“Temps Salvatge” de Josep Maria Miró (RdP en el TNC), por Francesc Mazón Camats

Josep Maria Miró  nos pregunta desde el inicio: “¿Este es un sitio bonito para vivir?”

Xavier Albertí, al frente del TNC (Teatre Nacional de Catalunya) y director de la obra, abre el fuego de una intensa rueda de prensa, en el vestíbulo/pecera del Nacional.

Josep Maria Miró un dramaturgo joven, de amplia y reconocida obra, se estrena en la Sala Grande, diez actores magníficos y toda la capacidad del gigantesco escenario al servicio de un autor contemporáneo, un desafío.

La generación de escritores teatrales catalanes que empezó a finales del siglo pasado, después de una larga travesía por el desierto (¡Salve Benet i Jornet!), muchos desde el pequeño espacio de la Beckett, otros en las salas alternativas (entiéndase reducidas o minúsculas, siempre lejos)  han llegado finalmente a la Sala Gran del TNC, un enorme vientre de ballena los espera. Miró será el sexto autor vivo en llegar a la Sala Grande en los 22 años del TNC.

El encargo de una nueva obra hecho a Miró por Albertí, data de dos años, entorno Mayo-Junio del 2016, después del éxito de ”Fum” en la sala pequeña.

Bajo el título emblemático de “Temps salvatge” (atención, Temps en catalán es tanto singular, como plural). Dice Albertí tiempo cronológico y/o meteorológico, este que nos ha tocado vivir. Nos resume el argumento: Comunidad de vecinos, urbanización, piscina, polideportivo, el extrarradio “las afueras” suburbia…cercanos al bosque, a extraños…

Gente de orden, pintadas, amenazas, inmigrantes… Caché/Oculto, el miedo, los rumores y las redes, lo no dicho, las pulsiones ahogadas generadoras de abismos…

Dice Albertí, los dioses de las tragedias griegas y el teatro hace tiempo que se fueron o están muertos y nosotros la generación que ha crecido con los colores, dejando atrás el Blanco y Negro, somos seres humanos temerosos, asustados, en manos de los nuevos Súper Poderes.

Los diez personajes de la obra cuentan con actores no solo de enorme calidad artística, también ética y humana.

Los aquí presentes (todos, menos uno, por los dobletes televisivos) han trabajado durante dos meses, con esfuerzo, hacia dentro, huyendo del melodrama fácil, para encontrar instrumentos éticos que permitan a los personajes vivir y convivir. Redondea una de las actrices, entre todos hemos construido una enorme bola de nieve que ahora empujamos hacia el público.

Albertí pide que nos fijemos en como ese enorme espacio acoge espacios íntimos/interiores y devastados.

Atención al vestuario de la gran María Araujo con un trabajo sutil de los colores a partir de las pinturas de Hockney y Hooper (piscinas y soledad, sol exultante y penumbras interiores).

También al complejo y espectacular trabajo del escenógrafo LLuc Castell.  Albertí ha compuesto la música para un cuarteto de cuerdas.

El Sr. Director con cierta maldad, y mirada reprobatoria del dramaturgo nos destripa partes del múltiple entramado argumental, que puede parecer un melodrama entretejido con elementos del thriller, matiza luego Miró las influencias de Hitchcock y quizás el toque perverso de Haneke.

Cuatro apartamentos, piscina y fiesta en el  polideportivo, bosque cercano, conversaciones simultáneas, segmentación y cambios o saltos temporales. Incomunicación, desorientación e incapacidad de reacción, añade Carme Elias / Mercè.

La vida colectiva es un infierno, pero en el mundo contemporáneo no hay cielo, no hay premio, ni salvación. Toda comunidad se sostiene por el miedo a su propia destrucción, sostiene la filósofa Marina Garcès desde el prólogo de la edición de Tiempo Salvaje. Siempre el miedo, ya nos advertía Brecht, no tengamos miedo, no nos dejemos asustar…

Larga e intensa rueda de prensa, donde se habla del azar y la realidad, de La Manada y las violaciones de jóvenes en Colonia, durante el fin de año…Ofelia ahogada de Millet, a finales del S. XIX… Estos tiempos salvajes actuales nos exigen parar y ser capaces de reflexionar, para poder regenerarnos, nos dice la actriz Miriam Iscla/ Raquel.

