Leonor (Anna Castillo) quiere marcharse de casa, pero no se atreve a decírselo a su madre. Estrella (Lola Dueñas) no quiere que se vaya, pero tampoco es capaz de retenerla a su lado. Madre e hija tendrán que afrontar esa nueva etapa de la vida en la que su mundo en común se tambalea.

En la película es evidente la ausencia del padre fallecido, que sigue presente a través de los objetos y el recuerdo de sus familiares, la madre y la hija de ésta. Leonor no quiere seguir entre esas cuatro paredes y perpetuar los pasos vitales de su progenitora, a pesar de que allí se siente cobijada y protegida. Quiere iniciar sola su propia vida, como otras jóvenes de su generación. Pero ese deseo quizás haga daño a su madre, y la falta de comunicación tensa la convivencia…

El film de Celia Rico, siendo un claro ejemplo de narración de gran componente psicológico, sabe plasmar muy bien la intimidad de un hogar familiar.  Un lugar que unas veces es acogeder y otras una cárcel.  Es una película de detalles y diálogos sencillos pero efectivos.

Cuenta con una excelente fotografía de Santiago Racaj (“Verano 1993”) y el montaje de Fernando Franco (lo que de por sí es ya toda una garantía).

En el apartado de las interpretaciones, tanto Lola Dueñas como Anna Castillo cumplen su trabajo perfectamente.

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En Andalucía, Abel (Daniel Grao) es un político entregado a la lucha por los más desfavorecidos que acaba de hacer historia. Por su parte su mujer, Nora (Natalia de Molina), es guardiana de un secreto que puede cambiarlo todo. La promesa de una nueva vida para ambos se ve truncada por la aparición de Víctor, un alto cargo caído en desgracia, y de dos antiguos amigos, Virginia (Natalia Mateo) y Félix (Borja Luna), amistades de una época que prefieren olvidar…

Si hay un tema recurrente en la actualidad política española es el de la corrupción y la lucha (o intención) de combatirla. Así, de renuncias y libertades trata este primer largometraje de  Jota Linares.

Está protagonizada por los actores Daniel Grao, Natalia de Molina, Mario Tardón, Natalia Mateo, Mariana Cordero y Ignacio Mateos.

El director corre el riesgo de adaptar a su propia visión una de las obras teatrales más importantes de la historia de la dramaturgia: Casa de muñecas de Henrik Ibsen.  Aunque desde un punto de vista completamente libre, el director se ha mantenido fiel al alma de la Nora del libreto. Natalia de Molina es Nora, estupendo trabajo de la actriz, que da vida a la pareja de Abel (Daniel Grao), el nuevo candidato de un partido político que aspira a romper el bipartidismo en Andalucía.

Nora, además de su pareja sentimental es un pilar fundamental en el ascenso a su carrera, pero también fue su principal promotora a la hora de financiar la clínica en la que Abel estuvo ingresado durante meses.  Conforme va avanzando la película el punto de vista se centra en el personaje femenino principal, Nora y su drama personal pasan a un primer plano.

Una primera película de un director que ha luchado firmemente por sacar adelante este filme.

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Cuando vivimos una época oscura y peligrosa, por el abismo que contemplamos a nuestros pies en casi todo lo relacionado con el Periodismo y por el bajón de calidad  que éste ha dado en los últimos años, llega a nuestras pantallas una película excepcional basada en la figura del mítico Ryszard Kapuscinski.

Han necesitado casi diez años y el trabajo de seiscientas personas para poder terminarla, pero el esfuerzo ha valido la pena. La película recibió el premio del público en el Biografilm Festival y en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. También fue seleccionada para la Sección Oficial “Fuera de concurso” del último Festival de Cannes.

La película se basa en el libro y los textos del periodista, uno de los más prestigiosos corresponsales de guerra de la historia, que falleció en el año 2007.  Como seguro sabrán, el libro homónimo de Kapuscinski relata cómo el conflicto civil en Angola lo marcó como persona y como periodista.  Durante el filme, conoceremos las figuras de Farrusco y Carlota.  El periodista puso nombre a los protagonistas de la revolución de Angola para, entre otros motivos, evitar que su lucha y sus vidas cayeran en el olvido.

