CUSTODIA COMPARTIDA (Dir. Xavier Legrand), por Yolanda Aguas

Miriam (Léa Drucker) y Antoine Besson (Denis Ménochet) se divorcian. Miriam quiere obtener la custodia de su hijo Julien (Thomas Gioria) para protegerle de un padre al que acusa de comportamiento violento. Antoine se presenta como el padre abandonado, y la juez concede la custodia compartida a ambos cónyuges. Julien acaba siendo el rehén de sus padres en medio de un conflicto creciente  y hará todo lo que esté en su poder para que no ocurra lo peor.

El director francés Xavier Legrand firma su brillante ópera prima y coloca en primer plano la impotencia de las víctimas frente al maltratador que les ha tocado. A este hecho terrible tienen que añadir los daños permanentes que una justicia excesivamente fría puede dejarles para toda su vida.

“Custodia compartida”, ganó el premio al Mejor Director y Mejor Ópera Prima en la Mostra Veneciana, se proyectó en el último Festival I. de Cine de San Sebastián dentro de la Sección Perlas.  Es una película emocional y también es una denuncia clara del patriarcado, de la violencia más sucia: la utilización del hijo (gran interpretación del joven Thomas Gioria) por parte del padre acosador para llegar a la madre.

Evidentemente, la película acaba siendo un thriller terrorífico, que arrastra al espectador por los horrores de esa mujer y su hijo.

El director, que también es actor, hizo su primera incursión en el cine fue en el papel de uno de los niños de “Au revoir, les enfants” (1987), la mítica película de Louis Male sobre las penurias de los chicos judíos durante invasión nazi en Francia.

Como información adicional, recordamos que Xavier Legrand hizo un corto en 2013 sobre el mismo tema, “Avant que tout perdre”, con la misma actriz protagonista que hace de madre en “Custodia compartida”, Lea Drucker.

Magníficas interpertraciones de Léa Drucker, Denis Ménochet, Thomas Gioria, Mathilde Auneveux y Coralie Russier

Una película dolorosa y terrible, dura hasta las lágrimas, donde el instinto funciona, de la mano de Xavier Legrand, de forma convincente.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

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INMERSIÓN (Dir. Wim Wenders), por Yolanda Aguas

Descubrí el cine de Wim Wenders de la mano de las películas de Rainer Werner Fassbinder.  Revisando en aquellos años lo que se denominó “nuevo cine alemán”, llegué a su cine del mismo modo que al de Wolker Schlöndorff o Margarethe von Trotta.

Y de aquella primera época de su cine me fascinaron obras como “Falso movimiento”, “Alicia en las ciudades”,“En el curso del tiempo” y “El amigo americano”.

También llegó su gran obra maestra en la ficción: “París-Texas” que fue, es y será una de mis películas preferidas.

El universo cinematográfico de Wenders en aquellos primeros años de su carrera era luminoso dentro de la profunda oscuridad en la que habitaban sus personajes.  Seres desolados y en constante lucha interior.  Era un cine que requería la total complicidad del público. Nació ahí un idilio que el director alemán supo mantener vivo con su talento y brillantez.

Con el tiempo, el cine de Wenders ha perdido fuerza.  De vez en cuando llegaron algunas de sus nuevas películas, pero apenas tuvieron repercusión entre el público y, mucho menos, el reconocimiento favorable en la crítica internacional.  Era, ES, un cine menor.

Únicamente en el documental, Wim Wenders ha sabido plasmar toda esa poesía inicial que acompañaba sus primeras producciones. Buena Vista Social Club”, “Pina” y “La sal de la tierra” son buena prueba de ello.

Ahora llega a nuestras pantallas su última película, “Inmersión” (que inauguró la pasada edición del Festival I. de Cine de San Sebastián), que ha vuelto a ser otra decepción.

James More (James McAvoy) es un ingeniero hidráulico que ha sido tomado como rehén en Somalia por terroristas yihadistas, que sospechan que es un espía británico. Danielle ‘Danny’ Flinders (Alicia Vikander) es una biomatemática que trabaja en un proyecto de inmersión en las aguas más profundas de los océanos para demostrar su teoría sobre el origen de la vida en el planeta. Un año antes, James y Danny se conocieron en un hotel de la costa atlántica francesa y se enamoraron. Ahora, separados, Danny inicia una inmersión al fondo del océano sin saber si James sigue vivo.

