PALMARÉS DE LA 5a. ED. BCN FILM FEST

El actor y director Mario Gas ha presidido el Jurado Oficial del BCN Film Fest 2021 acompañado del cineasta Jaume Balagueró y la actriz Laia Marull.

Ellos han sido los responsables de otorgar el Premio a la Mejor Película de la Sección Oficial, por el que han competido 12 títulos y cuyo fallo ha recaído en ‘Pequeño país‘, película de la que hablamos en la segunda crónica del certamen, una adaptación de la novela de Gaël Faye que narra como la vida feliz de un niño en Burundi cambia radicalmente cuando estalla la violencia en Ruanda en 1993.

PALMARÉS 5a EDICIÓN BCN FILM FEST:

Premio a la mejor película: Pequeño país (Francia) de Eric Barbier.
Premio de la crítica: Sombra (Portugal) de Bruno Gascon.
Premio al mejor guion: Yalda, la noche del perdón (Irán).
Premio al mejor actor: Ulrich Thomsen por The Good Traitor (Dinamarca).
Premio a la mejor actriz (ex aequo): Isabelle Kabano por Pequeño país (Francia) y Denise Gough por The Good Traitor (Dinamarca).
Premio Festival Castell de Peralada a la Mejor Música (ex aequo): El poeta y el espía (Italia) y Last Call (Estados Unidos).
Premio a la Mejor Película por sus Valores Históricos: Sombra (Portugal) de Bruno Gascon.

RdP “GALATEA” en el TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas

Según nos señala el TNC en su página web oficial, “GALATEA” es la obra más personal de Josep M. de Sagarra, junto con Pájaros y lobos y La fortuna de Silvia.

Sobre el estreno de Galatea en diciembre de 1948 en el Victoria, Josep M. de Sagarra recordaba que el insólito frío de aquel invierno – y la falta de calefacción en el teatro – hicieron que el público viera la obra temblando con los abrigos puestos. La obra no fue bien recibida por la mayoría de la crítica, y Sagarra se lamentaba que la hubieran insultado como si fuera un incendiario o un corruptor de menores. Aún así, el dramaturgo no estaba de defender la obra: «Con La fortuna de Silvia , con Pájaros y lobos y sobre todo con Galatea creía, y creo sinceramente, que intentaba hacer un teatro más de acuerdo con mi conciencia y más acorde con el clima espiritual de nuestro tiempo ». Con el tiempo, el periplo por la posguerra europea de esta domadora de focas con nombre de ninfa marina ha terminado ocupando un lugar preeminente entre los títulos más importantes de la literatura dramática en lengua catalana.

Dirigida por Rafel Durán y protagonizada por magníficos actores: Anna Azcona, Nausicaa Bonnín, Roger Casamajor, Borja Espinosa, Pep Ferrer, Míriam Iscla, Jordi Llovet, Carol Muakuku, Quimet Pla, Santi Ricart y Ernest Villegas. la obra se representará en la Sala Petita del 29 de abril al 23 de mayo de 2021.

Comenzó la presentación el Director Artístico del Nacional, el maestro Xavier Albertí, indicando que “Puede parecer la historia de un personaje que sale del infierno de la guerra camino del cielo, pero yo la veo más bien como la salida del infierno hacia la aceptación del infierno. Es, además, una obra maestra de la literatura catalana y europea”.
Para su director escénico, Rafel Durán: “El texto no habla del coronavirus ni nosotros lo hemos introducido, pero todo lo que hemos vivido en el último año nos acerca al espíritu de la obra Galatea es el alter ego de Josep Maria de Sagarra, que tuvo que huir de España durante la Guerra Civil amenazado por la FAI y luego de París ante la llegada de los nazis. Nuestro país hace tiempo que no vive una guerra y quizás hemos creado una imagen distorsionada de ella, pero el coronavirus, sin ser lo mismo que una guerra, nos ha acercado a muchas de las cosas que ocurren en una guerra, como la muerte, el miedo, la perdida del trabajo y la incertidumbre ante el futuro. Uno de los temas que aborda “Galatea” es la confrontación entre el idealismo y el capitalismo, algo que también conecta con nuestros tiempos, porque hace un año que nuestra sociedad se debate entre priorizar la sanidad o el capitalismo”.
La obra teatral, escrita en 1947, narra el recorrido vital de Galatea, una mujer que tiene que sobrevivir a la derrota y a las atrocidades de la guerra.

