LAS CONSECUENCIAS: Islas como nosotros

Texto: Francesc Mazón Camats

Fotografias: son propiedad de la/s productora/s de “Las consecuencias” de Claudia Pinto

Segundo film con la dirección de Claudia Pinto y como su debut “La distancia más larga”, de nuevo magnífica utilización de un paisaje singular como expresión de los sentimientos y en este caso la inestabilidad mental de sus protagonistas. Aquí la isla (de hecho son varias) volcánica de una belleza fascinante y terrorífica, en medio de un océano siempre amenazador.

El prólogo en unas profundidades submarinas como abismos, presenta un accidente mortal, la protagonista (una esforzada, intensa pero algo hierática Juana Acosta) inicia un duelo traumático que parece superponerse a una amenaza oculta en el seno familiar.

Una espléndida fotografía de Gabriel Guerra (casi un blanco y negro en color) grises, azules y negros omnipresentes, playas de arena negra, ríos de lava pétreos, acantilados grises y escarpados donde se abren grutas y pequeños poblados aparentemente abandonados y el mar omnipresente, en este marco abrupto, los protagonistas, una familia disfuncional y gravemente herida/perturbada, como náufragos a la deriva, van a intentar sobrevivir.

Un guión sobrecargado que acumula un peso excesivo en unos pocos personajes y deja a otros (la hermana y la madre) en cierta indefinición, una amenaza lúgubre y reiterativa en su parte central, son los desajustes de este ambicioso y arriesgado film. Estamos en territorio Bergman “Como en un espejo” 1961 una isla, una mujer perturbada y un círculo familiar de hombres. Padre, hermano y marido/psiquiatra no evitarán la caída en la locura de Karin, la protagonista. Oscar al mejor film extranjero… ¿El infantilizado público actual aceptaría la propuesta?

La realizadora planifica sus imágenes con notable habilidad y belleza formal, no busca la postal, más bien avanza hacia una atmósfera de miedo y claustrofobia a cielo abierto, una amenaza interior que el paisaje recoge y amplia.

Claudia Pinto conduce con firmeza a sus intérpretes, todos estupendos, destacando a Alfredo Castro (muy complejo y difícil personaje), la debutante María Romanillos (perfecta y agresiva naturalidad) y la veterana, fascinante Carme Elias (una máscara trágica) evitando siempre el desparrame melodramático.

El último y mejor tercio del film está conducido por la madre y esposa abandonada, magnífica Carme Elias, de una elegancia innata, confiere a su personaje una densidad trágica hecha de silencios. Pandora poseedora de todos los secretos, quizás intuye que liberarlos no conducirá a la deseada catarsis, tampoco el ajusticiamiento del monstruo patriarcal,  el nudo de perversiones. Conducido el film a la sombra de la tragedia griega La Orestiada

Orestes y Electra no evitan su fatalidad, el primero contaminado por la destrucción, víctima de las Furias (sus furias), Electra y su luto/duelo serán eternos, condenada al enclaustramiento…

Atención a los presurosos, después del fundido en negro, un último y terrible plano final, las tres mujeres sentadas frente al mar, negro, profundo y amenazador. Aisladas, la cámara retrocede… el mar parece a punto de engullirlas.

A modo de epílogo, no olviden que estas páginas se llaman CineT Farö, la isla desolada en el Báltico, refugio y escenario de los films más oscuros y geniales del maestro Ingmar Bergman: “Persona“ 1966 (Máscara en griego) y “La Vergüenza/Skammen“ 1968 (¿apocalipsis?) arriesgadísimas, mal aceptadas en su momento, films de culto fundamentales hoy.

**********************************************************************************************************

VIII EDICIÓN PREMIOS PLATINO, 2021 EN MADRID

Texto y fotografias: procedentes de la web oficial Premios Platino.

El olvido que seremos ha sido la coronada como la Mejor Película Iberoamericana de Ficción en la VIII Edición de los Premios PLATINO. Durante la gala celebrada en IFEMA Palacio Municipal de Madrid, el equipo de la película colombiana subió hasta cinco veces a recoger sus estatuillas, alzándose con galardones a la Mejor Dirección de Arte para Diego López, al Mejor Guión para David Trueba, a la Mejor Dirección para Fernando Trueba, a la Mejor Interpretación Masculina para Javier Cámara y a la ya citada Mejor Película Iberoamericana de Ficción.

La producción que adapta la novela homónima de Héctor Abad Faciolince fue una de las protagonistas de la noche, con hasta cinco premios entre ellos para su director, Fernando Trueba, para su actor protagonista, Javier Cámara, que se alzó con la ansiada estatuilla en su tercera nominación, o David Trueba, que tuvo un emotivo recordatorio para Cecilia Faciolince y Palmira Trueba, respectivas madres del escritor del libro original y el guionista de la cinta. Así se reconoce el éxito de la cinta colombiana, que recibió el sello del Festival de Cannes 2020 y fue estrenada en el Festival de San Sebastián, y también ha conseguido el premio Goya a la Mejor Película Iberoamericana, así como la nominación al Premio José María Forqué a la Mejor Película Latinoamericana entre otros reconocimientos.

La gala de la VIII Edición de los premios presentada por Juana Acosta y Luis Gerardo Méndez también premió a las actrices de La boda de Rosa. Y es que tanto Candela Peña, ganadora de su primer PLATINO a la Mejor Interpretación Femenina en su segunda nominación, como Nathalie Poza, ganadora del PLATINO a la Mejor Interpretación Femenina de Reparto; fueron reconocidas por su trabajo en la última película de Icíar Bollaín. La estatuilla a la Mejor Interpretación Masculina de Reparto fue a parar a Alfredo Castro por su papel en la cinta chilena El príncipe.

Entre las producciones televisivas galardonadas, destacó la española Patria, que consiguió 4 premios, entre ellos, el que la coronó como Mejor Miniserie o Teleserie Cinematográfica Iberoamericana. Dos reconocimientos para sus actrices, Elena Irureta a la Mejor Interpretación Femenina en Miniserie o Teleserie Cinematográfica por su papel protagónico –que ya le valió el Forqué en la XXVII edición de los premios-, y Loreto Mauleón, visiblemente emocionada al recibir su estatuilla a la Mejor Interpretación Femenina de Reparto en Miniserie o Teleserie Cinematográfica; y el reconocimiento al Mejor Creador de Miniserie o Teleserie Cinematográfica, novedad en la VIII Edición de los PLATINO, para Aitor Gabilondo; completaron el cuarteto de estatuillas de la ficción basada en la novela homónima de Fernando Aramburu que retrata el conflicto vasco.

Los premios interpretativos de la pequeña pantalla fueron a parar a Andrés Parra, galardonado por su papel en la serie colombiana El robo del siglo con el PLATINO a la Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie Cinematográfica, y a su compañero Christian Tappan, que se alzó con la estatuilla a la Mejor Interpretación Masculina de Reparto en Miniserie o Teleserie Cinematográfica en la segunda ocasión a la que optaba al premio.


