HORIZONTES LATINOS, 70 SSIFF

Texto y fotografías: Web oficial del SSIFF

Doce historias que transcurren en Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Cuba y México completan la sección Horizontes Latinos, la selección de largometrajes del año, inéditos en España, de entre todos los producidos total o parcialmente en América Latina, dirigidos por cineastas de origen latino, o que tengan por marco o tema comunidades latinas del resto del mundo. En la selección que competirá por el Premio Horizontes figuran cuatro películas de la última edición de WIP Latam: Dos estaciones, La piel pulpo, Un varón y Vicenta B.

La directora y guionista Ana Cristina Barragán (Quito, 1987), que estudió el año pasado un posgrado de creación en Elías Quejereta Zine Eskola, regresa a San Sebastián con La piel pulpo / Octopus Skin, que formó parte de la cosecha de WIP Latam 2021 y clausurará la sección. Barragán obtuvo con su primer largometraje, Alba (2016), una mención especial del Jurado Horizontes. Su último proyecto, La hiedra, forma parte del programa de residencias Ikusmira Berriak de este año.

Mariano Biasin (Buenos Aires, 1980) presentará Sublime, su primer largometraje, tras su paso por la sección Generation 14plus del Festival de Berlín.

La sección acogerá el estreno mundial de Ruido / Noise, el tercer largometraje de la realizadora Natalia Beristain (Ciudad de México, 1981), que compitió en la Semana de la Crítica de Venecia con su película de debut, No quiero dormir sola (2012). Ruido / Noise es una dolorosa inmersión en el círculo vicioso de la violencia de género en México, vivida a través de una madre que busca a su hija desaparecida.

Pavel Giroud (La Habana, 1973), que estrenó Omertà (2008) en el Día del Cine Vasco del Festival de San Sebastián y recibió el premio del Foro de Coproducción Europa-América Latina por el proyecto El acompañante (2013), presentará El caso Padilla / The Padilla Affair, una no ficción en torno al poeta cubano Heberto Padilla.

Un varón, el primer largometraje de Fabián Hernández (Bogotá, 1985), competirá por el Premio Horizontes tras su estreno en la Quincena de Realizadores de Cannes. Un varón fue una de las películas seleccionadas en WIP Latam el año pasado.

También fue seleccionado en WIP Latam 2021 -y previamente como proyecto en el Foro de Coproducción Europa-América Latina en 2019- Dos estaciones, el primer largometraje del mexicano Juan Pablo González (Jalisco, 1984), que participó en la World Cinema Dramatic Competition del Festival de Sundance, donde Teresa Sánchez obtuvo el Premio Especial del Jurado a la mejor interpretación.

Patricio Guzmán (Santiago de Chile, 1941) vuelve al Festival de San Sebastián con su última película, Mi país imaginario / My Imaginary Country, que se presentó en la sección Proyección Especial en el Festival de Cannes y que inaugurará la sección a concurso.

Carlos Lechuga (La Habana, 1983) participó en Horizontes Latinos en 2016 con Santa y Andrés y ahora regresa a la sección con Vicenta B., que recibió en 2021 el Premio EGEDA Platino Industria al Mejor WIP Latam.

También competirá por el Premio Horizontes Carvão / Charcoal (Carbón), el primer largometraje de Carolina Markowicz (Sao Paulo, 1982) que fue seleccionado este año en Cine en Construcción (Toulouse).

Manuela Martelli (Santiago de Chile, 1983) presentará en San Sebastián su largometraje de debut, 1976, tras su estreno en la Quincena de Realizadores de Cannes y su selección en Ventana Sur Proyecta 2018 y Cine en Construcción 2022 (Toulouse).

La ópera prima de la costarricense Valentina Maurel (San José, 1988), Tengo sueños eléctricos, que fue seleccionado en 2021 bajo el título de Jardín en llamas para Proyecta, se presentará en el Festival tras su paso por Locarno.

Por último, La jauría, el primer largometraje de Andrés Ramírez Pulido (Bogotá. 1989), competirá por el Premio Horizontes, tras su paso por Cine en Construcción (Toulouse) y la Semana de la Crítica de Cannes, donde recibió el Grand Prix y el premio SACD.

Todas las películas de la sección Horizontes Latinos optan al Premio Horizontes, dotado con 35.000 euros destinados al director o directora y a la distribuidora en España. El Jurado del Premio Horizontes es el encargado de valorar y premiar estas películas. Las películas de la sección Horizontes Latinos que sean la primera o segunda de su directora o director (en este caso, 1976, Carvão, Dos estaciones, La jauría, La piel pulpo, Sublime, Tengo sueños eléctricos y Un varón) optan también al Premio TCM de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.