El autor, Josep Maria Miró, afirma: Soy Hijo de las Torres Gemelas de New York, pertenezco a la actual generación del Mundo del Miedo.

Pienso, quizás esperando el Big One como los náufragos de Short Cuts 1993 del duo Altman- Carver.

Quizás la respuesta a la pregunta inicial de Miró, nos la dio Malcolm Lowry en el final de Bajo el Volcán. “¿Le gusta este Jardín que es suyo?  Evite que sus Hijos lo destruyan.

Temps Salvatge , Sala Gran TNC del 10 de Mayo al 17 de Junio.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

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66 SSIFF (Nueva identidad gráfica y Carteles Secciones Oficiales), por CineT Farö

El Festival de San Sebastián presenta su nueva identidad gráfica

La imagen, elaborada por el estudio donostiarra TGA, aúna visibilidad y modernidad

El Patio del Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera ha acogido esta mañana la presentación de la nueva imagen del Festival de San Sebastián y los carteles de las secciones de la 66 edición. La renovación de la identidad gráfica tiene como objetivos actualizar la marca y ganar en visibilidad, para lo que el estudio donostiarra TGA, autor tanto de la nueva imagen como de los carteles, ha recurrido a una concha de trazos más sintéticos y de mayor contundencia visual para mostrar un Festival moderno, que se repiensa constantemente y se adapta a un contexto cambiante.

Los carteles de las secciones, donde prevalece el dinamismo, la luminosidad y la viveza, comparten un mismo tratamiento e identidad gráfica a partir de una composición de fotografía e ilustración, lo que proporciona unidad y coherencia al conjunto. Al mismo tiempo, cada sección preserva su identidad a través de un color característico. El cartel de la Sección Oficial se presentará más adelante, a la espera de confirmar los derechos de la imagen elegida para ilustrarlo.

El logo está compuesto por la concha, el acrónimo –para el que se ha recurrido a la tipografía helvética- y el nombre del Festival en tres idiomas (euskera, castellano e inglés).

El estudio de diseño donostiarra TGA, liderado por Nagore García Pascual, Julen Cano Linazasoro y Txema García Amiano, aúna los campos del diseño gráfico e interactivo, la arquitectura y el interiorismo. En su recorrido de quince años, su fusión de funcionalidad y estética y su característico lenguaje visual han dado forma a la identidad de Donostia Kultura, Fundación Kutxa, Elías Querejeta Zine Eskola o Aquarium. Entre sus carteles figuran el del 75 aniversario de la Quincena Musical, la competición de remo Bandera de La Concha 2017, el montaje escénico de Sueño de una noche de verano o la imagen de Culinary Zinema en la pasada edición del Festival.

En la rueda de prensa, el director de Festival, José Luis Rebordinos, avanzó algunas claves de la edición, la apuesta consolidada por la industria y los nuevos talentos y el buen momento del cine español en general y del vasco en particular, y los retos a los que se enfrenta el Festival, como la apertura de Elías Querejeta Zine Eskola y la puesta en valor de las mujeres cineastas.

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NOTA IMPORTANTE:  El texto y las fotografías proceden de la web oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

 

CUSTODIA COMPARTIDA (Dir. Xavier Legrand), por Yolanda Aguas

Miriam (Léa Drucker) y Antoine Besson (Denis Ménochet) se divorcian. Miriam quiere obtener la custodia de su hijo Julien (Thomas Gioria) para protegerle de un padre al que acusa de comportamiento violento. Antoine se presenta como el padre abandonado, y la juez concede la custodia compartida a ambos cónyuges. Julien acaba siendo el rehén de sus padres en medio de un conflicto creciente  y hará todo lo que esté en su poder para que no ocurra lo peor.

El director francés Xavier Legrand firma su brillante ópera prima y coloca en primer plano la impotencia de las víctimas frente al maltratador que les ha tocado. A este hecho terrible tienen que añadir los daños permanentes que una justicia excesivamente fría puede dejarles para toda su vida.

“Custodia compartida”, ganó el premio al Mejor Director y Mejor Ópera Prima en la Mostra Veneciana, se proyectó en el último Festival I. de Cine de San Sebastián dentro de la Sección Perlas.  Es una película emocional y también es una denuncia clara del patriarcado, de la violencia más sucia: la utilización del hijo (gran interpretación del joven Thomas Gioria) por parte del padre acosador para llegar a la madre.

