LA CORDILLERA (Dir. Santiago Mitre), por Yolanda Aguas

En una Cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, en donde se definen las estrategias y alianzas geopolíticas de la región, Hernán Blanco (Ricardo Darín), el presidente argentino, vive un drama político y familiar que le hará enfrentarse a sus propios demonios. Deberá tomar dos decisiones que podrían cambiar el curso de su vida en el orden público y privado: por un lado, una complicada situación emocional con su hija, y por otro, la decisión política más importante de su carrera.

El Presidente de la Nación, Hernán Blanco, llega a Santiago de Chile para participar de una cumbre energética de crucial importancia. Como si debatirse entre sus aliados y negociar acuerdos no fuera suficiente desafío, debe lidiar con una amenaza que puede derrocar su presidencia, la cual resulta venir de su entorno más íntimo.

El guión de La Cordillera  tiene ciertos elementos en orden. El elemento verosímil, por ejemplo, está ahí, ya que nos adentra con profundidad de detalle en un universo ajeno al ciudadano medio. El drama está también presente en los conflictos padre-hija, y también los conflictos de estado propios del contexto en el que se mueve la historia. En particular, la actitud que se adopta ante los aliados y qué se hace ante el avasallamiento de un país más poderoso.

Sin embargo, encuentro un problema en el guión de La Cordillera y es que las dos líneas argumentales que corren en la película nunca se afectan mutuamente. Esto trae como consecuencia que la alternación entre escenas se sienta más como producto de una distribución equitativa del tiempo de pantalla que de una progresión dramática, donde una escena debería incidir sobre la otra. Ello consigue que el final tenga toda la apariencia de ser un clímax pero no se sienta como tal; su falta de recorrido y energía hace que sea un final y basta.

En materia actoral, la película es prolija. Ricardo Darín nuevamente despliega ese carisma que lo caracteriza, pero le suma una inusitada cuota de actitud que lo hace plenamente creíble como el primer mandatario.  Elena Anaya tiene un papel secundario pero su presencia siempre es interesante.

Erica Rivas sobresale – como es habitual en ella – en este reparto internacional.

La Cordillera no es una película “redonda”, fallan demasiados puntos en el guión.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

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MADRE (Dir. Darren Aronofsky ), por Yolanda Aguas

No analizaré yo esta película.  Creo que lo mejor que puedo hacer es reproducir las palabras con las que el propio director explicó su última película “Mother”, revelando que estaba inspirada en la Biblia.

El personaje de Madre (Jennifer Lawrence) es una representación de la madre naturaleza. La casa es la representación del planeta Tierra, el estudio es el Paraíso y el sótano es el Infierno.

El esposo, el poeta (Javier Bardem), es la representación Dios.  Él es el creador (lo dice al final de la película).  El primer huésped (Ed Harris) que llega a la casa representa a Adán. Después de que el poeta le saca la costila a Adán (de forma literal, ya lo verán…) por la noche, llega su esposa al otro día, es Eva (Michelle Pfeiffer).

El diamante en forma de corazón es la manzana prohibida, la cual quiebran y por ende, son expulsados del paraíso (el estudio del poeta).  Sus dos conflictivos hijos representan a Caín y Abel, con todo y el asesinato.  El poeta tiene serios problemas de vanidad. Nunca está conforme con el amor y la admiración que le brinda su esposa, siempre quiere más, es por eso que le encanta el hecho de tener fanáticos e invita a más de ellos a su casa.

Los huéspedes destruyen la casa sin importarles la opinión de la madre, ya que el poeta les dijo que eran bienvenidos, justo como los humanos destruyen la naturaleza.  El poeta crea su obra maestra (los diez mandamientos) se la da a su editora (Moisés) y ahí comienzan los verdaderos problemas, ya que todos los huéspedes de diferentes nacionalidades interpretan de manera diferente sus palabras.

Comienzan una guerra dentro de la casa, hay asesinatos, adoraciones y pegan por todas las paredes fotografías del poeta, lo que representa el fanatismo religioso del mundo.  Madre está muy mal, está lastimada a causa de la guerra, sin embargo el poeta sigue aceptando a los huéspedes destructores y groseros ya que ellos simplemente piden disculpas y él los perdona.

La casa (la Tierra) empieza a venirse abajo con tanto exceso de población, odio, guerras y muertes. La madre da a luz en medio del caos, el hijo de la pareja representa a Jesús, de hecho es el mismo poeta quien lo entrega a sus fanáticos que lo matan y comen de él. El poeta le pide a la madre naturaleza que perdone a los humanos, pero ésta decide ponerle fin a todo y destruye la Tierra.