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MEN (Dir. Alex Garland)

Men es un filme de terror británico escrito y dirigido por Alex Garland (Aniquilación, Ex Machina). La historia sigue a Harper, una chica que acaba de sufrir una tragedia personal y decide tomarse unos días de retiro en una campiña inglesa apartada de la ciudad. La belleza del lugar contrasta con una presencia extraña que parece acecharle durante sus caminatas y que luego intenta acceder a su casa.

La película se presentó internacionalmente en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2021.
La película gira en torno a una mujer que parte en solitario a la campiña británica para tratar de superar la muerte de su esposo. Los problemas inician cuando lejos de encontrar la paz, empieza a padecer perturbadoras visiones de hombres que caen muertos ante ella. ¿Ilusión o realidad?

La película es protagonizada por Jessie Buckley, flamante nominada al Óscar en 2022 por The Lost Daughter. La réplica se la da Rory Kinnear (No Time to Die). El actor se enfrenta al reto de interpretar varios papeles y darle los matices correspondientes. Sus personajes representan los distintos grados de toxicidad masculina que afectan a la protagonista.

Men puede resultar algo críptica en algunos tramos. Sin embargo, el mensaje que subyace está meridianamente claro. Como toda alegoría, se presta a interpretación. Cada espectador o espectadora saldrá de la sala con matices diferentes sobre lo que acaba de ver. Además, se trata de un tema tan polémico en nuestra sociedad, que estamos convencidos de que generará debate. Desgraciadamente, el machismo y las distintas formas de violencia que provoca ha polarizado el debate en nuestro país. Y no solo en España. Ya se pueden ver muestras de esta polarización en los comentarios en redes sociales y en la valoración que se hace de la película en Estados Unidos.

Aunque la película está llena de imágenes impactantes, de planos cargados de belleza y de mucho simbolismo, es importante destacar que estamos ante una película de género de terror.

Decidan ustedes verla o no.

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CLAUDE SAUTET, Retrospectiva en el 70SSIFF

Fotografías y texto: Web oficial del SSIFF.

La retrospectiva dedicada a Claude Sautet mostrará trece largometrajes firmados por el director francés
El ciclo se completará con el libro ‘Conversaciones con Claude Sautet’, un volumen de entrevistas con el cineasta.
La retrospectiva de la 70ª edición del Festival de San Sebastián mostrará trece largometrajes que el cineasta francés Claude Sautet dirigió entre los años 1956 y 1995. El ciclo, organizado en colaboración con Filmoteca Vasca, se completará con el libro Conversaciones con Claude Sautet, traducción del volumen de entrevistas con el director realizadas por Michel Boujut.
El trabajo fue publicado originalmente por Institut Lumière / Actes Sud en 1994 y conoció su edición definitiva en 2014. El libro cuenta con prólogos de Thierry Frémaux, director del Festival de Cannes y del Institut Lumière, y del actor Daniel Auteuil, mientras que el epílogo lleva la firma del cineasta Bertrand Tavernier. También se ha añadido un texto escrito por Quim Casas, crítico y miembro del comité de selección del Festival de San Sebastián, que contextualiza la figura de Sautet en España y en el Festival.
El cartel de la retrospectiva ha sido diseñado por Dimensión a partir de una fotografía de Claude Sautet en el set de rodaje de la película Garçon! (1983).

