LAS CONSECUENCIAS: Islas como nosotros

Texto: Francesc Mazón Camats

Fotografias: son propiedad de la/s productora/s de “Las consecuencias” de Claudia Pinto

Segundo film con la dirección de Claudia Pinto y como su debut “La distancia más larga”, de nuevo magnífica utilización de un paisaje singular como expresión de los sentimientos y en este caso la inestabilidad mental de sus protagonistas. Aquí la isla (de hecho son varias) volcánica de una belleza fascinante y terrorífica, en medio de un océano siempre amenazador.

El prólogo en unas profundidades submarinas como abismos, presenta un accidente mortal, la protagonista (una esforzada, intensa pero algo hierática Juana Acosta) inicia un duelo traumático que parece superponerse a una amenaza oculta en el seno familiar.

Una espléndida fotografía de Gabriel Guerra (casi un blanco y negro en color) grises, azules y negros omnipresentes, playas de arena negra, ríos de lava pétreos, acantilados grises y escarpados donde se abren grutas y pequeños poblados aparentemente abandonados y el mar omnipresente, en este marco abrupto, los protagonistas, una familia disfuncional y gravemente herida/perturbada, como náufragos a la deriva, van a intentar sobrevivir.

Un guión sobrecargado que acumula un peso excesivo en unos pocos personajes y deja a otros (la hermana y la madre) en cierta indefinición, una amenaza lúgubre y reiterativa en su parte central, son los desajustes de este ambicioso y arriesgado film. Estamos en territorio Bergman “Como en un espejo” 1961 una isla, una mujer perturbada y un círculo familiar de hombres. Padre, hermano y marido/psiquiatra no evitarán la caída en la locura de Karin, la protagonista. Oscar al mejor film extranjero… ¿El infantilizado público actual aceptaría la propuesta?

La realizadora planifica sus imágenes con notable habilidad y belleza formal, no busca la postal, más bien avanza hacia una atmósfera de miedo y claustrofobia a cielo abierto, una amenaza interior que el paisaje recoge y amplia.

Claudia Pinto conduce con firmeza a sus intérpretes, todos estupendos, destacando a Alfredo Castro (muy complejo y difícil personaje), la debutante María Romanillos (perfecta y agresiva naturalidad) y la veterana, fascinante Carme Elias (una máscara trágica) evitando siempre el desparrame melodramático.

El último y mejor tercio del film está conducido por la madre y esposa abandonada, magnífica Carme Elias, de una elegancia innata, confiere a su personaje una densidad trágica hecha de silencios. Pandora poseedora de todos los secretos, quizás intuye que liberarlos no conducirá a la deseada catarsis, tampoco el ajusticiamiento del monstruo patriarcal,  el nudo de perversiones. Conducido el film a la sombra de la tragedia griega La Orestiada

Orestes y Electra no evitan su fatalidad, el primero contaminado por la destrucción, víctima de las Furias (sus furias), Electra y su luto/duelo serán eternos, condenada al enclaustramiento…

Atención a los presurosos, después del fundido en negro, un último y terrible plano final, las tres mujeres sentadas frente al mar, negro, profundo y amenazador. Aisladas, la cámara retrocede… el mar parece a punto de engullirlas.

A modo de epílogo, no olviden que estas páginas se llaman CineT Farö, la isla desolada en el Báltico, refugio y escenario de los films más oscuros y geniales del maestro Ingmar Bergman: “Persona“ 1966 (Máscara en griego) y “La Vergüenza/Skammen“ 1968 (¿apocalipsis?) arriesgadísimas, mal aceptadas en su momento, films de culto fundamentales hoy.

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VIII EDICIÓN PREMIOS PLATINO, 2021 EN MADRID

Texto y fotografias: procedentes de la web oficial Premios Platino.

El olvido que seremos ha sido la coronada como la Mejor Película Iberoamericana de Ficción en la VIII Edición de los Premios PLATINO. Durante la gala celebrada en IFEMA Palacio Municipal de Madrid, el equipo de la película colombiana subió hasta cinco veces a recoger sus estatuillas, alzándose con galardones a la Mejor Dirección de Arte para Diego López, al Mejor Guión para David Trueba, a la Mejor Dirección para Fernando Trueba, a la Mejor Interpretación Masculina para Javier Cámara y a la ya citada Mejor Película Iberoamericana de Ficción.