DIEGO LUNA, NUEVO PREMIO PLATINO DE HONOR

Uno de los momentos de la noche lo protagonizó Diego Luna, flamante Premio PLATINO de Honor, “un embajador de México y de toda Iberoamérica” según le definió Enrique Cerezo, presidente ejecutivo de los Premios PLATINO, antes de entregarle su estatuilla. Por su parte, Diego Luna destacó el estímulo que supone para él su precocidad al recibir el premio: “Más que un reconocimiento a lo hecho pienso que es un compromiso a lo que está por hacer”. El homenajeado también celebró la tan ansiada reunión de la industria iberoamericana, instando a mirar al futuro con optimismo: “Somos capaces de mucho más, y ahí viene una segunda oportunidad”.
Fue el intérprete español Álex García quien protagonizó uno de los momentos más destacados de la gala, que en el escenario de los PLATINO instó al compromiso por la sostenibilidad para luchar contra la crisis climática. Aprovechó también su tiempo en el escenario para mandar sus mejores deseos a la población de la isla canaria de La Palma, aún afectada por las erupciones volcánicas que se suceden desde hace semanas.
La gala, que pudo verse en televisiones en directo en toda Iberoamérica como como 4 Repetel, ATB, ATV Canal 9, Canal 10, Canal 13, Canal Brasil, Caracol HD2, La Red, Movistar+, RPC Canal 4, RTS, RTVE Play, Somos TV, Telesistemas, TNU, TNT, Trecevisión, TV Azteca, TV Ciudad, TVE, Venevisión o VTV, celebró con escrupuloso respeto de las medidas sanitarias la gran fiesta del audiovisual de habla hispana y portuguesa. Una fiesta en la que hubo tiempo que tuvo lugar en Madrid, un envidiable espacio geográfico que, a través de su capital y de cualquiera de los territorios que recorren la comunidad autónoma, ha sido, es y será uno de los grandes destinos cinematográficos tanto para profesionales que busquen localizaciones como para turistas interesados en viajes de cine.

LOS PLATINO, PUNTO DE ENCUENTRO Y CELEBRACIÓN DEL AUDIOVISUAL

Arropado por grandes nombres del audiovisual iberoamericano, el equipo de Las niñas recibió el PLATINO a la Mejor Ópera Prima de Ficción Iberoamericana, cosechando así un nuevo reconocimiento para la película de Pilar Palomero.

Y es que este retrato generacional de la Zaragoza de los años 90 que fue estrenado en la Berlinale fue la gran triunfadora del Festival de Málaga, consiguiendo la Biznaga de Oro; así como de la XXVII Edición del Premio José María Forqué, en la que fue reconocida como Mejor Película de Ficción o Animación, o en los 35 Premios Goya, alzándose con 4 cabezones, entre ellos a la Mejor película.
La coproducción hispano-chilena El agente topo, nominada al 93 Premio Oscar al Mejor Largometraje Documental, fue la ganadora en la categoría a Mejor Película Documental. La cinta, lazo entre no ficción y película de espías con un detective octogenario encargado de investigar los tejemanejes de una residencia de ancianos, también consiguió el Premio PLATINO al Cine en Educación y Valores, estatuilla que celebra la ternura y enseñanzas que se pueden extraer de una película con una marcada preocupación por los cuidados hacia la tercera edad y que recogió la directora del documental, Maite Alberdi, quien reclamó una mayor atención para la vejez y la necesidad de luchar contra la soledad forzada de ese sector de la población.
Los galardones técnicos de la VIII Edición de los Premios PLATINO fueron a parar a la cinta guatemalteca La llorona, que se alzó con las estatuillas al Mejor Montaje para Gustavo Matheu y Jayro Bustamante, Mejor Dirección de Fotografía para Nicolás Wong y Mejor Dirección de Sonido para Eduardo Cáceres. Por su parte, Aránzazu Calleja y Maite Arrotajauregui, responsables de la partitura de Akelarre consiguieron el premio a la Mejor Música Original que en sus agradecimientos al periodista y crítico cinematográfico español Antonio Gasset, recientemente fallecido. Finalmente, La gallina turuleca fue la producción reconocida como Mejor Película de Animación, poniendo el broche a una noche de ensueño que celebró por todo lo alto el audiovisual iberoamericano.

Los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano, promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales), con FIPCA (Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales) y con el apoyo de las Academias e Institutos de Cine Iberoamericanos, aúnan los grandes talentos de las industrias de los 23 países iberoamericanos, ensalzando a las producciones y a los creadores más destacados de cada año con veintidós galardones y un Premio PLATINO de Honor.

*************************************************************************************************************

Día 4 del 69SSIFF: 2021-09-20. 

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas

Fotografías oficiales de las películas: Autoría y propiedad de sus respectivas productoras.

Cuarto día de esta 69 edición del FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN.

A las 8:30 h, en el Teatro Victoria Eugenia, proyección de una de las películas más esperadas de la Sección Oficial:  DISTANCIA DE RESCATE de la directora peruana Claudia Llosa.

Una mujer agoniza lejos de casa. Un niño la acompaña a su lado. Ella no es su madre, él no es su hijo. Mientras su tiempo se agota, cuentan una historia inquietante de almas rotas, peligros invisibles y el poder del amor de una madre por su hijo. Basada en la aclamada novela homónima de Samanta Schweblin.

La novela es un cuento ya que tiene poco más de 70 páginas. La adaptación se centra además en las primeras 20 páginas. El mérito de Llosa, que ha contado con la ayuda de Schweblin como coguionista, es que ha sabido trasladar a la pantalla grande la potente atmósfera del cuento, subrayando aún más la reflexión sobre la maternidad que encierra la obra.

La película navega entre el cine fantástico y el thriller de terror, dosificando bien el suspense que la recorre desde el primer fotograma. Un suspense complejo porque, como en el caso de la novela, una parte muy importante del filme está narrada por la voz en off de un personaje, al principio, desconocido. Además, la acción es mínima y el arco de los personajes, prácticamente inexistente.

Al final, el peso recae en la atmósfera misteriosa y sumamente dramática que se crea. Una atmósfera que encierra una visión –algo angustiosa, pero al mismo tiempo hipnótica– de lo que significa ser madre, y del lazo que supone la maternidad.

A las 14:05 h, rueda de prensa del equipo de DISTANCIA DE RESCATE en el Kursaal.

SESIONES FOTOGRÁFICAS:

En el día de hoy tuve varias sesiones fotográficas en el Hotel María Cristina, concretamente con la escritora EDURNE PORTELA (Jurado de la sección Zinemira)

y con la actriz, EMMA SUÁREZ (protagonista de la película “Josefina” que compite en Nuevos Directores).

A las 15 h tenía cita en el Kursaal con la directora chilena MARIALY RIVAS y con la productora SOFÍA CASTELLS (ésta última está participando en el Foro de Coproducción Europa-América Latina).

A las 16;30 h, en el Kursaal 2, y dentro de la programación de HORIZONTES LATINOS, asisto a la proyección de NOCHE DE FUEGO de la directora Tatiana Huezo.

En un pueblo ubicado en la Sierra de México, tres jóvenes toman las casas de los que han huido, se disfrazan de mujeres cuando nadie mira y tienen un escondite para estar a salvo de quienes se las llevarían; pero los ecos oscuros de la violencia se convierten en una amenaza ineludible.

