Sexto día: Miércoles, 26-09-2018 del 66 ZINEMALDIA, por Yolanda Aguas

Sexto día: Miércoles, 26-09-2018

Inicio el sexto día de la 66 edición en el K1, a las 9:00 h, para ver por segunda vez “Quién te cantará”.  No porque ayer me gustara cuando la vi en el Teatro Principal, sino porque no podía ir a ver otra por el tema de cuadrar horarios y poder asistir a la conferencia de prensa que el equipo artístico iba a ofrecer a las 11:25 horas.

Quién te cantará (Dir. Carlos Vermut – 2 h 04 minutos).

Ver mis comentarios sobre la película en el artículo publicado ayer.

Rueda de Prensa: Quién te cantará

A las 11:25 h se desarrolló la RdP de la película “Quién te cantará” de Carlos Vermut. Estuvieron presentes las cuatro actrices: Carme Elias, Natalia de Molina, Eva Llorach y Najwa Nimri.  También su director, Carlos Vermut, y el productor Enrique Lavigne.

Eva Llorach, fue la protagonista absoluta de la rueda de prensa oficial organizada por el festival.  Aseguró que crear este personaje junto a Nimri fue «un sueño». La actriz destacada por la crítica, señaló que, pese a haber pasado desapercibida para el gran público hasta ahora, siente que «todo lo que está viniendo de Quien te cantará es tan increíble que sí, que tengo la impresión de que va a pasar algo», aseguró la intérprete, que fue preguntada por si siente que su primer gran papel ha llegado «tarde»: «No he llegado tarde porque empecé tarde. Entonces, no lo considero así. Llevo tiempo haciendo cine independiente, pero es verdad que en España es un cine que se ve menos y fue a partir de Diamond Flash cuando empezaron a surgir proyectos interesantes, aunque muy pequeñitos». «Si llegar tarde es llegar así, hija… Yo también quiero llegar tarde», añadió Nimri para desatar las risas del auditorio, haciendo gala así de la química que ha brotado entre ensayos de canto y baile entre ambas.

“Nos peguntábamos por qué nos hacían bailar tanto, pero es verdad que ahí se creó un vinculo que no se crea de otra forma, que no se crea con la palabra o ensayando. Luego cada una creamos el personaje por nuestro lado, pero fue una manera muy curiosa de conocernos y de conectar”, explicó Llorach.

Presentación programación TCM en el Club de Prensa

A las 12:30 h se presentó la programación de la nueva temporada de TCM.  José Luis Rebordinos asistió al acto, aunque sus múltiples obligaciones durante el festival le impidieron quedarse hasta el final.

El Zinemaldia también ha sido el lugar elegido por TCM para presentar su nueva programación y estrenos. No en vano, llevan ya más de 15 años colaborando con el Festival de San Sebastián con premios, encuentros y de muchas otras formas.  El director general de Turner España, Daniel González, ha arrancado destacando que una de las grandes bazas de TCM para esta nueva temporada es que el canal seguirá apostando por combinar la programación de películas con contenido propio para crear una marca diferencial. Y ha querido resaltar que mucha de esa programación propia “siempre la hemos presentado en el marco del Zinemaldia”.

Guillermo Farré de TCM, por su parte, ha presentado nuevas producciones propias, todas en el ámbito documental y cinéfilo: Programado por, Nacho Vigalondo, África en Cinecicleta, Friedkin Uncut o Trumbull Lands. Una de las novedades de la nueva temporada será el programa en el que quieren ir más allá, buscar joyas y verlas desde el especial prisma del realizador Nacho Vigalondo. Este programa promete ser diferente por la personalidad de su conductor, que presentará y analizará las películas de este contenedor que aún no tiene nombre.

Entre los documentales de producción propia podremos ver Fried-kin Uncut, mordaz repaso a la trayectoria del director de William Friedkin, director que contribuyó a definir el cine americano de los años setenta con títulos como French Connection o El Exorcista; Trumbull Lands se centra en la figura de Douglas Trumbull, que con sus trabajos en películas como Blade Runner o 2001: Una odisea del espacio cambió el rumbo de la historia de los efectos especiales; o África en Cinecicleta, que sigue la aventura de Isabel y Carmelo, que durante dos años recorrieron en bici África proyectando cine mediante un sistema que se activaba con el pedaleo de los espectadores. Aquello les permitió llevar el cine a lugares remotos a los que nunca antes había llegado y llegar a gente que jamás había podido ver una película.

TCM también tendrá la serie documental producida por Tom Hanks Decades of Movies, que repasa la historia del cine dedicando cada uno de sus doce capítulos a una década, y contará con una nueva temporada de Programado por con invitados como Rodrigo Sorogoyen, Belén Rueda o Javier Bardem como novedad.

Rueda de Prensa: “Vision” de Naomi Kawase

A las 14:10 h se desarrolló la RdP de la película “Vision” de Naomi Kawase, quien canceló su visita a San Sebastián en el último momento.

Visión es una cinta poética, lírica y llena de gran belleza y planos larguísimos que la directora ha rodado en la región japonesa donde nació, en Nara, antigua capital del país nipón, al este de Osak, una zona llena de bosques de grandes árboles y donde los campesinos tienen un vínculo muy especial con las plantas. Allí acude una escritora francesa, el personaje de Binoche, llena de nostalgia y recuerdos, a buscar una planta que salva a las personas.

Juliette Binoche ha defendido la labor necesaria de movimientos como el Me too.  “De la misma forma que hacen falta olas para mover barcos, hacen falta olas para mover conciencias”, explicaba la actriz. “Que las mujeres expresen lo que ocurre detrás de las puertas en el cine es una necesidad. Lo femenino ha estado soslayado desde hace milenios y ha esperado con paciencia. Y ahora hay ya una impaciencia. Además, estamos cerca de lograrlo porque lo femenino también está dentro de los hombres”, añadía.  “Tenemos que reconectar con la naturaleza, con nuestro yo, contaminamos todo, perdemos todo, jugamos con el entorno como niños avariciosos y luego no tendremos con qué jugar. Qué les vamos a decir a nuestros hijos. Debemos espabilar”, aleccionaba la actriz.