UN CINEASTA EN LA ENCRUCIJADA
Conocido por sus colaboraciones con intérpretes como Romy Schneider, Michel Piccoli o Emmanuelle Béart, Claude Sautet se situó en una cierta encrucijada en la historia del cine francés: no pertenecía a la generación de los realizadores de posguerra ni formó parte de la Nouvelle Vague. Nacido en Montrouge en 1924 y fallecido en París en 2000, Sautet comenzó en la industria del cine en 1950 como ayudante de dirección y trabajó en una docena de filmes entre comedias y relatos criminales realizados por André Cerf, Edouard Molinaro y Richard Pottier. Su película más importante como asistente fue la última en la que desempeñó esta función, Les yeux sans visage (Los ojos sin rostro, 1960), influyente obra de Georges Franju en cuyo guión también participó.
Antes había dirigido su primer filme, Bonjour sourire! / Hello Smile! (1956), una comedia musical bien alejada de lo que luego desarrolló en el grueso de su filmografía. La peculiaridad es que estuvo protagonizada por Henri Salvador, importante cantante y guitarrista que cultivó el jazz, la bossa nova, la chanson y el rock’n’roll. Los primeros intereses del Sautet director se deslizaron hacia el polar, género al que aportó Classe tous risques (A todo riesgo, 1960), protagonizada por uno de los actores más representativos del género, Lino Ventura, y basado en una novela de otro nombre crucial para la literatura y el cine policíaco francés, José Giovanni.
Un año antes, Sautet ya había coincidido con Ventura en otro polar, Le Fauve est lâché (La fiera anda suelta, 1959), en el que firmó el guión y parece ser que rodó algunas secuencias, aunque la película está acreditada a Maurice Labro en solitario. Eran los tiempos de la eclosión de la Nouvelle Vague y aunque Sautet no formó parte del movimiento, ahí estaba Jean-Paul Belmondo encarnando a un delincuente en A todo riesgo como lo había hecho en À bout de souffle (Al final de la escapada, 1960), de Jean-Luc Godard.
Sautet siguió vinculado al cine criminal y a José Giovanni al participar en el guión de Symphonie pour un massacre (Ronda de crímenes, 1963), de Jacques Deray, y en varios filmes policíacos más. Alternó su faceta como guionista para otros con la realización y escritura de sus propias películas, siempre dentro del género, como en su nuevo encuentro con Lino Ventura en L’Arme à gauche / The Dictactor’s Guns (Armas para el Caribe, 1965), esta vez con soporte literario del estadounidense Charles Williams.
Y con el cambio de década Sautet inauguró la etapa más fecunda y popular de su carrera gracias al impulso de Romy Schneider y Michel Piccoli, una de las mejores parejas del cine francés de los primeros años 70. Sus colaboraciones con el infalible tándem interpretativo fueron Les choses de la vie / The Things of Life (Las cosas de la vida, 1970), donde ambos fueron vértices de un triángulo amoroso, y Max et les ferrailleurs / Max and the Junkmen (Max y los chatarreros, 1971), una incursión distinta en el policíaco con Piccoli-Schneider atrayéndose y rechazándose en los papeles de un policía y una prostituta. Yves Montand se unió al grupo a partir de César et Rosalie / Cesar & Rosalie (Ella, yo y el otro, 1972), con Schneider, y Vincent, François, Paul et les autres… / Vincent, François, Paul and the Others (Tres amigos, sus mujeres y… los otros, 1974), con Piccoli.
El éxito de esta especie de díptico sobre las crisis sentimentales y existenciales de diversos personajes de mediada edad marcó un nuevo tono en la obra de Sautet. El drama se volvió más oscuro en Mado (1976), su último filme con Piccoli; Une histoire simple / A Simple Story (Una vida de mujer, 1978), la última colaboración con Schneider, y Garçon! / Waiter! (1983), el último con Montand. Todas son películas centradas en desencuentros y reencuentros amorosos, en la idea de agarrarse a una última oportunidad.
Sautet realizó también un drama centrado en la rehabilitación emocional y familiar de un drogadicto, Un mauvais fils / A Bad Son (1980), y una tragicomedia romántica bien distinta, Quelques jours avec moi / A Few Days with Me (1988), interpretada por Sandrine Bonnaire y Daniel Auteuil, además de devolverle el favor a Giovanni escribiéndole el guión de Mon ami le traître.
Después encontró en Emmanuelle Béart a una nueva actriz con la que se sintió tan seguro como con Schneider. Con ella realizó sus dos últimos filmes, Un coeur en hiver / A Heart in Winter (Un corazón en invierno, 1992) y Nelly et Mr. Arnaud / Nelly & Monsieur Arnaud (Nelly y el Sr. Arnaud, 1995), dramas delicados sobre triángulos amorosos y atracciones inesperadas.
Su último trabajo se encuadró en el Collectif de Cinéastes Pour les Sans-Papiers, colectivo formado por 200 directores, productores, exhibidores y distribuidores franceses –entre ellos Sautet, Bertrand Tavernier, Jacques Audiard, Sólveig Anspach, Catherine Corsini, Laurent Cantet, Philippe Garrel, Lola Doillon y Alain Bergala– que firmaron un manifiesto en forma de cortometraje en apoyo a todos los inmigrantes ilegales en Francia, Nous, sans-papiers de France (1997).