Es especialmente importante su homenaje a Carlota, una joven guerrillera que murió en combate y que fascinó de un modo especial a Kapuscinski.  Destacaba el periodista que a pesar de los millones de muertos en conflictos bélicos en África, no existían nombres de líderes que pudieran representarles.

La película cuenta con una magnífica combinación de imagen real de la época y de la que se ha rodado para el filme.  Y es especialmente emocionante incluir en la narración la voz en off del propio periodista.  El metraje es un recorrido de un tremendo conflicto que se desarrolló desde 1975 hasta 2002.

Una verdadera joya de la animación.

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Se acaba de estrenar una de las mejores películas que he visto en los últimos años.  Si con su anterior film, Ida, Pawel Pawlikowski supo ganarse un sitio en el cine europeo contemporáneo, con Cold War se instala en la cima más alta de los mejores creadores en el Séptimo Arte.  Su carrera ya contaba con unos cuantos largometrajes y unos inicios en el documental televisivo británico de la mano de la BBC, pero era prácticamente desconocido para el gran público. Sin embargo después del estreno de aquella película su nombre pasó a ser uno de los que convenía conocer si se quería estar al día del panorama cinéfilo.

Cold War: Años 50, un pianista (Tomasz Kot), al que le encargan formar una especie de Operación Triunfo, es un decir, en la Polonia de Postguerra (en realidad un numeroso grupo de hombres y mujeres que serán formados para promocionar la música popular del país), se enamora de una de las candidatas (Joana Kulig), un amour fou, de los auténticos, que irá yendo y viniendo, a lo largo de más de una década, entre el bloque comunista y ese Occidente donde impera el jazz y empieza a reinar el rock’n’roll.

Estamos ante una hermosa película fuera del tiempo, que sin dudarlo podría homenajear las formas del cine de antaño, pero sin caer en la cómoda imitación. Es un laborioso trabajo de concisión formal.  Maneja magistralmente la elipsis, metraje ajustado, fotografía en blanco y negro y el formato que ya empleó en  Ida.  La historia se inicia cronológicamente un poco antes, en esa misma Polonia nevada controlada por el comunismo. Inmediatamente comprobamos que se hace evidente la química entre los dos actores protagonistas, que es pura emoción.

A destacar, naturalmente, la B.S.O. del film. Con las coreografías de bailes populares, el coro de voces polacas, el club de jazz no por nada llamado Eclipse (recordando a Antonioni). No, ni se les ocurra pensar en ese producto americano llamado ‘La La land’. Nada que ver.

Y finalmente llega una explosión de libertad que supone el baile enloquecido de la protagonista al son del ‘Rock Around the Clock’ de Bill Halley, que culmina con ella subida a la barra del club. Cold War es la historia de un amor que no puede ser y que nunca se acaba. Una gran película, que literalmente nos ha robado el corazón.

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Lara, una adolescente, se dispone a celebrar un cumpleaños crucial. Va a marcar el principio de su transformación. Lara sueña con la danza y la ópera. Ella está dispuesta a todo para conseguir sus sueños. Su cuerpo, lo entrena, lo hace más flexible, lo maltrata y este intenta doblegarla.  Su cuerpo, ese enemigo. Lara nació como chico. Es una lucha diaria que sufre, la de bailarina y la de joven en desarrollo, a punto de empezar su tratamiento. Pero aprender a bailar ballet es un largo camino, al igual que la prueba larga y agotadora que conlleva cambiar de cuerpo.

Girl es el primer largometraje del belga Lukas Dhont, que se presentó en Un Certain Regard de la última edición del Festival de Cannes.

En este período de transición, a Lara le apoya un padre cariñoso y atento y un equipo médico la supervisa y la guía hacia su bienestar.  Ha entrado en una exigente escuela experimental de baile, donde el profesorado acepta y apoya su particular destino. Si el vestuario significa un sufrimiento es porque, para los adolescentes en conflicto con su envoltorio carnal, son un verdadero problema. Sin embargo, contra lo que más debe luchar es con su propia impaciencia.

