DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK (Dir. Woody Allen)

Texto: Yolanda Aguas

Gatsby Welles (Timothée Chalamet) y Ashleigh (Elle Fanning) son una joven pareja enamorada de universitarios que se dispone a pasar un fin de semana en la ciudad de Nueva York. Ella va a entrevistar al reconocido cineasta Roland Pollard (Liev Schreiber), que pasa por un momento de crisis creativa, y durante su azarosa aventura conocerá al cautivador actor Francisco Vega (Diego Luna). Por su parte, Gatsby también conocerá a una joven, Chan (Selena Gómez), que le ayudará a poner en orden sus sentimientos. El lluvioso fin de semana estará plagado de encuentros, desencuentros y equívocos.

Contra su voluntad, evidentemente, Woody Allen ha tardado un poco más de lo normal en estrenar su penúltima película (la última, como saben, es la que rodó en San Sebastián durante el verano pasado). En los últimos años, el maestro ha creado películas con resultados diferentes.  Obras maestras como Match Point y Medianoche en París, y otras que no están en lo mejor de su filmografía.  Con todo, no debemos olvidar que también está esa joya titulada Blue Jasmine con la impecable e inolvidable interpretación de la gran Cate Blanchett (Oscar como Mejor Actriz Protagonista).

Día de lluvia en Nueva York tenía que haberse estrenado en 2018, pero al menos hemos podido disfrutar con este nuevo título de Woody Allen y con la ciudad de sus amores, Nueva York.  La película es indudable que está escrita y dirigida por el realizador neoyorkino.  La atmósfera es puro Allen.

En cuanto a los actores ya es otro tema.  La “estrella emergente”, Timothée Chalamet, sigue con sus mismas carencias interpretativas de siempre.  Ya conocen mi opinión, lo repito siempre que hablo de alguna de sus películas.  El resto del reparto no brilla a pesar de contar con unos diálogos tan brillantes como todo lo que escribe Woody Allen.

Lo mejor: Nueva York y la hermosa fotografía del maestro Vittorio Storaro.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO (Dir. Wang Xiaoshuai)

Texto: Yolanda Aguas

Yaoyun y Liyun son un matrimonio que creen haberlo perdido todo. Su hijo murió tras ahogarse de forma trágica. Años más tarde, la pareja decidió adoptar a Liu Xing, un joven que, sin embargo, no ha conseguido reconfortarles de la forma que esperaban. Por si esto fuera poco, Xing decide desaparecer y alejarse de los que, para él, son unos “padres extranjeros”. El desolado matrimonio se pierde en sus recuerdos mientras espera una única cosa en sus vidas: hacerse lo suficientemente viejos como para dejar que el dolor sea algo del pasado.

Esta producción de China, con una duración de 185 minutos, logró el reconocimiento del Jurado de la Sección Oficial en la última Berlinale para sus dos actores protagonistas.  Fue con todo merecimiento.

El comienzo de la película es maravilloso: nos sitúa al borde de un lago. Dos niños están sentados hablando frente al agua; la cámara nos traslada después a una comida familiar en casa de Yaoun y Liyun y de nuevo regresamos junto al lago, donde se comprende que ha sucedido una terrible desgracia. Este principio, con sus saltos, anuncia el juego de distintos tiempos que estructuran el guion.  El guión está escrito brillantemente, pero advierto que es también muy exigente con el espectador.  Durante el metraje, asistimos a números saltos en el tiempo que hay que saber comprender para no perderse en la trama.

La narración sigue los esfuerzos de Yaoun y Liyun por recuperar su vida después del trauma sufrido. Sus cambios a lo largo de 40 años, con los surcos que van minando sus rostros entrelazándose con la evolución de la China, desde la década de 1980, con un sistema totalmente planificado, hasta nuestros días, con una cierta economía de mercado.

La historia, sencilla en el sentido de que muestra un sentimiento tan fácilmente comprensible como la muerte de un hijo. Es fácil identificarse con esos padres y entender que 40 años, por muy llenos de acontecimientos que puedan estar, no son suficientes para paliar ese dolor. De tal modo que el decurso del tiempo tiene una especial relevancia, en la evolución de los personajes y también de su entorno, lugares en que se mueven y relaciones humanas, como los cambios profundos en el país, desde la rígida prohibición de más de un hijo por familia a una cierta flexibilidad; las separaciones, rupturas y reencuentros; los ciclos familiares y sociales que se renuevan.  El hilo conductor no es el tiempo lineal, sino los sentimientos, ocultos púdicamente bajo un velo de discreción. Ciertamente, a pesar de cierta dificultad en el visionado de este gran filme, la intimidad de los personajes y sentido de las acciones se van iluminando. La última media hora es una obra maestra.  Todo aparece nítido en su profundidad humana y su belleza interior.