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

MIS QUERIDISIMOS HIJOS (Dir. Alexandra Leclère)

Chantal y Christian viven una jubilación tranquila. Pero desde que sus hijos Sandrine y Stéphane abandonaron el nido, no los ven demasiado. Las oportunidades de reunirse en familia son cada vez más escasas. Cuando sus hijos les anuncian que no vendrán a celebrar la Navidad, ya es demasiado para Chantal y Christian. Entonces deciden hacerles creer que les ha tocado la lotería.
En la mayoría de los casos, cuando los hijos logran independizarse del hogar familiar eso provoca una inmensa alegría y liberación en sus progenitores. Otras veces, esa ausencia tiene como consecuencia inmediata el denominado «síndome del nido vacío»,

En esta película sucede lo segundo, y por este motivo Christian y Chantal – que no consiguen desprenderse de su tristeza – deciden que les toque la lotería. O sea, se inventan que han sido premiados con 18 millones de euros y al olor de la posible herencia, sus hijos, Sandrine y Stéphane, se vuelven muy, pero que muy cariñosos. Los dos pájaros comienzan a preguntarse qué podrán hacer con la millonaria cifra.
En muchos momentos los personajes del filme aparecen como extravagantes, un poco fuera de la realidad, e incluso un poco penosos, en diversos grados. Pero al mismo tiempo, todos ellos son frontales, van de cara, sin nada de astucia, lo que hace que resulten conmovedores y el espectador se ría un poco con ellos y un poco de ellos.

El vestuario en la transición de la clase media a la clase alta es hilarante así como el uso de todo tipo de estratagemas para dar una lección a sus dos pequeños.
Una comedia sencilla.

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MI MEJOR AMIGO (Dir. Ferit Karahan)

Yusuf y Memo, su mejor amigo, son alumnos de un internado para niños y adolescentes kurdos en las montañas de Anatolia. Cuando Memo cae misteriosamente enfermo, Yusuf debe luchar con numerosos obstáculos para intentar ayudar a su amigo.

El realizador turco Ferit Karahan, que ha convencido a un amplio espectro cinéfilo, del Fipresci en Berlín al premio del público en el Cinema Jove, entre otros muchos, juega en el filo de la navaja con Mi mejor amigo, su tercer largometraje. Porque el choque entre el mundo del poder de los adultos y el universo infantil en un internado en las montañas del Kurdistán turco no oculta el estereotipo, los malos de una pieza, la mirada simple.

Pero al traer esa visión sin matices al primer plano, este filme sin sentimentalismos que bebe de la Nueva Ola del cine rumano (no puede ser casualidad que uno de sus productores, el debutante Alexandre Craciun, venga de Rumanía) y remite a la estupenda La muerte del señor Lazarescu (Cristi Puiu, 2005), justifica su austera sencillez y resalta sin subrayados coloristas el punto de vista moral de los chavales, en especial el de su protagonista (Samet Yildiz, imposible olvidar su mirada), empeñado en cuidar a su amigo enfermo, en una laberíntica jornada de burocracia absurda, carencia de recursos y falta de humanidad.

Una película de las que nos permiten reflexionar.

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SECCIÓN: NUEVOS DIRECTORES, 70 SSIFF

Texto y fotografías: Web oficial del SSIFF

Trece producciones de quince países se disputarán el Premio Kutxabank-New Directors del Festival de San Sebastián, que celebrará su 70ª edición del 16 al 24 de septiembre. Del total de trabajos elegidos, doce son óperas primas y una es la segunda película de su autora, según han desvelado hoy en rueda de prensa el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y la directora de la Red Gipuzkoa de Kutxabank, Ainhoa Arruabarrena.
La directora turca Jeanne Aslan (Sorgun, 1976) y el realizador francés Paul Saintillan (Versalles, 1971) son dos de los cineastas que mostrarán su debut en New Directors. Ambos codirigen Fifi / Spare Keys, la historia de una adolescente que durante el verano entabla una relación con el hermano de una amiga.
La nicaragüense Laura Baumeister (Managua, 1983) presentará su primera película, La hija de todas las rabias, un relato sobre una niña de ocho años que sobrevive en un vertedero. El filme ha sido realizado gracias en parte al apoyo del Festival de San Sebastián, donde obtuvo, entre otros, el premio al mejor proyecto del VIII Foro de Coproducción Europa-América Latina (2019) y el Premio de la Industria WIP Latam (2021).

Por su parte, el director de la República de Moldavia Ion Borș (Chisinau, 1990), que el año pasado se alzó con el Premio de la Industria WIP Europa y el Premio WIP Europa gracias a su primer largometraje, CARBON, participará con esta comedia negra ambientada a principios de los años 90 durante la guerra de Transnistria.
La cineasta danesa Katrine Brocks (Copenhague, 1989) concursará con su primer filme de larga duración, Den Store Stilhed / The Great Silence, que trata sobre una joven novicia que recibe la incómoda visita de su hermano gemelo en el convento.
La actriz rusa afincada en Francia Dinara Drukarova (San Petersburgo, 1976) presentará su primer largometraje tras la cámara, Grand Marin. Ella misma interpreta a la protagonista, una mujer que lo deja todo para embarcar en un pesquero y poner rumbo a los mares del norte.