Kawase vuelve a los paisajes naturales en una película que invita a romper con el ruido diario y a reflexionar sobre la soledad, los silencios y sobre la plenitud de la vida. Pero Visión es también una historia de amor, una búsqueda de una relación del pasado y una nueva que nace.

Kawase, que ha cancelado a última hora por motivos personales su visita al festival, mantuvo a los actores separados, así que Binoche solo pudo comunicarse con la directora. “Creó una especie de reino alrededor de cada actor, cada uno vivíamos en un sitio diferente. Yo, junto a un templo. Solo nos reuníamos durante el rodaje, lo que fue emocionante a la vez”, contaba la protagonista de El paciente inglés. “Estaba hipnotizada por la belleza, la quietud, la altura de los árboles. A veces lloraba, y Naomi, más acostumbrada a ese paisaje, me preguntaba por qué y le decía: ‘Estoy conmovida de estar aquí'”, contaba en la rueda de prensa.

Ash Is Purest White  (Dir. Jia Zhang-ke – 2 h 15 minutos).

A las 16:30 h, en el Teatro Principal, dentro de la PERLAS, veo la última película de director chino Jia Zhang-ke.

En 2001, la joven Qiao está enamorada de Bin, cabecilla de la mafia local de Datong. Cuando Bin es atacado por una pandilla rival, Qiao se defiende y dispara varias veces. Es condenada a cinco años de cárcel. Tras cumplir su pena, Qiao busca a Bin e intenta volver con él. Pero él no quiere seguirla. Diez años más tarde, en Datong, Qiao sigue soltera y ha salido adelante manteniéndose fiel a los valores de la mafia. Pero Bin, cansado de la vida, regresa buscándola, a la única persona a la que ha amado…

Película inscrita en otro lugar en la continuidad de su última película, la sublime Mountains May Apart, donde tres capas de historias se siguen, dejando que transcurra el tiempo cuando sea necesario. Ash is the purest white y Mountains May Apart están de hecho unidas, porque su estructura narrativa es muy similar, mostrando un tiempo que pasa lleno de melancolía y, especialmente ese transcurrir del tiempo, ligado a una extraordinaria edición y actuaciones. Este es el toque perfecto del estilo del director chino.

Quién te cantará  (Dir. Carlos Vermut – 2 h 04 minutos).

A las 22:30 h, en el K1, asisto junto a un gran amigo (que no había visto todavía la película) al pase de Gala de “Quién te cantará”.  La verdad es que para no haberme gustado la película, la he visto ya tres veces.  Y sigo sin encontrarle matices que me permitan defenderla.  En fin…

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías de la RdP de “Vision”, de la “Presentación programación TCM” y de los saludos del equipo artístico de “Quién te cantará” al término de la proyección de Gala en el Kursaal, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

 

 

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Quinto día: Martes, 25-09-2018 del 66 ZINEMALDIA, por Yolanda Aguas

Quinto día: Martes, 25-09-2018

Inicio el quinto día de la 66 edición en el Teatro Principal, a las 9:30 h, para ver otra película de Nuevos Directores “Oreina”.

Oreina (Dir. Koldo Almandoz – 1 h 28 minutos).

Khalil, joven musulmán, vive como puede en las afueras de una ciudad vasca. Su rutina desesperada de precariedad laboral se desarrolla entre los polígonos y las marismas. En la compañía de un ajado furtivo con una cabeza de ciervo coronando su salón.

Protagonizada por los magníficos actores Ramon Agirre y Josean Bengoetxea, la película es una muestra clara de cine social.  Tiene una factura visual bellísima, nada nuevo en el cine vasco, que sabe sacar buen partido a sus paisajes de ensueño.  Sin embargo, la historia de estos dos hermanos con vidas y conflictos de difícil reconciliación, el hijo de inmigrantes o la hija del dueño de la gasolinera no alcanza las cotas que otras películas vascas obtuvieron en pasadas ediciones.

Red Joan (Dir. Trevor Nunn – 1 h 50 min)

Como me resultó imposible cuadrar horarios para ver otro título, a las 12 h en el K1 volví a ver Red Joan.  Ya comenté mis impresiones en el artículo de ayer.

Rueda de Prensa del Premio Donostia: JUDI DENCH

A las 14:10 h se desarrolló la RdP del tercer Premio Donostia de la 66 edición: Judi Dench.  Vamos a publicar un artículo completo dedicado a la misma, por lo que ahora únicamente adjuntamos varias imágenes.

Angelo  (Dir. Markus Schleinzer – 1 h 51 minutos).

A las 16:00 h, en el K1, dentro de la Sección Oficial, proyectaron “Angelo” de Markus Schleinzer.

En la Europa del Siglo XVIII, Angelo es un niño trasladado de su África natal a la nobleza austríaca. Pasa allí una vida de sirviente entre galones y alta alcurnia, llegando a ser muy apreciado debido a su cualidad de objeto de atracción que cargará durante toda una existencia de tocar la flauta, declamar poesía e incluso bailar vestido en vistosos ropajes. Sin embargo, incluso en sus últimos compases se verá acompañado del rechazo de la corte por su otredad, que le acerca a la condición de un animal.

La película es un estudio sobre el racismo y la crueldad de los seres humanos. Es una película incómoda por la denuncia que realiza. Me pareció excesivamente larga y el público la recibió con tibieza.

Quién te cantará  (Dir. Carlos Vermut – 2 h 04 minutos).

A las 19:00 h, en el Teatro Principal, dentro de la Sección Oficial, asistí a la proyección de una película que había generado mucha expectación.  Se trata de “Quién te cantará” de Carlos Vermut.

