Agnes (interpretada por la propia Eva Victor), una estudiante de posgrado en una universidad del noreste de los EUA, atraviesa una experiencia traumática que trastorna su vida.
La escena en concreto no se muestra, ocurre fuera de campo, intuida a través de las paredes de una casa mientras el sol cae en un plano fijo y distante. Esa decisión ética y estética habla de la voluntad de Victor de filmar el espacio que los actos dejan tras su paso.
En una inversión radical de la intención espectacular de Gaspar Noé en Irreversible, el filme renuncia a reproducir la violencia y elige filmar sus ecos. No es la única película que lo hace: recientemente pudimos verlo en “Siempre nos quedará mañana” de la directora, guionista y actriz Paola Cortellesi.
Eva Victor dirige, escribe e interpreta un debut genuino que invita a la reparación y la ternura, y que llega a los cines españoles el 27 de febrero. Merece, al igual que la protagonista, una escucha activa, una de esas que acompaña suavemente, de la que tiende la mano.
Sorry, Baby, el largometraje producido por A24 y nominado en Sundance a mejor guion y a los Globos de Oro por mejor actriz principal, el largometraje producido por A24 invita a aferrarse a las bondades, a las más pequeñas, a las recién nacidas y aún por venir.
Pareciera que tras la oleada de cine feminista tras el movimiento #MeToo, de la que pocos filmes sobrevivieron a la denostación del público general o de la instrumentalización comercial baratera del sufrimiento de las víctimas, poco cine ha querido subrayar o poner sobre la mesa lo que Sorry, Baby hace con naturalidad.
En un momento en el que el feminismo es la mayoría de las veces irritante en los foros populares, el debut de Eva Victor viene a alumbrar con un ejercicio sólido sobre una historia escrita, dirigida e interpretada por una mujer queer que no pretende ofrecer respuestas. Más bien alumbramiento natural, lento.
Dos premières españolas, un homenaje a Miyazaki y uno de los grandes éxitos del anime del año se añadirán a la nueva edición del ANIME DAY
Tras la gran acogida que tuvo en 2025, el Festival dedicará de nuevo este año un día entero al cine de animación japonés.
La décima edición del BCN FILM FEST, que tendrá lugar del 16 al 24 de abril de 2026, contará de nuevo con la sección ANIME DAY, con el objetivo de presentar contenidos de anime japonés (estrenos, clásicos, documentales…) en la gran pantalla. Cinco serán las producciones que se presenten, la mayoría provenientes de mangas de éxito, con lo que el Festival sigue apostando por las películas basadas en adaptaciones literarias, uno de los ejes principales del Festival desde su nacimiento.
La sección ANIME DAY, coordinada por CineAsia, que forma parte del equipo del Festival, cuenta con la complicidad y la colaboración especial de MANGA BARCELONA, que nos acompañará el 19 de abril en los Cines Verdi. Las 5 proyecciones del ANIME DAY estarán precedidas de presentaciones y contarán con sorteos y muchas sorpresas.
VALENTINA DE MONTBLANC Director: Àlex Roca Cómic: Míriam Bonastre Tur España, 2026
De nuevo, una première mundial en el Anime Day de la mano de 3CAT y Super3 que nos presentarán la primera serie de estética anime en catalán creada en Catalunya y basada en los cómics de Míriam Bonastre Tur: VALENTINA DE MONTBLANC. Un viaje lleno de aventuras por el corazón de las leyendas catalanas de la mano de la princesa Valentina que recorrerá diferentes lugares del territorio catalán y se encontrará con personajes tan míticos como Patufet o el mismísimo Sant Jordi.
La serie VALENTINA DE MONTBLANC, producida por 3CAT en colaboración con LUEE Animació, consta de seis episodios y está dirigida por Àlex Roca. Los tres primeros episodios se proyectarán en primicia en el marco del ANIME DAY del BCN FILM FEST, presentados y acompañados de un coloquio tras la proyección con la autora del cómic y el director de la serie Àlex Roca.
VALENTINA DE MONTBLANC es un proyecto transmedia que se basa en un cómico inédito de Míriam Bonastre Tur. La versión en papel de este cómic inédito en catalán, en el que se basa la serie de animación, saldrá a la venta el 13 de abril a todas las librerías. El libro será publicado por la editorial Entredos con la participación de 3Cat.