Asimismo, la cineasta suiza Carmen Jaquier (Ginebra, 1985) se estrenará en el largometraje con Foudre / Thunder, el retrato de la emancipación de una mujer en la Suiza de principios del siglo XX.
Jeong-sun supone el estreno como directora de Ji-hye Jeong (Busan, 1995), que ganó la competición coreana en el Festival de Jeonju con este filme sobre una mujer que inicia una relación secreta con un compañero de la fábrica en la que ambos trabajan.
El cineasta japonés Takeshi Kogahara (Nagasaki, 1982) también mostrará su debut en el largometraje bajo el título de Nagisa, la historia de amor entre un hermano y una hermana separados por la fatalidad.
Por su parte, la directora y productora Rocío Mesa (Granada, 1983) participará en New Directors con Secaderos, su primer largometraje de ficción, una historia teñida de realismo mágico que transcurre entre secaderos de tabaco.
La terna de directores formada por Masahiko Sato (Shizuoka, 1954), Yutaro Seki (Kanagawa, 1987) y Kentaro Hirase (San Francisco, 1986) se estrena con Miyamatsu to Yamashita / Roleless, que aborda las vicisitudes del operario de un teleférico que también trabaja como extra de cine.
El realizador indio Parth Saurabh (Darbhanga, 1993) presentará su primera incursión en la diercción, Pokhar Ke Dunu Paar / On Either Sides of the Pond, que sigue a una pareja que, debido a las dificultades económicas causadas por la pandemia, regresa de Delhi a su ciudad natal, donde su relación comienza a deteriorarse.


Además, el croata Josip Žuvan (Trogir, 1987) exhibirá su debut, Garbura / Carbide, protagonizada por dos amigos inseparables que tratan de preservar su amistad frente a las rencillas que mantienen sus respectivas familias.
Todos estos títulos se suman al primer largometraje de Maria Elorza (Vitoria-Gasteiz, 1988), el ya anunciado A los libros y a las mujeres canto, construido en torno a un ejército anónimo y desarmado de mujeres que cuida de los libros.
Las trece películas, a las que se sumará algún título más, optan al Premio Kutxabank-New Directors, dotado con 50.000 euros repartidos a partes iguales entre el director o directora y la distribuidora de la película en España. El Premio Kutxabank-New Directors está patrocinado por Kutxabank, colaborador oficial del Festival. El Jurado Premio Kutxabank-New Directors es el encargado de valorar y premiar estas películas. Los trabajos correspondientes a la sección de New Directors son candidatos también al Premio TCM de la Juventud, atribuido por un jurado formado por 150 estudiantes de entre 18 y 25 años.
New Directors es un ejemplo de la apuesta del Festival de San Sebastián por los nuevos talentos, pero no el único, puesto que se programan primeras y segundas obras en prácticamente todas las secciones, y también se muestran primeros trabajos en Nest, la sección competitiva de cortometrajes de estudiantes de escuelas de cine de todo el mundo. Además, el Festival lidera junto a Tabakalera y Elías Querejeta Zine Eskola el programa de apoyo a proyectos audiovisuales innovadores Ikusmira Berriak, que contempla un plan de residencias artísticas-

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PELÍCULA DE INAUGURACIÓN DE LA 70 ED. SSIFF

Texto y fotografías: Web oficial del SSIFF

El Festival de Cine de San Sebastián inaugurará su 70ª edición con ‘MODELO 77’, la nueva película dirigida por Alberto Rodríguez y coescrita con Rafael Cobos. La película tendrá su pase de gala el 16 de septiembre en el Auditorio Kursaal, lo que supondrá su estreno mundial.
Muy pocos directores españoles han alcanzado este honor en la historia reciente del Festival.

Con el estreno de ‘MODELO 77’ se afianza la exitosa relación entre Alberto Rodríguez y el prestigioso certamen, que se inició en 2000 con su ópera prima, ‘El factor Pilgrim’, por la que recibió, junto a Santi Amodeo, una Mención Especial del Jurado de Nuevos Realizadores. En 2005 compitió con ‘7 vírgenes’, por la que Juan José Ballesta consiguió la Concha de Plata al mejor actor. El mismo galardón que recibió en 2014 Javier Gutiérrez por su personaje en ‘La isla mínima’, película que también fue reconocida con el premio a la mejor fotografía para Álex Catalán. En 2016 volvió al concurso de la Sección Oficial con ‘El hombre de las mil caras’, por la que su protagonista Eduard Fernández obtuvo la Concha de Plata al mejor actor. Y en 2017 presentó ‘La Peste’, que se convirtió en la primera serie que participaba en la Sección Oficial y se proyectaba en el Auditorio Kursaal.

