Taylor está a punto de salir de prisión en libertad condicional tras pasar más de diez años encerrado. Lo único que tiene que hacer para lograrlo es no meterse en problemas durante una semana. Sin embargo, cuando le asignan como compañero de celda a un problemático preso llamado Dee, su oportunidad de ser libre corre peligro.
El director Cal McMau nos lleva al brutal mundo carcelario de Inglaterra a través de la visión de los guionistas Hunter Andrews y Eoin Doran. Se trata de un ambiente hostil al que se añade un nuevo elemento: la tecnología.
Mediante el uso de dos relaciones de aspecto distintas, tenemos dos puntos de vista dentro de la historia: el nuestro como espectadores y el de los propios presos, gracias al papel tan importante que la película concede a los teléfonos inteligentes. Esta alternancia se convierte en una herramienta narrativa bastante curiosa. El recurso aporta a la película una visión única y muestra cómo prácticamente todos los presos están completamente insensibilizados ante la violencia. Incluso se regodean en ella.
El personaje de Taylor, interpretado por David Jonsson, es el centro sobre el que gira toda la película. Taylor lleva una década en prisión y se le presenta la oportunidad de salir por fin en libertad condicional. Jonsson interpreta a un personaje muy perjudicado y cohibido, que se deja amedrentar y carece de esperanza hasta el momento en el que recibe la noticia. Salir significa poder ver por fin a su hijo, que ha crecido sin él.
Hombres de acero ofrece una nueva mirada al mundo carcelario y presenta una visión única mediante el uso de la tecnología como elemento narrativo.
Tras la trágica muerte de su esposo, Alice viaja a una casa aislada para reunirse con su familia política en una comida en su memoria. Lo que debía ser un encuentro de duelo se transforma en una pesadilla claustrofóbica cuando tensiones no resueltas desatan una fuerza demoníaca que posee a los presentes, convirtiendo la vivienda en una trampa sin salida.
La situación parece la típica dinámica que el cine de posesiones ha repetido durante décadas. Un grupo de personas atrapadas en una localización aislada defendiéndose de una infección sobrenatural. Sin embargo, Vaniček utiliza precisamente esa estructura de reencuentro fallido para darle la vuelta poco a poco.
Todo cambia cuando nos damos cuenta de que el verdadero peligro no son solo las entidades que gritan desde las sombras, sino los propios lazos de sangre corrompidos.
La película utiliza el elemento sobrenatural y la mitología de la saga para acercarse a algo bastante más incómodo. Poco a poco queda claro que el centro de la historia no es la magia negra ni la aparición de reliquias antiguas. Es el miedo al dolor familiar y a la toxicidad heredada. Cuando las puertas de la casa se cierran y la locura se contagia entre los comensales, la vivienda deja de sentirse como un espacio de recogimiento para convertirse en una ratonera emocional.
Al final, la película funciona como una mirada bastante clara a nuestra propia fragilidad ante la pérdida. Sugiere de forma muy inteligente que los peores monstruos a menudo se alimentan de los secretos que intentamos esconder a quienes se supone que más nos quieren.
A medida que la posesión avanza y las mutaciones se extienden, las decisiones desesperadas que toman para intentar sobrevivir los unos a los otros terminan convirtiéndose en uno de los motores principales y más dramáticos de la cinta.
Aunque estemos ante una maldición demoníaca, el verdadero terror aparece en algo mucho más cercano. La idea de que la familia que debería protegerte tras una tragedia pueda convertirse en tu peor pesadilla. Ahí es donde la película encuentra gran parte de su fuerza. Porque detrás del festival de sangre y de los elementos clásicos de la franquicia, Sébastien Vaniček construye algo que funciona sorprendentemente bien.
Fernando (Isaac Hernández), un joven bailarín de ballet mexicano, sueña con el reconocimiento internacional y una vida en Estados Unidos. Creyendo que le apoyará su amante Jennifer (Jessica Chastain), una filántropa de la alta sociedad, lo deja todo atrás. Sin embargo, ella hará lo que sea para proteger el futuro de ambos y la vida que ha construido.