El ANIME DAY del BCN Film Festival contará también con dos estrenos de anime en España, uno de ellos llegado de la Sección Oficial del Festival de Berlín como es A NEW DAWN, y el otro la continuación de una de las sagas más queridas por el fan del manga y del anime como Assassination Classroom: ASSASSINATION CLASSROOM THE MOVIE: OUR TIME, una historia completamente nueva para celebrar el 10º aniversario del anime. El fenómeno de culto CHAINSAW MAN – LA PELÍCULA: EL ARCO DE REZE, estrenada el año pasado, también podrá verse en el Festival, y celebraremos el 25 aniversario de una de las películas más importantes de la animación mundial y del anime en particular: EL VIAJE DE CHIHIRO de Hayao Miyazaki, Oso de Oro en el Festival de Berlín y Oscar a la Mejor Película de Animación.
A NEW DAWN Director: Yoshitoshi Shinomiya Guion: Yoshitoshi Shinomiya Japón, 2026
El debut en la dirección del pintor y animador Yoshitoshi Shinomiya (director artístico de obras tan emblemáticas como “Your Name” o “En este rincón del mundo”), es un desbordante y hermoso ejercicio visual tan hipnotizante como arriesgado. Esta historia de amistad y de resistencia gira en torno a Keitaro, quien se resiste a abandonar la vivienda y fábrica familiar de fuegos artificiales que va a ser demolida. Su hermano y una amiga de la infancia le ayudarán a recrear el mítico fuego artificial Suhari que ideó su padre desaparecido tiempo atrás, antes de ceder el lugar a la nueva constructora. Directamente de la Sección Oficial del Festival de Berlín de este año, A NEW DAWN se presenta oficialmente en España en el ANIME DAY del BCN FILM FEST.
ASSASSINATION CLASSROOM THE MOVIE: OUR TIME Director: Masaki Kitamura Guion: Makoto Uezu Manga: Yusei Matsui Japón, 2026
Con la graduación a la vuelta de la esquina, ya nadie se burla de los alumnos rezagados de la clase 3-E. Cada recuerdo del año que han vivido juntos va llenando poco a poco el viejo edificio del aula: arte corporal, natación, actividades extracurriculares que aprovechan sus habilidades de asesinato, romances de San Valentín y la misteriosa vida privada del profesor fuera del horario escolar. Al mirar atrás, los alumnos comprenden cuánto han cambiado durante su paso por esta peculiar “Clase de Asesinato”. Pero, ¿qué será lo que Koro-sensei tendrá preparado para ellos en el poco tiempo que les queda juntos? Una nueva entrega el maestro más marciano en el ANIME DAY para celebrar el 10º aniversario de la serie de anime.
CHAINSAW MAN – LA PELÍCULA: EL ARCO DE REZE Director: Tatsuya Yoshihara Guion: Hiroshi Seko Manga: Tatsuki Fujimoto Japón, 2025
En 2022, el fenómeno de Chainsaw Man pasó de ser uno de los mangas más vendidos de todos los tiempos (más de 31 millones de copias) a convertirse en una de las series de anime más importantes del año. Rescatamos para el ANIME DAY uno de los éxitos del anime del pasado año, una historia épica en la que Denji y el resto de Devil Hunters de la División de Seguridad Pública se preparan para una nueva aventura. En CHAINSAW MAN – LA PELÍCULA: EL ARCO DE REZE, que retoma la historia justo donde acaba la serie, en medio de una brutal guerra entre demonios, cazadores y enemigos ocultos, una misteriosa chica llamada Reze irrumpe en el mundo de Denji que se enfrenta a su batalla más mortífera, impulsado por el amor, en un mundo donde la supervivencia no conoce reglas.
EL VIAJE DE CHIHIRO Director: Hayao Miyazaki Guion: Hayao Miyazaki Japón, 2001
La película que supuso un reconocimiento y posicionamiento internacional, no solo en particular para el anime japonés, sino en general para la industria de la animación, EL VIAJE DE CHIHIRO, está de celebración. La historia de maduración y crecimiento de la adolescente Chihiro, que debe transitar por un mundo fantástico para devolver a sus padres, convertidos en cerdos, su forma humana, significó un antes y un después para Studio Ghibli, consiguiendo el Oso de Oro en el Festival de Berlín y el Oscar a la Mejor Película de Animación. Celebraremos en el ANIME DAY su 25 aniversario.
Amélie es una niña belga nacida en Japón. Gracias a su niñera Nishio-san la vida es todo aventuras y descubrimientos. Pero en su tercer cumpleaños ocurrirá un suceso que lo cambie todo, iniciando una serie de acontecimientos que marcarán su vida y darán forma a su manera de entender el mundo.