Para el director Alberto Rodríguez «Modelo 77 es una película sobre la justicia y la amistad. Sobre la cárcel y la sociedad. Es probablemente la película que más tiempo hemos perseguido. Empezamos a pensar en esta historia hace muchos años y por fin hemos logrado producirla. Me hace muy feliz estrenarla en este festival donde siempre han sido tan bien recibidas las películas que hemos hecho”.
En palabras de los productores: “Nuestra relación con el Festival de San Sebastián ha sido larga y fructífera. Estamos muy satisfechos de que ‘MODELO 77’ haya sido la película elegida para inaugurar la edición de este año. Tenemos muchas ganas de que el público pueda verla”, afirma José Antonio Félez, productor de Atípica Films.

En palabras de Domingo Corral, director de Producción Original de Movistar Plus+: “Es un honor poder inaugurar el Festival de San Sebastián con ‘MODELO 77’. Es el mejor reconocimiento para la película, para su director Alberto Rodríguez y también para la estrategia de producción de cine de Movistar Plus+, comprometida siempre con el cine de calidad y con el público”.
El título de la película, ‘MODELO 77’, hace referencia a la mítica cárcel barcelonesa y al año en el que tienen lugar los hechos reales en los que se inspira esta emocionante historia de amistad, justicia y solidaridad. El reparto está compuesto por Miguel Herrán (Goya al Mejor Actor Revelación por ‘A cambio de nada’, ‘La casa de papel’, ‘Élite’), Javier Gutiérrez (Premios Goya al Mejor Actor por ‘La isla mínima’ y ‘El autor’, Concha de Plata por ‘La isla mínima’), Jesús Carroza (Premio Goya al Mejor Actor Revelación por ‘7 vírgenes’, ‘La peste’, ‘La isla mínima’), Fernando Tejero (Premio Goya al Mejor Actor Revelación por ‘Días de fútbol’, ‘Explota Explota’, ‘La que se avecina’), Catalina Sopelana (‘El Inmortal’, ‘Las leyes de la frontera’) y Xavi Sáez (‘Nasdrovia’, ‘El inocente’). Lo completan Alfonso Lara (‘La Fortuna’, premio Max de teatro por ‘Urtain’), Javier Lago (‘Antidisturbios’, ‘La cocinera de Castamar’), Víctor Castilla, Iñigo Aranburu, Iñigo de la Iglesia y Javier Beltrán.
«MODELO 77» es una coproducción de Atípica Films y Movistar Plus+ que llegará a los cines el próximo 23 de septiembre distribuida por Buena Vista International. Tras su paso por salas, la película se estrenará en exclusiva en Movistar Plus+.

SINOPSIS
Cárcel Modelo. Barcelona 1977. Manuel (Miguel Herrán), un joven contable, encarcelado y pendiente de juicio por cometer un desfalco, se enfrenta a una posible pena de entre 6 y 8 años, un castigo desproporcionado para el delito cometido. Pronto, junto a su compañero de celda, Pino (Javier Gutiérrez), se une a COPEL, un colectivo de presos que luchará por los derechos de los presos comunes y la amnistía. Se inicia una guerra por la libertad que hará tambalearse al sistema penitenciario español. Si las cosas están cambiando fuera, dentro también tendrán que hacerlo.
Una historia de amistad, solidaridad y libertad, inspirada en hechos reales.


Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

LA LEY DE TEHERÁN (Dir. Saeed Roustayi)

Saeed Roustayi (Teherán, 1989) es la nueva sensación del cine iraní. Presentado este filme en Venecia en 2019, la pandemia frenó su distribución internacional, pero en Irán se convirtió en apenas tres meses en la película más taquillera de la historia del país y, posteriormente, rompió todos los récords en el mercado doméstico y de streaming. Arrasó en 2021 en el Festival de Reims, dedicado en exclusiva al noir, y este mismo año fue nominada como mejor película internacional en los Premios César.

La prensa especializada se ha apresurado a presentar al director como el nuevo Asghar Farhadi o Mohammad Rasoulof, ya que como ellos Roustayi desarrolla un cine social pasado por el prisma del género, en una atinada combinación entre el estilo hollywoodense y la tradición iraní, que trata de convertir lo local en historias universales. La ley de Teherán puede disfrutarse como un enérgico thriller policial, social y político que aspira, desde el seguimiento de un caso y sus ramificaciones, a hablar de la realidad compleja de un país que vive hoy un serio problema de drogas, marginalidad, corrupción y falta de libertades y derechos.

