Jean Valjean, condenado a diecinueve años de trabajos forzados por robar una hogaza de pan, consigue rehacer su vida bajo una nueva identidad hasta convertirse en el respetado señor Madeleine, alcalde de Montreuil-sur-Mer. Pero su pasado regresa para amenazar la existencia que ha construido cuando el inspector Javert comienza a perseguirlo. Mientras tanto, Valjean promete proteger a Cosette, la hija de Fantine, una mujer abandonada a su suerte y explotada por los Thénardier. En un país convulso, los destinos de todos ellos terminarán entrelazándose en el París de las revueltas y las barricadas.

Fred Cavayé responde con una adaptación que respeta el espíritu de Víctor Hugo y la esencia de sus personajes, aunque ajusta la narración a las necesidades del cine. Hay que tener en cuenta que estamos ante una novela monumental, con multitud de personajes, historias paralelas y reflexiones sociales y políticas que no pueden trasladarse íntegramente a una película de menos de tres horas.

Aligerar la trama y seleccionar los episodios resulta inevitable. El director conserva los grandes acontecimientos y los conflictos fundamentales, pero introduce modificaciones y reorganiza algunos elementos para dar continuidad y ritmo al relato.

La recreación de las revueltas de París y de las barricadas es otro de los elementos destacados en Los miserables. Hay algo en esas escenas que nos resulta inquietantemente familiar. Las barricadas, los enfrentamientos en las calles y la respuesta de las autoridades parecen encontrar ecos en imágenes contemporáneas.

Un elemento esencial de esta gran película es su reparto: Vincent Lindon (Jean Valjean), Tahar Rahim (Javert), Noémie Merlant (Fantine), Camille Cottin (madame Thénardier), Benjamin Lavernhe (Thénardier), Vassili Schneider (Marius), Megan Northam (Cosette), Marie Colomb (Éponine), Louis Peres (Jean Valjean joven), Frédéric Pierrot (el obispo Myriel), Myriam Boyer (madame Magloire), Joaquim Fossi (Enjolras) y Léonard Signoret, entre otros.

Aunque su duración pueda hacerles dudar para ir a verla, la película transcurre en un suspiro.  Es una maravilla, no se la pierdan.

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Una chica es atropellada y el conductor se da a la fuga. El padre de la víctima, un antiguo «ultrasur», investiga por su cuenta, chocando con su pasado. Las ansías de encontrar la verdad, y de hacer justicia a su manera, le llevarán a un mundo de corrupción, poder y crimen organizado.

Mientras el responsable de la muerte de su hija lucha por ocultar la verdad, el padre de la víctima irá cruzando líneas rojas, adentrándose en un camino que no tiene retorno. Porque hay algo más peligroso que un padre defendiendo a sus hijos, y es un padre que ya no tiene hijos a los que defender.

Leones en invierno es, ante todo, un thriller que se adentra en lo más incómodo: las distintas formas de enfrentarse a la pérdida y esa verdad incómoda: la violencia siempre encuentra una grieta por la que abrirse paso.

La película no busca respuestas fáciles, sino confrontarnos con una idea persistente: la violencia, por más justificada que parezca, solo engendra más violencia.

Leones en invierno, es una película dirigida por Albert Pintó (La casa de papel, Nowhere, Tierra de nadie) y producida por Álvaro Ariza, que supone el reencuentro de ambos con el actor Luis Zahera, tras el éxito de ‘Tierra de nadie’.

Completan el reparto Roberto Álamo, Luis Callejo, José Manuel Poga, Inma Cuesta, María Romanillos, Amaia Aberasturi y, además, cuenta con la colaboración especial de Ana Wagener, Irene Escolar, Nicolás Furtado y Jordi Mollà.

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La película nos sitúa en 1985. Vincent, de casi 13 años, vive en las afueras de París con su familia de clase media, atrapado entre un hermano mayor que lo ignora y unos padres absorbidos por sus propios problemas. Ya no es un niño, pero tampoco un adulto y se debate entre las grandes preguntas de la vida: la dentidad, la amistad, la familia, los primeros amores… y por qué los adultos parecen no haber resuelto ninguna de ellas.

Esta película es una historia que mezcla recuerdos personales y ficción para retratar toda una generación marcada por los cambios sociales de los años ochenta.  Es un canto nostálgico a la etapa preadolescente de sus directores, que tuvieron esa edad en esa época. No es la infancia de ninguno de los dos, pero hay momentos de ambos.

Está inspirada en vivencias propias de los guionistas, que conocen bien el ambiente del que hablan y lo hacen con mucho cariño.

Alrededor, la vida en Francia está en un momento crítico: el paro es muy alto, la sociedad se está transformando, los ordenadores han llegado para quedarse y el mercado de trabajo cambia. Las mujeres empiezan a hacerse notar con fuerza. En ese entorno se mueve la película y el protagonista, que va tomando decisiones propias, tanto al elegir amistades como en su actitud hacia fuera. Como todo adolescente, quiere ser distinto y, a la vez, hacer lo que hacen los demás.

