PERLAS (#66SSIFF), por Cinet Farö

Los últimos trabajos de Jacques Audiard, Damien Chazelle, Alfonso Cuarón, Mamoru Hosoda, Nadine Labaki, Spike Lee y Jia Zhangke competirán por el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián

La ópera prima de Bradley Cooper como director clausurará Perlak

Diez nuevas películas se incorporan a la competición por el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián. La selección de Perlak incluirá los últimos trabajos de Jacques Audiard, Damien Chazelle, Alfonso Cuarón, Lukas Dhont, Ciro Guerra y Cristina Gallego, Mamoru Hosoda, Nadine Labaki, Spike Lee y Jia Zhangke. Además, la ópera prima de Bradley Cooper como director clausurará la sección.

Jacques Audiard (París,1962), que ya estuvo en San Sebastián con Un prophète / A Prophet (Un profeta, 2009), nominada al Oscar a la mejor película extranjera, presentará The Sisters Brothers, que se estrenará en el Festival de Venecia. Este western basado en la novela homónima de Patrick de Witt está protagonizado por Jake Gyllenhaal, Joaquin Phoenix y John C. Reilly, quien también se ha involucrado en la producción.

La nueva película del ganador del Oscar al mejor director el año pasado, Damien Chazelle (Providence, Estados Unidos, 1985), vuelve a dirigir en First Man (First Man – El primer hombre) a Ryan Gosling, que encarna a Neil Armstrong, el primer astronauta que pisó la Luna. La película del creador de La La Land (La ciudad de las estrellas [La La Land]), en la que también actúa Claire Foy (The Crown), inaugurará Venecia.

Alfonso Cuarón (México DF, 1968) compitió en la Sección Oficial de San Sebastián con su segunda película, A Little Princess (1995). Desde entonces ha ganado un Oscar a la mejor dirección por Gravity y sus películas Y tu mamá también y Children of men (Hijos de los hombres) han obtenido un amplio éxito internacional. Con Roma, que se estrenará en Venecia, retrata la vida de una empleada doméstica que trabaja en un barrio de clase media de Ciudad de México a principios de los 70.

En A Star is Born (Ha nacido una estrella), esta nueva versión de la trágica historia de amor, Bradley Cooper (Philadelphia, Estados Unidos, 1975) debuta en la dirección y encarna a un músico curtido que descubre a una artista en apuros, interpretada por Lady Gaga, de la que se enamora. Ella acaba de abandonar su sueño de convertirse en una cantante de éxito hasta que conoce a Jack, que percibe enseguida su talento innato. Esta historia íntima traslada al espectador a un viaje a través de la belleza y los desafíos de una relación que lucha por sobrevivir. Tras su paso por Venecia, clausurará la sección Perlak en San Sebastián.

También Lukas Dhont (Bélgica, 1991) presentará su primer largometraje en San Sebastián, Girl, que obtuvo la Cámara de Oro a la mejor ópera prima de Cannes y el Premio Fipresci de Un Certain Regard. Dhont cuenta la historia de una joven que nació siendo niño y que sueña con convertirse en bailarina.

Ciro Guerra (Río de Oro, Colombia, 1981) comparte la dirección de Pájaros de verano con Cristina Gallego (Bogotá, 1978), productora de sus películas anteriores. Guerra inició su trayectoria en Cine en Construcción donde fue premiada en 2003 su ópera prima, La sombra del caminante. Su tercera película, El abrazo de la serpiente, proyectada en Horizontes Latinos, fue nominada al Oscar a la mejor película extranjera. En Pájaros de verano explica, a través de una historia real, el origen del narcotráfico en Colombia.

La primera película de animación que compitió en la Sección Oficial de San Sebastián fue Bakemono no ko / The Boy and the Beast (2015), de Mamoru Hosoda (Nakaniikawa, Japón, 1967). El autor de Toki wo kakeru shojo (La chica que saltaba a través del tiempo, 2006) y Okami Kodomo no Ame to Yuki (Wolf Children, 2012) presenta ahora en San Sebastián Mirai (Mirai, mi hermana pequeña), que fue estrenada en la Quincena de Realizadores de Cannes.