Los McCarthy, el patriarca Michael, y sus dos hijos Jennifer y Jack, están al frente de una fundación de mecenazgo de las bellas artes, todas las disciplinas encuentran su respaldo. Así, una academia de ballet e México cuenta con su padrinazgo. Precisamente el talentoso bailarín Fernando Rodríguez se forma allí, y ha iniciado una tórrida relación con Jennifer. Cuando intenta hacer realidad su sueño americano y cruza ilegalmente la frontera, continúa la relación, pero en secreto, Jennifer cree que su familia no lo entendería, y que dañaría irremediablemente su imagen. Esto hiere al sensible Fernando, que la abandona, pero ella se empeña en seguir con él.
El obvio propósito de Franco consiste en denunciar las trabas que encuentran los foráneos que tratan de afincarse en Estados Unidos, y las diferencias de clase, xenofobia y discriminación que padecen los hispanoamericanos por parte de los ricos y pudientes blancos.
En el film hay escenas de danza y ballet, los duros ensayos, pero en realidad aquello parece más bien una metáfora de los talentos y el valor de una persona, poseídos independientemente de su raza, que poco tienen que hacer frente a la azarosa situación de haber nacido en una cuna privilegiada, es más, pueden quedar hechos fosfatina, si algún desaprensivo se pone a ello.
Dividida en cinco apartados: La doctora, El soldado, El traficante, El poeta y El capitán, la película entrelaza las historias de cinco desconocidos para ofrecer, dentro de la tragedia, un poderoso retrato que trasciende fronteras y habla de empatía, sacrificio, esperanza y supervivencia.
La película muestra la ciudad siria de Alepo, devastada por un interminable conflicto. Ante esa situación, una médica se ve obligada a huir de la guerra con su hija pequeña, una decisión desesperada que cambiará para siempre su destino y el de otros cuatro desconocidos, unidos más allá de las fronteras.
En su camino se cruzarán un contrabandista dispuesto a todo por salvar a su hijo; un soldado dividido entre el deber y la conciencia; un poeta en busca de un lugar al que llamar hogar, y un capitán de la guardia costera atrapado entre la ley, el deber y la compasión.
Inspirada en el cortometraje nominado al Óscar Refugee, del director, guionista y productor Brandt Andersen, La última travesía tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Berlín, donde recibió el Premio Amnistía Internacional.
Andersen dirige un reparto encabezado por Omar Sy, al que acompañan Yasmine Al Massri, Yahya Mahayni, Ziad Bakri, Constantine Markoulakis y Jason Beghe.
Este reparto coral da vida y credibilidad a unos personajes cuyas existencias acabarán cruzándose durante una noche decisiva en el Mediterráneo para dejarnos ante una propuesta conmovedora: un ejercicio cinematográfico contundente con un corolario que invita a la reflexión.
A las 8.30 h, en el Teatro Victoria Eugenia, vemos CLUB KID dirigida por Jordan Firstman, Sección PERLAS. Duración 126 minutos.
Sinopsis: Peter, un promotor de fiestas underground de Nueva York acostumbrado a vivir entre excesos, música electrónica y noches interminables, ve cómo su mundo da un vuelco cuando una desconocida aparece en su puerta con Arlo, un niño de 10 años que asegura que es su hijo. Lo que comienza como una situación imposible pronto da paso a una loca, divertida y tierna conexión, tan inesperada como transformadora.
Película protagonizada por Jordan Firstman, Cara Delevingne y Diego Calva.
Su director, Jordan Firstman (Nueva York, EEUU. 1991) es escritor, productor, actor y humorista. Ha escrito, dirigido y protagonizado cortometrajes como Call Your Father (2016) o Men Don’t Whisper (2017), proyectado en Sundance y en el SXSW de Austin. Ha sido asimismo guionista de la serie de televisión Search Party. Club Kid, que también ha escrito y protagonizado, es su debut en el largometraje como director y se presentó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes.
A las 12;00 h, en la Sala de Prensa del Kursaal, rueda de prensa de la película de la Sección Oficial: LE FAUX SOIR.
DECLARACIONES:
«Le Faux Soir» puso el broche final a la 74ª edición del Festival de San Sebastián como película de clausura de la Sección Oficial, fuera de concurso. Michaël R. Roskam regresa al certamen con una historia que recupera uno de los episodios más singulares de la resistencia belga durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el humor, la prensa y las palabras se convirtieron en herramientas para combatir la propaganda nazi. “Es una historia real sobre ‘fake news’”, comentó el cineasta durante la rueda de prensa. Una expresión contemporánea para aproximarse a unos acontecimientos ocurridos hace más de ocho décadas y que adquieren nuevas lecturas en un presente marcado por la batalla alrededor de la información y por las diferentes formas de construir un relato.