Al aparecer una chica, la vida se acelera. El chico empieza a ver el mundo y a su familia con ojos propios. Y quizá, al final, su vida no esté tan mal. En realidad, no pasan muchas cosas en Tiempos de ilusión, pero queda reflejado un cambio tan importante por el que todos hemos pasado: dejar de ser un niño. Es una película de pequeños momentos, y eso basta.

Las actuaciones tienen un tono naturalista y simpático en una comedia coral como esta donde cada uno tiene su lugar, desde el joven Simon Boublil, nuestro protagonista, hasta Louis Garrel (como Yves) o Camille Cottin (como Sandrine), o unos padres jóvenes, con recursos y vida propia.

Todos ellos tienen chispa y personalidad, y hacen que sea tan fácil como divertido ver la película.

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Jérémy y Bouna se conocen en una cancha de baloncesto: ambos son jugadores retirados y tienen una pasión común por el deporte, así que pronto empiezan a pensar cómo poner eso al servicio de sus carreras.

La idea es convertirse en agentes de deportistas incipientes pero en cuanto uno de ellos despunta, se lo llevan otros con más experiencia y tablas en la NBA. En pocas palabras, son dos desconocidos aunque pueden ofrecer dos factores diferenciales: un trato mucho mucho más cercano y una lengua común.

Estamos ante una película con mensajes positivos sobre la resiliencia, la amistad, la perseverancia y el trabajo duro. El sueño americano es una película de las que tienen mucho más calado que otras que se estrenan con fuerte campaña de promoción y además están ancladas en la realidad.

Está tras ella el cineasta Anthony Marciano que hace honor a su apellido y a veces no parece de este planeta, simplemente por la forma tan humana de componer a unos personajes entrañables de los que te enamoras desde un primer instante porque son falibles, tridimensionales y derrochan una simpatía singular. Es fácil empatizar con ellos e incluso identificarse con lo que les ocurre.

Una de las razones es que tienen referentes reales sólidos: Bouna Ndiaye y Jérémy Medjana, dos soñadores que pelearon con uñas y dientes para convertirse en los agentes franceses más influyentes de la NBA después de un larguísimo periplo tratando de hacer su negocio viable y de endeudarse hasta las cejas para lograrlo, poniendo en jaque incluso sus relaciones personales.

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NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Quedan 72 horas para el Día D y todo está listo salvo un elemento clave: el tiempo. El capitán James Stagg (Andrew Scott), jefe del servicio meteorológico británico, recibe el encargo de elaborar el pronóstico más trascendental de la historia. Unas condiciones climáticas adversas podrían arruinar la mayor invasión marítima de la historia, mientras que cualquier retraso podría suponer que los servicios de inteligencia alemanes descubran sus intenciones. El general Dwight D. Eisenhower (Brendan Fraser) deberá tomar la decisión que determine el destino de la Segunda Guerra Mundial.

Esta película nos traslada a todo lo que ocurrió en las 72 horas extremadamente tensas previas al Día D y logra la impresionante hazaña de hacer que una película sobre la meteorología resulte de lo más interesante.

Para que el ambicioso asalto anfibio tuviera éxito, se necesitaba el elemento vital de la sorpresa, dado que los alemanes habían fortificado toda la costa occidental de Europa. Pero también necesitaba imperiosamente buen tiempo, para poder desembarcar el enorme número de hombres y suministros necesarios para liberar Francia y llevar la lucha hasta los mismísimos bigotes de Hitler en Berlín.

Es entonces cuando el jefe del servicio meteorológico británico, James Stagg (Andrew Scott), recibe el encargo de elaborar la previsión meteorológica más trascendental de la historia. Con solo su fiel ayudante, la capitana Kay Summersby (Kerry Condon), en quien confiar, y atormentado por un catastrófico ensayo del Día D, la decisión final recaerá en el comandante supremo aliado, Dwight D. Eisenhower (Brendan Fraser).

La película está adaptada de una obra de teatro de David Haig, al que en 2014 se le encargó la tarea de encontrar un héroe escocés desconocido. Así fue como se topó con James Stagg, el hijo de un fontanero que vivía en un pueblo a las afueras de Edimburgo. Para dotar a Stagg de ese sentido de humanidad tan importante, más allá de su enfoque pragmático de la meteorología, Haig se aseguró de que la película incluyera momentos entre él y su mujer, que está a punto de dar a luz a su primer hijo. Pero el carácter ultrasecreto de su misión le impedía estar con ella durante esas 72 horas críticas.

Si Eisenhower hubiera pospuesto el desembarco, la siguiente ventana viable, en función de las mareas y la luna, no se habría abierto hasta el 17-19 de junio. Precisamente los días en que una enorme tormenta azotó el Canal de la Mancha y destruyó los puertos artificiales de los que dependían los aliados para el abastecimiento. En otras palabras: la tensión en Tiempo de victoria no es fruto de la ficción para crear dramatismo. El margen real entre el éxito y la catástrofe se redujo tan solo al buen hacer de un hombre del tiempo.