Las participaciones de Nadine Labaki (Beirut, 1974) en San Sebastián se cuentan por premios. En 2007, con su debut como realizadora Sukkar banat / Caramel, obtuvo el Premio del Público y de la Juventud, y en 2011, con su segunda película, Et maintenant on va où? / Where Do We Go Now? (¿Y ahora adónde vamos?), fue elegida como mejor película europea por los espectadores. Con Capharnaüm (Cafarnaúm), que obtuvo el Premio del Jurado en Cannes, aspira de nuevo al Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián.

Aunque sus películas han sido programadas dentro de distintas retrospectivas –When the Levees Broke: A Requiem in Four Acts en .doc Nuevos caminos de la no ficción y Summer of Sam  (Nadie está a salvo de Sam) en American Way of Death: Cine negro americano 1990-2010– y el filme colectivo Ten Minutes Older. The Trumpet formó parte de la selección de Especiales Zabaltegi, es la primera vez que una película de Spike Lee (Atlanta, Estados Unidos, 1957) competirá por un premio en San Sebastián.

El autor de Malcolm X, galardonado con el Oscar y el César honoríficos, aspira al Premio del Público con BlacKkKlansman (Infiltrado en el KKKlan)una comedia dramática sobre un policía afroamericano que se infiltra en el Ku Klux Klan, que ha obtenido el Gran Premio del Jurado en Cannes y el Premio del Público en Locarno.

Jia Zhangke (Fenyang, China, 1970), en cambio, ha disfrutado de una amplia presencia en el Festival en los últimos años. En 2013 ganó el premio al mejor guion en Cannes por Tian zhu ding / A Touch of Sin (Un toque de violencia, 2013), que fue proyectada en Perlak, la misma sección en la que fue seleccionada en 2015 Shan he gu ren (Mountains May Depart), que obtuvo el Premio del Público a la mejor producción europea. Su cortometraje The Hedonistsfue proyectado en Zabaltegi-Tabakalera en 2016, el mismo año en el que integró el jurado oficial presidido por Bille August, que concedió la Concha de Oro a Wo bu shi pan jinlian / I Am Not Madame Bovary (Yo no soy Madame Bovary), de Xiaogang Feng.

Ahora intentará volver a conseguir el galardón de los espectadores con Ash is Purest White, película seleccionada en la competición oficial de Cannes, en la que describe los cambios que están transformando su país a través de una violenta historia de amor.

Estas películas se suman a las ya anunciadas en Perlak: El ángel (Luis Ortega), Petra (Jaime Rosales), Leto / Summer (Kirill Serebrennikov), Zimna wojna / Cold War (Pawel Pawlikowski), Un día más con vida / Another Day of Life (Raúl de la Fuente y Damian Nenow), Netemo Sametemo / Asako I & II (Ryusuke Hamaguchi) y 3 Rokh / Three Faces (Jafar Panahi).

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NOTA: Las fotografías y el texto de este artículo proceden de la web oficial del #66SSIFF.

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HORIZONTES LATINOS (#66SSIFF), por CineT Farö

Doce películas producidas, dirigidas o ambientadas en América Latina competirán por el Premio Horizontes. Las herederas (Marcelo Martinessi), que inaugurará la sección, Familia sumergida (María Alché), La noche de 12 años (Álvaro Brechner), Figuras (Eugenio Canevari), Cómprame un revólver (Julio Hernández Cordón), Enigma (Ignacio Juricic Merillán), Sueño Florianópolis (Ana Katz), Ferrugem / Rust (Aly Muritiba), Nuestro tiempo (Carlos Reygadas), Marilyn (Martín Rodríguez Redondo), Los silencios (Beatriz Seigner) y El motoarrebatador(Agustín Toscano) componen la selección de Horizontes Latinos de la 66 edición del Festival de San Sebastián.