Es una película sin magia, plana en demasiados momentos hasta llegar al aburrimiento. La historia que nos cuenta no atrapa y las interpretaciones son de muy bajo nivel.

¡Lástima¡  Al menos podía contarnos – simplemente – la historia de amor.

Lo mejor: la virtuosa B.S.O. del compositor español Fernando Velázquez.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

UN SOL INTERIOR (Dir. Claire Denis), por Yolanda Aguas

“Un sol interior”, es la última película que nos llega dirigida por Claire Denis y co-escrito con Christine Angot, la película está basada en el ensayo Fragmentos de un discurso amoroso, del filósofo Roland Barthes.

Isabelle (Juliette Binoche) es una pintora divorciada con una hija de diez años a su cargo, que está en busca del amor verdadero. Tiene un affaire con un cretino banquero, sale a cenar con un actor casado, prueba otra vez con su ex marido, le da una oportunidad a un hombre de otra clase social, queda fascinada por un enigmático galerista. ¿Alguno de ellos le interesa de verdad? ¿Encontrará la felicidad a pesar de estos desencuentros?

Es una película para paladares exquisitos. Aunque está etiquetada como una comedia romántica, su directora plantea un giro en los elementos que componen al género.

La película comienza rompiendo la intimidad de Isabelle (Juliete Binoche) y su amante, mientras Agnès Gordard, como ya es habitual a cargo de la fotografía, mantiene unos planos muy estáticos centrados en el diálogo y los gestos de las personas que se cruzan en la vida de la protagonista. Esa dirección de fotografía está enfocada en su protagonista que sustenta todo el peso del filme. Primeros planos que buscan demostrar esas partes de la idea de amor.

La vida de Isabelle, vehiculada entre sexo, lágrimas, sonrisas y agonía, transcurre en sus cuadros y en su desesperada vida. Se desvive por encontrar el amor verdadero que nunca ha logrado experimentar, resultando una tarea demasiado ardua por el idealismo que es incapaz de borrar de su mente respecto a las personas y al amor que deben sentir y compartir. Entre varios momentos cómicos, Denis deja ver a la luz los problemas de sus personajes, así como numerosas reflexiones sobre la diferencia entre el amor sentimental y el sexual, que a veces se mezcla con las necesidades humanas, siendo incapaces de distinguirse entre sí.

El film mezcla una pequeña adaptación de “Fragmentos de un discurso amoroso” (ensayo de Roland Barthes, 1977) y las experiencias personales de Denis y su compañera en la creación del guion, Christine Angot. La fantástica directora decidió poner en la cabeza de este proyecto a Juliette Binoche, presentando una exquisita historia sobre la desesperación de la protagonista por encontrar el amor.

Como viene siendo habitual, Juliette Binoche se supera a sí misma con esta nueva interpretación. Es única para lograr esos cambios entre la alegría y la tristeza, por el desconocimiento de sí misma. La duda recurrente de lo que quiere de sí misma y lo que deberían proporcionarle el resto de personas, se deja ver sutilmente y con una delicadeza admirable a través de su banda sonora encabezada por la suave voz de Etta James y sus ritmos de soul y jazz que aparecen en el momento indicado.

Pero lo mejor de todo el film llega en sus últimos diez minutos. Juliette Binoche comparte pantalla con Gerard Depardieu (sin compartirla realmente, es una paradoja), en un diálogo totalmente atrayente.  Gérard Depardieu. Como un foco de la esperanza, el hombre que recoge el momento más esperado en la vida de Isabelle en sus manos, mastica cada una de sus frases hasta sobrecoger con cada duda, sonrisa o inseguridad del mismo. La construcción de un diálogo en plano contra plano de la protagonista y Depardieu, cierra el film con idas y venidas de ambos personajes, intentando llegar a una conclusión o una pista donde poder hallar el sol que se encuentra dentro de cada uno de nosotros.