Evidentemente, la película acaba siendo un thriller terrorífico, que arrastra al espectador por los horrores de esa mujer y su hijo.

El director, que también es actor, hizo su primera incursión en el cine fue en el papel de uno de los niños de “Au revoir, les enfants” (1987), la mítica película de Louis Male sobre las penurias de los chicos judíos durante invasión nazi en Francia.

Como información adicional, recordamos que Xavier Legrand hizo un corto en 2013 sobre el mismo tema, “Avant que tout perdre”, con la misma actriz protagonista que hace de madre en “Custodia compartida”, Lea Drucker.

Magníficas interpertraciones de Léa Drucker, Denis Ménochet, Thomas Gioria, Mathilde Auneveux y Coralie Russier

Una película dolorosa y terrible, dura hasta las lágrimas, donde el instinto funciona, de la mano de Xavier Legrand, de forma convincente.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

INMERSIÓN (Dir. Wim Wenders), por Yolanda Aguas

Descubrí el cine de Wim Wenders de la mano de las películas de Rainer Werner Fassbinder.  Revisando en aquellos años lo que se denominó “nuevo cine alemán”, llegué a su cine del mismo modo que al de Wolker Schlöndorff o Margarethe von Trotta.

Y de aquella primera época de su cine me fascinaron obras como “Falso movimiento”, “Alicia en las ciudades”,“En el curso del tiempo” y “El amigo americano”.

También llegó su gran obra maestra en la ficción: “París-Texas” que fue, es y será una de mis películas preferidas.

El universo cinematográfico de Wenders en aquellos primeros años de su carrera era luminoso dentro de la profunda oscuridad en la que habitaban sus personajes.  Seres desolados y en constante lucha interior.  Era un cine que requería la total complicidad del público. Nació ahí un idilio que el director alemán supo mantener vivo con su talento y brillantez.

Con el tiempo, el cine de Wenders ha perdido fuerza.  De vez en cuando llegaron algunas de sus nuevas películas, pero apenas tuvieron repercusión entre el público y, mucho menos, el reconocimiento favorable en la crítica internacional.  Era, ES, un cine menor.

Únicamente en el documental, Wim Wenders ha sabido plasmar toda esa poesía inicial que acompañaba sus primeras producciones. Buena Vista Social Club”, “Pina” y “La sal de la tierra” son buena prueba de ello.

Ahora llega a nuestras pantallas su última película, “Inmersión” (que inauguró la pasada edición del Festival I. de Cine de San Sebastián), que ha vuelto a ser otra decepción.

James More (James McAvoy) es un ingeniero hidráulico que ha sido tomado como rehén en Somalia por terroristas yihadistas, que sospechan que es un espía británico. Danielle ‘Danny’ Flinders (Alicia Vikander) es una biomatemática que trabaja en un proyecto de inmersión en las aguas más profundas de los océanos para demostrar su teoría sobre el origen de la vida en el planeta. Un año antes, James y Danny se conocieron en un hotel de la costa atlántica francesa y se enamoraron. Ahora, separados, Danny inicia una inmersión al fondo del océano sin saber si James sigue vivo.

Es una película sin magia, plana en demasiados momentos hasta llegar al aburrimiento. La historia que nos cuenta no atrapa y las interpretaciones son de muy bajo nivel.

¡Lástima¡  Al menos podía contarnos – simplemente – la historia de amor.

Lo mejor: la virtuosa B.S.O. del compositor español Fernando Velázquez.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

UNA RAZÓN BRILLANTE (Dir. Yvan Attal ), por Yolanda Aguas

Neïla Salah es una joven del extrarradio parisino que sueña con ser abogada. Se matricula en la Facultad de Derecho más importante de París, pero el primer día de clase Neïla tiene un enfrentamiento con Pierre Mazard, un profesor polémico, conocido por ser provocativo y por hablar fuera de tono. Obligados por la Universidad, profesor y alumna tendrán que preparar juntos un concurso de debate nacional. Aunque cínico y arrogante, Pierre podría ser el entrenador perfecto para las ganas de aprender que tiene la entusiasta Neïla… pero para ello tendrán que ser capaces de superar sus propios prejuicios. Dos mundos paralelos que, poco a poco, se acercan hasta forjar una relación tan disparatada, divertida y sólida como inesperada, una relación única en su especie.