El poeta utiliza el amor de la madre naturaleza para volver a crear un nuevo planeta, quizá con nuevos humanos, aprendiendo de sus errores

Esto es, en líneas generales, lo que Darren Aronofsky nos presenta en su película.

A unos gusta mucho por el atrevimiento y sus imágenes poderosas, a otros les resulta una película insoportable.

Les aconsejo que la vean y así podrán participar en los debates con sus amigos…

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

LA LLAMADA (Dir. Javier Ambrossi y Javier Calvo), por Yolanda Aguas

Quienes vivimos la época de los grandes éxitos musicales en el cine hace cuatro décadas, tuvimos una especie de melancólico recuerdo de aquellos años al ver alguno de los números musicales que se disfrutan en “La Llamada” de J. Ambrossi y J. Calvo.   Me refiero concretamente al número de Frankie Avalon en “Grease” totalmente hermanado con los momentos en que “Dios” le canta por Whitney Houston a Macarena Gómez en “La llamada”.  Menciono ahora la fotografía (otra vez maravillosa) de Migue Amoedo que sabe crear “la magia” necesaria para que esto suceda.

La historia es muy simple, pero los actores (especialmente las actrices) dan lo mejor y este esfuerzo sabe llegar al público haciéndole vibrar y reír casi toda la proyección.

Originalmente fue una obra de teatro, donde sigue representándose a día de hoy en el Teatro Lara, La llamada ha dado el salto a la pantalla grande de la mano de los mismos jóvenes que se ganaron al público teatral: Javier Ambrossi y Javier Calvo.  En la película también firman guión y dirección.

Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta y Gracia Olayo como las cuatro protagonistas, acompañadas por el británico Richard Collins-Moore que interpreta a Dios entonando canciones de Whitney Houston.

Destacamos el trabajo de Belén Cuesta, que se está convirtiendo poco a poco en una de las grandes promesas del cine español. La actriz sevillana crea un personaje profundo dentro de la comicidad (y esto no es fácil).

La música es el punto fuerte de la película, ya que son temas de la gran Whitney Houston, de Henry Méndez y de Presuntos Implicados.  Leiva ha compuesto el tema principal.

Una película sencilla, con momentos divertidos que será un éxito rotundo de taquilla, no lo dudamos, y que gustará mucho al público juvenil.

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NOTA:  Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

PALMARÉS 65 SSIFF, por Yolanda Aguas

La película The Disaster Artist del director estadounidense James Franco obtuvo ayer la Concha de Oro a la Mejor Película de la 65 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Una gran edición, repleta de excelentes películas y con una destacada presencia de la mujer que, además, ha obtenido un importante reconocimiento en el palmarés.

El palmarés completo es el siguiente:

Concha de Oro a la Mejor Película: The Disaster Artist, de James Franco.

Premio Especial del Jurado: Handia, de Aitor Arregi y Jon Garaño.

Concha de Plata al Mejor Director: Anahí Berneri por Alanis.

Concha de Plata al Mejor Actor: Bogdan Dumitrache por Pororoca.

Concha de Plata a la Mejor Actriz: Sofía Gala por Alanis.

Premio a la Mejor Fotografía: Florian Ballhaus por The captain.

Premio al Mejor Guión: Diego Lerman y María Meira por Una especie de familia

Premio Nuevos Directores: Le semeur de Marine Francen

Premio del Público: Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri, de Martin McDonagh.

Premio Horizontes Latinos: Los perros de Marcela Said.

Premio de la Juventud: Matar a Jesús de Laura Mor.

Premio Cine en Construcción: Ferrugem, de Aly Muritiba.

Premio Zabaltegi Tabakalera: Braguino de Clément Cogitore.

Premio “Otra mirada”, de TVE: Custodia compartida de Xavier Legrand.

Premio Irízar del Cine Vasco: Handia de Aitor Arregi y Jon Garaño.

Premio del Público a la Mejor Película Europea: Custodia compartida de Xavier Legrand.

Premio Feroz Zinemaldia: The Disaster Artist de James Franco.

Premio Cooperación Española: Alanis de Anahí Berneri.

Premio Sebastiane: 120 pulsaciones por minuto de Robin Campillo.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

Noveno día: Sábado, 30-09-2017 del 65 ZINEMALDIA, por Yolanda Aguas

Noveno día: Sábado, 30-09-2017

Rueda de prensa “The Wife”

La actriz norteamericana Glenn Close protagoniza la película ‘The wife’, película que participa en Sección Oficial fuera de concurso y que es la encargada de poner fin a la 65 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

“Es un acto de valentía que una mujer deje que su propia luz brille”, ha manifestado la intérprete este sábado 30 de septiembre, en la que ha estado acompañada del director, Björn Runge, de su hija, la también actriz Annie Starke y la productora Claudia Bluemhuber.