Un sol interior es una película singular, por la manera en que está rodada, haciendo casi un homenaje a “Rayuela” de Cortázar, la película podría comenzar o terminar justamente al revés de cómo la hemos visto.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

EL VIAJE DE SUS VIDAS (Dir. Paolo Virzi), por Yolanda Aguas

Ella (Helen Mirren)  y John (Donald Sutherland)  están huyendo del cuidado asfixiante de sus médicos e hijos. John está perdiendo la memoria, es despistado pero tenaz. Ella es frágil pero a la vez ingeniosa. Ambos forman una pareja de ancianos que llevan más de cincuenta años juntos.

Su viaje a bordo de su fiel caravana los lleva desde Boston hasta Key West en los Estados Unidos, la pareja recorre una América que ya no reconocen. Compartiendo en su trayecto tanto momentos de alegría como de angustia, van recobrando así su pasión por la vida y su amor por los demás, mirando con perspectiva y de forma distinta todo lo que van dejando atrás. Hecho que les hace replantearse durante su aventura, cómo se ven el uno al otro.

El cineasta italiano Paolo Virzi (Locas de alegría, El capital humano) dirige esta adaptación de la novela The Leisure Seeker  (2009) de Michael Zadoorian, que está protagonizada por dos titanes de la interpretación.  Y ése es su principal interés.

Es la primera película que el director italiano rueda en Estados Unidos y en la que explora el género de road movie americana, a la que añade su toque personal de poesía irónica y compasiva. El director adapta varios temas sobre la vida de una pareja de ancianos que le llamaron la atención, como el espíritu subversivo, la rebelión contra la hospitalización o la intensa relación con sus hijos. Virzì le dio una vuelta al guión y cambió los perfiles socioculturales de los protagonistas para contar el viaje de un profesor de literatura jubilado que padece Alzheimer y su esposa, más joven que él, con destino a la casa del escritor Ernest Hemingway en Key West.

Con esta premisa, el director pone su nota de humor y su aguda observación de los fenómenos sociales a una película sobre la vida y la vejez que cuenta la irracional y divertida aventura de un matrimonio que quiere evitar un futuro destinado a los cuidados médicos que les separaría para siempre.

Sin ser una película que pasará a la mejor Historia del Cine, se ve con agrado y en momentos llega a emocionar porque nos pone delante la vida que podría llegar para cada uno de nosotros.

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OSCAR 2018 (Ganadores), por CineT Farö

La gala se ha celebrado este domingo 4 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles y, por segundo año consecutivo, ha sido presentada por el cómico Jimmy Kimmel.

La forma del aguaDunkerque y Tres anuncios en las afueras partían como favoritas y la gran triunfadora de la velada ha sido la película de Guillermo del Toro.

Estaba nominada a 13 estatuillas y solo ha conseguido cuatro premios, pero La forma del agua se ha hecho con el premio más importante de la noche, el de mejor película. Además se ha llevado también los galardones a mejor director para el mexicano del Toro, mejor banda sonora y mejor diseño de producción.

A continuación, la lista completa de ganadores:

Mejor película

La forma del agua

Mejor director

Guillermo del Toro por La forma del agua

Mejor actor

-Gary Oldman por El instante más oscuro

Mejor actriz

-Frances McDormand por Tres anuncios en las afueras

Mejor actriz de reparto

-Allison Janney por Yo, Tonya

Mejor actor de reparto

-Sam Rockwell por Tres anuncios en las afueras

Mejor guión original

Déjame salir

Mejor guión adaptado

-Call Me By Your Name

Mejor película animada

-Coco

Mejor película de habla no inglesa

-Una mujer fantástica

Mejor diseño de producción

-La forma del agua

Mejor fotografía

-Blade Runner 2049

Mejor montaje

-Dunkerque

Mejores efectos especiales

-Blade Runner 2049

Mejor vestuario

-El hilo invisible

Mejor peluquería y maquillaje

-El instante más oscuro

Mejor edición de sonido

-Dunkerque

Mejor mezcla de sonido

-Dunkerque

Mejor banda sonora

-La forma del agua

Mejor canción

-Remember Me de Coco

Mejor documental

-Icarus

Mejor cortometraje

-The Silent Child

Mejor cortometraje documental

-Heaven is a Traffic Jam on a 405

Mejor cortometraje animado

-Dear Basketball

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EN LA SOMBRA (Dir. Fatih Akin), por Yolanda Aguas

La película alemana En la Sombra, del director Fatih Akin, fue la ganadora del Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera en la 75 edición de los premios que otorga la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA). El director, junto a la actriz protagonista Diane Kruger, recogió el premio en una ceremonia claramente marcada por el movimiento feminista y su reivindicación contra el acoso sexual.