El cine francés, ya lo sabemos, tiene especial predilección por mostrar historias que tratan y analizan los problemas y ventajas en la educación de sus compatriotas.  Grandes directores como Laurent Cantet o Bertrarnd Tavernier lo han hecho anteriormente de forma magistral.  En realidad es un subgénero en sí mismo de la industria cinematográfica francesa.

La película, es muy obvio, tiene como uno de sus mayores referentes a “My fair lady”, y aquí cuenta para interpretar al profesor a un gran maestro de la interpretación: Daniel Auteuil.

Auteuil interpreta a un profesor aficionado a provocar a sus alumnos, y en la historia principal del film, especialmente a una humilde universitaria de origen argelino (Camélia Jordana) que tampoco sabe quedarse callada.  Pese a la previsibilidad general del argumento, que no de sus detalles, Daniel Auteuil y  Camélia Jordana elevan muy alto el nivel de la película. Del excelente actor francés ya no sorprende su brillantez, aunque el momento en que lee en clase unos versos de Baudelaire es magistral y conmovedor, dentro de su aparente sencillez. Es solo el momento cumbre de unos diálogos muy cuidados; cinco guionistas hacen que sea así..

La película cuenta con una gran química entre sus protagonistas. Ese es el principal activo de la película.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

RdP “EL BURLADOR DE SEVILLA”, por Yolanda Aguas

La directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), Helena Pimenta presentó ayer en su sede del Teatro de la Comedia en Madrid la obra de Tirso de Molina dirigida, en esta ocasión, por Josep Maria Mestres.

En el momento de escribir este artículo, todavía no es seguro que el estreno previsto para hoy viernes se producirá o no.  Todo indica que los anunciados paros de los trabajadores del Inaem contra la fusión del Teatro Real y la Zarzuela impedirán, según fuentes sindicales, que se pueda llevar a cabo la función.

Borja Ortiz de Gondra da voz a la mujer en esta nueva versión del clásico de Tirso de Molina.  El dramaturgo ahonda desde la actualidad en el abuso y la injusticia hacia la mujer y saca a la luz la palabra olvidada de las víctimas que el arrogante seductor va dejando a su paso.  Ortiz de Gondra ha querido resaltar el papel y el valor de “mujeres que no son pobres, ni vírgenes; mujeres que tienen voluntad, saben lo que quieren y algunas incluso son burladoras”.

No me ha quedado más remedio que quebrar el silencio y conceder a esas mujeres -burladas y enmudecidas- el verbo que Tirso no quiso prestarles. Descubriendo que que Isabela es una burladora burlada a quien don Juan atrapa en su propio juego; que Tisbea es una arrebatada de amor que da el primer paso para seducirle invitándole a su cabaña y que Aminta es una aldeana que se deja deslumbrar por el ascenso social que le ofrece el caballero. Solo en el caso de doña Ana el silencio era escandaloso: la única mujer realmente forzada contra su voluntad en toda la obra no es en el original más que una ‘voz dentro’ a la que nunca se ve”,

Afirmando Ortiz de Gondra, que se vale de un soneto del propio Tirso para poner “carne y sangre en el escenario”.

Como ha explicado Helena Pimenta, la acción se traslada a la actualidad que Tirso imaginó hace cuatrocientos años, acentuando las distintas facetas de un mito que enfrenta a laos miedos y pasiones del individuo como miembro de la sociedad.

Según afirmó el director, Josep Maria Mestres, parte de la idea de que “todos somos don Juan de una manera u otra y pone de relieve una psicopatía cotidiana que pasa cuando nos deja de importar el otro. En este – Burlador – la peripecia de don Juan inquieta e intranquiliza y esa es su valiosa utilidad. Las mujeres de esta obra son de una modernidad radical para su época; son activas y denuncian a su agresor y descubren convicciones y comportamientos machistas seculares”.

Además, destaca la relación entre don Juan y su padre para subrayar “el terrible dolor paterno” y mostrar a dos seres humanos “incapaces de mirarse a los ojos, porque ambos saben que ya nada tiene remedio”.

