros. En realidad La Odisea cósmica, de un Telémaco que debe encontrar a su padre para destruirlo. Edipo al encuentro de Ulisses, con el fondo del Conrad del corazón de las tinieblas.

De nuevo un largo viaje al fondo de la noche, aquí dual: viaje al interior de un hombre herido, bloqueado y solitario, un autista emocional; viaje al límite de nuestro mundo conocido, a un universo oscuro, inmutable e indiferente a nuestras cuitas.

El film y su viaje planteado en cuatro Fases/etapas : el prólogo, la primera caída casi mortal del protagonista, en una base del límite exterior de nuestra atmósfera, fascinante.Un segundo viaje a una base lunar ya colonizada, donde un guía, antiguo compañero de su padre, perfecto Donald Sutherland (Dante y Virgilio en el infierno lunar ) desvelará su oculta misión, antes de ser atacados por piratas o secuestradores lunares, nueva caída en un cráter de la cara oculta de la luna. El protagonista pierde a su guía como en La Divina Comedia, tensión y ritmo impactantes.

Un nuevo y quizás definitivo viaje a los confines de nuestro sistema solar, con una primera escala en Marte, el planeta rojo de nuestras lejanas e infantiles pelis de marcianos. Ahora  presentado como un árido planeta, cercano a los desiertos míticos del cine, los westerns del maestro Ford, el terrible escenario final de Avaricia de Stroheim, lejano ya el Zabriskie Point del amor libre y plural. En una nueva base  humana, subterránea y claustrofóbica, una guía ahora figura maternal, Ruth Negga, magnífica, expresará la añoranza de una marciana por el planeta tierra que apenas conoció, en un hermoso monólogo antes de liberar a nuestro hombre/niño. A través de un angustioso alcantarillado hasta un mar subterráneo de aguas amnióticas, el héroe ahora perseguido consigue acceder a un fálico cohete que lo llevará a su destino último (los paralelismos con el viaje o caída psicodélica final de Keir Dullea, son evidentes, su significado, no.  Allí metafísica y abstracción, aquí una humanidad herida y confusa).

Más allá de Júpiter (el Zeus romano, el dios/padre) alcanzará Neptuno, el astro oscuro, el dios enloquecido que devoraba a sus hijos, todo esta parte del viaje, casi en solitario, es de una riqueza y fascinación visual impactantes.

Llegamos al final, emocionante, espléndido. El reencuentro de hijo y padre (magnífico e impecable Tommy Lee Jones), un Ulisses envejecido, casi ciego, decrépito y un Telémaco, exhausto y anhelante.

Un solo plano magistral, podría cerrar el film, padre e hijo unidos por un cordón umbilical, flotan en un espacio oscuro, hostil e indiferente.

Nos espera un final impecable, que nos lleva a las lágrimas… en mi humilde opinión, el film del año.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Texto: Yolanda Aguas

2003, mientras los politicos británicos y estadounidenses maniobran para invadir Iraq, la traductora del GCHQ (Cuartel General de Comunicaciones del Gobierno Británico) Katharine Gun (Keira Knightley) filtra un e-mail clasificado que urge a espiar a miembros del Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas para forzar una resolución para ir a la Guerra. Acusada de romper el Acta de Secretos Oficiales y enfrentándose a prisión, Katharine y sus abogados están determinados a defender sus acciones. Con su vida, su libertad y su matrimonio amenazados, Katharine deberá luchar por lo que cree.

Secretos de Estado es una película que combina el drama judicial, los filmes sobre exclusivas bomba lanzadas por un periódico y la tensión de un thriller político. El foco no se aparta en ningún momento de la verdadera protagonista, Katharine Gun, a quien da vida una estrella del cine británico: Keira Knightley.

