Maialen Beloki será la directora del Festival de San Sebastián a partir de 2027
El Consejo de Administración del Festival ha elegido por unanimidad a Beloki como sucesora de José Luis Rebordinos mediante concurso público.
Maialen Beloki (San Sebastián, 1983) dirigirá desde enero de 2027 el Festival de San Sebastián tras haber sido designada para el cargo por el Consejo de Administración de la entidad, compuesto por el Ayuntamiento de San Sebastián, la Diputación Foral de Gipuzkoa, el Gobierno Vasco y el Ministerio de Cultura del Gobierno de España.
La decisión ha sido adoptada esta tarde por unanimidad en una reunión extraordinaria del Consejo celebrada en San Sebastián y es el resultado del concurso público convocado el 4 de marzo para nombrar a la persona que sucederá a José Luis Rebordinos, que ostenta el puesto de director del Festival desde 2011 y abandonará esa responsabilidad el 31 de diciembre de 2026. Beloki es una de las dos subdirectoras del Festival desde el año 2016.
Batea, empresa de consultoría de recursos humanos especializada en selección y headhunting, ha gestionado el proceso.
BIOGRAFÍA:
Subdirectora del Festival Internacional de Cine de San Sebastián desde 2016, ha sido una de las figuras clave en la evolución reciente del certamen, contribuyendo tanto a su posicionamiento internacional como a la ampliación de su actividad a lo largo de todo el año.
En este contexto, ha impulsado el modelo Z365/Festival de todo el año, una iniciativa estratégica centrada en el desarrollo de nuevos talentos, la formación cinematográfica y la generación de pensamiento en torno al cine.
Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Navarra y Doctora Cum Laude en Teoría, Análisis y Documentación Cinematográfica por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU), cuenta con una trayectoria que combina gestión cultural, docencia e investigación.
Forma parte de la Dirección Académica de Elías Querejeta Zine Eskola, donde también es docente, y ha colaborado como profesora en Mondragon Unibertsitatea.
A lo largo de su carrera ha participado en proyectos estratégicos como Donostia/San Sebastián Capital Europea de la Cultura 2016 y ha desarrollado una destacada actividad como conferenciante y autora en el ámbito cinematográfico.
Asimismo, ha formado parte de distintos programas e iniciativas de apoyo al sector audiovisual, colaborando con instituciones como el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA).
Su incorporación refuerza la apuesta por un perfil que combina visión estratégica, conocimiento del sector y compromiso con el desarrollo cultural.
«LA ISLA DE AMRUM», DE FATIH AKIN,PREMIO A LA MEJOR PELÍCULADEL BCN FILM FEST 2026«Solomamma», de Janicke Askevold, consigue 3 premios
La 11ª edición del festival tendrá lugar del 15 al 22de abril de 2027
«La isla de Amrum«, de Fatih Akin, se ha alzado con el Premio a Mejor Película en la décima edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST). La nueva película de Fatih Akin, que ha visitado el festival estos días, es un drama histórico sobre el camino hacia la madurez de un niño en la isla alemana de Amrum al final de la II Guerra Mundial.
El palmarés completo del BCN FILM FEST 2026 es el siguiente:
PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA«La isla de Amrum»de Fatih Akin PREMIO LA VANGUARDIA A LA MEJOR DIRECCIÓNDamiano Michielettopor “Primavera” PREMIO AL MEJOR GUIONJanicke Askevold, Jorgen Faeroy Flasnes, Mads Steggerpor “Solomamma” PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ Lisa Loven Kongsli por «Solomamma” PREMIO AL MEJOR ACTOR Reda Katebpor «La copia perfecta» *Mención interpretativa para: Jasper Billerbeck («La isla de Amrum») y Katerina Falbrová («Las chicas de Praga») PREMIO AL MEJOR MONTAJEWalter Fasanopor «Primavera» PREMIO FESTIVAL CASTELL DE PERALADA A LA MEJOR MÚSICABelén A. Dorostepor «Por qué no escribo nada” PREMIO DE LA CRÍTICA (ACCEC)«Solomamma»de Janicke Askevold PREMIO NOUS TALENTS AL MEJOR CORTOMETRAJE«Hi ha un forat a terra»de HarperFX Barcelona Film School *Menció Especial:«Dissecció d’una incoherència en crisi»de Nausicaa SerraESCAC
El festival ha tenido más de 23.000 espectadores y ha contado con Joaquim Oristrell, Àngels Gonyalons y Miki Esparbé como Jurado Oficial.
“Estamos muy satisfechos de ver cómo ha fluido esta primavera cultural a pie del Verdi. Es espectacular comprobar la respuesta entusiasta del público frente al gran esfuerzo de programación de un festival inspirador, plenamente arraigado a la ciudad y a su calendario. Hemos celebrado el cine, tal y como nos habíamos propuesto, en este encadenado de aniversarios que se nos presentaban, combinando talentos y miradas. Cerramos una edición que ha sido de reconocimiento y que refuerza nuestro vínculo con el público y con Barcelona,”, ha valorado Conxita Casanovas, directora del BCN FILM FEST.