El arte es otro de los protagonistas de este montaje, en este caso simbolizado por el circo, que también es metáfora de la vida al margen del sistema y del concepto de familia como ‘trouppe’, no necesariamente unida por lazos de sangre. Todo ello en una escenografía creada por Rafel Lladó, que “se aleja del realismo y del historicismo y crea un espacio a medio destruir y a medio construir, reflejo de la Europa de aquel momento”.
Incertidumbre, miedo y muerte envuelven la obra de Josep Maria de Sagarra “Galatea”, “sensaciones que hemos vivido de cerca durante la pandemia del coronavirus” y que conectan esta pieza escrita tras la II Guerra Mundial con el momento actual, según Rafel Duran, director del montaje.

LOS INTÉRPRETES

La gran Míriam Iscla (que – lamentablemente – no pudo asistir a la rueda de prensa) interpreta a Galatea (y que según me indicaron, en “top secret”, está magnífica en la obra), cuyo idealismo va de la mano del personaje de Jeremies, que interpreta Roger Casamajor, y se opone al de Samson, al que da vida Borja Espinosa.

Anna Azcona, Nausicaa Bonnín, Pep Ferrer, Jordi Llovet, Carol Muakuku, Quimet Pla, Santi Ricart y Ernest Villegas completan el reparto de ese montaje, el segundo sobre “Galatea” que acoge el TNC desde su fundación.

Anna Azcona destacó también que ésta era su “primera vez” como actriz en el Teatre Nacional de Catalunya. Realmente parece increíble pero nunca había tenido la oportunidad de trabajar en un montaje representado allí.
Como suele afirmar la gran Jane Fonda: “Nunca es demasiado tarde”.

MAMÁ MARÍA (Dir. Jean-Paul Salomé)

Texto: Yolanda Aguas

El pasado día 21 de abril tuve la oportunidad de ver “Mamá María” en el marco de la 5a edición del BCN FILM FEST-S. Jordi.

La película está protagonizada por la inmensa actriz Isabelle Huppert. Su nombre va asociado a los más importantes nombres del cine de autor: Claude Chabrol, Michael Haneke, Claire Denis, Michael Cimino, Hal Hartley o Hong Sang-soo.

Su filmografía abarca una innumerable capacidad de registros que sin embargo no incluye demasiadas interpretaciones en el humor. Una ausencia que cubre en parte con su personaje protagonista en ‘Mamá María’, una comedia dramática con toques de ‘thriller’ y vocación de llegar a un gran público del francés Jean-Paul Salomé.
La película es intrascendente, pero la presencia en ella de Huppert hace que valga la pena verla al menos una vez. Ella es la película y con esto creo que lo digo todo.

Isabelle Huppert es Patience Portefeux, una traductora del árabe al francés que, a sus cincuenta y pico años, empieza a inquietarse por el futuro próximo. En la brigada antinarcóticos donde trabaja, esquiva con dignidad las explosiones fugaces de violencia de detenidos y policías. Y apenas ha acabado de pagar las deudas que le dejó su marido ya muerto cuando la residencia donde ha tenido que ingresar a su madre (Liliane Rovère) la amenaza con echar a la anciana por impago de las últimas y muy desorbitadas mensualidades. En el tramo inicial del filme, Patience hace honor a su nombre y asume con estoicismo y los ojos un tanto vidriosos sus circunstancias. Pero, aunque no lo verbalice, en su cabeza empieza a fraguarse la posibilidad de una vida más llevadera. Y llega la oportunidad cuando menos lo esperaba.