Roustayi marca un ritmo preciso y cortante a su relato y alarga las secuencias, siempre centrado en la potencia expresiva, física y verbal de sus actores, donde Payman Maadi, al que tal vez recuerden de Nader y Simin, una separación, presta la ambigua percha moral y el estereotipo del comisario celoso y obsesivo.

Más interesante aún resulta el retrato del narco y su no menos desesperada búsqueda de salida del atolladero, tramo que revela también las fisuras y turbiedades del sistema y las consecuencias y estragos personales de la criminalidad y la pena de muerte en el Irán contemporáneo.

Una película interesante.

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EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA POR EL 70 ANIVERSARIO DEL SSIFF

Texto y fotografías: Web oficial del SSIFF.

El Festival de San Sebastián inaugura en Tabakalera su gran exposición del 70 aniversario
Hasta el 24 de septiembre se puede visitar ‘Imagina un Festival’, que a través de una veintena de pantallas muestra cientos de vídeos que suman más de 150 minutos de contenido

El Festival de San Sebastián, que celebrará su 70ª edición del 16 al 24 de septiembre, ha inaugurado hoy en el Centro Internacional de Cultura Contemporánea-Tabakalera, sede del certamen, una gran exposición para celebrar su aniversario. Coorganizada por Tabakalera en colaboración con el Ayuntamiento de San Sebastián y la Diputación Foral de Gipuzkoa, la muestra Imagina un Festival está planteada como un homenaje a la industria del cine, a los medios de comunicación, a las salas de proyección, a la propia ciudad y, por supuesto, al público que abarrota las salas edición tras edición.
Desde hoy y hasta el 24 de septiembre, la exposición mostrará a través de varias instalaciones audiovisuales repartidas en distintos espacios públicos de Tabakalera los principales hitos de la historia del Festival, presentado “como una obra colectiva en la que todas las personas somos protagonistas”, según el concepto de Carlos Rodríguez y Asun Lasarte, de Morgancrea, la productora que ha comisariado una exposición que mediante una veintena de pantallas muestra cientos de vídeos que suman más de 150 minutos de contenido.

Junto a quienes han diseñado la exposición han participado en la presentación de hoy el director del Festival, José Luis Rebordinos, y la directora de Tabakalera, Edurne Ormazabal, así como el alcalde de San Sebastián, Eneko Goia, y el diputado general de Gipuzkoa, Markel Olano, en representación de las instituciones colaboradoras.