Para Raúl Prieto, que interpreta al burlador, las mujeres de esta obra “no solo denuncian y ponen en evidencia los actos de don Juan sino que están llenas de voluntad y pasiones”.

Durante la intervención de Josep Maria Mestres, destacó el trabajo realizado con su equipo artístico al completo: Sonido, Iluminación y Vestuario, señalando que casi forman una familia por la continuidad de sus colaboraciones.

La obra podrá verse en el Teatro de la Comedia de Madrid hasta el 3 de junio de 2018.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

UN SOL INTERIOR (Dir. Claire Denis), por Yolanda Aguas

“Un sol interior”, es la última película que nos llega dirigida por Claire Denis y co-escrito con Christine Angot, la película está basada en el ensayo Fragmentos de un discurso amoroso, del filósofo Roland Barthes.

Isabelle (Juliette Binoche) es una pintora divorciada con una hija de diez años a su cargo, que está en busca del amor verdadero. Tiene un affaire con un cretino banquero, sale a cenar con un actor casado, prueba otra vez con su ex marido, le da una oportunidad a un hombre de otra clase social, queda fascinada por un enigmático galerista. ¿Alguno de ellos le interesa de verdad? ¿Encontrará la felicidad a pesar de estos desencuentros?

Es una película para paladares exquisitos. Aunque está etiquetada como una comedia romántica, su directora plantea un giro en los elementos que componen al género.

La película comienza rompiendo la intimidad de Isabelle (Juliete Binoche) y su amante, mientras Agnès Gordard, como ya es habitual a cargo de la fotografía, mantiene unos planos muy estáticos centrados en el diálogo y los gestos de las personas que se cruzan en la vida de la protagonista. Esa dirección de fotografía está enfocada en su protagonista que sustenta todo el peso del filme. Primeros planos que buscan demostrar esas partes de la idea de amor.

La vida de Isabelle, vehiculada entre sexo, lágrimas, sonrisas y agonía, transcurre en sus cuadros y en su desesperada vida. Se desvive por encontrar el amor verdadero que nunca ha logrado experimentar, resultando una tarea demasiado ardua por el idealismo que es incapaz de borrar de su mente respecto a las personas y al amor que deben sentir y compartir. Entre varios momentos cómicos, Denis deja ver a la luz los problemas de sus personajes, así como numerosas reflexiones sobre la diferencia entre el amor sentimental y el sexual, que a veces se mezcla con las necesidades humanas, siendo incapaces de distinguirse entre sí.

El film mezcla una pequeña adaptación de “Fragmentos de un discurso amoroso” (ensayo de Roland Barthes, 1977) y las experiencias personales de Denis y su compañera en la creación del guion, Christine Angot. La fantástica directora decidió poner en la cabeza de este proyecto a Juliette Binoche, presentando una exquisita historia sobre la desesperación de la protagonista por encontrar el amor.

Como viene siendo habitual, Juliette Binoche se supera a sí misma con esta nueva interpretación. Es única para lograr esos cambios entre la alegría y la tristeza, por el desconocimiento de sí misma. La duda recurrente de lo que quiere de sí misma y lo que deberían proporcionarle el resto de personas, se deja ver sutilmente y con una delicadeza admirable a través de su banda sonora encabezada por la suave voz de Etta James y sus ritmos de soul y jazz que aparecen en el momento indicado.

Pero lo mejor de todo el film llega en sus últimos diez minutos. Juliette Binoche comparte pantalla con Gerard Depardieu (sin compartirla realmente, es una paradoja), en un diálogo totalmente atrayente.  Gérard Depardieu. Como un foco de la esperanza, el hombre que recoge el momento más esperado en la vida de Isabelle en sus manos, mastica cada una de sus frases hasta sobrecoger con cada duda, sonrisa o inseguridad del mismo. La construcción de un diálogo en plano contra plano de la protagonista y Depardieu, cierra el film con idas y venidas de ambos personajes, intentando llegar a una conclusión o una pista donde poder hallar el sol que se encuentra dentro de cada uno de nosotros.

Un sol interior es una película singular, por la manera en que está rodada, haciendo casi un homenaje a “Rayuela” de Cortázar, la película podría comenzar o terminar justamente al revés de cómo la hemos visto.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.