La protagonista de Noche de Fuego se llama Ana, vive en el fuera de campo de un mundo marcado por la violencia y el dolor. En su escuela, el maestro les habla de lo que implica ver y de como con los ojos no podemos llegar a verlo todo. A partir de aquí, las cosas son ligeramente diferentes. El trasfondo político de la película es el mundo del narcotráfico. La madre de Ana, como muchas mujeres de la zona, trabajan en los campos de amapola recogiendo opiáceos. Algunos días aparecen avionetas que fumigan los campos para matar la cosecha y por la noche los narcotraficantes secuestran a algunas niñas. En los bosques de la zona pueden aparecer algunos cuerpos muertos. En este entorno peligroso, Ana juega con sus amigas, vive el despertar hacia la adolescencia y tiene su primera menstruación.

Noche de fuego podría ser considerada como la otra cara de algunas películas mejicanas sobre la violencia del narcotráfico y su miseria moral como, por ejemplo, Heli de Amat Escalante. En Noche de fuego hay mucha tensión, algo siniestro planea sobre toda la película, pero todo aparece considerablemente contenido, como si toda la película buscara guardar la distancia.

******************************************************************************************************

Día 3 del 69SSIFF: 2021-09-19. 

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas

Fotografías oficiales de las películas: Autoría y propiedad de sus respectivas productoras.

Tercer día de esta 69 edición del FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN.

Por una leve incidencia no pude asistir a la proyección de “Josefina” de Nuevos Directores, a las 8:30 h en el Teatro Principal.

Por lo que el primer acto del día fue asistir a la rueda de prensa de RAPHAEL en el Kursaal, a las 12:30 h.

Raphael presentó en rueda de prensa la serie ‘Raphaelisimo’, que podrá verse próximamente en Movistar+.  Con su habitual carisma, el ARTISTA volvió a cautivar a todos los periodistas asistentes en la sala de prensa.

El cantante Raphael es un icono que, sin cambiar su estilo único y personal, ha resistido al paso del tiempo, las modas y las críticas. Una leyenda viva de la música que cuenta con 60 años de carrera. El cantante ha pasado la mayor parte de su vida encima de un escenario y ha recorrido el mundo desde América Latina, pasando por Rusia.  De todo ello habla este documental, con el que el ARTISTA se mostró encantado.  Quedan pendiente de rodar más capítulos.

A las 16 h, y comprando días antes mi entrada por si tenía problemas para conseguirla de forma habitual como acreditada de prensa (éste documental me interesaba muchísimo), asistí en los Príncipe, Sala 3, a la proyección de “JANE POR CHARLOTTE” de la actriz, cantante y directora Charlotte Gainsbourg.  El documental se proyecta en la sección PERLAS.

Después de un largo tiempo y el paso de los años, Charlotte Gainsbourg ha comenzado a ver por primera vez en su vida a su madre Jane Birkin con otros ojos. Desde hace años venían arrastrando un conflicto común que no las había permitido desarrollar una relación sana entre madre e hija. Ahora, es el momento de reconstruir el vínculo maternal que tanto se había dejado de lado. 

Se trata de la Jane de hoy, la de 74 años, con sus alegrías y sus penas, la que Charlotte deseaba mostrar al seguirla en su vida cotidiana entre su apartamento parisino y la casa familiar en Bretaña. Con la ayuda de un director de fotografía o, en ocasiones, sola, equipada con una pequeña cámara, encontramos a Charlotte en una conversación íntima con Jane, mientras pone a prueba su capacidad para restablecer el diálogo con una madre de la que se siente distanciada tras su exilio estadounidense.  

Tras una primera serie de entrevistas justo después de su concierto en Tokio que resultaron duras para la cantante, quiso abandonar el proyecto, antes de reconsiderar su decisión con brío. Montada a cuatro manos de forma lineal, rodada en Tokio, Francia y Nueva York, la película concluye en octubre de 2020, fecha cargada de significado, puesto que coincide con el regreso definitivo de Charlotte a París. Un diálogo inédito que va más allá del pudor de este dúo mítico de gran repercusión mediática, y una conversación universal entre una hija y su madre.  

Un documental maravilloso que no deberían perderse.

A las 18:10 h, en la sala de prensa del Kursaal, encuentro con el equipo de la película que vi ayer, CAMILA SALDRÁ ESTA NOCHE.

Tres años después de presentar “Julia y el zorro”, su segundo largometraje, en el apartado New Directors del certamen donostiarra, Barrionuevo (Córdoba, 1980) acude a la principal sección del Festival con su cuarto trabajo, sustentado además por las excelentes interpretaciones de un cuadro de jóvenes actores, elegidos en “un proceso de casting muy fuerte”.

Lo ha explicado la realizadora en una rueda de prensa posterior al estreno de la película, recibida con aplausos por el público del Kursaal. Las actrices Nina Dziembrowski y Maite Valero, así como los productores del filme la han acompañado en esta nueva visita a San Sebastián.

También lo ha hecho Andrés Aloi, que firma junto a Barrionuevo un guion no pensado inicialmente para ella y que abordaba fundamentalmente problemas de acoso escolar en adolescentes. “Tenía la mirada de otro director y cuando llegó a mis manos pasó por varias etapas hasta la versión final”, ha precisado.

La historia que decidió contar es la de Camila (Nina Dziembrowski), una chica de 17 años de fuerte carácter y convicciones que vive con su madre y su hermana pequeña en La Plata, pero que debe trasladarse a Buenos Aires con su familia al caer la abuela materna enferma.

El cambio de ciudad conlleva también pasar de un colegio público a uno religioso situado en el barrio donde tiene la casa la abuela y donde la máxima es la “neutralidad” política. Ese será su nuevo espacio y allí vivirá nuevas experiencias, establecerá nuevas relaciones y se enfrentará a nuevos conflictos.

Dziembrowski ha dicho que ese reclamo de neutralidad es algo que “pasa mucho” en Argentina. “En realidad el hecho de no posicionarse es posicionarse. Ya decir eso es un acto político y ya se ve de qué lado de la política estás”, ha destacado.

A las 22:30 h, en los cines Príncipe, Sala 7, asisto a la proyección de la película “MAIXABEL” de Iciar Bollain.  115 minutos. Sección Oficial.

Maixabel Lasa pierde en el año 2000 a su marido, Juan María Jaúregui, asesinado por ETA. Once años más tarde, recibe una petición insólita: uno de los asesinos ha pedido entrevistarse con ella en la cárcel de Nanclares de la Oca /Álava), en la que cumple condena tras haber roto sus lazos con la banda terrorista. A pesar de las dudas y del inmenso dolor, Maixabel accede a encontrarse cara a cara con las personas que acabaron a sangre fría con la vida de quien había sido su compañero desde los dieciséis años.

MAIXABEL es una película que está gustando al público y a parte de la prensa especializada. Sin embargo, no puedo decir que me haya cautivado.  Reconozco el valor de las interpretaciones, especialmente la de una inmensa Blanca Portillo, directa a las quinielas de premios de esta temporada. 

**************************************************************************************************************

Día 2 del 69SSIFF: 2021-09-18. 

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas

Fotografías oficiales de las películas: Autoría y propiedad de sus respectivas productoras.

Segundo día de esta 69 edición del FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN.

La jornada comienza en Teatro Victoria Eugenia, con la película:  “BENEDICTION” del director Terence Davies.  

