Centrándose específicamente en el cineasta Jean-Luc Godard y en su ópera prima Al final de la escapada, la película plantea su trama como una suerte de making off del rodaje original de 1959. Más allá de los guiños constantes a la obra clásica, el film captura sobre todo el carácter transgresor e independiente de Godard, un cineasta que huía de los guiones cerrados y otorgaba libertad absoluta a los actores, rodando de forma espontánea cuando la inspiración surgía del espacio y del momento.

La película, filmada en un elegante blanco y negro, encuentra un equilibrio preciso en su puesta en escena y apuesta por una planificación dominada por planos frontales, primeros planos y primerísimos primeros planos. Desde su arranque, la historia presenta a distintos integrantes de la Nouvelle Vague como si se tratara de una galería de retratos vivos (Truffaut, Chabrol, Godard y tantos otros) antes de dar paso al dinamismo del rodaje, a la acción y a esos instantes de inspiración marcados por la espontaneidad. Lejos de una mirada nostálgica, la película adopta un tono festivo que no esquiva, sin embargo, los desencuentros de Godard con el productor y con la actriz principal, así como las tensiones derivadas de un método caótico y profundamente rupturista. 

En el plano interpretativo, sobresalen Guillaume Marbeck como Godard, Zoey Deutch en el papel de la glamurosa Jean Seberg y Aubry Dullin como Jean-Paul Belmondo.

Como conclusión, Nouvelle Vague no solo rinde homenaje a la figura del director francés, sino que además recuerda al espectador, de modo sutil, que la magia y la inmortalidad del cine no residen tanto en las cotas del éxito o del espectáculo visual como en la manera de llevarlo a cabo y en el sello creativo. Una película en blanco y negro que, al tiempo, es puro cine de autor y retrato de una obra clave en la historia del cine.

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NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Con su vida literalmente derrumbándose a su alrededor, Linda intenta lidiar con la misteriosa enfermedad de su hija, su marido ausente, una persona desaparecida y una relación cada vez más hostil con su terapeuta. 

En esta historia no se sufre tanto por las desgracias constantes, sino por la ansiedad que se consigue plasmar tan bien. En todo momento hay una sensación agobiante que tal vez no sea para todos los espectadores, pero esa es precisamente su intención. A pesar de lo desagradables que son todos los personajes, sabe encontrar un punto mínimo de credibilidad para que no sea tan unidimensional.

La enfermedad de la hija del personaje de Byrne es uno de los mayores conflictos del filme, y sin embargo no llegamos a ver su rostro durante gran parte del metraje. La niña es inocente y muy cariñosa pero también peca de caprichosa y hasta pesada, pero es creíble. No es que haya una relación fría entre ambos personajes, pero uno siente el agobio del cuidado que tiene pasar en unas condiciones tan dura. Uno de los temas claves es la propia culpabilidad, y ella la carga consigo misma mientras se pregunta si acaso ella podría ser madre.

Tal vez a pesar de ser una persona problemática, ella es empática, porque sobre todo sientes la soledad a la que está atada. Desde su relación distante con su marido, la cual está llena de discusiones; su terapeuta (interpretado por Conan O’Brien), a quien aprecia mucho pero este es frívolo con ella; hasta la que tiene con sus propios pacientes. Ella carga con tanta responsabilidad que no sabe qué hacer o hacia dónde debe ir.

Aun así, Mary Bronstein cuenta una historia intensa que no te dejará sin respiración y Rose Byrne entrega una actuación muy fuerte que representa perfectamente el estrés y la agonía que el filme quiere recrear. No es para todo el mundo, es un visionado muy difícil no por la narrativa o el ritmo, sino el tono heredero de los trabajos de Ronald y los hermanos Safdie llevado a un punto extremo de ansiedad y psicología. 

Es un viaje desagradable y estresante en el que se sufre pero nunca pierde la atención ni el interés.

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François Ozon  ha optado por llevar al cine una de las obras más importantes del existencialista Albert Camus, ya adaptada hace casi medio siglo por el maestro Luchino Visconti.

El director francés se muestra fiel al original literario. A diferencia de la película de Visconti, que tenía una mayor conciencia de narración popular y en la que la voz en off del protagonista iba acompañada por acciones constantes que mitigaban la densidad de la obra, Ozon traduce la seriedad de las frases cortas de Camus en un rigor estilístico al que se adecua la interpretación perfectamente medida de Benjamin Voisin en el papel del oficinista falto de toda ilusión y convencido de lo absurdo de la existencia. Esto se refuerza con la elección formal del blanco y negro: la falta de cromatismo desenmascara la crudeza de la realidad.