Carlos Vermut fascinó a mucha gente con Magical Girl, que se llevó la Concha de oro hace cuatro años. Esa película, que gustó a gran parte de la crítica, no obtuvo el reconocimiento del público y pinchó en taquilla.  Con su nuevo título, “Quién te cantará”, sospecho que puede suceder lo mismo y además sin lograr convencer a la crítica.

Lila Cassen (Najwa Nimri) padece amnesia, y no recuerda sus canciones. En el horizonte, su representante Blanca (Carme Elias) prepara una gira de antiguos éxitos que la vuelva a situar en la escena y le permita saldar sus deudas. Violeta (Eva Llorach), madre soltera de una hija conflictiva (Natalia de Molina), es la mayor fan de Lila, y constantemente canta clásicos suyos en emocionantes números en el bar en el que trabaja. Blanca contratará a Violeta para que ayude a Lila a volver a ser Lila.

Lo mejor de la película es su maravillosa banda sonora y su fotografía.  Sin embargo, los personajes femeninos van cada uno por su lado, y a veces tengo la sensación que si nos contaran sus historias de forma individual resultaría mucho más atractiva la película.  Es una película excesivamente fría, carente de toda emoción.  Como una cascada de fuegos artificiales: mucha fachada y estruendo para, una vez finalizados, quedar en el olvido más absoluto.

A la salida de la proyección los comentarios eran negativos en su mayoría.  Me sorprendió leer en RRSS tantas alabanzas a la película.  Supongo que sucede en esto como en las encuestas a pie de urna tras unas elecciones políticas: una cosa es lo que se dice y otra muy diferente lo que se ha votado.

Película decepcionante y vacía, con la única excepción de la magnífica interpretación de Eva Llorach.  Eso sí, la película cuenta con una muy preparada y pensada campaña de marketing, que se notó en la proyección de la noche del miércoles.  Es ya habitual que los “palmeros” que organiza producción quiera sugestionar al público mientras aparecen los primeros títulos de crédito al inicio de la película.  Eso mismo sucedió en el pase de prensa de “Magical Girl” en San Sebastián.  Parece que es “marca de la casa” del productor.

Arde Madrid  (Dir. Paco León – 3 h 20 minutos).

A las 21:30 h, en el Teatro Principal, tuvimos una proyección muy especial.  La serie completa “Arde Madrid”.  Se proyectaron los 8 capítulos con un descanso de 10 minutos.

Arde Madrid nos transporta a 1961, en plena dictadura franquista, donde Ava Gardner disfrutaba junto a una élite de artistas, aristócratas y extranjeros de lo que fue la Dolce Vita madrileña. Su sufridor vecino de abajo, era nada más y nada menos que el General Perón, exiliado de Argentina y recién casado con Isabelita, su segunda esposa. El General Perón, Aline Griffith, Charlton Heston o la mismísima Ava Gardner serán secundarios de lujo en la vida de los verdaderos protagonistas de la serie: Manolo, Ana Mari y Pilar, el servicio doméstico del animal más bello del mundo. A través de sus vivencias se contará no solo la intimidad de una estrella de Hollywood, sino también el disparate de lo que era la España del momento. Flamenco, guardias civiles, la Sección Femenina, clanes gitanos, un collar único, espionaje… Y sobre todo sexo, whisky y rock and roll.

La ficción está protagonizada por el propio Paco León, Inma Cuesta, Debi Mazar (Ava Gardner), Julián Villagrán y Anna Castillo. También aparecen en papeles de reparto intérpretes como Carmen Machi, Silvia Tortosa, Mariola Fuentes (Lola Flores), Manolo Solo, Eugenia Martínez de Irujo (interpreta a su madre, la duquesa de Alba), Julieta Serrano o Carmina Barrios (madre de León, que da vida a la Sansona del Siglo XX, una mujer forzuda famosa en aquella época).

La serie tiene momentos muy divertidos.  Creo que puede tener éxito cuando se emita, y haberla rodado en blanco y negro me parece todo un acierto.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías de la RdP de “Judi Dench” son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

 

JUDI DENCH (RdP por el P. DONOSTIA), por Yolanda Aguas

Observarán en las fotografías que acompañan este artículo que la luz es diferente.  La gran maestra de la interpretación, Judi Dench, necesita que las luces estén suaves por su dolencia ocular.  Los asistentes a la rueda de prensa lo sabíamos y todos colaboramos para que ella estuviera cómoda durante su encuentro con nosotros.  Así fue…

A sus 83 años, la actriz entró en la Sala de Prensa del Kursaal y un aplauso entusiasta la recibió con los honores que una actriz de su dimensión merecía.  La verdad es que estábamos todos encantados con su presencia en San Sebastián para recibir el Premio Donostia.

También llegó para presentar su último trabajo en cine:  La espía rusa, de Trevor Nunn. Sin embargo, Judi Dench estaba quería hablar más de Shakespeare que de cine. “Yo no tenía interés en rodar películas. Yo sólo quería hacer teatro e interpretar a Shakespeare. No creí que fuera a tener una carrera en el cine. Posteriormente, terminé haciéndolo y me ha encantado”.

Recordó Judi Dench, Oscar por Shakespeare enamorado. que si fuera una mujer rencorosa, podría haber buscado al director que décadas atrás, cuando ya era una estrella escénica, le auguró que no haría nada en el cine. “Porque todo en mi cara estaba mal”. La jefa de James Bond, la mujer que acumula siete nominaciones al Oscar en los últimos 20 años recordó esta anécdota durante la rueda de prensa en el Festival de Cine de San Sebastián.

Lo cierto es que Judi Dench, no tenía vocación por la actuación. Su ambición era ser escenógrafa. Sin embargo, un día viendo un Rey Lear de Michael Redgrave descubrió que le faltaba la imaginación suficiente para diseñar espacios tan grandiosos como los que se hacían por entonces.