Wang Xiaoshuai  deja que sea el espectador quien descubra el profundo dolor que vive la pareja protagonista. Ese dolor está muy contenido, los actores están sencillamente magistrales.

Sentimientos rodados con una elegante discreción, pequeños detalles en la dirección artística que son suficientes para que el espectador comprenda que Yaoujun se ha vuelto un alcohólico, o la mirada de Liyun cuando nos hace ver la violencia del Estado sobre esa madre que tanto desea vivir una vida mejor.

Una de las películas, en la Historia del Cine, que mejor presenta y desarrolla el perdón en el ser humano.  

Completan el gran trabajo de sus actores, Wang Jing-chun y Yong Mei, la fotografía majestuosa de Kim Hyun-seok y la música de Dong Yingda.

No se asusten por sus 185 minutos, la película merece la pena.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

JOKER (Dir. Todd Phillips)

Texto: Yolanda Aguas

Cada año tenemos en el panorama internacional una película que acapara todas las alabanzas generalizadas.  Si en esos casos la película fuera verdaderamente merecedora de tantos panegíricos estaríamos de enhorabuena.  ¡Qué suerte la nuestra¡

Pero no…  me temo que vivimos en “un mundo feliz” donde a casi todos nos manejan hilos misteriosos que anulan nuestro propio pensamiento.  Unos se dejan, se acomodan y son felices, pero otros afortunadamente no.

Por ese motivo, debo expresar que “Joker” de Todd Phillips, me parece una película mediocre que ha contado desde el principio con una enorme campaña de promoción.

Arthur Fleck (excesivo y sobreactuado Joaquin Phoenix) vive en Gotham con su madre, y su única motivación en la vida es hacer reír a la gente. Actúa haciendo de payaso en pequeños trabajos, pero tiene problemas mentales que hacen que la gente le vea como un bicho raro. Su gran sueño es actuar como cómico delante del público, pero una serie de trágicos acontecimientos le hará ir incrementando su ira contra una sociedad que le ignora.

Y eso deberíamos hacer nosotros también: ignorar este filme y ver con atención otros títulos que se están estrenando estos días.  Me lo agradecerán.

Prefiero recordar los memorables trabajos de Jack Nicholson y Heath Ledger en el mismo papel de Phoenix. Si acaso, y por mencionar algo positivo, nombrar la interpretación del gran  Robert De Niro, que en sus pocas escenas brilla como siempre. Magnífica, como en muchos de sus trabajos, Frances Conroy.

Si van a verla, lo único que puedo decir es que disfruten de su banda sonora, es lo mejor de la película.

Aquí concluyo esta crónica.  No quiero dedicarle más tiempo.

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RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS (Dir. Céline Sciamma)

Texto: Yolanda Aguas

La pintora Marianne (Noémie Merlant) recibe el encargo de realizar el retrato de una joven de familia acomodada, Héloïse (Adèle Haenel), como regalo a su futuro prometido, que nunca la ha visto. Recién salida del convento, la mujer se niega a posar. De forma inconsciente, Héloïse tiene claro hasta qué punto el arte también ha funcionado como herramienta de control y opresión de las mujeres. Resistirse a ser dibujada es la única arma de que dispone para oponerse a un matrimonio concertado.

Ambas mujeres se quedan casi solas en la residencia aislada de Héloïse. Su única acompañante, Sophie (Luàna Bajrami), trabaja para la familia.  Céline Sciamma desarrolla una subtrama en torno a Sophie que le permite imaginar unos vínculos de sororidad interclasista poco habituales en las ficciones ambientadas en esta época, pero que funciona con toda naturalidad en el contexto femenino que despliega la película.