El BCN FILM FEST 2026 ha contado con: -90 películas, entre ellas, 19 premières mundiales, 1 internacional, 21 españolas y 19 catalanas. – 44 presentaciones y coloquios con presencia de talent, entre otros, Willem Dafoe, Fatih Akin, Arantxa Echevarría, Albert Serra, Damiano Michieletto, Jean-Paul Salomé, Haifaa Al-Mansour, Emma Vilarasau, José Luis Garci, Lolita, Carlos Cuevas, Hombres G, María Valverde, Janicke Askevold o Remi Bezançon, entre otros.
– Actividades paralelas en las diferentes sedes del festival, entre las cuales:
BCN FILM FEST PRO con distintas actividades de industria y de formación: Cinema Talks by Escac: 2 charlas, «Coordinación de intimidad en los centros formativos de cine y teatro» y «Diseño de sonido». Jornada de guionistas e industria: 2 mesas de debate, «Diversidad en la ficción: de las historias a los equipos que las hacen posible» y «Montaje y guion». Presentación de los proyectos del LAAB 2025/2026. ENCUENTRO DE AUTORES DEL GRUP 62: con la presencia de Màrius Serra, Empar Moliner, Agnès Marqués y Cesc Cornet. PROYECCION DE «HOMENAJE A CATALUNYA» en el Ateneu Barcelonès. – 8 sedes del Festival: Cines Verdi, CaixaForum, Casa Seat, Filmoteca de Catalunya, Institut Français, Ateneu Barcelonès, Biblioteca Jaume Fuster y Teatre Principal de Vilanova i la Geltrú.
La undécima edición del BCN FILM FEST tendrá lugar del 15 al 22 de abril de 2027.
El Festival de San Sebastián dedicará la retrospectiva de la 74ª edición al cineasta y novelista José Giovanni
Giovanni dirigió una quincena de películas y trabajó como guionista o adaptador con Jacques Becker, Jean-Pierre Melville, Jacques Deray, Claude Sautet, Henri Verneuil y Robert Enrico
El director, guionista y novelista francés José Giovanni, figura indiscutible de la gran era del cine policíaco francés, protagonizará la retrospectiva de la 74ª edición del Festival de San Sebastián. Organizada por el Festival y la Filmoteca Vasca con la colaboración de Filmoteca Española, el ciclo contará con la publicación de un libro sobre la obra completa de Giovanni escrito por Felipe Cabrerizo.
José Giovanni (1923-2004), nacido Joseph Antoine Roger Damiani en París, en el seno de una familia acomodada de origen corso, escribió algunas de las páginas más brillantes tanto de la novela policíaca como del polar, el cine policíaco francés, tan influyente como el film noir estadounidense. Fue antes novelista, adaptador y guionista, pero cuando tomó las riendas de sus propios proyectos como director, estableció una mirada y una estética en el policial francés pareja a la de sus autores más reputados, Jean-Pierre Melville o Jacques Deray. Con ambos colaboró estrechamente en un momento, la primera mitad de los años 60, en el que tener a Giovanni en los créditos suponía una garantía de interés y de éxito cuando el policíaco era uno de los géneros más sólidos del cine francés.
Tuvo una vida ajetreada y compleja, repleta de zonas oscuras. De ella extrajo no pocos elementos argumentales para sus novelas. Su irrupción en el cine fue por la puerta grande: Jacques Becker se fijó en su novela La evasión, en la que Giovanni relataba su estancia en la cárcel –acusado de asesinato y condenado a muerte, aunque la pena capital le fue conmutada por trabajos forzados–, y decidió llevarla a la pantalla. La conexión con el escritor fue inmediata y Giovanni, que había sido contratado como consejero técnico, terminó ejerciendo de coguionista de Le Trou / The Hole (La evasión, 1960). Fue la obra póstuma de Becker y pudo verse en la retrospectiva que el Festival de San Sebastián dedico al director en 2016.
Giovanni publicó La evasión en 1958, año y medio después de salir de prisión. Poco después ya era uno de los escritores incluidos en la prestigiosa Série Noire, la colección de libros policíacos que había ideado Marcel Duhamel en la editorial Gallimard y que marcó una nueva y moderna apreciación de la literatura criminal, incluyendo las traducciones al francés de los clásicos norteamericanos. Su tercera novela, Classe tous risques (1958), dio pie a Classe tous risques / The Big Risk (A todo riesgo, 1960), de Claude Sautet, en la que Giovanni ejerció también de guionista. Y la segunda, Le Deuxième souffle (1958), fue adaptada años más tarde por Jean-Pierre Melville en uno de los títulos clave del polar, Le Deuxième souffle / Second Wind (Hasta el último aliento, 1966). Tanto este filme como el de Sautet, a quien el Festival dedicó una retrospectiva en 2022, contaron con Lino Ventura, uno de los intérpretes clave del género junto a Jean Gabin y Alain Delon.