María Alché (Buenos Aires, 1983) protagonizó en 2004 La niña santa, de Lucrecia Martel. Tras dirigir cortometrajes  exhibidos y premiados en festivales como Locarno, Rotterdam, BAFICI o Toulouse,  Familia sumergida, su primer largometraje, fue seleccionado por Cine en Construcción en San Sebastián el año pasado y se proyectó en la sección Cineasti del Presente del reciente Festival de Locarno.

El año pasado, Ferrugem / Rust, del guionista, productor y director, Aly Muritiba (Mairi, Brasil, 1979), una historia de dos compañeros de clase, un viaje escolar y un vídeo compartido, ganó en 2017 el Premio de la Industria Cine en Construcción y este año fue seleccionado en la World Cinema Dramatic Competition de Sundance. El anterior largometraje de Muritiba, Para minha amada morta / To My Beloved (Cine en Construcción 26), ganó el Global Filmmaking Award en Sundance y fue también proyectado en Horizontes Latinos.

La obra de Carlos Reygadas (México D.F., 1971) ha tenido siempre una gran acogida en festivales internacionales: en 2002 Japón recibió una mención especial en la categoría de óperas primas en Cannes; con Stelle Licht (Luz silenciosa) obtuvo el Premio del Jurado en 2007 en el festival francés; y Post Tenebras Lux recibió el premio al mejor director en 2012 de nuevo en Cannes y fue seleccionado en Horizontes Latinos. Ahora proyectará su última película, Nuestro tiempo, que será estrenada en la sección oficial de Venecia.

Álvaro Brechner (Montevideo, 1976) escribió y dirigió en 2009 su primer largometraje, Mal día para pescar, presentado en la Semaine de la Critique del Festival de Cannes. El segundo, Mr. Kaplan (2014), fue candidato al Goya a la Mejor Película Iberoamericana. El proyecto de la tercera, La noche de 12 años, recibió una Mención Especial del Foro de Coproducción del Festival en 2015 (bajo el título Memorias del calabozo). Este largometraje, que describe el macabro experimento que la dictadura militar uruguaya perpetró contra el movimiento guerrillero de los tupamaros, se presentará en la sección Orizzonti del Festival de Venecia.

El primer largometraje de Julio Hernández Cordón (Raleigh, Estados Unidos, 1975), Gasolina, mereció el Premio Cine en Construcción de la Industria en 2007 y el Premio Horizontes en 2008. En 2015 compitió en Locarno con Te prometo anarquía y  participó en Horizontes Latinos. Cómprame un revólver, una distopía ambientada en un México en el que las mujeres están desapareciendo, fue presentada en la Quincena de Realizadores de Cannes.

Ana Katz (Buenos Aires, 1975) debutó como directora con El juego de la silla (2002), que participó en Cine en Construcción 2 y obtuvo una mención especial en Made in Spain. Al año siguiente, en 2003, fue jurado de Zabaltegi-Nuevos Directores. Una novia errante (2007) ganó el Premio de la Industria de Cine en Construcción y se estrenó en Un Certain Regard de Cannes. Los Marziano formó parte de la Sección Oficial de San Sebastián en 2011 y en 2014 volvió a formar parte de Cine en Construcción con Mi amiga del parque, que obtuvo el Premio del Jurado al mejor guion en Sundance en 2016. Su último trabajo, Sueño Florianópolis, recibió en Karlovy Vary el premio FIPRESCI, el Especial del Jurado y el premio a la Mejor Actriz (Mercedes Morán), que interpreta junto a Gustavo Garzón a un matrimonio que se ha separado pero sigue yéndose de vacaciones junto a sus hijos adolescentes.

Tras participar con sus cortos en Berlín y Venecia, Marcelo Martinessi (Asunción, 1973) compitió en la Berlinale con su primer largometraje, Las herederas, que cosechó el Premio Alfred Bauer -que reconoce a la película que abre nuevas perspectivas en el arte cinematográfico-, el Oso de Plata a la mejor actriz (Ana Brun) y el Premio FIPRESCI, entre otros. En San Sebastián su historia sobre dos mujeres que llevan 30 años viviendo juntas recogerá el Premio Sebastiane Latino en el primer pase de la película, que inaugurará la sección.