“Así que como mi hermano había estudiado interpretación pensé que podría servirme para mí”. Desde entonces, las tablas han sido su pasión, admira ese sentimiento de camaradería que se establece entre los miembros de una compañía y que poco tiene que ver con el ambiente en un rodaje. “Una vez en un estreno me encontré a un amigo y le pregunté: ‘¿Qué haces aquí?’. Él me respondió que aparecía en la película. Algo así nunca podría pasar en una compañía de teatro”.

Como con las tablas, ella ha aprendido a interpretar para la gran pantalla haciendo trabajo de campo, es decir, rodando. “Yo he visto a muchos actores en el set, igual que cuando estaba en el Young Vic tomaba apuntes de lo que hacían mis compañeros entre cajas. Hay algo fundamental en el cine que dice todo el mundo: ‘Menos es más’. Basta con tener los pensamientos adecuados porque la cámara lo va a percibir, es tan sensible que plasma lo que piensas”.

De inolvidable recuerdo, su trabajo en filmes como Diario de un escándalo, donde mantuvo un memorable tour de force con Cate Blanchett; PhilomenaSu Majestad y Mr. Brown o La reina Victoria y Abdul.

De entre todos los títulos que ha protagonizado, Dench no ha querido destacar ninguno en concreto. “Podría pasarme tres horas hablando”.

Pero sí ha querido acordarse de Kevin Spacey. Según ha contado, coincidió con él en el rodaje de Nueva Inglaterra de Atando cabos. Por entonces, el marido de Dench, Michael Williams, acababa de fallecer y ella pasaba una mala racha. “Él fue muy bueno conmigo, me alegró la vida y su ayuda fue inestimable para mí”.

Kevin Spacey está rechazado completamente por la industria tras haber sido acusado por varios actores de agredirlos sexualmente. Sin embargo, Dench ha querido defenderle. “No puedo aprobar lo que ha hecho. Pero tenemos que ver qué sucederá con todos las personas que han hecho actos terribles, ¿también serán borrados de las películas que hicieron? No lo sé. Puedo decir que él es un actor maravilloso y un buen amigo“.

Sin duda, Judi Dench es una actriz que ya tiene el privilegio que dan los años de opinar lo que piensa realmente. Aunque asegura que no se considera una “mujer poderosa. Soy una actriz que tiene que esperar a que la llamen para trabajar. Siempre ha sido así. Tengo miedo a rechazar papeles porque quizás no me vuelvan a llamar”.

Un encuentro con ella que será muy difícil de olvidar.  Maravillosa actriz y fascinante mujer.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ

Cuarto día: Lunes, 24-09-2018 del 66 ZINEMALDIA, por Yolanda Aguas

Cuarto día: Lunes, 24-09-2018

Inicio el cuarto día de la 66 edición en el K1, a las 9:00 h, para ver “Beautiful Boy”.

Beautiful Boy (Dir. Felix Van Groeningen – 1 h 51 minutos).

Beautiful boy, primera obra en inglés del realizador belga de Alabama Monroe, Felix Van Groeningen.

En la América de los años 70 el padre de familia David Sheff lucha contra viento y marea para redimir a su hijo Nic, atrapado en una malsana espiral de consumo de metanfetamina y otras drogas. En un período de varios años, David y su familia transitarán por un camino de pérdida de la esperanza conforme Nic insista en recaer en la adicción y en desaparecer de sus vidas.

Un drama de personajes que sufren, que fluye irregularmente y se sostiene sobre las interpretaciones de Carell y Chalamet, en un registro correcto pero sin llegar a emocionar.

Es una película que lo único que logra es denunciar el consumo de drogas y alertar de sus terribles consecuencias.

Rueda de Prensa: “Beautiful Boy

Al término de la proyección en el K1, a las 11 h, asisto a la conferencia de prensa del director y principal actor de “Beautiful Boy”.

En “Beautiful boy” Timothée Chalamet da vida a un joven que cae en el mundo de las drogas y que solo encuentra salida en el apoyo de su padre, Steve Carell. Un alegato familiar sobre un drama que en EE.UU. se cobra más vidas que los accidentes de tráfico. «Esto no es entretenimiento, aquí hay un mensaje de urgencia social», lamentó el actor, que defiende la película porque «cuenta una verdad muy dura pero llena de amor incondicional». Así, la pregunta sobrevoló la rueda de prensa… Y cayó: «¿Está a favor de la legalización de la marihuana?» «Sí», dijo.

El cuaderno negro  (Dir. Valeria Sarmiento – 1h 43 minutos).

A las 12:00 horas asistí a la proyección, en el K1 de la película “El cuaderno negro” de Valeria Sarmiento.

El cuaderno negro/Le cahier noir, dirigida por Valeria Sarmiento, viuda de Raoul Ruiz. La Francia del Siglo XVIII experimenta el ocaso y último capítulo de su nobleza, a punto del estallido de la Revolución Francesa y la llegada de Napoleón. Un huérfano de diez años y su criada italiana desarrollan un intenso romance incluso tras su separación temprana y años de crecimiento, madurez y vida en separado. Esta historia de intrigas y líos palaciegos se desarrolla durante décadas entre Roma, París, Lisboa o Londres.

Cine extremadamente clásico, casi del que ya no se hace. Una película que muestra un argumento rico en sucesos y personajes que no cesa de moverse. Virtudes sumamente literarias, que son trasladadas con personalidad a la gran pantalla. No es una película que pueda agradar al gran público, que en la actualidad reclama un cine rápido de digerir.  Incluso puede parecer frío aunque no lo sea.  Yo vi la película con agrado.

Rueda de Prensa: “El cuaderno negro

A las 14:00 h dio comienzo la conferencia de prensa de la película “El cuaderno negro”.