Otra de sus novelas del productivo año 1958, L’Excommunié, sirvió de base para Un nommé La Rocca / A Man Named Rocca (Un tal La Rocca, 1961), película protagonizada por Jean-Paul Belmondo y en la que se prolongaba la buena relación con los Becker: fue dirigida por Jean Becker, hijo de Jacques. En 1963 inició como guionista su fructífera colaboración con el director Jacques Deray –(Symphonie pour un massacre / Symphony for a Massacre (Ronda de crímenes, 1963), Rififi à Tokyo / Rififi in Tokyo (Rififí en Tokio, 1963), L’homme de Marrakech / The Man from Marrakech (El hombre de Marrakech, 1966) y Avec la peau des autres / To Skin a Spy (Red siniestra, 1966)–, y tres años después lo hizo con Robert Enrico –Les Grandes gueules / The Wise Guys (Los rufianes, 1966), Les Aventuriers / The Last Adventure (Tres aventureros, 1967) y Ho! / Ho! Criminal Face (¡Ho!, 1968)–. Pero para entonces Giovanni ya barruntaba su paso a la dirección. Debutó tras la cámara con La Loi du survivant / Law of Survival. (La ley del superviviente, 1967), un polar en tiempos bélicos en el que aparecen tres de sus motivos temáticos principales: la Resistencia Francesa durante la II Guerra Mundial, los ambientes de Córcega y la traición.
A partir de este momento, y con la sola excepción de Le Clan des Siciliens / The Sicilian Clan (El clan de los sicilianos, 1969) de Henri Verneuil –obra clave del polar, guion modélico de Giovanni a partir de la novela de Auguste Le Breton y reunión de alto voltaje entre Ventura, Delon y Gabin–, nuestro protagonista se dedicó principalmente a la dirección. Y si bien en sus películas hay rasgos de todos los cineastas con los que trabajó, no tardó en imponer un estilo propio, crudo y directo, adaptándose a sí mismo o a otros escritores, en filmes en los que mostró a asesinos a sueldo, policías de barrio, jóvenes rebeldes enfrentados al sistema, el hampa marsellesa, delincuentes que no pueden reinsertarse en la sociedad, ladrones marginales que viven según sus códigos, robos a gran escala, presidiarios que intentan demostrar su inocencia o buscadores de oro. Un estilo tan agitado como lo fue su propia existencia, muy física y aventurera: por ejemplo, practicó la escalada tanto alpina como urbana, y en una ocasión escaló hasta lo alto de la Torre Eiffel.
De entre los quince largometrajes que dirigió, además de dos filmes para televisión y tres episodios de un par de series, destacan Le Rapace / Birds of Prey (Caza sin cuartel, 1968), Dernier domicile connu / Last Known Address (Último domicilio conocido, 1970) –ambas con Ventura–, Un aller simple / One Way Ticket (La puerta cerrada, 1971), La Scoumoune / Hit Man (El clan de los marselleses, 1972) –con Belmondo, Claudia Cardinale y el actor fetiche de Giovanni, Michel Constantin–, Deux hommes dans la ville / Two Men in Town (Dos hombres en la ciudad, 1973) –con Delon y Gabin compartiendo protagonismo–, Le Gitan / The Gypsy (Alias el gitano, 1975) –producida e interpretada por Delon– y Une robe noire pour un tueur (1981), con Annie Girardot. En sus dos últimas películas, Mon ami le traître / My Friend the Traitor (1988) y Mon père, il m’a sauvé la vie / My Father Saved My Life (Mi padre, 2001) –coescrita con Bertrand Tavernier– reflexionó desde la ficción sobre aspectos determinantes de su propia vida.
Un festival de cine clásico
Desde 2024, la retrospectiva del Festival de San Sebastián se enmarca dentro del programa Klasikoak, impulsado por el Festival y la Filmoteca Vasca a modo de festival de cine clásico expandido en el tiempo y en el espacio. Así, Klasikoak agrupa tres ciclos bajo el mismo sello: las películas de la retrospectiva, los títulos de la sección Klasikoak que se proyectan durante el Festival en septiembre y la docena de filmes restaurados que la Filmoteca programará en el ciclo homónimo del último trimestre del año en distintas instituciones culturales de la Comunidad Autónoma Vasca, Navarra y el País Vasco francés.
Klasikoak es heredero de la tradición histórica del Festival de San Sebastián por recuperar la obra de cineastas, épocas, temáticas o lenguajes cinematográficos que activó prácticamente desde sus inicios, con la retrospectiva dedicada a René Clair en 1959, y de la decidida apuesta de la Filmoteca Vasca tanto por la restauración de películas como por su divulgación.