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Dividida en cinco apartados: La doctora, El soldado, El traficante, El poeta y El capitán, la película entrelaza las historias de cinco desconocidos para ofrecer, dentro de la tragedia, un poderoso retrato que trasciende fronteras y habla de empatía, sacrificio, esperanza y supervivencia.

La película muestra la ciudad siria de Alepo, devastada por un interminable conflicto. Ante esa situación, una médica se ve obligada a huir de la guerra con su hija pequeña, una decisión desesperada que cambiará para siempre su destino y el de otros cuatro desconocidos, unidos más allá de las fronteras.

En su camino se cruzarán un contrabandista dispuesto a todo por salvar a su hijo; un soldado dividido entre el deber y la conciencia; un poeta en busca de un lugar al que llamar hogar, y un capitán de la guardia costera atrapado entre la ley, el deber y la compasión.

Inspirada en el cortometraje nominado al Óscar Refugee, del director, guionista y productor Brandt Andersen, La última travesía tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Berlín, donde recibió el Premio Amnistía Internacional.

Andersen dirige un reparto encabezado por Omar Sy, al que acompañan Yasmine Al Massri, Yahya Mahayni, Ziad Bakri, Constantine Markoulakis y Jason Beghe.

Este reparto coral da vida y credibilidad a unos personajes cuyas existencias acabarán cruzándose durante una noche decisiva en el Mediterráneo para dejarnos ante una propuesta conmovedora: un ejercicio cinematográfico contundente con un corolario que invita a la reflexión.

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NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

El hombre más poderoso del mundo se embarca en una misión frenética para demostrar que es el salvador de la humanidad antes de que el desastre que ha desatado lo destruya todo.

Digger, la película, es eso: un instructivo sobre el “deber ser” del mundo y la identificación correcta del villano. Pero eso no es lo único que lo hace una mala película. Tampoco su abuso grandilocuente y pedante del plano, casi nunca pertinente.

Lo que hace a Digger un ejercicio fallido es porque la película pretende disciplinar el humor. Un manual sobre de quiénes, cómo y de qué manera es lícito y correcto reírse hoy. A esta altura del siglo, que nos moleste el didacticismo de Iñárritu, un cineasta viejo con ideas de 1970 a lo sumo, es como una anécdota demasiado repetida. Lo nuevo es que además pretende imponernos el reglamento de la risa.

Tom Cruise hace todo lo que el director le pide y lo hace bien. Es cierto que quería hacer un film centrado en Les Grossman; casi seguro que hay alguna idea de allí en esta película. Sin embargo, hay una diferencia grande entre ser directo hasta la grosería y declamar. Les putea, amenaza, dice cosas terribles de un modo orgánico y nunca se define a sí mismo o a su -digamos- “ideología”. Digger, en cambio, dice qué piensa, por qué lo piensa, y cómo es el mundo.

Da una lección de cómo piensa el mundo y con ello, por el absurdo, los realizadores indican cómo debe serlo.

En fin, esta película producida por el propio Tom Cruise está claro que fue porque sigue buscando un prestigio que la Academia de Cine Americano quizá le debe.

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Adriano Sereni (Valerio Mastandrea) es un hombre rudo y solitario que vive en los establos restaurados de una antigua mansión en ruinas. Un día, descubre que la villa vecina ha sido ocupada por una comunidad de jóvenes estudiantes, que se dedican a revitalizar el campo y los viñedos abandonados. La llegada de estos intrusos le molesta, y pronto considera ahuyentarlos por todos los medios. Pero entre esos jóvenes se encuentra Matilde (Galatea Bellugi), la nieta del último conde Guelfi, quien creció allí y trabajó con su abuelo en los viñedos.

Matilde siente curiosidad por Adriano y su pasado, y comienza a observarlo con atención, preguntándose por qué un hombre como él vive allí solo y rechaza toda forma de interacción social, casi como si guardara un secreto. Con la llegada de la primavera, el conflicto entre Adriano y los jóvenes se transforma en una cohabitación forzada que, inesperadamente, se convierte en una alianza sorprendente.

El guion no renuncia a ciertas pinceladas de humor que atraviesan el drama y resultan perfectamente reconocibles en la elección de un actor cuya mayor virtud es encarnar los sentimientos humanos con autenticidad y desenfado. El afecto de Adriano hacia la joven, que se prepara para dar vida a un nuevo ser, se convierte en un apego obsesivo, revelando con excesiva transparencia un deseo desgarrador de expiar su culpa.

En sus últimos minutos, la película plantea una cuestión moral —los “cinco segundos” a los que alude el título— que deja sin respuesta, invitando al espectador a reflexionar sobre el dilema de aceptar la muerte en casos de enfermedades terminales, el instinto de dejar ir, de acompañar la voluntad de quien ya no encuentra sentido en seguir viviendo.

El público apreciará la franqueza del protagonista ante su propio conflicto interior y las dificultades de las relaciones humanas y familiares en situaciones tan dramáticas, de modo que establecerá una estrecha conexión emocional con la historia.

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