La directora chilena Valeria Sarmiento sorprendió sin convencer a la crítica con Le cahier noirThe Black Box, una historia de aventuras protagonizada por una mujer en la Francia revolucionaria del siglo XVIII. “Es importante contar historias de mujeres aunque sean de siglos pasados porque permiten tener una reflexión del papel de la mujer en la historia”, dijo la realizadora (Valparaíso, 1948), conocida por una perspectiva de género en sus películas que se remonta al primero de sus trabajos a comienzos de los años 70.

Se trata de una adaptación de El libro negro del Padre Dinis (1855) del escritor romántico portugués Camilo Castelo Branco, precuela de Los Misterios de Lisboa (1854), llevada al cine y también a este festival en 2010 por el marido de la cineasta, el fallecido realizador chileno Raúl Ruiz.

In Fabric  (Dir. Peter Strickland – 1 h 58 minutos).

A las 19:00 h, en el Teatro Principal, dentro de la Sección Oficial, vi la esperada película de Peter Strickland.

Invierno en Londres, superpobladas rebajas en uno de los más grandes y prestigiosos almacenes de ropa, poblados por inquietantes asistentes y un lóbrego manager (personajes góticos, vampíricos). Sheila, humilde madre soltera trabajadora de asistente en un gran empresa de apoyo al público, decide comprarse en dichos almacenes un hermoso vestido rojo para deleitar a su próxima cita. Tan pronto como se lo ponga, sucesos inquietantes y paranormales empiezan a suceder a su alrededor, y en el entorno de todos aquellos que heredan el vestido rojo.

Una propuesta más propia de Sitges que sorprendió desde el momento de anunciarlo que esté en esta Sección Oficial.  Sin duda un acto valiente de José Luis Rebordinos y su equipo de selección de películas.

La película decepciona o entusiasma a partes iguales.  Al término de la proyección había opiniones para todo.  Yo me quedo en un término medio, aunque no sé si esto es conveniente, y la incluyo en un cine de género que no termina de fascinar.

Red Joan  (Dir. Trevor Nunn – 1 h 50 minutos).

A las 22:00 h, en el Teatro Principal, dentro de las Proyecciones Espaciales – Premio Donostia, asistí a la proyección de la película protagonizada por la gran actriz británica Judi Dench.

Basada en hechos reales, “Red Joan” nos presenta a Joan Stanley, una anciana que vive tranquilamente en un barrio residencial cuando agentes del MI5 se presentan en su puerta para arrestarla por espionaje.

Entre interrogatorio e interrogatorio, la película nos traslada a 1938, a la semilla de los hechos de los que se la acusa. Entonces, Joan (Sophie Cookson) era una joven estudiante de física en Cambridge. Allí hizo amistad con Sonya (Tereza Srbova) y se enamoró de Leo (Tom Hughes), y de la mano de una y otro conoció todo un mundo de activismo político que cambiaron su forma de ver el mundo y sus ideales, marcando de manera definitiva sus actos en los años posteriores cuando Joan formó una parte clave de la investigación nuclear durante la Segunda Guerra Mundial.

Película correcta en su realización, como casi todo lo que producen los ingleses, cuyo principal aliciente y logro es la presencia de Judi Dench.  Por lo demás, es una película que no deslumbra.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías de la RdP de “Beautiful Boy” y  “El cuaderno negro” son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

 

 

 

H. KOREEDA (RdP y P. DONOSTIA), por Yolanda Aguas

Nadie duda que el director japonés Hirokazu Kore-eda es el más amado en San Sebastián.  Él lo sabe y por eso se siente tan cómodo en el festival y en la ciudad.

Desde 1998 ha estado en 10 ocasiones, ha conseguido un premio al mejor guion, por Milagro en 2011, y dos galardones concedidos por el público (De tal padre, tal hijo, en 2013; Nuestra hermana pequeña, en 2015). “Cada vez que tengo una película me llaman de este festival, pero ahora se han cambiado las tornas y puedo asegurar que yo hago películas para poder viajar a San Sebastián”, asegura este maestro en adentrarse en el mundo de la familia.

Su última obra maestra, “Un asunto de familia”, Palma de Oro en Cannes y elegida por Japón para competir en los Oscar, es una valiente incursión sobre todos aquellos niños invisibles que pueblan Japón y en los lazos sentimentales que van más allá de las sentimientos de la relación de sangre.  En otoño rodará en Francia con Juliette Binoche y Catherine Deneuve. “Soy consciente de ser un director de dramas familiares, pero me gustaría experimentar en otros géneros, algo con personajes que no fueran humanos pero sí con sentimientos”, ha señalado el realizador que animó a los periodistas a buscar la sorpresa en este filme. “Espero estar a la altura de este proyecto”.

Los protagonistas de su último film viven del robo y el crimen, surgió de una noticia en un periódico sobre una familia que había sido detenida en Osaka por robar objetos en las tiendas que luego revendían. Con los niños siempre presentes en su cine, Koreeda asegura que no hay una manera establecida de trabajar con ellos: “Hay que fijarse mucho en su capacidad de aguante y concentración, aunque creo que el secreto está en la paciencia”.

El Premio Donostia para Koreeda supone que él sea el primer asiático en recibir este galardón. “Aunque me han dado el premio a toda una carrera, me siento en mitad de mi vida profesional y con muchas ganas de seguir dirigiendo”, defendió el creador, que fue recibido en la sala de prensa con grandes aplausos.

“Creo que estos premios de ahora no son algo repentino, pero es verdad que en estos 20 años de carrera me han tratado muy bien en todas partes, empezando por este festival, y he tenido muchos premios; me siento muy afortunado, pero no veo que este año suponga un salto brusco“.

 El realizador japonés lleva años presentando sus películas en el Festival de San Sebastián. En 1998 optó a la Concha de Oro por primera vez con su segunda película, “After Life”, y ha competido por ella en dos ocasiones más con “Hanna”, en 2006, y con “Still walking”, en 2008.