La alcaldesa de Zaragoza, Natalia Chueca, ha presentado esta mañana una versión inmersiva de este clásico que cumple 60 años y que, entre el 15 de mayo y el 7 de junio, relatará sendos romances en los albores de los cambios políticos que sacudieron Europa en la primera mitad del siglo XX.
Zaragoza será la primera parada de esta producción de LetsGO Company y una de las grandes apuestas de 2026 en el Principal, después permanecer en cartel desde el pasado septiembre en Madrid.
El público interactúa con los artistas durante las 28 funciones previstas eliminando la barrera entre la función y los espectadores con, incluso, mesas para seguir el show desde el propio escenario.
Con libreto original de Joe Masteroff, está basado en la obra de teatro «I Am a Camera» de John Van Druten, que a su vez es una adaptación de la novela Goodbye to Berlin de Christopher Isherwood.
Dos historias amparadas bajo el ritmo sugerente de un cabaret berlinés estructuran un espectáculo vibrante e inmersivo que elimina la barrera entre la función y el público, entre los cantantes, actores y los asistentes, que forman parte de una historia trazada casi un siglo antes, en la alemania de 1929 y muy fiel al clásico del musical.
En plena crisis económica mundial, caldo de cultivo de los profundos cambios políticos que se sucederían en la década de los 30 y 40 del siglo XX, se desarrolla «Cabaret, el musical», una propuesta espectacular por su puesta en escena y por la fuerza de sus dos historias surgidas en el ficticio Kit Kat Klub. Por un lado, la relación de su estrella principal, la cantante inglesa Sally Bowles, con el escritor estadounidense Cliff Bradshaw, quien llega a la ciudad en busca de inspiración para su novela. A la vez, surge el romance otoñal entre Fräulein Schneider, una mujer alemana que regenta la pensión donde se alojan Cliff y Sally, y Herr Schultz, un viudo judío propietario de una frutería, todos ellos observados por los ojos del maestro de ceremonias del Kit Kat Klub.
El cabaret sirve como metáfora de los cambios políticos que tuvieron lugar en los últimos días de la República de Weimar. Estos momentos históricos ambientan un espectáculo que se presenta en Zaragoza con 28 funciones, entre el 15 de mayo y el 7 de junio, bajo la dirección de Federico Bellone. Este gran montaje sigue la estela de icónicas producciones que se llevaron a escena en el West End y Broadway. Después de una estancia desde septiembre del pasado año en Madrid, esta producción recalará en Zaragoza y, posteriormente en Bilbao y Valencia como las tres únicas ciudades con esta alternativa cultural, ya que, volverá después de la gira a la capital de España.
Durante la presentación, Natalia Chueca ha expresado que «los musicales son un formato apreciado por los zaragozanos que, sin ir más lejos, llenó esta sala toda la Navidad con Tarzán, o logró taquillas históricas como La Historia Interminable. Estas recaudaciones no son casuales, son el fruto de un trabajo minucioso por brindarle al exigente público de Zaragoza lo mejor de lo mejor». Además, ha ensalzado la «capacidad de la programación para conectar cada vez con más público, 143.000 espectadores el año pasado en este teatro, que sigue demostrando su versatilidad como escenario de música, teatro, espectáculos y galas con una altísima ocupación durante el año».
Esta novedosa apuesta incluye localidades situadas en el mismo escenario, en las que el público forma también parte activa del show, dentro de una escenografía totalmente rompedora. El departamento creativo de LetsGo, capitaneado por Felype de Lima, es el encargado de esta atractiva puesta en escena.
En palabras del director del musical, Federico Bellone, esta versión de Cabaret nació con tres objetivos: provocar nuevas sensaciones en la audiencia, romper los límites tradicionales entre artistas y espectadores, y sorprender tanto a quienes descubren la historia por primera vez como a quienes conocen cada canción de memoria. Además, es totalmente respetuosa con la original, llegando a lugares donde la producción anterior no ha podido llegar, sin dejar atrás a los seguidores de Cabaret de todos estos años.
El equipo artístico, con Felype de Lima también en Vestuario, se completa con las grandes figuras que están detrás de la gran producción de El Fantasma de la Ópera, en su dirección musical, el diseño de iluminación y del sonido, así como de la coreografía. Además, antes de comenzar cada función se celebra pre-show desde 45 minutos antes, todo al más puro estilo del Berlín de los años 20.
«El efecto» mezcla el amor, la ciencia y la ética en el Teatro Principal con la zaragozana Elena Rivera, Fran Perea, Itzan Escamilla y Alicia Borrachero
Un cóctel entre sentimientos, la veracidad o la ilusión, el beneficio humano o la inducción hacia un fin a la que puede someter la ciencia, se mezclan en «El Efecto», una propuesta adaptada de la dramaturga británica Lucy Prebble que llega al Teatro Principal como un intenso drama contemporáneo que explora los límites entre la química cerebral y la experiencia emocional, cuya dirección corre a cargo de Juan Carlos Fisher.