La película se inicia con una luz suave, un marco de una vida familiar harmoniosa, donde la ambición de la joven y su futuro como bailarina es la principal preocupación de todos. Cuanto más se muestra la historia, más se endurece el entrenamiento y más sufre el cuerpo (la imagen de los pies machacados de Lara); más se oscurece la película. Ahí está uno de los puntos fuertes de la película, que le da mucha amplitud narrativa. Es el deseo tenaz de Lara por llevar al límite su cuerpo de chico joven no solo volviéndolo más femenino, sino transformándolo en un cuerpo femenino, el de una bailarina.

Precisamente, en la evolución íntima de Lara, Lukas Dhont hace una apuesta valiente y emotiva para entender los tormentos internos que  la torturan.

En el apartado de la interpretación, Lukas Dhont tuvo la inmensa suerte de encontrar a  Victor Polster. El joven, estudiante de danza, encarna a Lara con valentía y dulzura ofreciendo a la cámara su mirada radiante que se ensombrece poco a poco al final de su búsqueda, cuando deja que el sufrimiento inunde sus ojos claros.

Es el corazón vibrante de la película, de casi todos los planos, seriamente apoyado por la interpretación certera de Arieh Worthalter, en el papel de su padre, un padre cariñoso, benevolente, y que sin parar nos muestra su impotencia frente a los tormentos de su hija.

Extraordinaria película que narra el trayecto íntimo de una joven transgénero que parte al reencuentro de su cuerpo.

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Manuel (Antonio de la Torre), un influyente vicesecretario autonómico que lo tiene todo a favor para dar el salto a la política nacional, observa cómo su perfecta vida se desmorona a partir de unas filtraciones que le implican en una trama de corrupción junto a Paco, uno de sus mejores amigos. Mientras los medios de comunicación empiezan a hacerse eco de las dimensiones del escándalo, el partido cierra filas y únicamente Paco sale indemne. Manuel es expulsado, señalado por la opinión pública y traicionado por los que hasta hace unas horas eran sus amigos.

Aunque el partido pretende que cargue con toda la responsabilidad, Manuel no se resigna a caer solo. Con el único apoyo de su mujer y de su hija, y atrapado en una espiral de supervivencia, Manuel se verá obligado a luchar contra una maquinaria de corrupción que lleva años engrasada, y contra un sistema de partidos en el que los reyes caen, pero los reinos continúan.

Otra interesante película de Sorogoyen, con un magnífico reparto en el que los personajes secundarios están interpretados por actores de primer nivel: Josep M. Pou, Ana Wagener, Sonia Almarcha, Mónica López o la actriz más importante  actualmente del cine español, Bárbara Lennie.

A destacar la interpretación de Luis Zahera, serio candidato para ganar el Goya como Mejor Actor Secundario.

La película tiene momentos muy interesantes, está impecablemente dirigida y cuenta con una escena final apoteósica entre Bárbara Lennie y Antonio de la Torre.

El personaje interpretado por Antonio de la Torre es un tipo más bien corriente. Durante la conferencia de prensa en el Festival de Cine de San Sebastián, Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen explicaron: “Aunque al principio pensamos en inspirarnos en Rodrigo Rato, enseguida nos dimos cuenta de que, para lo que queríamos contar, necesitábamos alguien más parecido a Alfonso Rus (expresidente de la Diputación de Valencia)”, señaló Sorogoyen. “Manuel es, debía ser, carismático, humano, risueño y cercano”, añadió Isabel Peña.  “Yo quería que el espectador, de manera inconsciente y a medida que se viera sufrir cada vez más a Manuel, deseara que le salieran bien las cosas. Y ello sin justificar ni mucho menos perdonar sus acciones, sino más bien al contrario”.

La película se mete de lleno en el campo de ese corrupto y su entorno, en su casa, en las fiestas en el yate, en las riñas antes y después de la rueda de prensa y en definitiva en la trastienda de la política manchada de dinero sucio, pero el mensaje ético es claro:  “Todos nos vemos en un momento de tentación en el que tenemos que decidir si aceptamos algo indebido, desde el dinero de más que un camarero nos devuelve –como hace un cliente en el filme– hasta una buena mordida”, concluyó Isabel Peña.

Una buena película de este tándem creativo: Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen.

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