Roskam explicó también cómo la música formó parte de la construcción de ese universo. El director trabajó con Christophe Chassol para encontrar una relación entre imagen, ritmo y personajes que no funcionara simplemente como acompañamiento. “Creo que el arte se encuentra en el encuentro con el otro”, señaló el director al abordar un proceso creativo en el que diferentes disciplinas terminaron dialogando entre sí.
Mara Taquin destacó igualmente el trabajo realizado para encontrar una dimensión íntima dentro de una historia atravesada por un contexto político e histórico tan reconocible. La actriz incidió en la necesidad de construir a los personajes desde sus relaciones y desde aquello que experimentan dentro del grupo. “Lo importante son las personas y lo que viven dentro de esas situaciones”, explicó durante la rueda de prensa.
Karim Leklou puso el foco en esa combinación entre lo individual y lo colectivo. El actor habló de la resistencia de los personajes y de la necesidad de encontrar seres humanos detrás de las figuras históricas. El contexto condiciona inevitablemente sus decisiones, pero la película trata también de mostrar cómo cada integrante afronta de una manera diferente el miedo y la posibilidad de ser descubierto.
A las 12.30 h,en el Club de Prensa del Kursaal, y como es habitual desde la creación de la AICE (Asociación de Informadores Cinematográficos de España), entregaron el Premio FEROZ ZINEMALDIA a la película: THE DEBUT.
El acto fue presentado por la actriz Paz Vega y recibió el premio, en nombre del director de la película Jesse Eisenberg, su distribuidor en España: Wanda Vision, S.A.
A las. 20.00 h, en la Sala de Prensa del Kursaal, la prensa acreditada pudimos seguir en directo la Gala de Clausura de la 74 edición.
Al término de la misma, todos los galardonados bajaron para responder a nuestras preguntas y posar para los medios gráficos.
Hemos dedicado un artículo especial al PALMARÉS.
Termina aquí nuestra cobertura de esta interesante edición de 2026.
Muchas horas de trabajo, encuentros con compañeros muy queridos, con actrices y actores que ya son amigos, y siempre el deseo que disfrutar de nuestro trabajo y de los equipos que crean tantas y tantas películas.
A las 9.00 h, en el Teatro Victoria Eugenia, vemos THE MAN IN LOVE dirigida por Ira Sachs, Sección PERLAS. Duración 95 minutos.
Sinopsis: En la vibrante Nueva York de finales de los 80, Jimmy George, un conocido artista de la escena underground, atraviesa un momento decisivo en su vida en el que, pese a todo, la belleza y el amor siguen siendo posibles.
La película presenta un retrato de los fascinantes años 80 en la ciudad más fascinante del mundo. Años de alegría y sufrimiento, que vive con plenitud su protagonista interpretado por Rami Malek, que acudió al SSIFF para presentar la película.
Le acompañan en el reparto: Rebecca Hall, Luther Ford, Ebon Moss-Bachrach, Tom Sturridge.
Su director, Ira Sachs (Memphis, EEUU. 1965) ha competido en Sundance con The Delta (1996), su ópera prima, Forty Shades of Blue (2005), que ganó el Gran Premio del Jurado, y Keep the Lights On (2012), incluida también la sección Panorama del Festival de Berlín, donde obtuvo el Premio Teddy. Volvió a participar en Panorama con Love is Strange (El amor es extraño, Perlak, 2014), Passages (2023), presentada fuera de competición en Sundance, y Peter Hujar’s Day (Un día con Peter Hujar, 2025). Completan su filmografía Married Life (El juego del matrimonio, 2007), estrenada en Toronto, Little Men (Verano en Brooklyn, Perlak, 2016), incluida Generation Kplus de la Berlinale, y Frankie (2019), estrenada a concurso en Cannes, donde este año ha competido con The Man I Love.
A las 11;30 h, en el Teatro Victoria Eugenia proyección de la película sorpresa de este año: INK, dirigida por Danny Boyle. Duración: 116 m.