Por tanto, destaca la iniciativa en soledad de esta ciudadana anónima que lleva a cabo un gesto de valentía sin tan siquiera contar con una red de apoyo que la ampare. El hecho de que la historia de Gun sea poco conocida entre las audiencias no británicas juega a favor de la tensión que genera la película. El proceso de concienciación de la protagonista para filtrar el correo, el suspense hasta que el diario The Observer decide publicarlo y las consecuencias posteriores acaparan toda la atención del espectador. El director, Gavin Hood, ha realizado un thriller político de aires clásicos que otorga el protagonismo a un nuevo tipo de héroe.

Sin llegar a destacar como ejercicio cinematográfico, brilla en el apartado de intérpretes. Además de una Knightley muy contenida, la película cuenta con las aportaciones de Matt Smith, Indira Varma, Rhys Ifans y, principalmente, Ralph Fiennes en el papel del abogado defensor Ben Emmerson.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Texto: Yolanda Aguas

Fue la película mejor recibida en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde recibió premios importantes del Jurado de la Sección Oficial.  También ganó el Premio FEROZ Zinemaldia otorgado por los socios de la AICE acreditados en el festival.

Es el tercer largometraje dirigido al alimón por Garaño, Arregi y Goenaga. Con los dos anteriores, Loreak (2014) y Handia (2017), conquistaron a la Academia rodando en euskera y ahora buscan el triplete en castellano. Eso sí, un castellano con acento desde lo más profundo de Andalucía.

El repunte del fascismo en toda Europa, obliga a revisar y revisitar nuestro pasado más reciente. Quizá por este motivo es necesario que nos lleguen películas como ésta. La trinchera infinita presenta una historia demasiado cercana en el tiempo.  Jon Garaño, Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga confían a Belén Cuesta el personaje de Rosa, que lleva pocos meses casada con Higinio cuando estalla la Guerra Civil. La vida de él, un concejal de izquierdas interpretado por Antonio de la Torre, de inmediato pasa a estar seriamente amenazada por parte del bando nacional. El miedo a las posibles represalias, así como el amor que sienten el uno por el otro, les condenará a un encierro físico y emocional que se prolongará durante más de 30 años.

Los 147 minutos que dura la película son excesivos.  El público es capaz de empatizar con el personaje de Higinio, no es necesario verle “en la trinchera” durante tantos y tantos minutos.  Esas escenas se podían acortar en media hora.

Muy bien el diferente proceso de vivir esos años en el matrimonio protagonista: Rosa ve mutar el mundo de afuera, mientras que su marido se queda anclado en el ideario del día que arribó la Guerra Civil a su pequeño pueblo.  Los directores y los guionistas hacen ahí un trabajo medido y ajustado. La distancia entre ellos se hace enorme, conforme se percatan de que la solución provisional ya ha alcanzado las tres décadas. El amor  es lo único que sujeta ese matrimonio.

Nueva gran actuación de Antonio de la Torre.  Sobresaliente también la música de Pascal Gaigne y la fotografía de Javier Agirre Erauso.

Una gran película que hubiera sido mejor con media hora menos de metraje.

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Texto: Yolanda Aguas

Tanto Gi Taek (Song Kang Ho) como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo (Choi Woo Shik), empieza a dar clases particulares en casa de Park (Lee Sun Gyun), las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados imprevisibles.

Una vez que hemos visto esta gran película, no es extraño el gran interés que despertó en el pasado festival  de Cannes y menos aún que le otorgaran la Palma de Oro.  Estamos probablemente ante una de las mejores películas del año.

Con  Parásitos (Gisaengchung), Joon-ho Bong vuelve a su país de origen tras las coproducciones internacionales Okja (2017) y Snowpiercer: Rompenieves (2013), donde ya demostró su capacidad de simbiosis con los distintos lenguajes cinematográficos, especialmente en lo que a la trama se refiere.

La propia escenografía de la película, mimada por la fotografía de Kyung-Pyo Hong al compás de la música de Jaeil Jung, establece una impresionante riqueza de contrastes escénicos en donde la miseria se cruza en el camino de la opulencia, para gestionar sus propios instrumentos de supervivencia.  Escénicamente, la película es una maravilla.