El primer largometraje del actor, guionista y director Agustín Toscano (San Miguel de Tucumán, Argentina, 1981), Los dueños, codirigido con Ezequiel Radusky, obtuvo una mención especial de la Semana de la Crítica en 2013. El motoarrebatador, su segundo film, en torno a un ladrón que hiere gravemente a una mujer, fue seleccionado en el Foro de Coproducción del Festival en 2015 y se estrenó en la Quincena de Realizadores.

Marilyn, el primer largometraje de Martín Rodríguez Redondo (Buenos Aires, 1979), fue seleccionado en el Foro de Coproducción en 2014, ganó el Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos en Cine en Construcción de Toulouse en 2017 y se estrenó en la sección Panorama del pasado Festival de Berlín. Marilyn cuenta las vivencias de un peón de campo de 17 años que descubre su sexualidad en un ambiente hostil.

Los primeros pasos del cineasta argentino Eugenio Canevari tienen un estrecho vínculo con San Sebastián: su cortometraje Gorila Baila formó parte en Nest. Film Students y Paula, su ópera prima, fue seleccionada en Cine en Construcción en 2014 y se estrenó en Nuev@s Director@s en 2015. Su segundo largo, Figuras, aborda la historia de una inmigrante argentina en España que sufre ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica).

Beatriz Seigner debutó tras la cámara en 2009 con Bollywood Dream, la primera coproducción entre Brasil e India, que fue seleccionada en más de veinte festivales internacionales. También ha dirigido la película de no ficción Between Us, A Secret, coescrita con Walter Salles, que se encuentra en fase de posproducción. Los silencios, que ganó el Premio Cine en Construcción 33 y el Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos y se estrenó en la última Quincena de Realizadores de Cannes, se sitúa en una pequeña isla en mitad de la Amazonia, adonde llega una familia huyendo del conflicto armado colombiano.

Enigma, procedente de Cine en Construcción de Toulouse, es el primer largometraje de Ignacio Juricic Merillán, que se centra en una mujer que recibe una propuesta de un programa de televisión para que cuente la historia del asesinato de su hija, lo que la enfrentará a su familia y a las versiones que cada uno alberga sobre lo sucedido.

Las ocho primeras y segundas películas de la selección (Familia sumergidaFerrugem / RustLas herederasEl motoarrebatador, Marilyn, Figuras, Los silencios y Enigma) aspiran también al Premio de la Juventud.

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NOTA: Las fotografías y el texto de este artículo proceden de la web oficial del #66SSIFF.

 

LA CÁMARA DE CLAIRE (Dir. Hong Sang-soo), por Yolanda Aguas

Durante un viaje de negocios al Festival de Cannes la joven Manhee (Kim Min-hee), asistente de ventas de una distribuidora, es despedida por su jefa acusada de ser deshonesta, pero en el fondo por una cuestión de celos. Por suerte, conocerá allí a una profesora llamada Claire (Isabelle Huppert), que hace fotos con su cámara Polaroid. Cada una de ellas tiene una peculiar visión de la vida, y juntas lograrán entender sus mundos.

El director rodó esta película en pocos días, durante el Festival de Cannes de 2016, y un año después fue presentada en dicho festival en la Sección oficial fuera de concurso.

En La Cámara de Claire, el director coreano nos cuenta de forma paradójicamente sencilla una historia de celos, desamor, alcoholismo, machismo y sororidad (es un concepto feminista usado desde hace un tiempo y que es un calco del inglés. Significa el apoyo entre mujeres o a la hermandad entre mujeres con respecto a las cuestiones sociales de género).

Junto a estos temas, se tratan otros que giran en torno al mundo del cine. Por un lado se representa el tópico de los directores alcohólicos que se acuestan con mujeres jóvenes a su cargo y que viven obcecados en sí mismos. Por otro lado, Hong Sangsoo reflexiona sobre lo que implica para él mismo hacer cine, como bien se muestra en el personaje de Claire, una especie de reflejo de la mirada y el pensamiento del director coreano. Todo esto es contado de forma ligera en unos escasos 69 minutos de duración, que evitan que el argumento se alargue innecesariamente.