La producción que adapta la novela homónima de Héctor Abad Faciolince fue una de las protagonistas de la noche, con hasta cinco premios entre ellos para su director, Fernando Trueba, para su actor protagonista, Javier Cámara, que se alzó con la ansiada estatuilla en su tercera nominación, o David Trueba, que tuvo un emotivo recordatorio para Cecilia Faciolince y Palmira Trueba, respectivas madres del escritor del libro original y el guionista de la cinta. Así se reconoce el éxito de la cinta colombiana, que recibió el sello del Festival de Cannes 2020 y fue estrenada en el Festival de San Sebastián, y también ha conseguido el premio Goya a la Mejor Película Iberoamericana, así como la nominación al Premio José María Forqué a la Mejor Película Latinoamericana entre otros reconocimientos.

La gala de la VIII Edición de los premios presentada por Juana Acosta y Luis Gerardo Méndez también premió a las actrices de La boda de Rosa. Y es que tanto Candela Peña, ganadora de su primer PLATINO a la Mejor Interpretación Femenina en su segunda nominación, como Nathalie Poza, ganadora del PLATINO a la Mejor Interpretación Femenina de Reparto; fueron reconocidas por su trabajo en la última película de Icíar Bollaín. La estatuilla a la Mejor Interpretación Masculina de Reparto fue a parar a Alfredo Castro por su papel en la cinta chilena El príncipe.

Entre las producciones televisivas galardonadas, destacó la española Patria, que consiguió 4 premios, entre ellos, el que la coronó como Mejor Miniserie o Teleserie Cinematográfica Iberoamericana. Dos reconocimientos para sus actrices, Elena Irureta a la Mejor Interpretación Femenina en Miniserie o Teleserie Cinematográfica por su papel protagónico –que ya le valió el Forqué en la XXVII edición de los premios-, y Loreto Mauleón, visiblemente emocionada al recibir su estatuilla a la Mejor Interpretación Femenina de Reparto en Miniserie o Teleserie Cinematográfica; y el reconocimiento al Mejor Creador de Miniserie o Teleserie Cinematográfica, novedad en la VIII Edición de los PLATINO, para Aitor Gabilondo; completaron el cuarteto de estatuillas de la ficción basada en la novela homónima de Fernando Aramburu que retrata el conflicto vasco.

Los premios interpretativos de la pequeña pantalla fueron a parar a Andrés Parra, galardonado por su papel en la serie colombiana El robo del siglo con el PLATINO a la Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie Cinematográfica, y a su compañero Christian Tappan, que se alzó con la estatuilla a la Mejor Interpretación Masculina de Reparto en Miniserie o Teleserie Cinematográfica en la segunda ocasión a la que optaba al premio.


DIEGO LUNA, NUEVO PREMIO PLATINO DE HONOR

Uno de los momentos de la noche lo protagonizó Diego Luna, flamante Premio PLATINO de Honor, “un embajador de México y de toda Iberoamérica” según le definió Enrique Cerezo, presidente ejecutivo de los Premios PLATINO, antes de entregarle su estatuilla. Por su parte, Diego Luna destacó el estímulo que supone para él su precocidad al recibir el premio: “Más que un reconocimiento a lo hecho pienso que es un compromiso a lo que está por hacer”. El homenajeado también celebró la tan ansiada reunión de la industria iberoamericana, instando a mirar al futuro con optimismo: “Somos capaces de mucho más, y ahí viene una segunda oportunidad”.
Fue el intérprete español Álex García quien protagonizó uno de los momentos más destacados de la gala, que en el escenario de los PLATINO instó al compromiso por la sostenibilidad para luchar contra la crisis climática. Aprovechó también su tiempo en el escenario para mandar sus mejores deseos a la población de la isla canaria de La Palma, aún afectada por las erupciones volcánicas que se suceden desde hace semanas.
La gala, que pudo verse en televisiones en directo en toda Iberoamérica como como 4 Repetel, ATB, ATV Canal 9, Canal 10, Canal 13, Canal Brasil, Caracol HD2, La Red, Movistar+, RPC Canal 4, RTS, RTVE Play, Somos TV, Telesistemas, TNU, TNT, Trecevisión, TV Azteca, TV Ciudad, TVE, Venevisión o VTV, celebró con escrupuloso respeto de las medidas sanitarias la gran fiesta del audiovisual de habla hispana y portuguesa. Una fiesta en la que hubo tiempo que tuvo lugar en Madrid, un envidiable espacio geográfico que, a través de su capital y de cualquiera de los territorios que recorren la comunidad autónoma, ha sido, es y será uno de los grandes destinos cinematográficos tanto para profesionales que busquen localizaciones como para turistas interesados en viajes de cine.