Sinopsis: Una frenética montaña rusa cinematográfica sobre un grupo de visionarios disidentes que tuvieron la idea de crear un nuevo tipo de noticias: unas que dieran a la gente lo que quería y que cambiarían el aspecto del mundo en el que vivimos hoy en día.
El reparto lo protagonizan los actores Jack O’Connell, Guy Pearce y Claire Foy.
A las 18.30 h, en Tabakalera, vimos una de las mejores películas de la Sección KLASOKOAK: HIGH ART de la directora Lisa Cholodenko. Duración: 101 m
Sinopsis: Una joven becaria en una pequeña empresa de revistas y una fotógrafa drogadicta se enamoran lentamente mientras se explotan mutuamente para avanzar en sus respectivas carreras.
Una de las mejores películas donde el mundo de la Fotografía está reflejado. El proceso creativo o no que atraviesa una reconocida fotógrafa, actualmente en crisis en parte por las adicciones de su pareja. En ese momento de su vida llega una joven y ambiciosa editora de una revista. Surge una interesante conexión entre ellas, artística y sentimental. La película tiene momentos de gran belleza estética.
Mención aparte merece las grandes interpretaciones deRadha Mitchell y Ally Sheedy (editora y fotógrafa respectivamente) y, muy especialmente, la de Patricia Clarkson que interpreta magistralmente a la pareja de la fotógrafa.
High Art (1998), fue el primer largometraje escrito y dirigido por Lisa Chodolenko (Los Ángeles, EEUU. 1964), compitió en Sundance, donde su guion fue distinguido con el Premio Waldo Salt. El filme participó posteriormente en la Quincena de Cineastas de Cannes, a la que volvió con Laurel Canyon (La calle de las tentaciones, 2002). Le siguieron Cavedweller (Regreso al hogar, 2004) y The Kids Are Alright (Los chicos están bien, 2010), estrenada fuera de concurso en Berlín, donde obtuvo el Premio Teddy. Fue nominada a cuatro Oscars, entre ellos el de mejor película, y consiguió los Globos de Oro a la mejor comedia o musical y a la mejor actriz (Annette Bening). Ha dirigido además episodios de series como Six Feet Under (A dos metros bajo tierra, 2001) u Olive Kitteridge (2014).
A las 22. 30 h, en el Teatro Principal, vimos una divertida película de la Sección PERLAS: JUSTE UNE ILLUSION. Duración: 119 m
Sinopsis: 1985. Vincent, que pronto cumplirá 13 años, vive en las afueras de París con una familia de clase media, entre un hermano mayor que lo ignora y unos padres que no paran de discutir. Ya no es un niño, pero tampoco un adulto. Vincent se debate entre las grandes preguntas de la vida: la identidad, la amistad, la familia, la religión, el deseo, los primeros amores… y por qué los adultos parecen no haber resuelto ninguna de ellas.
Como es habitual en los directores franceses, Eric Toledano y Olivier Nakache, nos presentan una deliciosa comedia con la que el espectador disfruta al mismo tiempo que contempla vida y milagros de una familia peculiar y entrañable.
Cuenta para ello con la presencia de dos de los mejores actores del país galo: Louis Garrel y Camille Cottin, a los que acompañan: Pierre Lottin, Simon Boublil, Alexis Rosesnstiehl y Jeanne Lamartine.
Tras realizar algunos cortometrajes, Éric Toledano (París, 1971) y Olivier Nakache (Suresnes, Francia. 1973) dirigieron los largometrajes Je préfère qu’on reste amis (2005), Nos jours heureux (2006) y Tellement proches (2009). Clausuraron, fuera de competición, la Sección Oficial del Festival de San Sebastián con el estreno mundial de Intouchables (Intocable, 2011), que obtendría un gran éxito internacional, y, tres años después, con Samba (2014). En 2017 compitieron por la Concha de Oro con Le sens de la fête (C’est la vie) y en 2019 cerraron el Festival de Cannes, fuera de concurso, con Hors normes (Especiales, Perlak), que ganó en San Sebastián el Premio del Público. En 2023 dirigieron Une année difficile (Un año difícil).
A las 8.30 h, en el Kursaal 1, vemos SANTS dirigida por Mikel Gurrea, Sección Oficial. Duración 103 minutos.