Cuando descubre que el hijo de Khadidja (Farida Ouchani), la cuidadora de su madre en la residencia, está metido en uno de los chanchullos de drogas a los que su unidad hace seguimiento, decide echarles una mano. Su cambio no es repentino. A través de las conversaciones que ha mantenido con otros personajes, deducimos que Patience defiende a personas que, como le sucedió a su padre, inmigrante argelino, no lo han tenido fácil para conseguir un buen trabajo y se han buscado alternativas. Como le comenta ella misma a su jefe y amante, Philippe (Hippolyte Girardot), su progenitor decidió ganarse el sustento “con un tipo de negocios que no aprobarías”. Ella parece decidida ahora a seguir sus pasos.
La película apenas exprime el potencial de contar con una Isabelle Huppert que ejerce de reina del disfraz en un entorno criminal y multicultural. La intención del guión se limita a esperar que el simple hecho de ver a la Huppert de gran señora árabe negociando con pequeños traficantes resulte de por sí gracioso. Más interés (y diversión) tiene la relación que Huppert desarrolla con su vecina de origen chino, con la que acaba estableciendo una inesperada complicidad.
Isabelle Huppert lo llena todo y la película nos deja con el buen sabor de boca de que para una mujer, pasada la cincuentena, también tiene una segunda oportunidad.

ENCUENTRO DIRECTORES FOTOGRAFÍA: BCN FILM FEST

Texto y fotografías: Yolanda Aguas

La palabra fotografía se deriva de los términos griegos Phos que significa luz y Grafis escritura. La fotografía es la técnica de captar una imagen de forma permanente por medio de una cámara. En la actualidad gran porcentaje de la comunicación fluye gracias a imágenes.

ESCRIBIENDO CON LA LUZ (Coloquio BCN FILM FEST) se desarrolló en CASA SEAT el pasado día 21 de abril, a las 12 h. Asistieron como invitados:


Xavi Giménez e Isaac Vila de AEC, junto a Isabel Coixet y David Ilundain. Este encuentro estuvo moderado por la periodista y directora del BCN FILM FEST, Conxita Casanovas.

Isabel Coixet
Directora y guionista de películas como “La vida secreta de las palabras”, “Mi vida sin mí” o “La librería”.
Ganadora del Goya a Mejor Película y Mejor Dirección.

David Ilundain
Director y guionista de películas como “B” y “Uno para todos”.
Ganador del Premio Especial en los premios Feroz, y nominado al Goya por “B”.

Xavi Giménez
Director de fotografia de películas como “Luces rojas”, de Rodrigo Cortés, “Ágora” de Alejandro Amenábar, o “Contratiempo” de Oriol Paulo. Ganador de numerosos premios, entre ellos el Premio Goya a Mejor Fotografía por “Ágora” .

Isaac Vila
Director de fotografia de películas y series como “Bajocero” de Lluís Quílez o “El desorden que dejas”.

El coloquio duró, aproximadamente, 1 h 40 min.

EL SALTO DE DARWIN (Aut. Sergio Blanco)

Texto y fotografías (saludos finales): Yolanda Aguas

Fotografías de la obra: Esmeralda Martín

Darwin concluyó que “el ser humano paró la antigua ley selectiva, la del triunfo de los más aptos y la eliminación de los más débiles, para establecer un sistema de conductas solidarias de entreayuda y protección que constituyen el corazón de la civilización”.

El tandem creativo entre el autor Sergio Blanco y la excelente (actriz, gestora cultural y directora escénica) Natalia Menéndez se está convirtiendo en garantía, no sé si de éxito seguro pero sí de propuesta artística de primer orden. Sergio Blanco (Ostia, Tebas Land, El bramido de Dusseldorf), vuelve a demostrar con “El salto de Darwin” que es una de las voces más importantes de los últimos años en la dramaturgia internacional.

Escribo este artículo nada más salir de la representación – viernes 16 de abril – en el Teatro Principal de Zaragoza. Si tuviera que definirla en una sola frase creo que sería : “El salto de Darwin” es una road teatral impregnada maravillosamente por otra road emocional en forma de banda sonora”. Si el texto es magnífico, no lo es menos la música elegida (años 70’s y 80’s) para hacer de ella una auténtica delicia. Escuchar temas como: Hotel California de los Eagles o Sin tu latido de Luis Eduardo Aute ayudan, ¡y de qué manera¡ a conmover profundamente al espectador.