LOS PLATINO, PUNTO DE ENCUENTRO Y CELEBRACIÓN DEL AUDIOVISUAL

Arropado por grandes nombres del audiovisual iberoamericano, el equipo de Las niñas recibió el PLATINO a la Mejor Ópera Prima de Ficción Iberoamericana, cosechando así un nuevo reconocimiento para la película de Pilar Palomero.

Y es que este retrato generacional de la Zaragoza de los años 90 que fue estrenado en la Berlinale fue la gran triunfadora del Festival de Málaga, consiguiendo la Biznaga de Oro; así como de la XXVII Edición del Premio José María Forqué, en la que fue reconocida como Mejor Película de Ficción o Animación, o en los 35 Premios Goya, alzándose con 4 cabezones, entre ellos a la Mejor película.
La coproducción hispano-chilena El agente topo, nominada al 93 Premio Oscar al Mejor Largometraje Documental, fue la ganadora en la categoría a Mejor Película Documental. La cinta, lazo entre no ficción y película de espías con un detective octogenario encargado de investigar los tejemanejes de una residencia de ancianos, también consiguió el Premio PLATINO al Cine en Educación y Valores, estatuilla que celebra la ternura y enseñanzas que se pueden extraer de una película con una marcada preocupación por los cuidados hacia la tercera edad y que recogió la directora del documental, Maite Alberdi, quien reclamó una mayor atención para la vejez y la necesidad de luchar contra la soledad forzada de ese sector de la población.
Los galardones técnicos de la VIII Edición de los Premios PLATINO fueron a parar a la cinta guatemalteca La llorona, que se alzó con las estatuillas al Mejor Montaje para Gustavo Matheu y Jayro Bustamante, Mejor Dirección de Fotografía para Nicolás Wong y Mejor Dirección de Sonido para Eduardo Cáceres. Por su parte, Aránzazu Calleja y Maite Arrotajauregui, responsables de la partitura de Akelarre consiguieron el premio a la Mejor Música Original que en sus agradecimientos al periodista y crítico cinematográfico español Antonio Gasset, recientemente fallecido. Finalmente, La gallina turuleca fue la producción reconocida como Mejor Película de Animación, poniendo el broche a una noche de ensueño que celebró por todo lo alto el audiovisual iberoamericano.

Los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano, promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales), con FIPCA (Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales) y con el apoyo de las Academias e Institutos de Cine Iberoamericanos, aúnan los grandes talentos de las industrias de los 23 países iberoamericanos, ensalzando a las producciones y a los creadores más destacados de cada año con veintidós galardones y un Premio PLATINO de Honor.

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SUEÑOS DE UNA ESCRITORA EN NUEVA YORK (Dir. Philippe Falardeau)

Texto: Yolanda Aguas

Sueños de una escritora en Nueva York es una autobiografía.
La dirección de arte se propone hacer de la agencia un espacio de fantasía, hay un viaje al pasado mitificante y en cierta manera, la agencia es el espacio mental de Weaver. La editorial es un interior mágico donde se aparecen grandes escritores como Ágata Christie. Los ordenadores están prohibidos, y mientras que el exterior rezuma noventas, el interior tiene una calidad sesentera cálida. También las cartas parecen una ilustración de papel de pared pintado, y el chico de las cartas Théodore Pellerin también tiene ese aire imaginado que le da credibilidad para volverse el amigo invisible, a momentos única compañía de Qualley.