Sinopsis: Mientras lidia con la inminente muerte de su madre, Lali entra a formar parte de una banda de ladrones de figuras religiosas.
Película irregular que tiene momentos interesantes, basados en las interpretaciones, pero que no logra completamente atraer el interés del espectador. Hubo comentarios a la salida de la proyección que así lo confirmaron.
En el apartado de los intérpretes, especialmente Victoria Luengo, Ariadna Gil y Eulàlia Ramón, las tres vuelven a demostrar su contrastada solvencia.
Su director, Mikel Gurrea (San Sebastián, 1985) ha dirigido los cortometrajes Primo (2008), Los gatos del tejado (2009), Rojo en el agua (2010), Txoria (2013), Foxes (Kimuak, 2015), Heltzear (Zabaltegi-Tabakalera y Kimuak, 2021), que participó en la competición de cortometrajes de la sección Orizzonti del Festival de Venecia, y Baratza Batzarra (Eusko Label, fuera de competición, 2024). Suro, su primer largometraje, fue seleccionado para Ikusmira Berriak en 2016. El filme compitió en la Sección Oficial de San Sebastián en 2022, donde obtuvo el Premio Irizar, el FIPRESCI y el Premio Euskal Gidoigileen Elkartea al mejor guion. Recibió también tres premios Gaudí y fue nominado al Goya a la mejor dirección novel y la mejor actriz. Sants es su segundo largometraje.
A las 10.35 h, en la Sala de Prensa del Kursaal, se celebró la rueda de prensa a la que asistieron el director y las tres actrices.
A las 11;30 h, en el Teatro Victoria Eugenia, proyección de SOUNDAIN (Sección PERLAS), dirigida por Ryusuke Hamaguchi. Duracion: 196 m.
Sinopsis: Como directora de una residencia de ancianos, Marie-Lou se esfuerza por implementar una filosofía de atención innovadora basada en escuchar y respetar la dignidad de los residentes, a pesar de la resistencia de algunos miembros de su personal. Su encuentro con Mari, una directora de teatro japonesa que lucha contra el cáncer, cambiará su vida para siempre. Tras forjar una profunda amistad, ambas mujeres se embarcan juntas en una lucha para «hacer posible lo imposible».
Era una de las películas que más interés había despertado de la programación del 74SSIFF. No defraudó. Su elevado metraje transcurre en un suspiro, en ningún momento se hace larga la película. Sin duda, esto se debe al excelente guión y fantásticas interpretaciones de las dos actrices principales: Virginie Efira y Tao Okamoto (ambas ganaron como Mejor Actriz en la pasada edición del Festival de Cannes).
Su director, Ryusuke Hamaguchi (Kawasaki, Japón. 1978) dirigió en 2008 su primer largometraje, Passion (New Directors). Happy Hour (2015) obtuvo en Locarno el premio de interpretación para todo su elenco femenino y Netemo sametemo / Asako I & II (Perlak, 2018) compitió en Cannes. En 2021 ganó en Berlín el Gran Premio Especial del Jurado con Guzen to sozo (La ruleta de la fortuna y la fantasía, Perlak) y con Drive My Car (Perlak) obtuvo en Cannes el premio al mejor guion y el FIPRESCI, así como el Oscar al mejor filme internacional y el Gran Premio FIPRESCI en San Sebastián. En 2024 Aku wa sonzai shinai (El mal no existe, Perlak, Premio Lurra) ganó en Venecia el Gran Premio del Jurado y el FIPRESCI.
A las 16.15 h, en el Teatro Principal, proyección de la película JOSEPHINE. Sección PERLAS. Duración: 114 m.
Sinopsis: Tras presenciar accidentalmente una violación en el Golden Gate Park de San Francisco, Josephine, de 8 años, comienza a mostrar comportamientos violentos y paranoia. El trauma desestabiliza a su familia mientras sus padres buscan justicia y la manera de recuperar la seguridad perdida.
Magnífico retrato infantil de una niña que a su corta edad presencia el terrible momento de una violación a una mujer. El delicado proceso de gestionar ese trauma, por parte de padres, profesores y profesionales de la psicología, queda muy bien reflejado en esta película.