Pionera del cine lésbico y feminista en Francia con títulos como ‘Naissance des pieuvres’ (2007), ‘Tomboy’ (2011) y ‘Girlhood’ (2014), Sciamma sitúa a sus protagonistas en un entorno especial en la Francia del siglo XVIII en que puede florecer su pasión sin que sea condicionada por las circunstancias sociales. El guión está maravillosamente escrito (ganó en el pasado Festival de Cannes). Aunque ‘Retrato de una mujer en llamas’ se ambienta en un contexto artístico, la película rehúye caer en una estética en exceso preciosista o llena de referencias a los grandes nombres de la pintura.

Hay ideas muy hermosas ligadas a la mujer enamorada como pintora: la manera en que el rostro de Héloïse permanece primero oculto y se va desvelando poco a poco a los ojos de Marianne o las primeras apariciones de la Héloïse-Eurídice que turban la conciencia de la protagonista. Sciamma, sin embargo, aboga por una iluminación naturalista que da más libertad a sus personajes y a la pasión que surgirá entre ellas. La chispa que enciende la pasión entre Marianne y Héloïse surge del proceso artístico.

Obligada a dibujar a Héloïse sin que ella lo sepa, Marianne la acompaña en sus paseos y observa con atención sus rasgos y sus gestos hasta enamorarse del objeto de su cuadro clandestino. Ya desde su arranque, ‘Retrato de una mujer en llamas’ revisa en clave feminista y a través de esta historia de amor las dinámicas tradicionales entre el artista y la persona que le inspira. En el prólogo del filme, se nos presenta a Marianne dando clases de pintura a sus alumnas. Ella actúa al mismo tiempo como artista, profesora y modelo para las estudiantes, desbaratando la idea de que la mujer solo ha ejercido de objeto de la obra artística.

Gran trabajo de Claire Mathon firmando la preciosa fotografía y de sus dos intérpretes protagonistas.

Durante toda la película y, muy especialmente, en el tramo final de la misma recordé un relato corto de la escritora Ana María Moix: “Las virtudes peligrosas”.  No les diré el motivo, vayan a ver la película y luego lean el relato (o al revés) y lo comprenderán.

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 Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

 

 

DIECISIETE (Dir. Daniel Sánchez Arévalo)

Texto: Yolanda Aguas

Fue una de las gratas sorpresas en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.  Daniel Sánchez Arévalo presentó una película sencilla, bien rodada, bien interpretada y emotiva. 

Héctor es un chico de 17 años que lleva dos internado en un centro de menores. Insociable y poco comunicativo, apenas se relaciona con nadie hasta que se anima a participar en una terapia de reinserción con perros. En ella establece un vínculo indisoluble con una perra, a la que llama Oveja. Pero un día la perra es adoptada y Héctor se muestra incapaz de aceptarlo. A pesar de que le quedan menos de dos meses para cumplir su internamiento, decide escaparse para ir a buscarla.

Rodada en los bellos paisajes de Cantabria, “Diecisiete” es una película que cuenta una historia de dos hermanos, una abuela y una perra.  Verdaderamente hace falta poco más para conmover al espectador cuando se hacen propuestas honestas.  Y éste es el caso.

Magníficamente interpretada por dos jóvenes actores, Biel Montoro y Nacho Sánchez, y una actriz veterana maravillosa, Lola Cordón (¡qué trabajo tan bonito hizo también en Final de Partida de Beckett para el Teatro de la Abadía¡).

Muchas veces, como en los buenos perfumes, lo mejor y más apreciado llega en recipiente pequeño.

¡Corran a verla¡

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

DOWNTON ABBEY (Dir. Michael Engler)

Texto: Yolanda Aguas

Es 1927. La familia Crawley y su carismática servidumbre se preparan para el momento más crucial de sus vidas. Una visita del rey y la reina de Inglaterra desatará una situación de escándalo, romance e intriga que pondrá en peligro el futuro de Downton.

Con un gran reparto coral: Hugh Bonneville, Michelle Dockery, Maggie Smith, Joanne Froggatt, Kate Phillips, Imelda Staunton, Simon Jones, llega ahora a los cines y es un buen momento para recordar los orígenes de esta película que se basa en los personajes que vimos crecer en la serie durante las seis temporadas que se emitió en televisión.