Sueños de una escritora en Nueva York es una inspiradora historia de vocación. La película es reflexiva y delicada, irónicamente perfecta para ver con tu gato. Tanto optimismo tiene una calidad femenina que el director Philippe Falardeau deja fluir tocado por el romanticismo analógico, y no se permite ser pedante y perderse por círculos cultos de los cócteles de poetas en Nueva York, si no más bien los desprecia. Esta es una película sobre la vocación y el amor por las letras y esto puede parecer un mensaje demasiado simplista para algunos críticos: que cada uno es responsable de su propio éxito y que no hace falta ser vistoso para ser bueno.

Salinger es un misántropo cuyos textos son la única parte de él que se deja ver. Leerle es como ser partícipe de un secreto, porque se sabe vulnerable, porque su manera de maldecir ante todo y su indiferencia ocultan su centro tierno y esa es la clave de la complicidad de leer El Guardián entre el Centeno, “Salinger es brutal, y no es nada como me lo había Imaginado”. De ello, miles de lectores conectan con Salinger de una manera profunda y eso refleja el sueño de lo que significa escribir también para Joana.
Sueños de una escritora en Nueva York tiene un idealismo contagioso que no debe dejarse perdonar, casi es necesario que demos espacio a las películas del autocuidado que permiten conectar con uno mismo des de lo universal.
Magníficas interpretaciones, con una extraordinaria Sigourney Weaver.

LA CASA DEL CARACOL (Dir. Macarena Astorga)

Texto: Yolanda Aguas

«La casa del caracol» se ambienta en 1973, en un pueblo perdido de la Andalucía interior al que acude el escritor Antonio Prieto para pasar el verano completando su última novela en soledad. Allí descubre la leyenda del «vimero» una mezcla de hombre lobo y vampiro local que aterroriza al pueblo y lo maldice que deformidades para todos sus habitantes. Aunque Antonio se muestra escéptico con las creencias de los lugareños, descubrirá que nada es lo que parece, ni en la casa donde vive ni en el bosque que la rodea.

Es una adaptación de la novela homónima de Sandra García y también uno de los filmes cuya preproducción se tropezó con el confinamiento de 2020. En Málaga tanto los productores como la directora admitieron las dificultades encontradas pero también el deseo de llevarla a término. Aunque el resultado ha sido desigual, Astorga ha conseguido transmitir a la película la misma sensación de asfixia -aunque por diferentes motivos- que en su celebrado corto Tránsito, de 2013.
Es una película efectiva, que sabe cumplir con su trabajo de ser a medias previsible a medias imprevisible y mantener cierta tensión, aunque pierda fuelle en algún momento del tramo central. Su problema es que la misma estructura de terror clásico y la capacidad para homenajearlo de su realizadora no solo desvela rápidamente las sorpresas del guion, es que les acaba quitando interés.

Buena interpretación de Paz Vega, que está acompañada en la película por el debut cinematográfico de su hija.

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Nota: La fotografía insertada en este artículo es propiedad de su autor.

NOMADLAND (Dir. Chloé Zhao)

Texto: Yolanda Aguas

En Nomadland, dirigida por Chloé Zhao, se lleva a la pantalla las consecuencias de la crisis que asoló al mercado inmobiliario e incrementó el precio de los alquileres en Estados Unidos, lo que dejó a miles de ciudadanos, literalmente, en la calle.

La película presenta el drama de muchas personas que decidieron que una casa propia era sinónimo de hipoteca, deudas a perpetuidad y que la fortuna no les quitaba el sueño, al contrario, se los nublaba.
Otros, simplemente, no tuvieron más opción que una casa rodante, como aquellos hombres y mujeres jubilados, o en edad de hacerlo, que perdieron sus viviendas como consecuencia de la Gran Recesión de 2008. La crisis fue tan impresionante que se comparó con la de 1929. Incluso algunos adujeron que la superó y se convirtió en la peor crisis de la historia cuyas consecuencias permanecen. Todo explotó con la ruina del banco de inversión Lehman Brothers. Como una torre de naipes, la economía de Estados Unidos se fue derrumbando y afectando a las economías de otros países.