Desde este jueves hasta el sábado a las 20.00h y el domingo 12 de abril a las 19.00h, las cuatro funciones plantean una pregunta inquietante: ¿hasta qué punto lo que sentimos, especialmente el amor— es real, y hasta qué punto está condicionado por procesos biológicos? Con esa premisa, el montaje sumerge al espectador en un experimento clínico donde realidad y percepción comienzan a difuminarse.
La historia sigue a dos jóvenes voluntarios que participan en un ensayo farmacológico bajo supervisión médica. A medida que avanza el tratamiento, surge entre ellos una relación afectiva cuya autenticidad se pone en duda: ¿es un sentimiento genuino o un efecto secundario del fármaco? Paralelamente, los médicos responsables del estudio también se ven arrastrados a cuestionar sus propias certezas, abriendo un debate sobre la ética científica, la salud mental y la fragilidad de nuestras convicciones. La versión española combina tensión psicológica y emoción en una propuesta que interpela directamente al espectador. La obra no solo aborda el amor desde una perspectiva científica, sino que invita a reflexionar sobre la identidad, la percepción de la realidad y la compleja relación entre mente y cuerpo, consolidándose como una pieza especialmente estimulante.
UN ELENCO DE ROSTROS POPULARES
Los actores que subirán al escenario del Principal para experimentar «El efecto» comparten una gran popularidad por su participación en el cine y la televisión. La zaragozana Elena Rivera, como talento local, comparte el reparto con Alicia Borrachero,Itzan Escamilla y Fran Perea.
Rivera se dio a conocer por su participación en «Cuéntame cómo pasó», y en ficciones como «Perdiendo el juicio», «Inés del alma mía» o «Alba», así como largometrajes de humor como «Perdiendo el norte». Además de su presencia en los teatros, desde niña ha desarrollado sus virtudes como cantante en diferentes concursos y programas de televisión. Itzan Escamilla es uno de los rostros jóvenes más reconocibles del audiovisual español tras su paso por la serie «Élite», además de su presencia en «Victor Ros» y por su actuación en la producción íntegramente aragonesa «Planeta 5000» (2020). Inició su carrera en televisión en producciones como «El final del camino» y ha desarrollado una trayectoria en crecimiento tanto en cine como en teatro.
El Actor, cantante y productor, Fran Perea es una figura ampliamente conocida desde «Los Serrano». A lo largo de su carrera ha compaginado su faceta musical con una intensa actividad en teatro, participando en montajes como «Fedra», «Don Juan Tenorio», «Todos eran mis hijos» o «La estupidez». Por último, Alicia Borrachero cuenta con una extensa trayectoria en televisión, teatro y cine, con protagonismo en «Periodistas» y «Hospital Central», que la consolidaron en la ficción española. En teatro ha participado en montajes como «Mucho ruido y pocas nueces» o «La señorita Julia».
LUCY PREBBLE Dramaturga y guionista británica de referencia en la escena contemporánea, Lucy Prebble combina una firme trayectoria teatral con una destacada carrera en televisión. Es una de las guionistas de la aclamada serie «Succession», por la que ha recibido reconocimiento internacional, y previamente fue creadora de «Secret Diary of a Call Girl». En teatro, irrumpió con «The Sugar Syndrome» y consolidó su prestigio con «Enron», sátira sobre el colapso financiero convertida en obra de culto en Reino Unido. «El efecto» (2012), estrenada en el National Theatre de Londres confirma su interés por explorar los límites entre ciencia, emoción y ética. JUAN CARLOS FISHER El director de escena peruano con proyección internacional es una de las figuras más relevantes del teatro contemporáneo en español. Ha firmado montajes de gran éxito tanto en teatro de texto como musical, entre ellos «Prima Facie», «La madre» y producciones de gran formato como «Grease» y «Mamma Mia!». En la obra que hoy se estrena en el Principal vuelve a demostrar su capacidad para abordar textos complejos desde una perspectiva emocional y accesible, consolidando su posición como uno de los directores más solicitados.
La adaptación de esta obra de Lucy Prebble, llega al coliseo zaragozano con cuatro funciones entre el 9 y el 12 de abril.
Sin piedad (título español de Mercy) plantea una trama trepidante ambientada en Los Ángeles del año 2029. El protagonista, un detective interpretado por Chris Pratt, se despierta con la acusación de haber asesinado a su esposa y tiene exactamente 90 minutos para demostrar su inocencia ante un tribunal dirigido por una inteligencia artificial avanzada que él mismo ayudó a crear.
Este enfoque combina elementos clásicos del thriller judicial con una potente capa de ciencia ficción, explorando temas como el papel de la tecnología en la justicia y la vulnerabilidad humana cuando el sistema se vuelve implacable.