Esta deslumbrante obra de animación adapta la novela de autoficción Metafísica de los tubos, donde la gran escritora belga Amélie Nothomb rememora episodios de su infancia en Japón.
A través de la mirada en gestación de una niña durante sus tres primeros años de existencia y de la amistad con su cuidadora, asistimos a un flujo de imágenes con las que se revela el mundo circundante.
Su atención al detalle y su colorida expresividad, apoyada en un equipo artístico que incluye a Rémi Chayé (Calamity), marcan ese despertar de la conciencia, incluyendo la de la transitoriedad de la vida.
Ganadora de sendos premios del público en Annecy y San Sebastián, esta película tiene la intensidad emocional y la poética exquisita del anime de autores como Isao Takahata o Sunao Katabuchi.
Mezclando memoria y mitología, Little Amélie se convierte en un regalo para los sentidos y para el alma.
Greenland 2: Migration (titulada Greenland 2 en España).
Después de sobrevivir al fin del mundo por la caída de un cometa, Jeff Garrity, junto con su mujer Allison y su hijo Nathan, deciden abandonar el búnker que les ha mantenido a salvo cinco años para buscar una zona en Europa que podría ser habitable. Así, el último refugio es el principio de un nuevo comienzo. Juntos emprenderán un viaje donde los desastres naturales y los humanos que sobrevivieron han convertido el mundo en un auténtico infierno.
En la primera película vemos cómo Garrity (Gerard Butler), ingeniero de estructuras con una importante trayectoria profesional es seleccionado junto a su mujer Allison (Morena Baccarin) y su hijo Nathan (Roger Dale Floyd) para ocupar un búnker que les proteja del impacto inminente del cometa Clarke sobre la Tierra. Juntos son capaces de superar un sinfín de obstáculos hasta llegar al búnker que, está en Groenlandia.
La película de la que estamos hablando ahora comienza cinco años después de la llegada al búnker. En él hacen ejercicio, se imparten clases y hay reuniones de alto nivel para decidir qué hacer (todos los seleccionados lo han sido por sus aptitudes esenciales). La única solución parece que es “migrar” (el subtítulo de la película es “migración”) al cráter donde cayó el fragmento más grande del cometa. Ese lugar no sólo está libre de radiación, sino que, al parecer, es edénico.
Un terremoto que daña gravemente el refugio hace que la migración sea obligada. Desde este momento hasta el final, John Garrity acaudillará a su familia y a alguna invitada especial hasta el cráter prometido como si su misión fuera una actualización de la de Noé y Moisés al mismo tiempo.
Película que cada cual interpretará según sean sus creencias, o no, religiosas.
En su reparto: Amber Rose Revah, Morena Baccarin, Gerard Butler, Nathan Wiley, William Abadie, Tommie Earl Jenkins.
El Teatro Principal celebra «30 años juntos en la jota» de los cantadores Nacho del Río y Beatriz Bernad
Ambos forman una pareja artística con una larga trayectoria que los ha convertido en uno de los dúos más representativos de la historia del folclore aragonés.
Una de las más parejas con una trayectoria más reconocida en el mundo de la jota, la formada por Nacho del Río y Beatriz Bernad, ofrecerá dos tardes en el Teatro Principal de Zaragoza, el 20 y 21 de marzo a las 20:00 horas, con su espectáculo «30 años juntos en la jota».
El montaje conmemora tres décadas de trayectoria artística compartida por ambos intérpretes, que comenzaron su camino conjunto bajo la guía del maestro Jesús Gracia y desde entonces han desarrollado una carrera marcada por la renovación de la jota aragonesa, combinando respeto por la tradición con nuevas propuestas escénicas y musicales.
A lo largo de estos años, Nacho del Río y Beatriz Bernad han participado en numerosos proyectos vinculados a la difusión y evolución de la jota, tanto en producciones escénicas como en trabajos discográficos y colaboraciones con destacados músicos y creadores. Entre sus propuestas más recientes figuran espectáculos como Mi corazón dice o La jota fue lo primero, que han contribuido a acercar este género a nuevos públicos.
El espectáculo en el Teatro Principal será una gala conmemorativa que recorrerá algunas de las tonadas y piezas más representativas interpretadas por ambos artistas durante estas tres décadas de colaboración. La velada contará con la participación de músicos y bailadores que han acompañado a los joteros a lo largo de su carrera y que han crecido escuchando su música.
La propuesta escénica está dirigida por Marian Pueo, con Sergio Aso al frente de la dirección musical y coreografía de Pablo P. Alonso e Ingrid Magrinyà, en una producción ejecutiva de Toño Monzón.