Close da vida a Joan Castleman, una mujer inteligente y de gran belleza que ha sacrificado sus ambiciones y su talento durante cuatro décadas para apoyar a su marido en un carrera literaria e ignorar también sus infidelidades. En este pacto de concesiones desiguales, y en vísperas de la entrega a su marido del Nobel de Literatura, Joan afronta el mayor sacrificio y el mayor secreto de la carrera de su marido.

La actriz ha señalado que tras 42 años de profesión y de relaciones en su vida y en el trabajo, ha entendido y empatizado con la psicología de este personaje y sus sentimientos. Para crearlo, se reunió con el director y decidieron “cuáles eran las características más importantes y cómo transmitirlas”.

Para Glenn Close, lo más interesante de esta historia es la complejidad del personaje y en qué medida “ella forma parte de la mentira tanto como su marido”, algo en lo que estos personajes entraron “por casualidad” y que se convirtió en algo “poco real”.

“Ella miente a su marido hasta casi el final, hasta que no puede soportarlo más. En ese momento, empieza ese otro viaje para encontrarse a sí misma y conseguir su voz de verdad, pero sin su marido. Es en la tensión de ese momento cuando ella puede seguir sobreviviendo”, ha dicho.

Close (Connecticut, Estados Unidos, 1947) ha confesado que se siente “identificada” con este papel, que ha visto reflejado en muchas mujeres que ha conocido. “Muchas mujeres pasan parte de su vida apagando o tapando la luz que tienen dentro u ofreciendo su luz a otra persona, su marido o su pareja”, ha lamentado.

Preguntada acerca de la liberación de la mujer y cómo se refleja en ‘The wife’, ha señalado que ella se convierte en “cómplice” de el machismo debido a “su falta de autoconfianza”, como si lo que tenía que decir no fuese importante. A su juicio, esto es una cuestión “cultural” que logra superar al final, cuando se da cuenta de que “tiene que buscar su propia voz”.

Glenn Close ha visitado por tercera vez el festival – seis años después de recibir el Premio Donostia en 2011 por su trayectoria profesional -, en la que destacan títulos como ‘Las amistades peligrosas’ (1988), ‘101 dálmatas’ (1996) o ‘Albert Nobbs’ (2011).

Steaming  (Dir. Joseph Losey – 1 h 35 min).

A las 12:15 horas, Cines Príncipe Sala 6, he asistido a la proyección de una joya del director Joseph Losey: Steaming, protagonizada por Vanessa Redgrave y Sarah Miles.

La despedida cinematográfica de Losey, estrenada después de su fallecimiento en 1984, fue también un homenaje a toda una tradición del cine británico a través de sus tres protagonistas: dos de sus más prestigiosas actrices, Vanessa Redgrave y Sarah Miles, se unen al antiguo mito erótico de los años 50, Diana Dors, en su último trabajo para el cine. Tres mujeres que frecuentan unos baños turcos inician una cruzada para impedir su cierre.

The Servant  (Dir. Joseph Losey  – 1 h 56 minutos).

A las 17:30 horas asistí a una proyección muy especial en los Cines Príncipe Sala 9:  The Servant dirigida por Joseph Losey.

La película contó con la presentación de la mítica actriz Sarah Miles.  Podrán leer un artículo completo dedicado a esta presentación (divertida y singular) en esta misma web.

Una de las obras maestras de Losey y la película que le proporcionó el reconocimiento internacional tras su estreno en el Festival de Venecia. Con guión del dramaturgo Harold Pinter y una brillante interpretación de Dirk Bogarde y James Fox, este claustrofóbico drama acerca de un aristócrata que contrata a un nuevo mayordomo transforma un espacio cotidiano en nido de tensiones y miedos, al tiempo que plantea una certera reflexión sobre las diferencias de clase y las relaciones de poder.

Rueda de Prensa del Palmarés 65 edición Zinemaldia

Como es habitual, a las 20 h estábamos convocados en la Sala de Conferencias del Kursaal para las declaraciones de todos los galardonados en el Palmarés de la 65 edición.

Hemos publicado un artículo completo que podrán leer en esta web.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías en el interior del Kursaal “rueda de prensa The Wife” así como las de Sarah Miles en los Cines Príncipe, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

Octavo día: Viernes, 29-09-2017 del 65 ZINEMALDIA, por Yolanda Aguas

Octavo día: Viernes, 29-09-2017

La peste  (Dir. Alberto Rodríguez – 1 h 42 min).