Siegfried Sassoon fue un hombre complejo que sobrevivió a los horrores de combatir en la I Guerra Mundial y fue condecorado por su valentía, pero a su regreso se convirtió en un firme crítico de la continuación de la guerra por parte de su gobierno. Su poesía se inspiró en sus experiencias en el frente occidental y terminó siendo uno de los principales poetas de guerra de la época. Idolatrado por aristócratas y estrellas del mundo literario y escénico londinense, mantuvo relaciones con varios hombres mientras intentaba aceptar su homosexualidad. Al mismo tiempo, roto por el horror de la guerra, hizo de su viaje vital una búsqueda de la salvación, tratando de hallarla en la conformidad del matrimonio y la religión.

Dentro de una carrera impoluta como la de Terence Davies, muy prolongada en el tiempo y menos abundante en títulos, cada nuevo trabajo supone un verdadero acontecimiento. Y Benediction (2021), con la que el cineasta de Liverpool vuelve a presentarse a concurso en el Festival de San Sebastián, es una de sus más importantes películas.

Davies consigue penetrar en la intimidad de su personaje, un ámbito en el que encuentra razón de ser gran parte de su cine, refugiándose en los interiores, recurriendo en varias ocasiones al material de archivo y rompiendo con una estructura cronológica. Los constantes encadenados para dar paso a elipsis y saltos temporales, acompasados en ocasiones por los movimientos de cámara, son los elementos narrativos con los que construye un relato en el que están muy presentes los temas del pasado y la memoria que tanto interesan al autor de Voces distantes (1988). UNA OBRA MAESTRA.

**********************************************************************************************************

Con la sensación de disfrutar de la que puede ser la gran película de la 69 edición del SSIFF, vamos de nuevo al Teatro Victoria Eugenia para ver a las 12 h la película argentina: “CAMILA SALDRÁ ESTA NOCHE” de la directora Inés Barrionuevo, que compite en la Sección Oficial.

Camila se ve obligada a mudarse a Buenos Aires cuando su abuela enferma gravemente. Deja atrás a sus amigos y una escuela secundaria pública liberal por una institución privada tradicional. El temperamento feroz pero prematuro de Camila se pone a prueba. 

Tercer largometraje de la directora Inés Barrionuevo. Protagonizado por Nina Dziembrowski, Maite Valero, Diego Sánchez y Adriana Ferrer.  Esta película tiene un potente mensaje feminista, valiente y liberador para un grupo de jóvenes mujeres.  La juventud que nos muestra la directora es muy política y en la película salen muchos temas. Desde el hetero-patriarcado y el derecho al aborto a la falsa neutralidad de la iglesia, pasando por el colonialismo o la diferencia entre clases. Muestra magníficamente cuáles son las preocupaciones y los temas que separan a esos jóvenes del sistema establecido.

Muy interesante película.

A las 17 h, es el pase de prensa en el Teatro Principal de una auténtica joya cinematográfica: “PETITE MAMAN” de la directora francesa Cèline Sciamma.

Nelly tiene 8 años y acaba de perder a su abuela. Mientras ayuda a sus padres a vaciar la casa en la que su madre creció, explora con intriga el bosque que la rodea, donde su mamá solía jugar de pequeña. Allí Nelly conoce a otra niña de su edad y la inmediata conexión entre ambas da paso a una preciosa amistad. Juntas construyen una cabaña en el bosque y, entre juegos y confidencias, desvelarán un fascinante secreto. A pesar de las circunstancias familiares, el viaje se convierte en una emocionante aventura para Nelly, quien descubrirá maravillada el universo de su mamá cuando era pequeña, y podrá conectarse con ella de una forma mágica e inusual.

Con la más que demostrada maestría en la dirección de actores/actrices y en la plasticidad y belleza de las imágenes que habitan en sus películas, la directora francesa nos regala una nueva joya visual.  No hay un solo plano que desentone en esta cascada armoniosa y elegante de imágenes. 

Una de las películas de la temporada, ¡NO SE LA PIERDAN¡

*************************************************************************************************************

Día 1 del 69SSIFF: 2021-09-17. 

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas

Fotografías oficiales de las películas: Autoría y propiedad de sus respectivas productoras.

Un año más asistimos acreditados como prensa a una nueva edición del FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN, la número 69.

La jornada comienza en la majestuosa sala 1 del Kursaal, en adelante K1, con la película de inauguración:  “Un segundo” del director Zhang Yimou.   Previamente proyectaron un cortometraje de seis minutos de duración del cineasta aragonés Carlos Saura, titulado “Rosa Rosae”.

Saura crea y recupera más de una treintena de imágenes, dibujos y fotografías que imprime, manipula, con las que juega y luego filma, para crear una historia que, si bien recrea la guerra civil española, también refleja los horrores de una guerra universal, desde la mirada de un niño y su entorno.

Carlos Saura es uno de los cineastas españoles de mayor renombre internacional. El tres veces nominado al Oscar ha cultivado desde pequeño una gran pasión por el arte. Fotógrafo, guionista, novelista y director de teatro y cine, Saura es uno de los referentes del cine español. Destacan entre sus títulos «Cría Cuervos», «Carmen», «Ay Carmela», «Flamenco» o «Sevillanas»

Este cortometraje es, una vez más, otra muestra de su inagotable talento artístico.

Zhang Yimou escribe el guion y dirige otra de sus obras más logradas.  Una clara y evidente declaración de amor al cine.

Un convicto es enviado a un campo de trabajo en el desolado noroeste de China durante la Revolución Cultural del país. Utilizando su ingenio, y con el único fin de ver a su hija, quien ha sido filmada en una película, logra escapar y huye en dirección al cine de un pueblo cercano. Allí espera encontrar esa cinta de película y hacerse con ella. Sin embargo, en dicho lugar se cruza con una vagabunda desesperada por conseguir el mismo carrete de película y que logra robarlo. Curiosamente, este enigmático objeto, que ambos anhelan por motivos muy distintos, se convertirá en la raíz de una inesperada amistad.

A las 12:30 h, en el Teatro Principal, asistimos a nuestra segunda película del día: “Earwing” de la siempre interesante directora Lucile Hadzihalilovic y que concursa en la Sección Oficial.

En algún lugar de Europa, a mediados del siglo XX, Albert trabaja cuidando de Mia, una niña con dientes de hielo. Mia nunca sale de un apartamento donde las puertas y ventanas siempre están cerradas. El teléfono suena con regularidad, y un individuo conocido como el Maestro se interesa por el estado de Mia. Un día, Albert recibe instrucciones: debe preparar a la niña y salir al exterior.

En un festival de cine, mucho más si es de Clase A como el de San Sebastián, los redactores debemos “multiplicarnos” para intentar llegar a numerosos compromisos informativos. En esta ocasión yo estaba citada en el Hotel María Cristina para fotografiar a la directora Iciar Bollain y a los actores Blanca Portillo y Luis Tosar.  Casualmente, mientras esperaba mi turno de trabajo con el equipo de la película “Maixabel”, justo al lado se encontraba Carlos Saura y su hija, Anna.  De ahí que pueda mostrar esta imágen.

ENCUENTRO CON LOS PROTAGONISTAS Y LA DIRECTORA DE “MAIXABEL”.

A las 17 h, en el Teatro Principal, vemos la película: “La Croisade” (Un pequeño plan… para salvar al planeta), de la sección PERLAS, película dirigida por Louis Garrel.