Frances McDormand (magnífica en su interpretación) da vida a la historia de Fern, una mujer que perdió a su esposo y su vivienda tras la crisis. Obligada por las circunstancias, se integra a la comunidad nómada que se traslada en caravana por el oeste en furgonetas para tomar nuevos trabajos de temporada, como en el almacén de Amazon. En su casa rodante, Fern lleva sus más preciadas pertenencias y recuerdos, entregándose poco a poco una nueva vida de desprendimientos, sin grandes posesiones, pero mucha calidad humana. En el camino, Fern siente el cariño de sus compañeros de viaje quienes le enseñan sobre la vida de los nómades y comparten con ella sus historias.

Una película muy necesaria.

GAZA MON AMOUR (Dir. Mohammed Abou Nasser, Ahmad Abou Nasser)

Texto: Yolanda Aguas

Tras ser seleccionada por Palestina para representar al país en los premios Óscar como “Mejor película internacional”, recibir la “Espiga de Plata” y el premio a “Mejor guion” en el festival Seminci de Valladolid y ser presentada en la Sección Oficial del festival de Cine de Toronto, el filme “Gaza mon amour” se estrenó hace unos días en nuestro país.

A través de esta historia de amor enmarcada en un entorno complejo, reivindican la humanidad y la falta de ésta al mirar hacia conflictos como el de la región de Gaza. “¿se merecen estas personas vivir cuatro guerras en tan solo dieciséis años?¿no tienen derecho a poder llevar una vida normal?”.

Issa es un pescador de 60 años que vive en Gaza. Un día encuentra casualmente entre sus redes una estatua de Apolo. Tendrá que hacer frente a la persecución de las autoridades mientras trata de acercarse a Siham, una viuda de la que lleva tiempo secretamente enamorado. En Gaza la vida transcurre entre contiendas, cortes de luz y bombardeos esporádicos. Es la Gaza de los telediarios. Pero, como en cualquier ciudad, hay también tiempo y espacio para las reuniones de vecinos, las peleas entre padres e hijos, las corruptelas políticas y, por supuesto, para enamorarse. Los gemelos Nasser (Arab y Tarzan) han aprovechado un suceso real –la aparición de una estatua que Hamas trató de vender para resolver sus problemas financieros– para construir una pequeña comedia romántica que sirviera al mismo tiempo como radiografía y denuncia social.

La tragedia de la situación palestina no desaparece, en absoluto, pero pasa a ser un elemento más del entorno, sin ser el que define a los personajes que pueblan esta singular película. Gaza mon amour nos relata la historia de un maduro pescador que estudia cómo declarar su amor a una costurera viuda de la que se ha enamorado, mientras una estatua del dios Apolo que ha caído en sus redes de pesca le complica la vida y la consecución de su objetivo. La historia es desde luego peculiar, y se materializa en una película inocente e irónica, con trazos de absurdo (y alguna canción de Julio Iglesias).

Aunque peque a veces de excesiva sencillez, esta película es una carta de amor a Gaza, con lo bueno y lo malo que hay en ella, y un canto de esperanza a historias pequeñas como esta, donde por una vez, y como tan bien resume su epílogo, el amor y la renovada alegría de vivir pueden vencer a las armas.

En el reparto destaca la gran actriz Hiam Abbass, inolvidable intérprete de aquella joya que es «Los limoneros».

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Nota: La fotografía insertada en este artículo es propiedad de su autor.

NUEVO ORDEN (Dir. Michel Franco)

Texto: Yolanda Aguas

Lo que empieza siendo una fabulosa boda que reúne a muchas de las familias más pudientes de México, termina siendo una auténtica guerra civil entre clases cuando un grupo de manifestantes toman el control de la casa de Marian (Naian González Norvind), la novia. Las protestas, a nivel nacional, desencadenan un golpe de estado que pretende derrocar un injusto sistema político e imponer un nuevo orden.

No es casualidad que la última película de Michel Franco se titule como la teoría de la conspiración acerca del Nuevo Orden Mundial, la cual afirma la existencia de un plan diseñado para crear un gobierno único que funcionaría a nivel mundial y controlado por sectores elitistas.

Una de las cosas que más ha llamado la atención de la película Nuevo orden es la poca censura, por no decir nula, en las escenas de violencia. Franco ha sido lo más explícito posible, lo cual ha generado un gran impacto hasta el punto de originar polémicas incluso antes de su estreno en cines. Seguramente, si la película no mostrara tanta brutalidad no hubiera tenido el mismo impacto social y político. A todo esto debemos añadir las buenas interpretaciones del elenco principal.