“Milagro (kiseki)” le dio su primer premio de guion en el Zinemaldia y después se ha llevado varias veces el preciado premio del público: “De tal padre, tal hijo” (2013) y “Nuestra hermana pequeña” (2015).

“Vengo a San Sebastián, me premien o no me premien, porque de verdad me siento muy a gusto aquí; creo que se debe en buena parte a las personas que hacen este festival, a la amabilidad de la gente de la ciudad, sin olvidar la gastronomía -añade con un guiño-. Creo que sigo haciendo películas para venir a San Sebastián”, ha bromeado.

Durante la rueda de prensa habló de la recientemente fallecida Kirin Kiki, su actriz fetiche, que deja en la película un legado de amor y agradecimiento al director, que se ha emocionado al recordarla. “Era para mí como una segunda madre, a lo largo de todos estos años me ha ayudado. Ella sabía que le quedaba poco de vida y antes de morir ordenó su vida de manera que quedase todo atado. Para ser sincero, me pregunto cómo voy a poder hacer películas ahora que no está ella, pero me quedo con el mensaje positivo que nos deja”.

Kore-eda ha sacado su móvil para enseñar una foto en la que recorre la alfombra roja de San Sebastián del brazo de la octogenaria actriz, impecablemente vestida con un kimono de seda negra.  Nosotros estuvimos allí y es una imagen que difícilmente olvidaremos.

PREMIO DONOSTIA A KORE-EDA

El realizador japonés Hirokazu Kore-eda se emocionó hasta las lágrimas al recoger su Premio Donostia, en una mezcla de alegría y de tristeza, ha dicho, al recordar a su “musa” recientemente fallecida, la actriz Kirin Kiki, y por los calurosos aplausos del público.

Cuando las lágrimas se lo han permitido, ha bromeado con el hecho de que, a sus 56 años, cree que aún le falta por vivir la mitad de su carrera: “Lo agradezco mucho, soy consciente de que no me lo volverán a dar en mi vida”, ha dicho, provocando la risa del público, que se disponía a ver su última película, Un asunto de familia.

Thierry Frémaux, director del Festival de Cannes (Francia), certamen que otorgó este año su máximo galardón al japonés, ha afirmado que el público es la seña de identidad de ambos festivales y la “prueba de que el cine está vivo”, a pesar de las nuevas ventanas de distribución de cine por internet. Pero ha sido el director del Festival de Cine de San Sebastián, José Luis Rebordinos quien ha presentado a “un amigo que se ha ganado nuestro corazón”, y ha celebrado que Kore-eda “redondee el año” con este premio, tras atesorar la Palma de Oro.

El realizador japonés lleva años presentando sus películas en San Sebastián; en 1998 optó a la Concha de Oro por primera vez con su segunda película, After Life, y ha competido por ella tres veces: con Hanna, en 2006; Still walking, en 2008, y Milagro (Kiseki), en 2011. Esta última le dio su primer premio de guion y después se ha llevado varias veces el preciado reconocimiento del público: De tal padre, tal hijo (2013) y Nuestra hermana pequeña (2015).

La ceremonia de entrega del Premio Donostia para Koreeda se convirtió en una de las más emocionantes de toda la historia del festival.  El maestro japonés logró cautivar, una vez más, a todo el mundo, pero esta vez no con su cine sino con su profunda humanidad.  Aunque, en realidad, es lo mismo…

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

Tercer día: Domingo, 23-09-2018 del 66 ZINEMALDIA, por Yolanda Aguas

Tercer día: Domingo, 23-09-2018

En cada edición del Festival de Cine de San Sebastián me gusta asistir a varias proyecciones de NUEVOS DIRECTORES.  No siempre es posible, el festival proyecta muchas películas interesantes en sus diversas secciones, pero Nuevos Directores merece también que le prestemos la debida atención.  Por ese motivo, a las 10 h en el Teatro Principal he visto una película preciosa de Japón.

Jesus / Boku Wa Iesu-Sama Ga Kirai (Dir. Hiroshi Okuyama – 1 h 16 minutos).

Jesus/Boku Wa Iesu-Sama Ga Kirai, del jovencísimo nipón Hiroshi Okuyama, que estuvo presente en la proyección para presentarla.  El niño Yura tiene que adaptarse a una nevada población del Japón rural cuando su familia se mude aquí desde Tokio. Vivirán ahora con su abuela, y será inscrito no sólo en un nuevo colegio, sino en un colegio cristiano, siendo este el primer contacto de Yura con la religión y con Dios. Jesus, figura distante al principio, empezará a tener una presencia constante e inesperada en el día a día de Yura, que se anima cuando hace un buen amigo. Una película muy pequeña, tanto en producción como en metraje, pero tan grande por la dimensión de los sentimientos que despierta. Menos es más, y en este caso la película halla grandeza por la sencillez con la que afrenta su relato. Su enfoque es de una delicadeza y sensibilidad tan exquisita que sólo puede ser de una voz madura, sorprendente por la edad de Okuyama.

Una carta de introducción portentosa de un cineasta que habrá que seguir de ahora en adelante, curtido en vídeos musicales. Que apuesta por una sorprendente solución visual para representar la presencia divina que nos coge por sorpresa y que no podemos evitar que nos divierta las primeras veces. Pero este humor no quita que tras un giro radical de la trama se torne muy dramática. Que capta en pantalla con autenticidad el drama de tanta gente que en sus sombras más oscuras se dirigen a Dios a por respuestas y él les da la espalda. Un filme elegante en su realización, con humor sutil que fluye por la simple composición de encuadres y la manera de combinarlos en montaje. Una película tan pequeña y extravagante en cierto aspecto visual que fácilmente no conectará con mucha gente que no encuentre tan poderoso su drama emocional. Un servidor, que duda cabe, salió de la sala fascinado. Una joyita.

Yuli  (Dir. Icíar Bollaín – 1h 49 minutos).