Abel y Marianne descubren que su hijo Joseph, de 13 años, ha vendido en secreto sus objetos más preciados. Pronto se percatan de que Joseph no es el único: cientos de niños de todo el mundo se han unido para financiar un misterioso proyecto ecologista en África. Su misión es salvar el planeta.

El matrimonio en la vida real formado por Louis Garrel y Laeticia Casta, protagonizan este pequeño cuento de hadas.  Un film de corta duración, 67 minutos, que tiene buenas intenciones y se ve con una sonrisa.  Más allá de esto, es una película que no perdurará demasiado tiempo en la memoria de los cinéfilos.

A las 22_45 h, en el Teatro Principal, vemos la película: “TITANE” de la directora Julia Docurnau, dentro de la sección PERLAS.

Un joven con la cara magullada es descubierto en un aeropuerto. Dice llamarse Adrien Legrand, un niño que desapareció hace 10 años. Para su padre, Vincent, esto supone el final de una larga pesadilla y lo lleva a casa. Simultáneamente, se suceden una serie de horribles asesinatos en la región.

“Titane” es la última Palma de Oro en el Festival de Cannes.  Sé que es “políticamente incorrecto” decirlo pero a mi esta película (por llamarlo de alguna manera) me parece una estafa total.  No me gustó. Me parece un auténtico despropósito.  A veces leo que la comparan con “Crash” de David Cronenberg.  No estoy de acuerdo, en absoluto.  La película de Cronenberg tenía (tiene) elementos cinematográficos de primer nivel, algo que no puede decirse de la película de Docurnau.

De todos modos, ya saben…  para gustos los colores.

***************************************************************************************************************

ANNA MARÍA VENTURA, UNA DAMA ENAMORADA DEL TEATRO

Texto: Francesc Mazón Camats

Fotografías y programas de prensa: Archivo personal Francesc Mazón Camats

Anna Maria Ventura Mayoral, Barcelona 23 Mayo 1923 / Madrid 22 Julio 2021

Nacida en Barcelona, en el barrio popular y marinero de la Barceloneta. Su padre Celestí Ventura Raballí “Tino“ era un activo cooperativista, dramaturgo y poeta, propietario de una imprenta “L’Art del Llibre “ en el cercano barrio gótico. Alumna desde los cinco años de la mítica Escola del Mar, construida sobre la misma playa de la Barceloneta y de la que conservará siempre vivo el recuerdo de su formación en ella y su destrucción durante la guerra civil por uno de los feroces bombardeos a que fue sometida su ciudad natal. La constante amenaza de las bombas, llevó a su familia a refugiarse en una casa abandonada en Sant Joan Despí, en las afueras.

Anna Maria había iniciado su formación y actividad teatral, apenas una niña, en el cuadro  escénico del Ateneu Obrer “ La Fraternitat” de la Barceloneta que dirigía su padre.

Frecuenta el Institut del Teatre y colabora con un grupo de teatro amateur el Teatre Studium, creado por el joyero modernista Lluís Masriera, escenógrafo y dramaturgo, ubicado en el Temple Studio, singular edificio grecolatino en el Ensanche, donde coexistían el Taller del artista y un pequeño teatro. En la inmediata posguerra pasó a llamarse “El Teatro de Los Artistas“.

Llega a debutar en pequeños papeles de dama joven en el Teatre Romea, pero el panorama teatral de los pocos escenarios  barceloneses era desolador. Apenas mayor de edad decide trasladarse a Madrid en busca de mejores posibilidades. Allí la actividad teatral privada y pública era intensa a pesar de la estricta censura y los escasos medios. Pasará por diferentes compañías de las que destacamos la de Isabel Garcés-Arturo Serrano, la de Catalina Bárcena o la de Julia Gutiérrez Caba-Manuel Collado. Un largo meritoriaje y precarias condiciones económicas. Coincide en esta dura posguerra con el escenógrafo, figurinista y actor José Luis López Vázquez, con quien se casará en 1951 y del que se separó años después.

Ambos habían vuelto a Barcelona en 1955, integrados en la Compañía Marsillach / Soler Leal con el enorme éxito popular de “Bobosse” de André Roussin, en el Teatre Windsor de la Diagonal.

Un salto adelante se produce con su incorporación a la compañía de Alberto Closas, regresado del exilio argentino, con ella hará su primera gran gira de ocho meses por Sudamérica. En esta nueva década de los 50s, destacan sus trabajos en el teatro clásico “Don Gil de las calzas verdes” y especialmente su colaboración en el estreno de “Sublime Decisión“ 1955 de Miguel Mihura, quizás el mejor autor del momento, inicio de una gran amistad.

Ya en la década de los 60s, trabajando en el Teatro de la Comedia de Madrid, se inicia su consideración como una actriz versátil y sólida, destacó su trabajo en “La bella Dorotea“ 1963 de Cervantes en versión de Mihura. Su paso al Teatro Nacional María Guerrero bajo la dirección de José Luis Alonso, que ella considerará siempre su estimado maestro, supone su confirmación. Se inicia un periodo apasionante, toda una etapa espléndida formando parte de una compañía estable irrepetible, con los sucesivos estrenos de clásicos contemporáneos: “Todos eran mis hijos “ de Arthur Miller 1963, “A Electra le sienta bien el luto “ de O’Neill 1965 (con Julia Gutiérrez Caba y Núria Espert como protagonistas) o “El sol en el hormiguero“ estreno de un nuevo autor, Antonio Gala. También en el María Guerrero se produce la definitiva recuperación de Valle-Inclán con el éxito de “La enamorada del Rey“como protagonista. Ana María se convertirá en vibrante especialista de los difíciles textos de Valle. “Romance de Lobos“, ”La Marquesa Rosalinda” o “Luces de Bohemia” que llevará de gira a París, Moscú y México DF, la trilogía completa de sus “Comedias Bárbaras“ o su ciclo de conferencias sobre el autor impartidas en New York.

En su segunda temporada con José Luis Alonso, ya en la década de los 70s llegará el mejor momento y el reconocimiento de crítica y público de aquella mítica compañía: “Así es si así os parece “ de Pirandello, “Tres sombreros de copa“ de Mihura o “El círculo de tiza caucasiano” estreno comercial de Bertolt Brecht en España. El apoteósico éxito de la versión teatral de “Misericordia “en 1972, de Benito Pérez Galdós, con dirección de Alfredo Mañas y supervisión de Alonso. Largas giras por toda España, Centro y Sudamérica, llamadas, algo pomposamente,”Embajada Cultural y Teatral”. También con “Misericordia“ llegará la puesta de largo  europea del teatro español; una exitosa gira por Lisboa, Dublín o diferentes ciudades del Este (Praga, Varsovia, Bratislava…). Muchos pudimos disfrutar de esta versión en su difusión por TVE, en Estudio I.

Josep María Pou en su texto “El Espacio Vacío“ reflexionaba así sobre su debut en la Compañía Maria Guerrero:

“Conocí personalmente a José Luis Alonso el verano de 1970 ( … ) nos contrató para cubrir los papeles más pequeños de “Romance de lobos“ que iba a iniciar la temporada y marcaba el principio de la que fue su segunda y brillante temporada en ese teatro. Allí en el escenario vacío, junto al grupo de bisoños estaban los grandes, los de siempre, los “Históricos“ José Bódalo, José María Prada, Margarita García Ortega y Félix Dafauce (…) y Julia Trujillo y Ana María Ventura. Allí estaba la escuela de José Luis“.