Su directora, Licenciada en Sociología por la Universidad de California en Berkeley y máster en Bellas Artes por el American Film Institute, Beth de Araújo (San Francisco, EEUU. 1985) es guionista y directora. Debutó en el largometraje con Soft & Quiet (El club del odio, 2022), estrenado en el SXSW de Austin, por el que fue nominada al Premio Gotham Bingham Ray a la mejor dirección revelación. Su segunda película, Josephine (2026), se estrenó en la competición estadounidense de Sundance, donde obtuvo el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público, y también compitió en el Festival de Berlín.
A las 8.30 h, en el Teatro Principal, vemos COWARD dirigida por Lukas Dhont, Sección PERLAS. Duración 127 minutos.
Sinopsis: Rodeados de brutalidad pero unidos por la ternura, dos soldados de la Primera Guerra Mundial encuentran un frágil santuario de amor y arte entre las sombras de las trincheras belgas. Coward, de Lukas Dhont, plantea una pregunta profunda para una generación enviada a la guerra: cuando el mundo exige violencia, ¿desertar es el acto de valentía más verdadero?
Una de mis películas preferidas de lo que va de SSIFF. No se la pierdan. Está rodada con una sutileza que maravilla. El trabajo de sus dos actores protagonistas, Emmanuel Macchia y Valentin Campagne, es magnífico. La última media hora te puede reconciliar con el cine si te habías alejado por algún motivo.
Su director, Lukas Dhont (Gante, Bélgica. 1991) debutó en el largometraje con Girl (Perlak, 2018), estrenada en Un Certain Regard del Festival de Cannes, donde recibió la Caméra d’Or, el Premio FIPRESCI, la Queer Palm y el premio al mejor actor (Viktor Polster). Posteriormente recibió el Premio del Público al mejor filme europeo y el Premio Sebastiane en San Sebastián. En 2022 compitió en la Sección Oficial de Cannes con Close, galardonada con el Grand Prix del festival y posteriormente nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Este año ha vuelto a competir en el certamen francés con Coward, que les reportó a Emmanuel Macchia y Valentin Campagne el premio a la mejor interpretación masculina.
A las 11;30 h, en el Teatro Principal, proyección de BIAN JING / BORDER (Sección Oficial), Duración: 78 m.
Sinopsis: En un pueblo olvidado donde los hombres han aprendido a sobrevivir ocultando sus sentimientos y utilizando pocas palabras, un joven minero sin dinero va silenciosamente a la deriva por una vida que apenas siente. Su entumecida rutina se ve rota por la llegada de una joven enigmática que atiza una curiosidad dormida y la promesa de algo nuevo. Él la sigue por un camino oscuro, dejando atrás la tranquila seguridad del único mundo que conoce, sin saber que esta desconocida no es lo que parece.
No logré entrar en esta historia. Reconozco que el cine chino tiene un ritmo propio y también una estética que en muchas ocasiones cautiva. No sucede lo mismo con esta película.
Su director, Ah Biao (Da Tong. 1990) es director, guionista y director de fotografía. Bian jing / Border es su primer largometraje.
A las. 12.30 h, en la Sala de Prensa del Kursaal, la esperada rueda de prensa de BRAD PITT.
Llegué tarde, casi al final, porque estaba viendo la película china en el Teatro Principal. La sala de prensa estaba a su máxima ocupación. No cabe duda que el actor americano despierta pasiones.
DECLARACIONES:
Poco antes se había proyectado por segunda vez ‘En el corazón de la bestia (Heart of the Beast)’, el filme de «supervivencia extrema» dirigido por David Ayer en el que la estrella estadounidense interpreta a James Belmont, un oficial retirado de las Fuerzas Especiales que, tras sobrevivir a un brutal accidente aéreo, queda atrapado junto a su perro de combate Odín en la helada e implacable naturaleza de Alaska. «En el fondo, la película no es más que una historia de amor» que invita a repensar en que «deberíamos dedicar más tiempo a lo que nos conecta, a los que nos une y menos a lo que nos separa», interpretó el también productor de la película, acerca del mensaje que pretendían transmitir con el proyecto. Un ‘cara a cara’ interpretativo entre Pitt y el perro protagonista. La trama explora la dificultad de sobreponerse a una vida marcada por la «violencia» y buscar la paz. Pero el destino no lo pone fácil. Y los protagonistas, tienen que emprender otra lucha por la supervivencia contra la naturaleza salvaje de Alaska. Ante los periodistas, la estrella de Hollywood detalló los retos de un arriesgado rodaje en escenarios naturales: «Pasamos frío durante doce horas al día, nos mojamos, nos sentábamos en troncos y no teníamos tráileres, pero decidimos que llueva o haga sol eso iba a dar color a la escena y fuimos a por ello», explicó Pitt.