A las 12:00 horas asistí a la proyección, en el K1 de la película “Yuli” de Iciar Bollaín.

Feliz en una Cuba llena de niños en la calle e integrado dentro de una familia humilde, Carlos es forzado a dedicarse a la danza en contra de su voluntad por deseo de su padre, que le inscribe en una prestigiosa escuela de Ballet. Años después, Carlos se convirtió en uno de los mejores bailarines del mundo, pionero en lograr premios de danza para su país y consagrándose viviendo en Londres o Houston, siempre lejos de su familia. Un emotivo biopic, que combina la preparación de un espectáculo en honor a su vida del Carlos adulto con una narración en retrospectiva de su vida desde su infancia y juventud.

Una película elegante, bien interpretada y filmada con gusto, ofreciendo la realización hermosos planos generales.

Los números de danza están realizados y coreografiados con mucho estilo, siendo de lejos lo mejor de la película. Una película condenada por su estructura a ser tan predecible y convencional, alcanzando a lo largo de su metraje todas las etapas que podíamos prever y siendo incapaz de sorprendernos.

Entretenida pero sin dejar poso.

Rueda de Prensa: “Yuli”

 A las 14:05 h dio comienzo la conferencia de prensa de la película “Yuli” en la que estuvieron presentes todo el equipo artístico, Carlos Acosta incluido.

“Tú eres un guerrero, descendiente de tu abuelo que  fue esclavo en Cuba, y serás el mejor el mejor bailarín del mundo” así le dice su empecinado padre a Acosta niño y joven, quien con mucho sufrimiento y trabajo, pudo estudiar danza en Cuba, pese a las dificultades económicas en que vivía la Isla caribeña.

En rueda de prensa Acosta rindió homenaje en San Sebastián al sistema educativo cubano que le permitió ese recorrido, aunque en el relato la mirada crítica de Laverty muestra que solo una élite del régimen lograba acceder a esa escuela de danza, en una situación de grave crisis, embargo económico y miseria, más allá de las declaraciones oficiales de Fidel Castro, lo que provocó el éxodo de los balseros que buscaban escapar peligrosamente para buscarse la vida en Miami. Las frustradas y traicionadas ilusiones revolucionarias del régimen castrista tienen su expresión también metafórica en la filmación de un teatro inacabado y al abandono, un gran proyecto cultural en la Habana, que nunca fue culminado.

Rueda de Prensa del Premio Donostia: HIROKAZU KORE-EDA

A las 15:00 h se desarrolló la RdP del segundo Premio Donostia de la 66 edición: Hirokazu Kore-eda.  Vamos a publicar un artículo completo dedicado a la misma, por lo que ahora únicamente adjuntamos varias imágenes.

Cold War  (Dir. Pawel Pawlikowski – 2 h 01 minutos).

A las 18:15 h, en el Teatro Victoria Eugenia, dentro de la Sección PERLAS, vi la nueva obra maestra del director polaco Pawel Pawlikowski.

Años 50, un pianista (Tomasz Kot), al que le encargan formar una especie de Operación Triunfo, es un decir, en la Polonia de Postguerra (en realidad un numeroso grupo de hombres y mujeres que serán formados para promocionar la música popular del país), se enamora de una de las candidatas (Joana Kulig), un amour fou, de los auténticos, que irá yendo y viniendo, a lo largo de más de una década, entre el bloque comunista y ese Occidente donde impera el jazz y empieza a reinar el rock’n’roll.   Hablamos de una película fuera del tiempo, desde ya inmortal, que podría homenajear las formas del cine de antaño, pero sin caer en el pastiche o la imitación.

Pawlikowski aplica la concisión formal (elipsis, metraje ajustado a poco más de 80 minutos), la fotografía en blanco y negro y hasta el formato de ‘Ida’, para contar una historia totalmente distinta que arranca, cronológicamente un poco antes, en esa misma Polonia nevada controlada por el comunismo. Al poco se hace evidente la química entre Kot (‘Spoor’ y Joana Kulig. Ellos son los protagonistas de un romance en tiempos revueltos que pone corazón, un corazón inmenso, a la magistral factura del film que es todo emoción.  Mención aparte merece la B.S.O.: coreografías de bailes populares, ese coro de voces polacas, ese club de jazz no por nada llamado Eclipse…  Todo funciona a como un reloj, un reloj con alma, hasta llegar a la catarsis de libertad que supone el baile enloquecido de la protagonista al son del ‘Rock Around the Clock’ de Bill Halley, que culmina con ella subida a la barra del club. Pero el film, que obviamente también nos recuerda lo que significa vivir sin libertad, es sobre todo una historia de amor, la del gran amor. Ese gran amor al que a veces da tanto vértigo entregarse.

Ceremonia de entrega del Premio Donostia: HIROKAZU KORE-EDA

A las 20:30 h se entregó el Premio Donostia a Hirokazu Kore-eda.  Naturalmente, cubrimos la información del photocall y de la ceremonia de entrega que resultó ser de las emocionantes que se recuerdan.  Las lágrimas de Kore-eda cautivaron a un público que estaba totalmente entregado al maestro japonés.

Vamos a publicar un artículo completo dedicado a la misma, por lo que ahora únicamente adjuntamos varias imágenes.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías de la RdP de “Yuli”, “Hirokazu Kore-eda, en RdP, Photocall y Ceremonia entrega del Premio Donostia” y “Pawel Pawlikowski saliendo del Teatro Victoria Eugenia”,  son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

 

Segundo día: Sábado, 22-09-2018 del 66 ZINEMALDIA, por Yolanda Aguas

A las 12 h en el  K1 he visto la última película, y muy esperada, de Rodrigo Sorogoyen: El Reino.

El reino  (Dir. Rodrigo Sorogoyen – 2 h 03 minutos).