Debido a a un alto índice de delincuencia los gobernadores decidieron implementar el programa MERCY, un sistema judicial regido por inteligencia artificial y creado por el propio inspector. Raven es acusado de haber matado a su esposa, las pruebas apuntan hacia él. Con acceso a la base de datos municipal, gracias a la I.A., deberá demostrar su inocencia o será ejecutado de manera inmediata. Durante el proceso descubre secretos sobre su esposa que desconocía. Una infidelidad, engaños y contrabando; ocultos a los ojos de Raven hasta el momento hacen que se cuánto la conocía realmente.
A medida que investiga encuentra incoherencias, no le encuentra sentido a defenderse del asesinato de su mujer. Sobre todo, ¿por qué lo hace el sistema que el mismo creó? Descubre que había un motivo oculto, su esposa no era el objetivo, sino él. Nuevas amenazas y un temporizador que está a punto de quedarse a cero. Raven debe encontrar la manera de salvarse.
Una historia donde se combinan alta tecnología, dilemas morales y acción implacable, Sin piedad es una cita indispensable en cartelera.
En el apartado interpretativo, además de Chris Pratt como el detective bajo presión, el filme cuenta con la presencia fascinante de Rebecca Ferguson en el papel de la jueza de I.A., aportando una presencia fría y determinante que incrementa la tensión dramática. El reparto se completa con nombres como Annabelle Wallis, Chris Sullivan, Kylie Rogers y Kali Reis.
José Luis Garci, Premio de Honor del BCN FILM FEST 2026
José Luis Garci (Madrid, 1944) es uno de los grandes referentes del cine español, primer ganador del Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa por “Volver a empezar” y autor de obras clave como “El crack”, película que cumple 45 años y se presentará en el festival con copia restaurada, o “El abuelo”.
Con un estilo clásico y melancólico influido por el Hollywood de John Ford y Billy Wilder, el ganador del Goya a Mejor Dirección por “Asignatura Aprobada” inició su carrera como guionista (coautor de “La cabina”) y destacó también como divulgador en ¡Qué grande es el cine!, acumulando premios como el Nacional de Cinematografía y la Medalla al Mérito en las Bellas Artes que reconocen su carrera que reúne méritos artísticos, históricos y pedagógicos.
Como hemos indicado antes, en 1983 ganó el primer Óscar para una producción española a la mejor película de habla no inglesa por Volver a empezar; ha sido nominado para esta misma distinción en otras tres ocasiones por Sesión continua (1984), Asignatura aprobada (1987), con la que consiguió el Goya a la mejor dirección, y El abuelo (1998).
Comenzó como crítico de cine y escritor de relatos, con los que obtuvo el premio Puerta de Oro y el premio a la mejor labor literaria del Círculo de Escritores Cinematográficos. A partir de 1969 comenzó a escribir guiones de cine para directores como Antonio Giménez-Rico, Pedro Olea, León Klimovsky o Eloy de la Iglesia; por esta labor obtendría un Emmy junto a Antonio Mercero por el mediometraje La cabina (1972). En 1977 debutó como director con el largometraje Asignatura pendiente.
Paralelamente a sus trabajos cinematográficos, ha sido director y presentador de programas para televisión como ¡Qué grande es el cine!, Cine en blanco y negro, Querer de cine y Classics y editor de la revista Nickel Odeon, y publicado relatos de ciencia ficción en revistas como Drácula. Como narrador, ensayista y crítico es autor, entre otros, de los libros Bibidibabidibú (1970), Ray Bradbury, humanista del futuro (1971), Morir de cine (1990), Latir de cine (1998), Querer de cine (2003), Football-days (2014), Campo del gas (2016), Películas malas e infravaloradas (2020) y Lo que el viento se llevó. Un recuerdo. Un comentario (2021). Por su labor de escritor ha recibido premios como el Nueva Dimensión, el González-Ruano de Periodismo o el Mariano de Cavia.
En 1992 fue galardonado con el Premio Nacional de Cinematografía, en 1996 con la Medalla de Oro a las Bellas Artes y en 2013 con el Premio Ciudad de Alcalá de las Artes y las Letras, entre muchos otros. Es miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Su última película es El crack Cero (2019).
Agnes (interpretada por la propia Eva Victor), una estudiante de posgrado en una universidad del noreste de los EUA, atraviesa una experiencia traumática que trastorna su vida.
La escena en concreto no se muestra, ocurre fuera de campo, intuida a través de las paredes de una casa mientras el sol cae en un plano fijo y distante. Esa decisión ética y estética habla de la voluntad de Victor de filmar el espacio que los actos dejan tras su paso.
En una inversión radical de la intención espectacular de Gaspar Noé en Irreversible, el filme renuncia a reproducir la violencia y elige filmar sus ecos. No es la única película que lo hace: recientemente pudimos verlo en “Siempre nos quedará mañana” de la directora, guionista y actriz Paola Cortellesi.