Podemos afirmar que se trata de un cine social que consigue atrapar al espectador de principio a fin. No esperen un final cerrado, ya que la vida tampoco lo es.  Vida y sociedad están en constante movimiento.

La película habla de temas universales como la ambición, las mentiras, los fantasmas que cada ser humano lleva en su mochila personal.  No es una película amable.  Todo está mostrado sin tapujos, como en un escaparate.

Por momentos nos recuerda series británicas en las que las clases sociales quedan muy bien retratadas, tipo “Arriba y Abajo”.  Todo ello acompañado por un gran guión, muy brillante y muy sólido.

¡Ánimo y vayan a verla¡  El metraje en esta ocasión vale la pena.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Texto: Yolanda Aguas

Se estrenó hace unos días la última película del director y productor Gerardo Herrero.  Protagonizada por Aura Garrido y Maribel Verdú, esta película está destinada para pasar un rato entretenido, sin más.

Con buena intención inicial, la película cae inmediatamente en lo previsible y facilón

Las dos actrices protagonistas interpretan a Carmen y Eva que forman equipo para intentar resolver un extraño caso.  Crímenes que están relacionados con unos grabados de Goya, los Caprichos, por cuya propiedad se enfrentan a muerte fanáticos del arte que están dedicados a las subastas.  Uno de esos fanáticos, el más loco de todos, forma con los cadáveres que colecciona escenas de los Caprichos.

Con este guión, que podía ser interesante a priori, se inicia la película.  A ello se añaden las personalidades de cada una de las inspectoras y sus problemas personales (especialmente el drama en su personalidad que soporta el personaje de Maribel Verdú).

La película falla en su tramo final, su desarrollo y solución no convencen.

Destacar, únicamente, el trabajo de Aura Garrido.  Ella es lo mejor de la película, demostrando una vez más que es la mejor actriz de su generación.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Texto: Yolanda Aguas

Gatsby Welles (Timothée Chalamet) y Ashleigh (Elle Fanning) son una joven pareja enamorada de universitarios que se dispone a pasar un fin de semana en la ciudad de Nueva York. Ella va a entrevistar al reconocido cineasta Roland Pollard (Liev Schreiber), que pasa por un momento de crisis creativa, y durante su azarosa aventura conocerá al cautivador actor Francisco Vega (Diego Luna). Por su parte, Gatsby también conocerá a una joven, Chan (Selena Gómez), que le ayudará a poner en orden sus sentimientos. El lluvioso fin de semana estará plagado de encuentros, desencuentros y equívocos.

Contra su voluntad, evidentemente, Woody Allen ha tardado un poco más de lo normal en estrenar su penúltima película (la última, como saben, es la que rodó en San Sebastián durante el verano pasado). En los últimos años, el maestro ha creado películas con resultados diferentes.  Obras maestras como Match Point y Medianoche en París, y otras que no están en lo mejor de su filmografía.  Con todo, no debemos olvidar que también está esa joya titulada Blue Jasmine con la impecable e inolvidable interpretación de la gran Cate Blanchett (Oscar como Mejor Actriz Protagonista).

Día de lluvia en Nueva York tenía que haberse estrenado en 2018, pero al menos hemos podido disfrutar con este nuevo título de Woody Allen y con la ciudad de sus amores, Nueva York.  La película es indudable que está escrita y dirigida por el realizador neoyorkino.  La atmósfera es puro Allen.

En cuanto a los actores ya es otro tema.  La “estrella emergente”, Timothée Chalamet, sigue con sus mismas carencias interpretativas de siempre.  Ya conocen mi opinión, lo repito siempre que hablo de alguna de sus películas.  El resto del reparto no brilla a pesar de contar con unos diálogos tan brillantes como todo lo que escribe Woody Allen.

Lo mejor: Nueva York y la hermosa fotografía del maestro Vittorio Storaro.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.