Alberto Rodríguez abre paso a las series con ‘La peste’, metáfora de la crisis y la corrupción.  Serie para televisión, pudimos ver los dos primeros capítulos, que cuenta con una superproducción y se nota…

‘La peste’ se desarrolla en Sevilla en 1587, una ciudad llena de esplendor aunque asolada por la peste negra. Allí, Mateo, un exmilitar que huyó tras ser condenado por la Inquisición por imprimir libros prohibidos, regresa para cumplir la promesa de sacar de allí al hijo de un amigo fallecido.

Impresionante la experiencia de ver los dos capítulos en la majestuosa pantalla del Kursaal.  Nos gustaron mucho las interpretaciones, en las que destacamos a Paco León y Patricia López Arnaiz.

The Leisure Seeker  (Dir. Paolo Virzi  – 1 h 36 minutos).

A las 12:00 horas asistí a la proyección en el Victoria Eugenia (Perlas) de la película protagonizada por dos mitos de la interpretación: Helen Mirren y Donald Sutherland.

 

The Leisure Seeker lo tiene todo para que apasione al público general: una historia de Alzheimer y de señores mayores que se quieren y viven su última gran aventura.

Aunque en ningún momento resulte dolorosa o aburrida de ver, sí que es cierto que le falta algo de magia y fascinación en su desarrollo, algo que nos haga pensar que esta no es una película que ya hemos visto mil veces antes.  Los dos actores se comen la pantalla sin contemplaciones y sin preocuparse de que los tópicos estén cada cuatro páginas en un guión que podría haber sido mejor.

Es una película sencilla. No hay nadie que pueda ofenderse o no entender lo que ocurre en pantalla, ya que tampoco trata de arriesgarse ni tomar giros excesivos. Cuando mejor funciona es cuando Mirren y Sutherland conversan, hablan, se cuentan secretos e intimidades, terminan de descubrirse el uno al otro.

Al final de la proyección hubo grandes aplausos cuando los nombres de Mirren y Sutherland aparecieron en los títulos finales de créditos.

The Wife  (Dir. Björn  Runge – 1 h 39 minutos).

A las 19:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la película de clausura de esta interesante 65 edición.

La sección oficial del Zinemaldi se cierra con La buena esposa (The wife), una película abiertamente feminista sobre una mujer que vive a la sombra de su marido, un novelista que acaba de ganar el premio Nobel. En sí, la historia y la película no son malas, sino inocuas, descubriéndose el giro desde el propio cartel, pero sin la presencia abrumadora de Glenn Close, ni siquiera hubiera llegado al festival, menos aún claususarlo.

Glenn Close interpreta un personaje interesante y lo convierte en un personaje apasionante, repleto de matices, represiones y personalidad, llena la pantalla y actúa como solo las grandes actrices del cine saben: con maestría, dominando la situación y dando mucho más de lo que se pide de ella.

Aunque La buena esposa es una película que es autoconsciente de su nivel bajo, su actriz principal consigue, por momentos, elevarlo hasta lo más alto. Merece que sea nominada el próximo año para los Oscar.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías en el interior del Kursaal “rueda de prensa La peste”, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

 

Séptimo día: Jueves, 28-09-2017 del 65 ZINEMALDIA, por Yolanda Aguas

Séptimo día: Jueves, 28-09-2017

El séptimo día de la 65 edición tuvimos un leve problema de salud y no pudimos asistir a la primera proyección de la mañana.

 Rueda de Prensa  “La vida y nada más”.

En rueda de prensa en el Zinemaldia, el director, acompañado de Andrew Bleechington y Regina Williams, cuya hija pequeña en la ficción es también su hija en la realidad, actores no profesionales, así como del productor Pedro Hernández, que ha producido entre otras la película ‘Magical girl’ de Carlos Vermut, Concha de Oro en el Festival de San Sebastián en 2014, ha afirmado que se inspira en el cine de los años 90, en concreto en cineastas como Jim Jarmusch.

“Hay en ese momento un cine que sale muy del instinto, surgen como arrebatos, me siento partícipe de ese movimiento, mis películas han sido muy instintivas”, ha afirmado, para añadir que también han sido complicadas, porque “en cualquier momento podían caerse”.

Según ha relatado, en cada escena han sido los actores los que ha “construían de alguna manera”. En este sentido, ha explicado que en el equipo de rodaje han estado “muy abiertos” a lo que pudieran “descubrir” en el proceso de filmación.

Sobre los actores no profesionales, ha señalado que el proceso de “búsqueda de los personajes fue precioso” y le permitió entrar “en un mundo que desconocía”. El director ha relatado que a Andrew le conoció en su colegio, y estuvieron “como seis meses conociéndonos”. “Él pensaría que estaba loco”.