A principios de los 80s, una fuerte inversión cultural hizo posible que disfrutáramos en Barcelona de temporadas estables del CDN. En el escenario del Teatro Tívoli se estrenaron sucesivamente “Don Álvaro o la fuerza del sino” del Duque de Rivas en versión de Nieva. “Luces de Bohemia “ de Valle con dirección de Lluís Pasqual o el ambicioso montaje de la trilogía completa de las Comedías Bárbaras  de Valle-Inclán, con dirección de José Carlos Plaza.

Finalmente su estimada ciudad natal podía disfrutar de su presencia en los escenarios con cierta continuidad. El año 1993, Pilar Miró estreno aquí y en catalán su brillante montaje de “Les Amistats Perilloses” de Chorderlos de Laclos con Mercè Sampietro al frente. Recordemos que su trabajo en “Una altra Fedra, si us plau “ de Espriu fue en la versión castellana de la obra presentada en Madrid por la compañía de Núria Espert.

Su segundo gran encuentro teatral se produce en 1976 con el estreno conjunto de ”La carroza de plomo candente“ y “El combate de Ópalos y Tasia” del pintor, escenógrafo, dramaturgo y fenómeno teatral Francisco Nieva. Ana María se convertirá en su sorprendente musa, a lo largo de los 80s estrenará seis obras del autor , especialmente las protagonistas, como Tasia de “El combate…“, Mirtila en “La Señora Tártara“ o La Melga en el mayor éxito del autor en el CDN María Guerrero “Coronada y el toro“ dirigida por JL Alonso. Sus últimos estrenos en espléndidas condiciones: “El baile de los ardientes“ 1990 en el papel de Donna Perlata, coincide con la dramática e inesperada desaparición de José Luis Alonso.

Nieva explicaba en una entrevista “… me siento frustrado porque no dispongo de una compañía estable (en referencia a Alonso). Hay actores muy intuitivos como Julia Trujillo o Ana María Ventura que a la vista del decorado extreman sus actitudes y se vuelven pictóricas, conocen muy bien mi teatro y trabajar con ellas es pura delicia…” y la crítica de M. Pérez Cotillo destacó “su esposa Donna Perlata es una cristiana idólatra (…)  Ana María Ventura está a sus anchas con el texto. Conoce bien al autor, desde su deliciosa Tasia del Combate y llena de desplantes y desmayos las letanías de sus dolores, sus parlamentos son puro placer…”.

En septiembre de 1992 en el Teatro Central de Sevilla dentro de los fastos de la Exposición  Universal , se estrena “Españoles bajo tierra“ en el personaje de la  Cariciana, de nuevo junto a Julia Trujillo, la crítica  destacó “el paladeo casi operístico del texto de ambas y el atrevimiento de Ana María”. Fue su última obra de Nieva.

La actriz se mantuvo activa, casi siempre en papeles de carácter, en obras como “El Tartufo” de Molière en versión de Marsillach, ”El Pato silvestre” de Ibsen, el aplaudido montaje de “El tio Vania“ de Chekhov en versión de Miguel Narros o su nominación a los premios Max por su personaje de madre de las solteronas en “Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores“ de Lorca.

El año 2011 se despide de los escenarios con “Woyzeck“ de Büchner en el Teatro María Guerrero, como no podía ser de otra manera.

En una irónica pirueta del destino, esta excelente y cultísima actriz superó el temible covid para morir tan solo unos meses antes de la celebración del centenario de su adorada Escola del Mar, de la que se sintió siempre alumna privilegiada, como un barco de madera anclado en la playa de la Barceloneta del barrio que la vio nacer.

***************************************************************************************************************

JOHNNY DEPP, PREMIO DONOSTIA 69SSIFF

Texto y fotografías procedentes de la web oficial SSIFF

Johnny Depp, uno de los actores más talentosos y versátiles de la cinematografía contemporánea, recibirá un Premio Donostia el día 22 de septiembre, miércoles, en el Auditorio Kursaal, dentro de la 69 edición del Festival de San Sebastián.
Depp ha sido nominado en tres ocasiones a los Oscar, ha obtenido un Globo de Oro y ha sido candidato diez veces, ha sido reconocido con el premio al mejor actor y con seis nominaciones por el Screen Actors Guild, y fue el vencedor en la 14 edición de People’s Choice Award. Intérprete en más de 90 producciones audiovisuales, ha producido también una decena de filmes, incluido el más reciente, Minamata (El fotógrafo de Minamata, 2020), de Andrew Levitas; Hugo (La invención de Hugo, 2011), dirigido por Martin Scorsese, o Crock of Gold: A Few Rounds With Shane MacGowan (Crock of Gold: Bebiendo con Shane MacGowan, 2020), realizado por Julien Temple, que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el último Festival de San Sebastián. Asimismo, ha dirigido cortos y el largometraje The Brave (1997), que también escribió y que contó con Marlon Brando como intérprete.
Debutó en el cine con 21 años como víctima de Freddy Krueger en A Nightmare on Elm Street (Pesadilla en Elm Street, 1984) y, con el paso de los años, la relación con la audiencia cristalizó a principios de los 90 a través de sus roles protagonistas en la película de culto Cry-Baby (El lágrima, Zabaltegi 1990), escrita y dirigida por John Waters, y su primera colaboración con Tim Burton, Edward Scissorhands (Eduardo Manostijeras, 1990).
En los siguientes años protagonizaría películas dirigidas por cineastas tan relevantes como Emir Kusturica (Arizona Dream / El sueño de Arizona, 1992), Lasse Hallström (What’s Eating Gilbert Grape? / ¿A quién ama Gilbert Grape?, 1993, y Chocolat, 2000), Tim Burton (Ed Wood, 1994, y Sleepy Hollow, 1999), Jim Jarmusch (Dead Man, 1995), Mike Newell (Donnie Brasco, 1997) y Terry Gilliam (Fear and Loathing in Las Vegas / Miedo y asco en Las Vegas,1998), cineasta a quien el Festival dedicó una retrospectiva.


En el siglo XXI, su interpretación del capitán Jack Sparrow en la saga de Piratas del Caribe (2003, 2006, 2007, 2011 y 2017) le ha granjeado la admiración también de las nuevas generaciones. En esta época recibe sus tres nominaciones a los Oscar por Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl (Piratas del Caribe. La maldición de la perla negra, 2003), Finding Neverland (Descubriendo Nunca Jamás, 2004) y Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (Sweeney Todd, el barbero diabólico de Fleet Street, 2007). Por este último papel recibió un Globo de Oro, premios en los que acumula otras nueve nominaciones. En su amplio inventario de reconocimientos figura también un premio Cesar honorífico (1999), lista a la que se incorpora ahora el Premio Donostia.
En los últimos años ha trabajado con Gore Verbinski (The Lone Ranger / El llanero solitario, 2013), Rob Marshall (Into The Woods, 2014), Scott Cooper (Black Mass, Perlak 2015), Kenneth Branagh (Murder on the Orient Express / Asesinato en el Orient Express, 2017) o Andrew Levitas (Minamata / El fotógrafo de Minamata, 2020).
Depp ha encarnado a escritores, policías infiltrados o forajidos, casi siempre inadaptados, acompañado de compañeros de reparto como Marlon Brando, Faye Dunaway, Jerry Lewis, Penélope Cruz, Helena Bonham Carter, Javier Bardem, Kate Winslet, Mark Rylance, Dustin Hoffman, Judi Dench, Antonio Banderas, John Malkovich, Marion Cotillard, Forrest Whitaker, Al Pacino, Benedict Cumberbatch, Morgan Freeman, Benicio del Toro, Michelle Pfeiffer, Leonardo Di Caprio o Christopher Plummer, entre muchos otros.
Esta será la tercera visita de Johnny Depp al Festival tras su paso fugaz en 1998 junto a Terry Gilliam y su regreso en 2020 por la participación de Crock of Gold: A Few Rounds with Shane MacGowan (Crock of Gold: Bebiendo con Shane MacGowan).
Las entradas para la entrega del premio, que tendrá lugar antes de la proyección fuera de concurso de la película de Sección Oficial La hija, dirigida por Manuel Martín Cuenca y protagonizada por Javier Gutiérrez y Patricia López Arnaiz, se pondrán a la venta el lunes 13 de septiembre.