Con una duración aproximada de 90 minutos, este concierto está recomendado para todos los públicos y se presenta como un homenaje a la trayectoria artística de dos referentes de la jota y, al mismo tiempo, como una celebración de uno de los géneros más representativos de la cultura aragonesa.
Man-su, un especialista en la fabricación de papel con 25 años de experiencia, está tan satisfecho con su vida que puede decirse sinceramente a sí mismo: «Lo tengo todo». Mientras pasa felizmente sus días con su esposa Miri, sus dos hijos y sus dos perros, Man-su recibe de repente la noticia de que ha sido despedido de su empresa. Sintiéndose como si le hubieran cortado la cabeza con un hacha, Man-su se compromete a encontrar un nuevo trabajo en los próximos tres meses por el bien de su familia.
A pesar de su firme determinación de darle un giro a su vida, Man-su pasa más de un año yendo de una entrevista de trabajo a otra, hasta que finalmente consigue un empleo en una tienda minorista. Se encuentra en peligro de perder la casa que tanto le costó comprar.
“No hay otra opción” es la segunda adaptación de la novela «The Ax» de Donald E. Westlake. La primera se estrenó hace dos décadas, y también resultó ser excelente. Nos referimos a “Arcadia”, la última gran obra del director franco-griego Costa-Gavras, autor de clásicos del cine europeo como “Z” (69) y “Estado de sitio” (73).
Park ha declarado que, después de leer la novela de Westlake, quiso llevarla a la pantalla inmediatamente; y sólo más tarde supo que ya existía la versión de Costa-Gavras, al que, no obstante, ha homenajeado dedicándole su película. En cualquier caso, a pesar de contar la misma historia en un tono de comedia muy negra, las dos son bastante diferentes.
Tratándose de una película dirigida por el realizador de “Old Boy” lo que también encontramos es un apabullante despliegue visual. Park se las arregla para convertir cada uno de los disparatados crímenes del Man-su en una pieza de set brillante e imaginativa.
Manfred (Mads Mikkelsen), cuyo trastorno le hace creerse John Lennon y olvidar dónde enterró el dinero del robo por el que su hermano Anker (Nikolaj Lie Kaas) ha pasado 15 años en la cárcel. Recién liberado, emprenden juntos la búsqueda del tesoro mientras tratan de descubrir quiénes son.
Así arranca una sinuosa comedia negra llena de registros impredecibles, cruce entre los Coen y Roy Andersson, que cosechó excelentes críticas en Venecia y Toronto.
Anders Thomas Jensen es un director y guionista danés, conocido por su estilo irreverente, oscuro y profundamente humano. Nacido en 1972 en Frederiksværk, Dinamarca, Jensen se ha destacado tanto por su labor como realizador como por su trabajo en guiones para algunos de los cineastas más importantes de su país.
Su cine combina el humor negro con una mirada compasiva hacia personajes excéntricos y moralmente ambiguos. A través de historias que oscilan entre lo absurdo y lo trágico, Jensen explora temas como la redención, la culpa y la amistad, siempre con un tono singular que mezcla crudeza y ternura. Películas como Flickering Lights, Adam’s Apples o Men & Chicken reflejan su talento para equilibrar la sátira y la emoción, consolidándolo como una figura esencial del cine danés contemporáneo y una voz única dentro del panorama europeo.
El protagonista y su hermano ofrecen interpretaciones contenidas y magnéticas, cargadas de silencios que pesan más que cualquier discurso en este mosaico coral de identidades quebradas y destinos cruzados.
El resultado es una película trepidante, intensa y a menudo muy divertida, que no renuncia a la emoción ni al trasfondo moral. Bajo la apariencia de comedia salvaje late un melodrama extraordinario sobre la pérdida, la culpa y la necesidad de sentido. Una película extraordinaria que incluye a Abba y los Beatles, que invita a reír, a estremecerse y a reflexionar.
En 1977, durante la dictadura militar brasileña, Marcelo, un profesor que huye de un pasado turbulento, regresa huyendo a la ciudad de Recife, donde espera construir una nueva vida y reencontrarse con su hijo. Pero pronto se da cuenta de que la ciudad está lejos de ser el refugio que busca, que las fuerzas gubernamentales le persiguen y las amenazas de muerte se ciernen sobre él.