El autor sitúa la acción en junio de 1982 en forma de una tragicomedia. Se trata de un viaje, tanto real como emocional, de una familia argentina muy singular (padre, madre, hija y su novio), que recorre durante tres días en un Ford Falcon, al que lleva enganchada una roulotte, más de 3 000 kilómetros para llegar hasta la localidad de Puerto Darwin, un lugar situado en el extremo sur argentino, en la misma frontera donde se desarrolló el conflicto de las Malvinas para esparcir allí las cenizas del hijo que ha perdido la vida combatiendo a las tropas invasoras de Gran Bretaña.

Esa particular road teatral de la familia la recorre también el espectro del hijo muerto cuya vuelta espera con fe esa Madre que deja siempre encendida una luz que le sirva de faro. Preciosa escena onírica entre madre e hijo bailando, sin duda simbolizando el anhelo que todos tenemos por tener la oportunidad para despedirnos de nuestros seres más queridos. Tema que no puede ser más actual, muchos de nosotros ni siquiera hemos podido decir adiós a quienes han fallecido durante esta terrible pandemia.

En el apartado técnico-artístico, Natalia Menéndez reúne a grandes profesionales: Mónica Boromello ha construido el espacio escénico (un gran panel al fondo con forma de glaciar, el viejo Ford en primer término, y la roulotte y una mesa y unas sillas de camping); Juan Gómez Cornejo ha iluminado magistralmente los saltos temporales de luz en esos tres días de viaje (especialmente la conmovedora escena final); Luis Miguel Cobo ha puesto la música original con el acierto de siempre; el gran Antonio Belart ha vestido con realismo a los personajes, y Álvaro Luna ha diseñado la videoescena para que el espectador acompañe en el viaje a la familia protagonista.

En el apartado interpretativo, Natalia Menéndez se ha rodeado de excelentes intérpretes. Goizalde Núñez (muy convincente en esa Madre rota de dolor por la muerte del hijo), Jorge Usón ( el Padre, eclipsado quizá por la fuerte personalidad de su esposa, pero lleno de bondad. Da gusto disfrutar de su presencia y su impresionante y bella voz), Olalla Hernández (Hija, y también la narradora de esta historia), Juan Blanco (Novio), Cecilia Freire (maravillosa e impecable interpretación como Kassandra, una chica transexual que se prostituye para sobrevivir, y que fue novia del hijo, ) y Teo Lucadamo (el Hijo asesinado en las Malvinas). Todos ellos muy bien en sus respectivos cometidos.

Quizá, y afilando mucho mi opinión, hay un momento del texto que creo innecesario: el pequeño monólogo del novio en el que nos explica la historia de Darwin. En los últimos años he asistido a varias representaciones en las que sus respectivos autores tienden a “explicar demasiado” – con monólogos – el sentido de sus obras. También lo han hecho autores muy consagrados, por poner un ejemplo, Albert Camus en el monólogo final de “El inconveniente”, por cierto tan brillantemente interpretado por Cayetana Guillén Cuervo. Creo que el público es capaz por sí solo de sacar sus propias conclusiones y estaría muy bien que los autores lo tuvieran en cuenta.

Quienes asistan a esta función encontrarán, a partes iguales, dolor, humor, amor y desesperación, en un texto narrativo que Natalia Menéndez (cada día con más magisterio escénico) ha sabido dirigir de forma muy brillante y precisa.

RdP “EL SALTO DE DARWIN” en el T. PRINCIPAL

Fotografía: Yolanda Aguas

En la mañana del miércoles 14 de abril, se ha presentado en el Teatro Principal de Zaragoza la obra de Sergio Blanco “El salto de Darwin”.  Con la presencia de su directora, la maestra Natalia Menéndez, y varios actores del reparto: Jorge Usón, Cecilia Freire, Olalla Hernández y Goizalde Núñez, el Gerente del Teatro Principal, José María Turmo ha destacado la calidad de este montaje y el éxito que está obteniendo en su ya extensa gira por el territorio nacional.