Manuel (Antonio de la Torre), un influyente vicesecretario autonómico que lo tiene todo a favor para dar el salto a la política nacional, observa cómo su perfecta vida se desmorona a partir de unas filtraciones que le implican en una trama de corrupción junto a Paco, uno de sus mejores amigos. Mientras los medios de comunicación empiezan a hacerse eco de las dimensiones del escándalo, el partido cierra filas y únicamente Paco sale indemne. Manuel es expulsado, señalado por la opinión pública y traicionado por los que hasta hace unas horas eran sus amigos. Aunque el partido pretende que cargue con toda la responsabilidad, Manuel no se resigna a caer solo. Con el único apoyo de su mujer y de su hija, y atrapado en una espiral de supervivencia, Manuel se verá obligado a luchar contra una maquinaria de corrupción que lleva años engrasada, y contra un sistema de partidos en el que los reyes caen, pero los reinos continúan.

Otra interesante película de Sorogoyen, con un magnífico reparto en el que los personajes secundarios están interpretados por actores de primer nivel: Josep M. Pou, Ana Wagener, Sonia Almarcha o la actriz más importante del cine español en la actualidad, Bárbara Lennie.

La película tiene momentos muy interesantes, está impecablemente dirigida y cuenta con una escena final apoteósica entre Bárbara Lennie y Antonio de la Torre.

Rueda de Prensa: EL REINO

 A las 14:20 h se desarrolló la RdP de la película “El reino”.  Vamos a resumir algunas declaraciones de los dos co-guionistas, Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen.

Manuel (Antonio de la Torre) es un tipo más bien corriente. No por casualidad. “Aunque al principio pensamos en inspirarnos en Rodrigo Rato, enseguida nos dimos cuenta de que, para lo que queríamos contar, necesitábamos alguien más parecido a Alfonso Rus (expresidente de la Diputación de Valencia)”, señaló Sorogoyen. “Manuel es, debía ser, carismático, humano, risueño y cercano”, añadió Isabel Peña.

“Yo quería que el espectador, de manera inconsciente y a medida que se viera sufrir cada vez más a Manuel, deseara que le salieran bien las cosas”, comentó el director. Y ello sin justificar ni mucho menos perdonar sus acciones, sino más bien al contrario. Porque, si bien la película se mete de lleno en el campo de ese corrupto y su entorno, en su casa, en las fiestas en el yate, en las riñas antes y después de la rueda de prensa y en definitiva en la trastienda de la política manchada de dinero sucio, el mensaje ético es claro. “Todos nos vemos en un momento de tentación en el que tenemos que decidir si aceptamos algo indebido, desde el dinero de más que un camarero nos devuelve –como hace un cliente en el filme– hasta una buena mordida”, concluyó Isabel Peña.

 Rueda de Prensa del Premio Donostia: DANY DEVITO

 A las 16:30 h se desarrolló la RdP del primer Premio Donostia de la 66 edición: Dany DeVito.  Vamos a publicar un artículo completo dedicado a la misma, por lo que ahora únicamente adjuntamos varias imágenes.

Querido Fotogramas  (Dir. Sergio Oksman– 1h 10 minutos).

A las 19:30 horas asistí a la proyección, en los Cines Príncipe, Sala 10, de la película que inauguraba Made in Spain: Querido Fotogramas. Antes, a las 19 h, estaba previsto el photocall al que asistieron: Maruja Torres, Jaume Figueras, Elisenda Nadal y el director del documental, Sergio Oksman.

La película toma como punto de partida el 70 aniversario de la icónica revista de cine Fotogramas, la más antigua de nuestro país, cuyo hilo conductor son las cartas que los lectores enviaban al consultorio de Mr. Belvedere. A través de la lectura de las cartas más representativas recibidas en la redacción a lo largo de estas siete décadas, se homenajea al cine, a los lectores y al periodismo.

Diferentes miembros de la industria cinematográfica, desde actores a directores, así como críticos y periodistas se unen en este documental dirigido por Sergio Oksman para repasar la historia del cine de nuestro país.

En este documental colaboran figuras de renombre como J.A. Bayona (‘Jurassic World: El reino caído’), Belén Rueda (‘El pacto’), Concha Velasco (‘Gran Hotel’), José Sacristán (‘Magical Girl’), Ángela Molina (‘Los abrazos rotos’), Raúl Arévalo (‘La isla mínima’) o Anabel Alonso (‘7 vidas’), entre otros.

Un documental muy emocionante, quizá mucho más para quienes hemos aprendido buena parte de lo que sabemos leyendo cada publicación mensual a lo largo de toda nuestra vida.

Un asunto de familia (Shoplifters)  (Dir. Hirokazu Kore-eda – 2 h 01 minutos).

A las 22 h, en el Teatro Principal, dentro de la Sección PERLAS, vi la esperadísima Palma de Oro en Cannes, último film estrenado del maestro Kore-eda.

Un asunto de familia  abarca las relaciones familiares desde otra perspectiva y es quizás aquí donde reboza de autenticidad el filme pero sin renunciar a la esencia que caracteriza la cinematografía de Koreeda, ya que continúa con el proceso de disección de la cotidianidad familiar en el Japón actual.

La película explora la idea de una familia unida por el delito pero también es la historia de un hombre que quiere ser padre y también la de un niño que deja atrás la infancia. Su reivindicación de diferentes modelos de relaciones familiares se apoya en los sólidos diálogos (firmados por el mismo director), además de una cuidada elección del lugar donde sucede la convivencia del núcleo familiar: una humilde y pequeña vivienda con muy pocas comodidades.

Con su último filme, Koreeda nos ha regalado una maravillosa fábula sobre la felicidad a pesar de todo, pero sin dar lecciones de ningún tipo, invitándonos a reflexionar sobre los vínculos que nos unen más allá de los lazos de sangre.

Una vez más, su película es otra lección de cine.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías de las RdP de “El Reino”, “Querido Fotogramas” y “Dany DeVito”,  son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.