PERLAS (Continuación) 69SSIFF

Texto y fotografías procedentes de la web oficial del SSIFF

La sección Perlak del Festival de San Sebastián, que celebrará su 69ª edición del 17 al 25 de septiembre, acogerá un total de 15 películas programadas previamente en festivales como Cannes, Venecia o Berlín. A nombres consagrados como Ryusuke Hamaguchi, Todd Haynes, François Ozon y Paul Verhoeven se sumarán importantes realizadores de la cinematografía contemporánea como la última ganadora de la Palma de Oro Julia Ducournau, Céline Sciamma, Sean Baker y Joachim Lafosse. Además, el escritor Emmanuel Carrère presentará su segunda ficción como director y también se mostrarán, entre otros, los debuts de Shipei Wen y Charlotte Gainsbourg.

INAUGURACIÓN Y CLAUSURA
Competencia oficial, la comedia con la que Gastón Duprat y Mariano Cohn participarán próximamente en la Mostra de Venecia, inaugurará Perlak a concurso. Los directores argentinos, responsables de títulos como El artista (2008), El hombre de al lado (2009), El ciudadano ilustre (2016) o Todo sobre el asado (Culinary Zinema, 2016), presentarán esta tragicomedia ambientada en el mundo del cine. Penélope Cruz interpreta a una excéntrica cineasta y Antonio Banderas y Oscar Martínez, a un actor de Hollywood y a un intérprete de teatro radical, respectivamente.
Al margen de la competición por el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián, la clausura de la sección será un documental proyectado también fuera de concurso en el reciente Festival de Cannes, The Velvet Underground, en el que Todd Haynes analiza la trascendencia del célebre grupo de rock liderado por Lou Reed. El director estadounidense, que fue presidente del jurado oficial de San Sebastián en 2013, es el autor de títulos premiados como Far from Heaven (Lejos del cielo, 2002), I’m Not There (2007) –en la que recreaba libremente la vida de Bob Dylan–, Carol (2015) y Wonderstruck (Wonderstruck. El museo de las maravillas, Perlak, 2017).

PROYECCIONES OFICIALES FUERA DE CONCURSO
Perlak incluirá dos proyecciones especiales fuera de concurso en reconocimiento a dos de las películas más importantes de este año y también de las más aplaudidas en el último Festival de Cannes: Titane, de la directora francesa Julia Ducournau, y Drive My Car, del japonés Ryusuke Hamaguchi. Ducournau, la segunda mujer que conquista la Palma de Oro en la historia del festival galo, debutó con el filme de género Raw (Grave, 2016) y ahora regresa con Titane, otra inclasificable mezcolanza de géneros protagonizada por Agathe Rouselle y Vincent Lindon.
Basada en un relato breve de Haruki Murakami, Drive My Car, que ganó el Premio al mejor guion y el Premio FIPRESCI en Cannes, aborda la historia de un actor y director de teatro que acepta montar la obra Tío Vania de Chéjov mientras trata de recuperarse de un drama personal. Hamaguchi, que ya concursó en el festival francés con Netemo Sametemo / Asako I & II (Perlak, 2018), presentó su ópera prima, Passion (Pasión, 2008), en New Directors.

A CONCURSO
Hamaguchi participará en Perlak por partida doble, pues también presentará Guzen to sozo / Wheel of Fortune and Fantasy (La ruleta de la fortuna y la fantasía), con la que este año ganó el Oso de Plata Gran Premio del Jurado en la Berlinale. Este filme, que sí optará al Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián como el resto de los que integran la sección, es un tríptico de cuentos unidos por la memoria, el engaño y el destino.
La directora francesa Céline Sciamma, que mostró Bande de filles / Girlhood (Premio TVE-Otra mirada, 2014) y Portrait de la jeune fille en feu (Retrato de una mujer en llamas, 2019) en Perlak, regresa a esta sección con Petite maman, que narra la amistad entre dos niñas y que también formó parte de la competición oficial de Berlín.
En Perlak, además, concursarán tres directores que en los últimos años han competido en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y cuyos nuevos trabajos pudieron verse en Cannes: Joachim Lafosse, François Ozon y Louis Garrel. Por un lado, Lafosse muestra en Les intranquilles / The Restless cómo la enfermedad mental marca la relación de una pareja. El realizador belga, autor de títulos como Nue propriété (Propiedad privada, 2006) o À perdre la raison (Perder la razón, 2012), obtuvo la Concha de Plata a la mejor dirección con Les chevaliers blancs / The White Knights (Los caballeros blancos, 2015), mientras que L’économie du couple (Después de nosotros, 2016) participó en Perlak.
François Ozon, ganador de la Concha de Oro y del Premio del Jurado al mejor guion por Dans la maison (En la casa, 2012), traerá un drama sobre la eutanasia que concursó en Cannes, Tout s’est bien passé / Everything Went Fine. Otros títulos del realizador francés exhibidos en San Sebastián son Sous le sable / Under the Sand (Bajo la arena, 2000), que compitió en la Sección Oficial al igual que Le réfuge / The Refuge (Mi refugio, Premio Especial del Jurado, 2009), Jeune et jolie / Young and Promising (Joven y bonita, 2013), Une nouvelle amie / The New Girlfriend (Una nueva amiga, 2014) y Été 85 / Summer of 85 (Verano del 85, 2020).
Louis Garrel dirige y protagoniza La croisade / The Crusade, que cuenta la historia de un misterioso proyecto con el que niños de todo el mundo se proponen salvar el planeta. Es el tercer largometraje dirigido por el también actor francés tras Les deux amis (Los dos amigos, 2015) y L’homme fidèle / A Faithful Man (Un hombre fiel, 2018), que brindó a Garrel en San Sebastián el Premio del Jurado al mejor guión, coescrito junto al fallecido Jean-Claude Carrière. El guión de La croisade, filme estrenado en el apartado Proyecciones Especiales de Cannes, también lleva la firma de ambos y está protagonizado por los mismos personajes de L’homme fidèle, interpretados por Laetitia Casta, Joseph Engel y Louis Garrel.
Las Proyecciones Especiales de Cannes también acogieron el debut del cineasta chino Shipei Wen, Re Dai Wang Shi / Are You Lonesome Tonight?, un thriller hipnótico y retorcido, además de una apasionante exploración de la culpa y la misericordia, del perdón y la redención.
Otro título proveniente de la competición de Cannes es Red Rocket, un largometraje de Sean Baker que narra el regreso de un actor de cine para adultos a su ciudad natal en Texas. El realizador estadounidense es autor de largometrajes como Tangerine (2015) o The Florida Project (2017), que fue proyectada en Perlak.
También se ha rescatado de la Sección Oficial de Cannes Benedetta, de Paul Verhoeven, que ha ambientado en el siglo XV el relato de una monja capaz de obrar milagros. El realizador neerlandés, cuya película Basic Instinct (Instinto básico, 1992) formó parte en 2011 de la retrospectiva American Way of Death: Cine negro americano 1990-2010, regresa a Perlak tras Elle (2015).
Procedente de la nueva sección Premières del Festival de Cannes, Perlak mostrará Jane par Charlotte / Jane by Charlotte, un documental escrito y dirigido por la actriz Charlotte Gainsbourg que combina imágenes inéditas, fotografías y entrevistas para crear un retrato de su madre, Jane Birkin. Se trata del primer trabajo como directora de la intérprete y cantante anglofrancesa.
Emmanuel Carrère, uno de los escritores más reputados de Francia y Premio Princesa de Asturias de las Letras 2021, presentará su segunda película de ficción, Ouistreham / Between Two Worlds (En un muelle de Normandía), que formó parte de la última Quincena de Realizadores de Cannes. En este caso no ha adaptado una novela propia, como hizo en su debut La moustache (2005), sino que ha llevado libremente a la pantalla un libro de Florence Aubenas en el que una escritora se hace pasar por limpiadora para realizar una investigación sobre la inseguridad laboral.
Xavier Giannoli, cuyo debut Les corps impatients / Eager Bodies (2003) pasó por New Directors, presentará Les illusions perdues / Lost Illusions (Las ilusiones perdidas) tras su paso por la próxima edición del Festival de Venecia. El director francés, que en 2009 participó en la retrospectiva La Contraola: Novísimo cine francés con Les corps impatients (2003) y L’interview (1998), ha adaptado la novela de Honoré de Balzac sobre un joven poeta desconocido que quiere abrirse paso en la Francia del siglo XIX. En el reparto figuran Benjamin Voisin, Xavier Dolan, Vincent Lacoste, Cécile de France, Gérard Depardieu y Jeanne Balibar.
Perlak es una selección de destacados largometrajes del año, inéditos en España y que han sido aclamados por la crítica y/o premiados en otros festivales internacionales. Estas películas optan al Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián, que incluye dos galardones para los distribuidores del filme en España: uno a la mejor película (50.000 euros) y otro al mejor filme europeo (20.000 euros).