El agente secreto es sobre el papel una película de espías. Presenta el drama de un hombre solo que busca a su hijo y se encuentra quién sabe si con una muerte segura. Es eso y el relato de una ciudad acosada por un silencio culpable; un silencio que se filtra por las paredes, embota los sentidos y arruina la más mínima posibilidad de esperanza.
Su queja no existe para llamar la atención, sino para sostener la verdad frente al ruido, frente al fascismo.
Wagner Moura interpreta a un hombre de pasado oscuro. Una periodista investiga desde el presente lo que pasó años atrás convertida ella en una especie de narrador poco fiable. El espectador es invitado a deducir que lo que se cuenta es la historia de un agente encubierto en el Brasil de los años 70, cuando una brutal dictadura regía la vida y el miedo de todos.
El protagonista intenta escapar de lo que fue, deja São Paulo y se traslada a Recife en busca de probablemente algo tan elemental como su supervivencia. Busca eso y a su hijo que quedó con los abuelos. Sin embargo, pronto descubre que la ciudad, en plena celebración de un Carnaval que no acaba entre el sudor y la sangre, está muy lejos de ser un refugio seguro.
Es una película sobre la dictadura de Brasil, pero en verdad lo es sobre cualquiera de ellas en cualquier momento.
En el Iraq de Sadam Husein, donde la vida cotidiana está marcada por la escasez y el miedo, Lamia, una niña de nueve años, se enfrenta a una tarea imposible: conseguir los ingredientes para una tarta de cumpleaños obligatoria en honor al dictador.
Bajo las duras sanciones internacionales y la vigilancia constante del régimen, Lamia recorre una ciudad desolada, usando su ingenio y valentía para cumplir con el mandato. Cada paso la acerca al riesgo de ser castigada con prisión o incluso la muerte. El itinerario, compartido con un inseparable amigo, se convierte en un perfil asfixiante de la vida bajo un poder que invade lo cotidiano y lo íntimo.
El iraquí Hasan Hadi debuta con una película de gran hondura, a pesar de su apariencia mínima. Hadi, que creció en Irak en los noventa, construye el relato desde la memoria y lo sostiene con una puesta en escena muy plástica, donde la luz y los encuadres contrastan con la violencia soterrada del contexto.
Los jóvenes intérpretes, naturalísimos, combinan fragilidad y determinación sin recurrir al sentimentalismo. La película sugiere, de un modo sobrio, cómo la tiranía erosiona la verdad y deforma las relaciones humanas. En ese paisaje opresivo, la imaginación de los niños y su amistad abren resquicios de esperanza y otorgan a la historia una resonancia universal.
Sin piedad (título español de Mercy) plantea una trama trepidante ambientada en Los Ángeles del año 2029. El protagonista, un detective interpretado por Chris Pratt, se despierta con la acusación de haber asesinado a su esposa y tiene exactamente 90 minutos para demostrar su inocencia ante un tribunal dirigido por una inteligencia artificial avanzada que él mismo ayudó a crear.
Este enfoque combina elementos clásicos del thriller judicial con una potente capa de ciencia ficción, explorando temas como el papel de la tecnología en la justicia y la vulnerabilidad humana cuando el sistema se vuelve implacable.
Debido a a un alto índice de delincuencia los gobernadores decidieron implementar el programa MERCY, un sistema judicial regido por inteligencia artificial y creado por el propio inspector. Raven es acusado de haber matado a su esposa, las pruebas apuntan hacia él. Con acceso a la base de datos municipal, gracias a la I.A., deberá demostrar su inocencia o será ejecutado de manera inmediata. Durante el proceso descubre secretos sobre su esposa que desconocía. Una infidelidad, engaños y contrabando; ocultos a los ojos de Raven hasta el momento hacen que se cuánto la conocía realmente.
A medida que investiga encuentra incoherencias, no le encuentra sentido a defenderse del asesinato de su mujer. Sobre todo, ¿por qué lo hace el sistema que el mismo creó? Descubre que había un motivo oculto, su esposa no era el objetivo, sino él. Nuevas amenazas y un temporizador que está a punto de quedarse a cero. Raven debe encontrar la manera de salvarse.
Una historia donde se combinan alta tecnología, dilemas morales y acción implacable, Sin piedad es una cita indispensable en cartelera.
En el apartado interpretativo, además de Chris Pratt como el detective bajo presión, el filme cuenta con la presencia fascinante de Rebecca Ferguson en el papel de la jueza de I.A., aportando una presencia fría y determinante que incrementa la tensión dramática. El reparto se completa con nombres como Annabelle Wallis, Chris Sullivan, Kylie Rogers y Kali Reis.
CINET-FARÖ 