A las 19.00 h, dentro de la Sección Oficial, en el K1, proyección de la película THE DEBUT, Duración: 105 m.
Sinopsis: Cuando Mona Friedman consigue un pequeño papel en un teatro comunitario, pasa de ser una ama de casa tímida y discreta a convertirse en una apasionada actriz, dispuesta a hacer cualquier cosa para proteger la integridad artística de su papel, aunque eso signifique entrar en guerra con el autoritario director de la obra.
Esta película destaca por el duelo interpretativo entre Julianne Moore y l Paul Giamatti. Les acompañan un selecto grupo de actores: Halle Bailey, Jesse Eisenberg, Cara Buono, Craig Bierko, Eldar Isgandarov, Bernadette Peters.
El trabajo que realiza Julianne Moore es muy brillante y creemos que estará en todas las quinielas para ganar los principales galardones en la temporada de premios.
Su director, Jesse Eisenberg (Nueva York, EEUU. 1983) ha trabajado como intérprete para directores como Noah Baumbach –The Squid and the Whale (Una historia de Brooklyn, 2005)–, Woody Allen –To Rome With Love (A Roma con amor, 2012) y Café Society (2016)–, Kelly Reichardt –Night Moves (2013)– o David Fincher –The Social Network (La red social, 2010), por la que fue nominado al Oscar al mejor actor–. Su ópera prima como director, When You Finish Saving the World (Cuando termines de salvar el mundo, 2022), inauguró la Semana de la Crítica de Cannes tras su estreno en Sundance. Su segundo largometraje, A Real Pain (2024) ganó el Premio Waldo Salt al mejor guion en Sundance y el BAFTA al mejor guion original, fue nominado al Oscar en esa categoría y le valió a Kieran Culkin el Oscar al mejor actor de reparto. The Debut se presentó en Toronto.
A las 22 h, en el Teatro Principal, se proyecta la película FJORD, de la Sección PERLAS. Duración: 146 m.
Sinopsis: Los Gheorghiu, una pareja rumano-noruega muy religiosa, se instalan en un pueblo situado en un remoto fiordo, donde entablan una estrecha relación con sus vecinos, los Halberg. Sus hijos se hacen amigos a pesar de las diferencias en su educación. Cuando la adolescente Elia Gheorghiu aparece en el colegio con algunos moratones en el cuerpo, la comunidad se pregunta si la educación tradicional que los padres imparten a sus hijos tendrá algo que ver con ello.
No terminé de conectar con esta película. Me pareció interesante en la primera hora, pero su parte final me decepcionó mucho.
Su director, Cristian Mungiu (Iasi, Rumanía. 1968) ha ganado dos veces la Palma de Oro en Cannes: en 2007, con 4 luni, 3 saptamâni si 2 zile (4 meses, 3 semanas, 2 días, Perlak, Gran Premio FIPRESCI en San Sebastián) y este mismo año con Fjord. La primera recibió además el Premio del Cine Europeo a la mejor película y al mejor director. Desde su primer filme, Occident (2002), presentado en la Quincena de Cineastas, es un habitual de Cannes, en cuya Sección Oficial ha competido con Dupa dealuri (Más allá de las colinas, 2012), premio al mejor guion y la mejor actriz e incluido en la retrospectiva Eastern Promises en San Sebastián en 2014, Bacalaureat (Los exámenes, 2016), que le reportó el galardón al mejor director, y R.M.N. (Perlak, 2022).
A las 8.30 h, en el Teatro Principal, vemos LA BOLA NEGRA dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo. Sección PERLAS. Duración 159 minutos.
Sinopsis: Narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia. Es una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca.
Película muy esperada en esta 74 edición de PERLAS tras el triunfo obtenido en el Festival de Cannes. En general, no defrauda. Quizá los primeros 75 minutos cuesta un poco más implicarte en su visionado, sin embargo a partir del minuto 76 la película adquiere un interés potente y conmovedor.