Eva Victor dirige, escribe e interpreta un debut genuino que invita a la reparación y la ternura, y que llega a los cines españoles el 27 de febrero. Merece, al igual que la protagonista, una escucha activa, una de esas que acompaña suavemente, de la que tiende la mano.
Sorry, Baby, el largometraje producido por A24 y nominado en Sundance a mejor guion y a los Globos de Oro por mejor actriz principal, el largometraje producido por A24 invita a aferrarse a las bondades, a las más pequeñas, a las recién nacidas y aún por venir.
Pareciera que tras la oleada de cine feminista tras el movimiento #MeToo, de la que pocos filmes sobrevivieron a la denostación del público general o de la instrumentalización comercial baratera del sufrimiento de las víctimas, poco cine ha querido subrayar o poner sobre la mesa lo que Sorry, Baby hace con naturalidad.
En un momento en el que el feminismo es la mayoría de las veces irritante en los foros populares, el debut de Eva Victor viene a alumbrar con un ejercicio sólido sobre una historia escrita, dirigida e interpretada por una mujer queer que no pretende ofrecer respuestas. Más bien alumbramiento natural, lento.
Dos premières españolas, un homenaje a Miyazaki y uno de los grandes éxitos del anime del año se añadirán a la nueva edición del ANIME DAY
Tras la gran acogida que tuvo en 2025, el Festival dedicará de nuevo este año un día entero al cine de animación japonés.
La décima edición del BCN FILM FEST, que tendrá lugar del 16 al 24 de abril de 2026, contará de nuevo con la sección ANIME DAY, con el objetivo de presentar contenidos de anime japonés (estrenos, clásicos, documentales…) en la gran pantalla. Cinco serán las producciones que se presenten, la mayoría provenientes de mangas de éxito, con lo que el Festival sigue apostando por las películas basadas en adaptaciones literarias, uno de los ejes principales del Festival desde su nacimiento.
La sección ANIME DAY, coordinada por CineAsia, que forma parte del equipo del Festival, cuenta con la complicidad y la colaboración especial de MANGA BARCELONA, que nos acompañará el 19 de abril en los Cines Verdi. Las 5 proyecciones del ANIME DAY estarán precedidas de presentaciones y contarán con sorteos y muchas sorpresas.
VALENTINA DE MONTBLANC Director: Àlex Roca Cómic: Míriam Bonastre Tur España, 2026
De nuevo, una première mundial en el Anime Day de la mano de 3CAT y Super3 que nos presentarán la primera serie de estética anime en catalán creada en Catalunya y basada en los cómics de Míriam Bonastre Tur: VALENTINA DE MONTBLANC. Un viaje lleno de aventuras por el corazón de las leyendas catalanas de la mano de la princesa Valentina que recorrerá diferentes lugares del territorio catalán y se encontrará con personajes tan míticos como Patufet o el mismísimo Sant Jordi.
La serie VALENTINA DE MONTBLANC, producida por 3CAT en colaboración con LUEE Animació, consta de seis episodios y está dirigida por Àlex Roca. Los tres primeros episodios se proyectarán en primicia en el marco del ANIME DAY del BCN FILM FEST, presentados y acompañados de un coloquio tras la proyección con la autora del cómic y el director de la serie Àlex Roca.
VALENTINA DE MONTBLANC es un proyecto transmedia que se basa en un cómico inédito de Míriam Bonastre Tur. La versión en papel de este cómic inédito en catalán, en el que se basa la serie de animación, saldrá a la venta el 13 de abril a todas las librerías. El libro será publicado por la editorial Entredos con la participación de 3Cat.
El ANIME DAY del BCN Film Festival contará también con dos estrenos de anime en España, uno de ellos llegado de la Sección Oficial del Festival de Berlín como es A NEW DAWN, y el otro la continuación de una de las sagas más queridas por el fan del manga y del anime como Assassination Classroom: ASSASSINATION CLASSROOM THE MOVIE: OUR TIME, una historia completamente nueva para celebrar el 10º aniversario del anime. El fenómeno de culto CHAINSAW MAN – LA PELÍCULA: EL ARCO DE REZE, estrenada el año pasado, también podrá verse en el Festival, y celebraremos el 25 aniversario de una de las películas más importantes de la animación mundial y del anime en particular: EL VIAJE DE CHIHIRO de Hayao Miyazaki, Oso de Oro en el Festival de Berlín y Oscar a la Mejor Película de Animación.
A NEW DAWN Director: Yoshitoshi Shinomiya Guion: Yoshitoshi Shinomiya Japón, 2026
El debut en la dirección del pintor y animador Yoshitoshi Shinomiya (director artístico de obras tan emblemáticas como “Your Name” o “En este rincón del mundo”), es un desbordante y hermoso ejercicio visual tan hipnotizante como arriesgado. Esta historia de amistad y de resistencia gira en torno a Keitaro, quien se resiste a abandonar la vivienda y fábrica familiar de fuegos artificiales que va a ser demolida. Su hermano y una amiga de la infancia le ayudarán a recrear el mítico fuego artificial Suhari que ideó su padre desaparecido tiempo atrás, antes de ceder el lugar a la nueva constructora. Directamente de la Sección Oficial del Festival de Berlín de este año, A NEW DAWN se presenta oficialmente en España en el ANIME DAY del BCN FILM FEST.