Se podrá ver en el Teatro Principal de Zaragoza en cuatro funciones programadas para los próximos días 15, 16, 17 y 18 de abril, que comenzarán a las 19.00 horas.

El salto de Darwin viene a alertarnos de que la condición humana puede en cualquier instante regresar como especie a un estado animal. En las road movie los personajes siempre parten de sus casas buscando un mundo mejor ¿una tierra prometida?, para construir una vida mejor: a esto mismo nos invita El salto de Darwin.

Saber entonces que este texto que significa mi reconciliación con mi lengua materna va a ser representado en Madrid, que es el lugar geopolítico por excelencia de este hermoso idioma, es para mí algo profundamente conmovedor. El español es la única lengua en donde la palabra paz tiene como última letra aquella letra que cierra todos los alfabetos: nuestra lengua ha comprendido a la perfección que la paz es lo único que cierra y pone un fin definitivo al horror que es la guerra. Seguramente es por eso que esta obra solo la podía escribir en esta lengua.

Sergio Blanco

Salto. Quiero seguir saltando. Desde todos los lugares posibles, de todas las maneras que puedo y pueda ofrecer. Apuesto por la teoría de Darwin, toda mi vida he creído en ella. Por eso hoy aporto El salto de Darwin, de Sergio Blanco.

Esta road teatro? que nos lleva de la comedia a la tragedia, que nos enseña la ingenuidad y la perversidad humana, de lo más conmovedor a lo más detestable del ser humano, me atraviesa de tal manera y me conmueve tanto, que siento la necesidad de montarla. Me interesa todo lo que de ella rezuma, el estudio que su autor hace de los porqués de la guerra, que empieza como un juego y que se va pervirtiendo o que ya estaría en nosotros, en esos animales llamados humanos. Al mismo tiempo, se desarrolla una petición de paz con sus saltos, con su ternura, con sus detalles, con su amor por la diferencia, con la compasión y el entendimiento hacia el otro, con un deseo muy concreto de evolución del ser humano. Que esa evolución sea hacia el salto de Darwin. Eso es lo que me hace apostar firmemente por esta completa, lúcida y apasionante obra.

Humor y dolor atraviesan los personajes sin avisar. En un minuto pasamos de la risa al llanto, porque el tiempo es y no es, no existe, es siempre. Porque la Guerra ha sido siempre. Porque la Paz es siempre.

Natalia Menéndez

El salto de Darwin sucede el segundo fin de semana del mes de junio de 1982, durante el cual se libra la última batalla de la Guerra de las Malvinas, que culmina con la rendición del 14 de junio. Toda la acción se desarrolla en distintos paisajes de la Ruta Nacional N°40, que recorre Argentina de norte a sur. Cada una de las escenas transcurre en torno a un Ford Falcon del año 1971, en el cual el Padre, la Madre, la Hija y su Novio atraviesan el país para esparcir las cenizas del hijo recientemente asesinado en la batalla que ha tenido lugar en la localidad de Puerto Darwin. Dicho Ford Falcon remolca una pequeña caravana con capacidad para cuatro personas, sobre cuyo techo es posible ver al Espectro del Hijo Muerto que, con su guitarra eléctrica, entona diferentes temas musicales de los años 80. Cada vez que lo hace -y a medida que la ruta se aproxima al sur-, un viento suave empieza a levantarse. El mismo viento que viene de Beirut, Saigón, Bagdad, Kabul, Kosovo, Troya… El mismo viento que finalmente terminará trayendo una vez más a Kassandra.

Una coproducción del Teatro Español y Entrecajas en colaboración con el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid.

NOMADLAND (Dir. Chloé Zhao)

Texto: Yolanda Aguas

En Nomadland, dirigida por Chloé Zhao, se lleva a la pantalla las consecuencias de la crisis que asoló al mercado inmobiliario e incrementó el precio de los alquileres en Estados Unidos, lo que dejó a miles de ciudadanos, literalmente, en la calle.