 

The Florida Project  (Dir. Sean Baker  – 1 h 52 minutos).

A las 12:00 horas asistí a la proyección en el Victoria Eugenia (Perlas) de una de las mejores películas proyectadas hasta el día de hoy: The Florida Project.

La película funciona como un documental paradójico, agudo y lleno de grandes momentos que brillan por su cotidianidad. La actuación de los chavales es fresca, casi amateur, pero creíble gracias al trabajo de Willem Dafoe como conserje del motel y de la intérprete de Halley, a quien el director encontró a través de las redes sociales. Sean Baker se había consolidado como el retratista indie de los bajos fondos y un maestro de la paleta de colores, pero  The Florida Project es todo eso más una preciosa loa a la amistad.

Moonee y Scooty le hacen un tour guiado del motel donde viven a su nueva vecina Jancey. “Nadie coge el ascensor porque huele a pis. Aquí vive una que se cree que está casada con Jesús. A este hombre le viene a buscar la policía todo el rato”, le va explicando la pequeña de seis años a su amiga, que observa inocente como si le estuviesen contando la más divertida de las historietas.

Los tres son niños que viven por debajo del umbral de la pobreza en un barrio lleno de edificios de brillantes colores, casi todos moteles reservados para aquellos que no pueden permitirse una casa. El director Sean Baker hace un retrato de la brutal desigualdad del estado de Florida, donde decenas de familias pobres residen al lado del mayor imperio vacacional de Estados Unidos: Disneyland Orlando. Lo hace a través de la inocencia infantil. Pero así resulta casi más desgarrador.

Los niños crecen en un entorno de prostitución, drogas y pandillas, donde aprenden a robar para comer casi antes que a leer. En la superficie no hay drama. Ellos ríen, se entretienen con lo poco que tienen y dicen tacos más grandes que sus diminutos cuerpos. Son maleducados, cochinos, deslenguados y adorables granujas que pasan por encima de la miseria del motel con su vitalidad.

Baker, además, se centra en tres familias donde la figura de responsabilidad es una mujer. Moonee vive con su madre Halley, una chica tatuada de 22 años que está en el paro y se pasa el día fumando porros. Scooty también vive solo con su joven madre, una camarera negra que siempre roba gofres en su restaurante para dar de comer a sus vecinas. La última, Jancey, vive con su abuela porque su madre la tuvo con 15 años y se deshizo de ella. Todas estas mujeres luchan ante la adversidad mientras crían a sus hijos solas. Y nos puede parecer que lo hacen mejor o peor, pero es ahí donde el director nos hace conscientes de nuestra arrogancia.

Plano final que impacta profundamente.  Una película extraordinaria.

Encuentros Zabaltegi

A las 14 h acudimos, como solemos hacer todos los días, a los interesantes encuentros de la Sección Zabaltegi que se desarrollan en el Teatro Victoria Eugenia.

Interesante el encuentro de hoy con la presencia de la joven directora francesa Marie Francen.

La llamada (Dir. Javier Calvo y Javier Ambrossi  – 1 h 44 minutos).

A las 19:30 horas asistí a la proyección, en el Teatro Victoria Eugenia, de la última película que ayer no pude terminar de ver porque tenía que ir a otra proyección.

La película fue presentada por todo el elenco de actrices (menos Belén Cuesta, quién sí asistió al photocall de la mañana) y contó con la complicidad de un público totalmente entregado y entusiasta.  Había muchos invitados y amigos del equipo, eso es verdad, pero que la película será un éxito de taquilla es indudable.

Fe de etarras  (Dir. Borja Cobeaga  – 1 h 30 minutos).

A las 22:00 horas asistí a la proyección, en el Teatro Principal, de la última película de Borja Cobeaga.

Fe de etarras es una insólita comedia de humor negro que transcurre en el cálido verano de 2010 en una capital de provincia española. Un peculiar comando, formado por un veterano que necesita demostrar que no es un cobarde, una pareja cuyo compromiso depende de la continuidad de la banda y un manchego que se cree que entrar en el comando le hará sentir como si fuera Chuck Norris, se atrincheran en un piso franco a la espera de recibir una llamada para pasar a la acción. Mientras tanto, la selección española arrasa en el Mundial de Sudáfrica y todo el país lo celebra a su alrededor, para mayor frustración del ridículo comando.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Las fotografías en el interior del Kursaal “rueda de prensa La vida y nada más”, presentación de “La llamada” en el Teatro Victoria Eugenia,  así como Encuentros Zabaltegi en el Victoria Eugenia, son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.