ASSASSINATION CLASSROOM THE MOVIE: OUR TIME Director: Masaki Kitamura Guion: Makoto Uezu Manga: Yusei Matsui Japón, 2026
Con la graduación a la vuelta de la esquina, ya nadie se burla de los alumnos rezagados de la clase 3-E. Cada recuerdo del año que han vivido juntos va llenando poco a poco el viejo edificio del aula: arte corporal, natación, actividades extracurriculares que aprovechan sus habilidades de asesinato, romances de San Valentín y la misteriosa vida privada del profesor fuera del horario escolar. Al mirar atrás, los alumnos comprenden cuánto han cambiado durante su paso por esta peculiar “Clase de Asesinato”. Pero, ¿qué será lo que Koro-sensei tendrá preparado para ellos en el poco tiempo que les queda juntos? Una nueva entrega el maestro más marciano en el ANIME DAY para celebrar el 10º aniversario de la serie de anime.
CHAINSAW MAN – LA PELÍCULA: EL ARCO DE REZE Director: Tatsuya Yoshihara Guion: Hiroshi Seko Manga: Tatsuki Fujimoto Japón, 2025
En 2022, el fenómeno de Chainsaw Man pasó de ser uno de los mangas más vendidos de todos los tiempos (más de 31 millones de copias) a convertirse en una de las series de anime más importantes del año. Rescatamos para el ANIME DAY uno de los éxitos del anime del pasado año, una historia épica en la que Denji y el resto de Devil Hunters de la División de Seguridad Pública se preparan para una nueva aventura. En CHAINSAW MAN – LA PELÍCULA: EL ARCO DE REZE, que retoma la historia justo donde acaba la serie, en medio de una brutal guerra entre demonios, cazadores y enemigos ocultos, una misteriosa chica llamada Reze irrumpe en el mundo de Denji que se enfrenta a su batalla más mortífera, impulsado por el amor, en un mundo donde la supervivencia no conoce reglas.
EL VIAJE DE CHIHIRO Director: Hayao Miyazaki Guion: Hayao Miyazaki Japón, 2001
La película que supuso un reconocimiento y posicionamiento internacional, no solo en particular para el anime japonés, sino en general para la industria de la animación, EL VIAJE DE CHIHIRO, está de celebración. La historia de maduración y crecimiento de la adolescente Chihiro, que debe transitar por un mundo fantástico para devolver a sus padres, convertidos en cerdos, su forma humana, significó un antes y un después para Studio Ghibli, consiguiendo el Oso de Oro en el Festival de Berlín y el Oscar a la Mejor Película de Animación. Celebraremos en el ANIME DAY su 25 aniversario.
Greenland 2: Migration (titulada Greenland 2 en España).
Después de sobrevivir al fin del mundo por la caída de un cometa, Jeff Garrity, junto con su mujer Allison y su hijo Nathan, deciden abandonar el búnker que les ha mantenido a salvo cinco años para buscar una zona en Europa que podría ser habitable. Así, el último refugio es el principio de un nuevo comienzo. Juntos emprenderán un viaje donde los desastres naturales y los humanos que sobrevivieron han convertido el mundo en un auténtico infierno.
En la primera película vemos cómo Garrity (Gerard Butler), ingeniero de estructuras con una importante trayectoria profesional es seleccionado junto a su mujer Allison (Morena Baccarin) y su hijo Nathan (Roger Dale Floyd) para ocupar un búnker que les proteja del impacto inminente del cometa Clarke sobre la Tierra. Juntos son capaces de superar un sinfín de obstáculos hasta llegar al búnker que, está en Groenlandia.
La película de la que estamos hablando ahora comienza cinco años después de la llegada al búnker. En él hacen ejercicio, se imparten clases y hay reuniones de alto nivel para decidir qué hacer (todos los seleccionados lo han sido por sus aptitudes esenciales). La única solución parece que es “migrar” (el subtítulo de la película es “migración”) al cráter donde cayó el fragmento más grande del cometa. Ese lugar no sólo está libre de radiación, sino que, al parecer, es edénico.
Un terremoto que daña gravemente el refugio hace que la migración sea obligada. Desde este momento hasta el final, John Garrity acaudillará a su familia y a alguna invitada especial hasta el cráter prometido como si su misión fuera una actualización de la de Noé y Moisés al mismo tiempo.
Película que cada cual interpretará según sean sus creencias, o no, religiosas.
En su reparto: Amber Rose Revah, Morena Baccarin, Gerard Butler, Nathan Wiley, William Abadie, Tommie Earl Jenkins.
CINET-FARÖ 