La película presenta el drama de muchas personas que decidieron que una casa propia era sinónimo de hipoteca, deudas a perpetuidad y que la fortuna no les quitaba el sueño, al contrario, se los nublaba.
Otros, simplemente, no tuvieron más opción que una casa rodante, como aquellos hombres y mujeres jubilados, o en edad de hacerlo, que perdieron sus viviendas como consecuencia de la Gran Recesión de 2008. La crisis fue tan impresionante que se comparó con la de 1929. Incluso algunos adujeron que la superó y se convirtió en la peor crisis de la historia cuyas consecuencias permanecen. Todo explotó con la ruina del banco de inversión Lehman Brothers. Como una torre de naipes, la economía de Estados Unidos se fue derrumbando y afectando a las economías de otros países.

Frances McDormand (magnífica en su interpretación) da vida a la historia de Fern, una mujer que perdió a su esposo y su vivienda tras la crisis. Obligada por las circunstancias, se integra a la comunidad nómada que se traslada en caravana por el oeste en furgonetas para tomar nuevos trabajos de temporada, como en el almacén de Amazon. En su casa rodante, Fern lleva sus más preciadas pertenencias y recuerdos, entregándose poco a poco una nueva vida de desprendimientos, sin grandes posesiones, pero mucha calidad humana. En el camino, Fern siente el cariño de sus compañeros de viaje quienes le enseñan sobre la vida de los nómades y comparten con ella sus historias.

Una película muy necesaria.

RdP “GALDÓS ENAMORADO” en el TEATRO PRINCIPAL

Texto y Fotografías: Yolanda Aguas


Con la presencia del Gerente del Patronato de artes escénicas y de la imagen, José María Turmo, y los actores EMILIO GUTIÉRREZ CABA y MARÍA JOSÉ GOYANES, se ha presentado la comedia teatral ‘Galdós enamorado’, de Alfonso Zurro.

Es una obra que versa sobre la relación sentimental y epistolar que mantuvieron Benito Pérez Galdós (Emilio Gutiérrez Caba) y Emilia Pardo Bazán (María José Goyanes). Se representará en el Teatro Principal de Zaragoza desde este jueves 8 de abril hasta el día 11 de este mismo mes.

‘Galdós enamorado’ es una comedia llena de intriga que no pretende ser una biografía de estas dos grandes personalidades literarias, sino tejer una trama sobre su mutua admiración y enamoramiento. La ficción se ha basado en la correspondencia que ambos se intercambiaban, aunque solo se conservan las cartas que escribió doña Emilia. “Todo se olvida cuando te subes a un escenario”, ha dicho en rueda de prensa la actriz que encarna a Pardo Bazán, María José Goyanes, quien ha definido a los dos personajes como “fascinantes”.

Sobre la relación de las dos figuras literarias, Goyanes ha dicho que cree que “se amaron locamente” y que en el contraste de sus personalidades es donde residía la “atracción y admiración” que sentían el uno por el otro.
El actor Emilio Gutiérrez Caba ha afirmado que los actores le deben a Galdós “piezas estupendas” y el teatro, por su parte, le debe también “un gesto de gratitud” y de “homenaje muy sincero”.

Goyanes ha manifestado que Zaragoza es uno de los teatros que “más nerviosa” le ponen, aunque actuar en esta ciudad le trae muchos recuerdos de su familia y es para ella como “volver a casa”. Gutiérrez Caba ha coincidido con la actriz ya que, según ha dicho, siente por “Zaragoza un cariño entrañable”.

El espectáculo, que está recomendado para todos los públicos, dará comienzo los cuatro días a las 19.00 y el precio de sus entradas oscilará entre los 5 y los 25 euros, con la función del jueves bonificada.

LOS TRADUCTORES (Dir. Régis Roinsard)

Texto: Yolanda Aguas


Nueve traductores, de nueve nacionalidades diferentes, son contratados para traducir el último libro de una trilogía, para lo que deberán permanecer en un búnker de lujo sin contacto con el mundo exterior. Entonces, las primeras diez páginas del manuscrito aparecen publicadas online, y el trabajo soñado se convierte en una pesadilla, pues el ladrón debe ser uno de ellos y el editor hará lo que sea necesario para desenmascararle.