El filme surgió a raíz de los asesinatos xenófobos perpetrados en Alemania por el grupo neonazi NSU (Clandestinidad Nacionalsocialista) entre los años 2000 y 2007. Fatih Akin estudió el caso en profundidad y siguió personalmente el juicio junto al abogado y coguionista de la película, Hark Bohm, quien a petición del director, supervisó todas las escenas de juicios.

La gran interpretación de Diane Kruger, metida en la piel de una joven alemana cuya vida se ve truncada el día que pierde a su marido e hijo a consecuencia de un atentado con bomba, le valió un merecido Premio a la Mejor Actriz del pasado Festival de Cannes. A través de este personaje, el realizador Fatih Akin (Contra la pared, Al otro lado), nos habla de la pérdida, el duelo, la justicia y la venganza, nociones universales que para él no varían según la cultura o la nacionalidad.

Todo el dolor, ira, sufrimiento y devastación que padece esa mujer que ha visto como ha perdido en un atentado con bomba a quienes eran el sustento afectivo de su vida, es transmitido por Kruger con enorme poder de convicción.

Es uno de los mejores trabajos de su carrera (Feliz Navidad, Troya, o su interesante aparición en Malditos Bastardos), Otro caso de modelo pasada con brillantez a intérprete. Recordemos los casos de la estadounidense Lauren Hutton o el más reciente de la sudafricana Charlize Theron.

En la Sombra cuenta además con el sello y estética del director de fotografía Rainer Klausmann, habitual colaborador de Akin y la composición musical de Josh Homme, cantante y fundador del grupo de rock Queens of the Stone Age. Música e imágenes que marcan el estilo propio de Akin y que, junto a la innegable tensión psicológica y emocional que aporta Diane Kruger, hacen que el film sea una de las películas más importantes del año.

La película se presenta en tres episodios que son muy distintos entre ellos, casi tres géneros: el drama de la pérdida; el juicio y sus batallas dialécticas; un epílogo tenso que mira al thriller.  Este hecho – sin duda – para facilitar al espectador su seguimiento.

La película es muy interesante. Es un tenso, angustioso y duro ejercicio emocional sobre una situación límite.

La mirada y propuesta de Fatih Akin vuelve a desplegar precisión, una considerable expresividad y claridad. Aunque de fondo siempre está la sociedad retratada, jamás descuida esa pintura, vuelven a importarle más las opciones personales, individuales.

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THE FLORIDA PROJECT (Dir. Sean Baker), por Yolanda Aguas

Fue una de las películas que más me gustó de las proyectadas en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Una niña de 6 años y sus amigos pasan el verano en un pequeño motel muy próximo a Disneyworld, mientras sus padres y el resto de adultos que les rodean sufren aún los efectos de la crisis.  La historia de la película cuenta el día a día de una madre y su hija que viven en un motel de carretera de color violeta en un caluroso verano de Florida.

La niña (Brooklynn Prince) se comporta como cualquier niña de su edad y no va al colegio. Su madre ejerce la prostitución y malvive robando y vendiendo perfume en la entrada de un hotel cercano, pero la niña es feliz.  Junto a ella, está su amigo que vive con su madre que malvive con un mal sueldo, pero que espera poder mejorar su situación mientras tiene que soportar la gente mediocre que la rodea. Y está la abuela de la tercera niña en discordia que tiene que cuidar a las hijas de su hija que nunca aparece en la película.

Los pequeños protagonistas de este interesante film han creado su microcosmos de pillaje en medio de la violencia a gran escala que viven sus mayores, y no se les puede culpar por ello, tan solo desearles un futuro mejor. Una solución agridulce que pasa peligrosamente cerca cada vez que algún vecino llama a los de servicios sociales.

La película cuenta con la presencia de un grandísimo actor, Willem Dafoe, que está inmenso en esta película y  la pequeña actriz protagonista, Brooklynn Prince, que se come la pantalla con su espontaneidad.

Si “The Florida Project” hubiera tenido un metraje más medido (reduciéndolo unos quince minutos) la película hubiera quedado más “redonda”.

Con todo, es una gran película del cine independiente americano.

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