Evidentemente, si hay algo que funciona como motor en la película Nuevo orden es el choque de clases sociales, presente en todo momento, ya sea de una forma u otra. Escrita, dirigida, producida y editada por Michel Franco, Nuevo orden es una película visceral, impactante y anárquica que lanza un fuerte mensaje de advertencia.

El primer acto de la película Nuevo orden (2020) transcurre en la casa de los Novello, en la cual se está celebrando la boda de Marian y su prometido Alan (Darío Yazbek Bernal). Sabemos de los altercados y las revueltas de forma indirecta: el agua verde que sale del grifo del baño, los coches que llegan manchados de pintura verde o los ruidos que se oyen a lo lejos de los manifestantes. Franco nos introduce de forma sutil, ya que todavía no ha aparecido nada en pantalla, que algo grande está a punto de suceder.  Es a partir del segundo acto que el ruido y la violencia irrumpen de golpe en la película cuando varios de los manifestantes asaltan la casa de los Novello. Sin ningún tipo de filtro, las armas, la violencia y la sangre serán las protagonistas.  En el tercer y último acto, Franco nos muestra el resultado de este golpe de estado, el cual podría interpretarse como su vaticinio, casi una profecía, de lo que podría llegar a suceder si realmente se llevara a cabo una lucha entre clases sociales y se implantara un nuevo orden. Tal como declaró en una entrevista, su intención era “hacer una radiografía de la sociedad mexicana” y mostrar en esta distopía “cómo se utiliza el miedo y la miseria para controlar a los ciudadanos con fines políticos”.

Los personajes de Marian, interpretado por Naian González Norvind, y de Cristian, interpretado por Fernando Cuautle, son puramente vehiculares, pues vamos a vivir la película desde su punto de vista. Ella, en el papel de la novia y perteneciente a la pudiente familia de los Novello, es la única de los allí presentes que parecer saber el significado de caridad. Y será eso lo que la llevará a verse envuelta de primera mano en las revueltas, acompañada de Cristian, un joven muchacho que trabaja para la familia de ésta. Ambos serán personajes clave dentro de este filme que representarán los dos bandos de las clases enfrentadas.

Una película con un mensaje tan potente, tanto social como político. Nos encontramos ante 88 minutos de metraje que, aunque parezcan escasos, son más que suficientes para hacernos reflexionar durante un buen rato.

Muy interesante trabajo de Michel Franco, no se la pierdan.

LOS TRADUCTORES (Dir. Régis Roinsard)

Texto: Yolanda Aguas


Nueve traductores, de nueve nacionalidades diferentes, son contratados para traducir el último libro de una trilogía, para lo que deberán permanecer en un búnker de lujo sin contacto con el mundo exterior. Entonces, las primeras diez páginas del manuscrito aparecen publicadas online, y el trabajo soñado se convierte en una pesadilla, pues el ladrón debe ser uno de ellos y el editor hará lo que sea necesario para desenmascararle.

‘Los traductores’, dirigida por Régis Roinsard es una historia que sin duda está inspirada en las novelas de Agatha Christie y que nos adentra en una investigación dentro de un búnker. Pero a diferencia de estas novelas, no vamos a intentar averiguar quién ha asesinado a alguien sino quien ha filtrado una novela.


Estamos ante una película de las llamadas «entretenidas», protagonizada por algunos excelentes actores y actrices europeos.


Simplemente para pasar el rato…

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

MAMÁ MARÍA (Dir. Jean-Paul Salomé)

Texto: Yolanda Aguas

El pasado día 21 de abril tuve la oportunidad de ver «Mamá María» en el marco de la 5a edición del BCN FILM FEST-S. Jordi.

La película está protagonizada por la inmensa actriz Isabelle Huppert. Su nombre va asociado a los más importantes nombres del cine de autor: Claude Chabrol, Michael Haneke, Claire Denis, Michael Cimino, Hal Hartley o Hong Sang-soo.