‘Los traductores’, dirigida por Régis Roinsard es una historia que sin duda está inspirada en las novelas de Agatha Christie y que nos adentra en una investigación dentro de un búnker. Pero a diferencia de estas novelas, no vamos a intentar averiguar quién ha asesinado a alguien sino quien ha filtrado una novela.


Estamos ante una película de las llamadas “entretenidas”, protagonizada por algunos excelentes actores y actrices europeos.


Simplemente para pasar el rato…

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

NUEVO ORDEN (Dir. Michel Franco)

Texto: Yolanda Aguas

Lo que empieza siendo una fabulosa boda que reúne a muchas de las familias más pudientes de México, termina siendo una auténtica guerra civil entre clases cuando un grupo de manifestantes toman el control de la casa de Marian (Naian González Norvind), la novia. Las protestas, a nivel nacional, desencadenan un golpe de estado que pretende derrocar un injusto sistema político e imponer un nuevo orden.

No es casualidad que la última película de Michel Franco se titule como la teoría de la conspiración acerca del Nuevo Orden Mundial, la cual afirma la existencia de un plan diseñado para crear un gobierno único que funcionaría a nivel mundial y controlado por sectores elitistas.

Una de las cosas que más ha llamado la atención de la película Nuevo orden es la poca censura, por no decir nula, en las escenas de violencia. Franco ha sido lo más explícito posible, lo cual ha generado un gran impacto hasta el punto de originar polémicas incluso antes de su estreno en cines. Seguramente, si la película no mostrara tanta brutalidad no hubiera tenido el mismo impacto social y político. A todo esto debemos añadir las buenas interpretaciones del elenco principal.

Evidentemente, si hay algo que funciona como motor en la película Nuevo orden es el choque de clases sociales, presente en todo momento, ya sea de una forma u otra. Escrita, dirigida, producida y editada por Michel Franco, Nuevo orden es una película visceral, impactante y anárquica que lanza un fuerte mensaje de advertencia.

El primer acto de la película Nuevo orden (2020) transcurre en la casa de los Novello, en la cual se está celebrando la boda de Marian y su prometido Alan (Darío Yazbek Bernal). Sabemos de los altercados y las revueltas de forma indirecta: el agua verde que sale del grifo del baño, los coches que llegan manchados de pintura verde o los ruidos que se oyen a lo lejos de los manifestantes. Franco nos introduce de forma sutil, ya que todavía no ha aparecido nada en pantalla, que algo grande está a punto de suceder.  Es a partir del segundo acto que el ruido y la violencia irrumpen de golpe en la película cuando varios de los manifestantes asaltan la casa de los Novello. Sin ningún tipo de filtro, las armas, la violencia y la sangre serán las protagonistas.  En el tercer y último acto, Franco nos muestra el resultado de este golpe de estado, el cual podría interpretarse como su vaticinio, casi una profecía, de lo que podría llegar a suceder si realmente se llevara a cabo una lucha entre clases sociales y se implantara un nuevo orden. Tal como declaró en una entrevista, su intención era “hacer una radiografía de la sociedad mexicana” y mostrar en esta distopía “cómo se utiliza el miedo y la miseria para controlar a los ciudadanos con fines políticos”.

Los personajes de Marian, interpretado por Naian González Norvind, y de Cristian, interpretado por Fernando Cuautle, son puramente vehiculares, pues vamos a vivir la película desde su punto de vista. Ella, en el papel de la novia y perteneciente a la pudiente familia de los Novello, es la única de los allí presentes que parecer saber el significado de caridad. Y será eso lo que la llevará a verse envuelta de primera mano en las revueltas, acompañada de Cristian, un joven muchacho que trabaja para la familia de ésta. Ambos serán personajes clave dentro de este filme que representarán los dos bandos de las clases enfrentadas.

Una película con un mensaje tan potente, tanto social como político. Nos encontramos ante 88 minutos de metraje que, aunque parezcan escasos, son más que suficientes para hacernos reflexionar durante un buen rato.

Muy interesante trabajo de Michel Franco, no se la pierdan.