El conjunto se revela como una opción arriesgada, pero ideal como traslación en imágenes de la obra de Camus. Consciente de la radicalidad de una propuesta en la que, además, prescinde de la narración en primera persona del libro, el cineasta se permite la concesión de romper con la linealidad de la obra literaria (igual que hacía Visconti) para incluir intriga y sembrar la curiosidad en el espectador.

El film comienza no cuando al protagonista se le anuncia la muerte de la madre –uno de los inicios literarios más célebres del siglo XX–, sino cuando es encarcelado días después por haber matado a un árabe en la Argelia francesa.

Aún con el respeto hacia la obra original, Ozon no se resiste a introducir pequeños añadidos que actualizan el texto original: a través del personaje de la prometida del protagonista (Rebecca Marder) se vehiculan denuncias a actitudes machistas del entorno y, además, en la parte final se destaca el olvido de la víctima árabe en todo el juicio.

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Agnes, una muchacha peculiar que parece no rendir cuentas a nadie y que es capaz de crear misteriosos remedios con sencillas combinaciones de plantas, es la comidilla de Stratford, un pequeño pueblo de Inglaterra. Cuando conoce a un joven preceptor de latín igual de extraordinario que ella, se da cuenta enseguida de que están llamados a formar una familia. Pero su matrimonio se verá puesto a prueba, primero por sus parientes y después por una inesperada desgracia.

Partiendo de la historia familiar de Shakespeare, Maggie O’Farrell transita entre la ficción y la realidad para trazar una hipnótica recreación del suceso que inspiró una de las obras literarias más famosas de todos los tiempos.

La autora, lejos de fijarse únicamente en los acontecimientos conocidos, reivindica con ternura las inolvidables figuras que habitan en los márgenes de la historia y ahonda en las pequeñas grandes cuestiones de cualquier existencia: la vida familiar, el afecto, el dolor y la pérdida.

Adaptando el texto de esta prodigiosa novela, nos llega una magnífica película dirigida por dirigida por Chloé Zhao y coescrita junto a Maggie O’Farrell.

Hamnet se fragua a fuego lento, con una primera parte en la cual la inmersión en la naturaleza y la potencia de las relaciones que hay entre los personajes van a ir macerando hasta llegar a una catarsis colectiva final de altísimo impacto emocional que no solo pone el broche de oro a la película sino que además declara su amor por el arte como forma de procesar los reveses de la vida, exteriorizarlos, compartirlos y, de algún modo, aceptarlos.

Extraordinarias interpretaciones de sus dos actores protagonistas: Jessie Buckley y Paul Mescal.

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Mike Sardina es un cantante, ex alcohólico, que se gana la vida haciendo imitaciones de cantantes famosos. En uno de sus trabajos conoce a otra mujer que también actúa, Claire, y la conexión es instantánea.

Ambos están divorciados, él tiene una hija que vive con su madre y ella tiene dos hijos que viven con ella. Pronto deciden emprender un proyecto común, no sólo en el terreno sentimental sino también profesional: el de formar un grupo para interpretar temas de Neil Diamond, el gran ídolo de Mike.

Se llamarán Lightning & Thunder (Rayo y Trueno) y contra pronóstico empiezan a tener éxito. Sin embargo, las dificultades se multiplicarán.

El núcleo central de la película se centra en la relación entre Mike (Hugh Jackman) y Claire (Kate Hudson).

Él, condecorado veterano de guerra y alcohólico en tratamiento, encuentra en la música una disciplina que le otorga identidad y sentido.

Ella, artista normalita de segunda fila, halla en esa unión la oportunidad de reinventarse y volver a sentir que pertenece a un escenario. 

Song Sung Blue – Canción para dos no edulcora la realidad, muestra tensiones, fragilidades y heridas abiertas, pero también revela la fuerza de un amor maduro, entre personas imperfectas y profundamente humanas.

En el reparto: Hugh Jackman, Kate Hudson, Michael Imperioli, Fisher Stevens, James Belushi, Ella Anderson, King Princess, Hudson Hensley, Mustafa Shakir, Cecelia Riddett, John Beckwith, Shyaporn Theerakulstit.

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