HORIZONTES LATINOS EN 69SSIFF

Texto y fotografías procedentes de la web oficial del SSIFF

La selección de Horizontes Latinos de 2021 reunirá en el Festival de San Sebastián diez películas latinoamericanas dirigidas por cineastas de Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, México, Suiza, Uruguay y Venezuela, que incluyen cinco filmes procedentes del work in progress latinoamericano del Festival, tres óperas primas y el regreso a la sección de realizadores como Paz Fábrega, Alonso Ruizpalacios y Lorenzo Vigas.
La ganadora del Premio de la Industria WIP Latam 2020, Piedra Noche / Dusk Stone, de Iván Fund, competirá por el Premio Horizontes, tras su paso por la sección Giornate degli Autori del Festival de Venecia. El cineasta argentino, que ha sido premiado en los certámenes de Cannes, BAFICI y Mar del Plata por sus anteriores películas, cuenta una historia sobre el duelo de un matrimonio.
El empleado y el patrón / The Employer and the Employee, la ganadora del Premio Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam en 2020, clausurará la selección de Horizontes. Su director, el uruguayo Manuel Nieto Zas, galardonado en Rotterdam y La Habana, estrenó su tercera película, protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart, en la pasada Quincena de Realizadores de Cannes.
Otro filme de la cantera de WIP Latam, Jesús López, tendrá su estreno mundial en San Sebastián e inaugurará la sección. La película del realizador argentino Maximiliano Schonfeld, que ha presentado sus anteriores producciones en la Berlinale, narra la transformación de Abel después de que su primo Jesús muera en un accidente de tráfico. Jesús López fue seleccionado también en Proyecta, la colaboración de Ventana Sur y el Festival de San Sebastián, en 2018.
Madalena formó parte de la competición oficial de Rotterdam tras ser seleccionada en Cine en Construcción 36. El primer largometraje del realizador brasileño Madiano Marcheti cuenta la historia de tres personajes vinculados por la desaparición de Madalena.
Aurora, la nueva película de Paz Fábrega, que formó parte de la selección de Cine en Construcción 37 bajo el título de Desasosiego / Restless, también compitió en Rotterdam. Aurora supondrá la segunda participación de la directora costarricense en Horizontes Latinos, tras la selección de su primer largometraje, Agua fría de mar, en 2010.
Lorenzo Vigas también volverá a Horizontes Latinos para presentar su segunda película, La caja / The Box, que en septiembre competirá por conseguir de nuevo el León de Oro del Festival de Venecia tras obtenerlo con Desde allá / From Afar, su debut en el largometraje en 2015. El realizador venezolano cierra con La caja su trilogía en torno a la paternidad, que inició con el corto Los elefantes nunca olvidan (2004).
El director mexicano Alonso Ruizpalacios, que ganó el Premio Horizontes con su filme de debut, Güeros (2014), regresa con Una película de polícias / A Cop Movie, que compitió por el Oso de Oro en la última Berlinale y obtuvo el Oso de Plata a una contribución artística extraordinaria por el montaje de Yibrán Asuad.
También procedente del Festival de Berlín, de la sección Encounters, el Festival programará Azor, proyecto que fue seleccionado en la quinta edición del Foro de Coproducción Europa-América Latina. El primer largometraje del director suizo Andreas Fontana sitúa dos banqueros en el contexto de la dictadura argentina y sus desapariciones.
La directora mexicana Tatiana Huezo presentará Noche de fuego / Prayers for the Stolen, que recibió una mención especial en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. Noche de fuego es el primer largometraje de ficción de Huezo, cuya no ficción El lugar más pequeño formó parte de la retrospectiva 4+1: Cine mexicano contemporáneo, programada en 2011.
Amparo, el debut en el largometraje de Simón Mesa Soto que formó parte de la selección de la Semana de la Crítica del pasado Festival de Cannes, sigue a una mujer cuyo hijo ha sido reclutado por el Ejército. El director colombiano ganó la Palma de Oro al mejor cortometraje con su corto de graduación (Leidi, 2014).
La sección Horizontes Latinos es uno de los reflejos del fuerte vínculo que el Festival de San Sebastián tiene con Latinoamérica. Todos los largometrajes seleccionados, que son inéditos en España, producidos total o parcialmente en América Latina, dirigidos por cineastas de origen latino o que tienen por marca o tema comunidades latinas, optan al premio Horizontes, dotado con 35.000 euros destinados al director o directora y a la distribuidora en España.
El Jurado del Premio Horizontes es el encargado de valorar y premiar estas películas. Los filmes de Horizontes Latinos que sean la primera o segunda película de su director optan también al Premio TCM de la Juventud, atribuido por un jurado formado por estudiantes de entre 18 y 25 años.