Su filmografía abarca una innumerable capacidad de registros que sin embargo no incluye demasiadas interpretaciones en el humor. Una ausencia que cubre en parte con su personaje protagonista en ‘Mamá María’, una comedia dramática con toques de ‘thriller’ y vocación de llegar a un gran público del francés Jean-Paul Salomé.
La película es intrascendente, pero la presencia en ella de Huppert hace que valga la pena verla al menos una vez. Ella es la película y con esto creo que lo digo todo.

Isabelle Huppert es Patience Portefeux, una traductora del árabe al francés que, a sus cincuenta y pico años, empieza a inquietarse por el futuro próximo. En la brigada antinarcóticos donde trabaja, esquiva con dignidad las explosiones fugaces de violencia de detenidos y policías. Y apenas ha acabado de pagar las deudas que le dejó su marido ya muerto cuando la residencia donde ha tenido que ingresar a su madre (Liliane Rovère) la amenaza con echar a la anciana por impago de las últimas y muy desorbitadas mensualidades. En el tramo inicial del filme, Patience hace honor a su nombre y asume con estoicismo y los ojos un tanto vidriosos sus circunstancias. Pero, aunque no lo verbalice, en su cabeza empieza a fraguarse la posibilidad de una vida más llevadera. Y llega la oportunidad cuando menos lo esperaba.

Cuando descubre que el hijo de Khadidja (Farida Ouchani), la cuidadora de su madre en la residencia, está metido en uno de los chanchullos de drogas a los que su unidad hace seguimiento, decide echarles una mano. Su cambio no es repentino. A través de las conversaciones que ha mantenido con otros personajes, deducimos que Patience defiende a personas que, como le sucedió a su padre, inmigrante argelino, no lo han tenido fácil para conseguir un buen trabajo y se han buscado alternativas. Como le comenta ella misma a su jefe y amante, Philippe (Hippolyte Girardot), su progenitor decidió ganarse el sustento “con un tipo de negocios que no aprobarías”. Ella parece decidida ahora a seguir sus pasos.
La película apenas exprime el potencial de contar con una Isabelle Huppert que ejerce de reina del disfraz en un entorno criminal y multicultural. La intención del guión se limita a esperar que el simple hecho de ver a la Huppert de gran señora árabe negociando con pequeños traficantes resulte de por sí gracioso. Más interés (y diversión) tiene la relación que Huppert desarrolla con su vecina de origen chino, con la que acaba estableciendo una inesperada complicidad.
Isabelle Huppert lo llena todo y la película nos deja con el buen sabor de boca de que para una mujer, pasada la cincuentena, también tiene una segunda oportunidad.

ENCUENTRO DIRECTORES FOTOGRAFÍA: BCN FILM FEST

Texto y fotografías: Yolanda Aguas

La palabra fotografía se deriva de los términos griegos Phos que significa luz y Grafis escritura. La fotografía es la técnica de captar una imagen de forma permanente por medio de una cámara. En la actualidad gran porcentaje de la comunicación fluye gracias a imágenes.

ESCRIBIENDO CON LA LUZ (Coloquio BCN FILM FEST) se desarrolló en CASA SEAT el pasado día 21 de abril, a las 12 h. Asistieron como invitados:


Xavi Giménez e Isaac Vila de AEC, junto a Isabel Coixet y David Ilundain. Este encuentro estuvo moderado por la periodista y directora del BCN FILM FEST, Conxita Casanovas.

Isabel Coixet
Directora y guionista de películas como «La vida secreta de las palabras», “Mi vida sin mí” o “La librería”.
Ganadora del Goya a Mejor Película y Mejor Dirección.

David Ilundain
Director y guionista de películas como «B» y “Uno para todos”.
Ganador del Premio Especial en los premios Feroz, y nominado al Goya por “B”.

Xavi Giménez
Director de fotografia de películas como “Luces rojas”, de Rodrigo Cortés, “Ágora” de Alejandro Amenábar, o “Contratiempo» de Oriol Paulo. Ganador de numerosos premios, entre ellos el Premio Goya a Mejor Fotografía por “Ágora” .

Isaac Vila
Director de fotografia de películas y series como “Bajocero» de Lluís Quílez o «El desorden que dejas».

El coloquio duró, aproximadamente, 1 h 40 min.