Creada por Julian Fellowes, la ficción narraba la historia de una adinerada familia de un condado de Inglaterra que veía como podía perder los privilegios de ser dueños y señores de ese lugar si no cumplían con la descendencia que entonces se demandaba. A su vez podíamos acudir a las plantas inferiores del castillo para conocer también a los numerosísimos sirvientes y sus relaciones entre ellos. El nombre de aquella familia aristocrática era Crawley y tuvieron su época de máximo esplendor – representada en la serie de televisión – en los comienzos del siglo XX o, como se conoce entre los historiadores, la época eduardiana. Así que aquellas diferencias de clase, aquella hora del té y aquel guardar las apariencias está, en realidad, mucho más cerca de nuestros días de lo que en un primer momento se podía pensar.

Maggie Smith,  que interpreta a Lady Violet, High BonnevilleMichelle DockeryLaura CarmichaelJim Carter o Lily James eran algunos de los nombres de un elenco extensísimo que vuelve ahora a los cines para dar  un broche final a la serie que terminaba sus emisiones hace ahora tres años.

Julian Fellowes, guionista y creador de la serie, y Michael Engler, que ya dirigiera cuatro capítulos para la pequeña pantalla, no se han complicado la vida. Todo, en “Downton Abbey”, está en su sitio, todo transcurre plácidamente sobre el molde establecido por la serie y todo es, resplandeciente, majestuoso y aristocráticamente perfecto.

La película presenta  la visita de los reyes Jorge V y María de Inglaterra al imponente castillo de los Crawley y cómo afecta tanto a la familia noble como al nutrido servicio.

En la película hay una pequeña colección de dramas y mucha comedia, ya sea arriba o abajo. La más jocosa es la protagonizada por el mayordomo Carlson, ya jubilado pero puntualmente recuperado para ocasión real, y su enfrentamiento con el mayordomo enviado por la Casa Real.

La incorporación de un nuevo personaje, Lady Bagshaw, interpretado por Imelda Stauton, permitirá un divertidísimo cara a cara, o relación amor-odio, con Violet Crawley, condesa de Grantham, interpretada por Maggie Smith.

Sólo por ver en acción a estas dos extraordinarias actrices merece la pena ver la película.

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MIENTRAS DURE LA GUERRA (Dir. Alejandro Amenábar)

Texto: Yolanda Aguas

Verano de 1936. El célebre escritor Miguel de Unamuno decide apoyar públicamente la sublevación militar que promete traer orden a la convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca. Mientras, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros provoca que Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus principios. Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado Jefe del Estado en la zona nacional, Unamuno acude a su Palacio, decidido a hacerle una petición.

La película cuenta con un gran reparto: Karra Elejalde, Eduard Fernández, Santi Prego, Nathalie Poza, Patricia López, Luis Zahera, Luis Bermejo, Inma Cuevas, Mireia Rey, Tito Valverde, Luis Callejo, Carlos Serrano-Clark, Ainhoa Santamaría, Itziar Aizpuru y Pep Tosar.

“Mientras dure la guerra” es una de las mejores películas de Amenábar, aunque no alcance cotas tan brillantes como las conseguidas con “Tesis”, “Mar adentro” o “Los otros”.  Con Alejandro Amenábar sucede lo mismo que con Pedro Almodóvar, incluso con José Luis Garci, y es que se les exige obras maestras con cada una de sus películas.  Siempre digo que eso no es justo.

La película narra principalmente aquellos determinantes días en Salamanca, de cuya Universidad era rector, cuando Unamuno (Karra Elejalde, majestuoso en su interpretación) decide apoyar públicamente la sublevación militar para devolver el equilibrio a una sociedad caótica y hambrienta.  “La República no nos ha traído ni orden, ni paz, ni pan”, exclamaba Unamuno; y pronto, el gobierno de Azaña lo destituye del cargo.

A partir de estos acontecimientos, Amenábar nos cuenta unos hechos históricos que siempre son necesarios recordar.

No entraré a cuestionar si la Historia se ha tratado con exactitud o no. Me limito a ver la película y opinar sobre la misma.  Está repleta de magníficas interpretaciones, donde destacan Karra Elejaldre (que espero gane todos los premios de la temporada, especialmente el Goya como Mejor Actor Protagonista), Eduard Fernández (como Millán-Astray) y Nathalie Poza (que interpreta a la esposa del alcalde de Salamanca).

“Mientras dure la guerra” ha sido recibida con cierta tibieza por la crítica cinematográfica.  No así por el público, que está acudiendo a los cines colocándola en cabeza de las listas de recaudación.

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