Muy brillantes Lola Dueñas, Penélope Cruz y Glenn Close. Los actores, aún en menor intensidad, también defienden sus personajes con solvencia.
Sus directores, Javier Ambrossi (Madrid, 1984) y Javier Calvo (Murcia, España. 1991), conocidos como “Los Javis”, debutaron como directores con La llamada (Gala RTVE, 2017), adaptación al cine de su musical homónimo, que ganó el Goya a la mejor canción original y recibió otras cuatro nominaciones. Son también los creadores de las series de televisión Paquita Salas (2016), Veneno (2020) y La mesías (2023), estrenada fuera de competición en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. La bola negra, su segundo largometraje, les reportó en el Festival de Cannes el premio a la mejor dirección ex aequo con Pawel Pawlikowski (Vaterland /Fatherland).
A las 14;30 h, en los cines Príncipe, Sala 7, proyección de WILD HORSE NINE (Sección PERLAS), dirigida por Martin McDonagh. Duración: 116 m.
Sinopsis: Poco antes del golpe de Estado de Chile en 1973, los agentes de la CIA Chris y Lee son enviados por su jefe de oficina, MJ desde Santiago, donde están destinados, a la Isla de Pascua. Entre las icónicas estatuas de la isla, y mientras estos veteranos compañeros lidian con sus oscuros pasados y con conspiraciones presentes, el nuevo vínculo que Chris establece con dos estudiantes rebeldes amenaza con echar a perder el viaje de todos a este remoto paraíso.
Deslumbrantes interpretaciones de John Malkovich y Mariana de Girolamo. Ambos deberían estar en la temporada de premios y ganarlos. El resto de actores que les acompañan también merecen un reconocimiento. La película se disfruta de principio a fin.
Su director, Martin McDonagh (Londres, 1970) ganó con Six Shooter (2004) el Oscar al mejor cortometraje de ficción. Su primer largo, In Bruges (Escondidos en Brujas, 2008) obtuvo el BAFTA al mejor guion original y fue nominado al Oscar en la misma categoría. Le siguieron Seven Psycopaths (2012) y Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Tres anuncios en las afueras, Perlak, 2017), que ganó los Oscars a la mejor actriz (Frances McDormand) y el mejor actor de reparto (Sam Rockwell), el Globo de Oro al mejor drama y la Osella de Oro al mejor guion en Venecia, premio que volvió a obtener por The Banshees of Inisherin (Almas en pena de Inisherin, 2022), que también recibió la Copa Volpi (Colin Farrell) y nueve nominaciones al Oscar. John Malkovich ganó en Venecia la Copa Volpi al mejor actor por Wild Horse Nine.
A las 16.45 h en el Teatro Principal, proyección de ESTA SOLEDAD, Sección Nuevos Directores. Duración: 110 m.
Sinopsis: Leo y Lorea se han querido. Quizá se siguen queriendo. Pero algo en ellos se ha roto. Su relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad y una desconexión emocional que le pesa. Ella, enredada entre trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien por dónde empezar. Son dos cuerpos cansados y solos, atravesados por lo precario, por lo no resuelto, por la herencia emocional de una generación que parece llegar siempre tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la madurez, a la calma, a la satisfacción personal.
La película comienza con una escena deslumbrante interpretada de forma magistral por Oriol Pla. Conforme avanza la película, su interpretación se complementa excelentemente con la de Marina Salas. Ambos nos conmueven y nos hacen reflexionar de la mano de Javier Giner.
Su director, Javier Giner, tras dirigir cortometrajes como Flores nocturnas (2012), El amor me queda grande (2014), Puerta a puerta (2014) o Julia de Castro, De la Puríssima: Anatomía de una criminal (2015), Javier Giner (Barakaldo, España. 1977) creó y codirigió con Elena Trapé la miniserie Yo, adicto (2024), basada en su libro homónimo y estrenada fuera de competición en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. La serie le valió a Oriol Pla el Emmy Internacional al mejor actor. En teatro ha dirigido Taxi Girl en el Centro Dramático Nacional, ha realizado diversos spots publicitarios y videoclips y su firma ha aparecido en medios como El País, Vanity Fair, Jot Down, Vice Magazine, Cosmopolitan o Marie Claire. Esta soledad es su primer largometraje.