¡Sigue la alfombra roja!
Presente en el Festival desde sus inicios, la alfombra roja ejerce de guía en una exposición a la que se puede acceder desde la entrada principal de la plaza de las Cigarreras o desde el acceso inferior de la plaza Nestor Basterretxea. En total, se han utilizado más de 200 metros de alfombra que, a ratos suspendida sobre las cabezas de quienes visiten la exposición, marcará un camino que se puede transitar de diversas formas en distintos puntos del espacio público de Tabakalera.
Si se accede a la Plaza de la planta 0 por la plaza Nestor Basterretxea la primera instalación que se puede visitar se compone de ocho pantallas dedicadas al Público. Por un lado, propone un recorrido por el ambiente de la alfombra roja y los cines en distintas etapas del Festival y, por otro, muestra la selección de fotografías que la ciudadanía ha enviado expresamente a la exposición atendiendo a la llamada del certamen: son instantáneas y selfis con nombre y apellidos que las personas asiduas al Festival se sacaron en su día junto a distintas estrellas y personalidades.
Las escaleras que conducen a la primera planta desembocan en la instalación Media, centrada en el papel de los medios de comunicación que han contribuido a la difusión internacional del Festival y a preservar su memoria a través de escritos, entrevistas, fotografías y audiovisuales. Como si de un gran libro o periódico se tratara, dos grandes pantallas verticales reproducen una selección de imágenes, titulares y declaraciones de algunos de los personajes más relevantes que han pasado por San Sebastián en estos 70 años.
Sin abandonar la primera planta, un largo pasillo adquiere la forma de Photocall, presidido por una pantalla gigante de 24 x 4 metros sobre la que se reproducen las imágenes lanzadas simultáneamente desde cinco proyectores. Se trata de un espacio mágico por cuya alfombra roja se puede pasear y contemplar a más de 800 personalidades que han visitado el Festival durante siete décadas. Los contenidos de este túnel del tiempo se presentan de modo cronológico, de forma que, situados a cierta distancia, el público podrá ver simultáneamente y en movimiento a Gloria Swanson, Kirk Douglas, Audrey Hepburn, Harrison Ford, Bette Davis, Robin Williams y Brad Pitt, entre muchos otros.
Por último, al fondo del pasillo una cortina da acceso a la última estancia, denominada Zinea y concebida como una gran sala de cine en la que distintas pantallas sincronizadas permiten recordar los instantes más icónicos de la historia del Festival.
Por un lado, a la izquierda se sitúan tres grandes pantallas que proyectan de modo aleatorio momentos inolvidables: desde las multitudinarias acogidas a Sophia Loren, Liz Taylor, Bette Davis, Denzel Washington o Bradley Cooper, al paseo de John Travolta por la Concha, los estrenos de Star Wars y La máscara del zorro, o la sorpresa que se llevó Penélope Cruz antes de recibir su Premio Donostia de manos de Bono (U2).
Por otra parte, dos cubos suspendidos en el centro de la sala hacen un guiño al Kursaal de Rafael Moneo y proyectan en sus distintas caras imágenes relacionadas con ocho temas entre los que figuran las salas de cine de la ciudad, los jurados del Festival, sus premios, la organización o los nuevos talentos.
Finalmente, hay dos proyecciones que muestran cómo ha evolucionado la concha, principal distintivo gráfico del certamen, y una animación de los carteles oficiales de las 70 ediciones, así como una mediateca que a través de dos pantallas táctiles permite navegar por la historia del Festival descubriendo o rememorando reportajes, entrevistas, entregas de premios, personajes y películas.
Talleres infantiles, visitas guiadas y un concurso
En torno a la exposición se han organizado talleres infantiles (para niñas y niños de 3 a 6 años y de 7 a 11) los miércoles y jueves por la mañana y los sábados por la tarde, y visitas guiadas dirigidas al público adulto, los martes por la tarde y los domingos por la mañana. Las personas que estén interesadas en las actividades, que son de carácter gratuito, podrán inscribirse a través de las páginas web del Festival y de Tabakalera. Además, quienes visiten la exposición podrán participar en un concurso de preguntas vinculadas a los contenidos de la muestra. Entre las respuestas acertadas se sortearán entradas para la 70ª edición del Festival y objetos de merchandising.
La exposición permanecerá abierta todos los días, de lunes a domingo, de 10:00 a 20:00 horas.

La exposición ‘Vive le cinéma!’, a partir del sábado
Además de colaborar en la organización de Imagina un Festival, Tabakalera se volcará con el 70º aniversario a través de otra exposición, Vive le cinéma!, que abrirá sus puertas este sábado 9 de julio. En ella se mostrarán instalaciones artísticas firmadas por cuatro cineastas internacionales: Jia Zhang-ke, Lemohang Jeremiah Mosese, Isaki Lacuesta y Dea Kulumbegashvili, los dos últimos ganadores de tres Conchas de Oro.

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TENOR (Dir. Claude Zidi Jr.)

Antoine (Mohammed Belkhir) es un joven rapero parisino que participa en batallas de gallos mientras trabaja como repartidor de sushi. Un día el trabajo le lleva a la escuela de música, donde conoce a la profesora Loiseau (Michèle Laroque), quien descubre casi por accidente el talento de Antoine y se propone convertirle en un gran cantante de ópera. Antoine tendrá que hacer frente no solo a un entrenamiento más que difícil y al que llega con mucho tiempo de desventaja frente a sus compañeros, sino a la falta de confianza en sí mismo y en su propio entorno, que parece decirle constantemente que no pertenece al mundo en el que se ha adentrado.

El protagonista, Antoine, es aficionado al rap, su hermano a las peleas clandestinas, sus amigos no parecen tener un presente ni un futuro demasiado alentador, no se deshacen del chándal ni para dormir y tienen un léxico callejero y poco refinado. Por contra, los alumnos de Loiseau son ilustrados, elegantes y tienen casas enormes. Este choque de realidades es lo que bloquea a Antoine, que parece convencido de no pertenecer a la ópera y oculta a su entorno su doble vida por miedo al rechazo. Es interesante como la mayoría de los amigos de Antoine, en realidad, no llegan a mostrar ningún rechazo a la ópera, lo que nos puede llevar a sacar una reflexión importante: que los complejos del cantante sobredimensionan en su mente un conflicto que quizá nuca fue para tanto. Sí que hay alguno que llega a sentir una suerte de traición cuando descubre la nueva vida de Antoine, pero su rechazo furibundo y sus cambios de humor tan arbitrarios son, de hecho, una de las principales flaquezas de un guion que no obstante es ágil, claro, y con una fuerte carga de humor muy acertado.

Una película entretenida para este verano.

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