Ver “La cámara de Claire” es una buena forma de acercarse al cine coreano por ser una película accesible que no exige mucho al espectador con cierto nivel cinematográfico, gracias al hecho de no poseer una gran carga simbólica o una historia llena de matices en la que perderse. Pero debemos advertir que resulta a veces muy naíf, lo cual la beneficia al hacerla una película ligera y divertida. Y cuando intenta ser profunda, parece perderse en reflexiones más propias de un estudiante de cine que de un cineasta de la talla de Hong Sangsoo.

Los diálogos entre los personajes coreanos parecen reales y son interesantes. Pero cuando hablan en inglés con Claire resultan a veces forzados y un poco insoportables al tratarse muchas veces de diálogos en los que se tiende a la reiteración. Se puede pensar que estas repeticiones son un reflejo del deseo de comunicarse de dos personas de mundos e idiomas completamente diferentes, lo cual es un acierto, pero a la vez hace que la película se torne en ciertos momentos aburrida.

Isabelle Huppert asume un registro inusual en ella, apenas tiene matices, pero lo defiende con la maestría de siempre.  Kim Min-Hee (que recordarán por su brillante interpretación en ‘La doncella’) vuelve a estar magnífica, mientras que el veterano Jim-young Jun (encarnando a un cineasta descentrado) aporta el toque más serio en el apartado de las interpretaciones.

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NOTA: Las fotografías insertadas son propiedad de sus autores.

 

MURIEL BOX (Retrospectiva #66SSIFF), por CineT Farö

La retrospectiva de la 66 edición del Festival de San Sebastián ofrecerá los 28 largometrajes que Muriel Box (Surrey, Inglaterra, 1905- Londres, 1991) escribió y dirigió.

Box se caracterizó a lo largo de toda su obra como escritora y directora, desarrollada entre 1945 y 1964, por tratar temas complejos y prohibidos –como la prostitución, el abuso de menores, el aborto, los hijos ilegítimos o el sexo en la edad adolescente–, de manera muy clarividente y valiente teniendo en cuenta el contexto social y político en el que se produjeron aquellas películas. Su aportación en relación a estas temáticas es fundamental en el cine inglés de los años cincuenta y la primera mitad de los sesenta.

Como ocurre con las estadounidenses Dorothy Arzner –objeto de una retrospectiva en el Festival de San Sebastián de 2014– e Ida Lupino, la revisión actual de su filmografía parece esencial para establecer un discurso feminista y una reivindicación del importante papel de las realizadoras en distintos contextos y cinematografías. Pese a gozar de un cierto prestigio cinéfilo, son pocos los estudios sobre su obra y apenas aparece reseñada en las historias generales del cine.

Muriel Box responde además al canon del cine independiente a pesar de trabajar con temáticas propias de los géneros clásicos y populares, como el melodrama, la comedia, el policíaco o el cine de época. Su obra como directora queda inscrita en un periodo de cambios en el cine británico, el de las comedias de la productora Ealing, la obra de otros independientes como Michael Powell y Emeric Pressburger y el nacimiento de la práctica documental crítica que derivaría en el Free Cinema.

Nacida el 22 de septiembre de 1905 en New Malden (Surrey, Inglaterra), con el nombre de Violette Muriel Baker, comenzó en el cine como script. En 1935 contrajo matrimonio con el escritor Sydney Box, con quien crearía cinco años después Verity Films, una productora destinada a financiar cortos de propaganda bélica durante la segunda guerra mundial. La hermana de Sydney, Betty Box –una de las productoras inglesas más influyentes de los cincuenta–, colaboró con ellos. Muriel realizó para Verity el corto The English Inn (1941).

Escribió varias obras de teatro con su marido destinadas a compañías amateurs. Cuando después de la guerra Sydney se convirtió en el director de Gainsborough Pictures, Muriel pasó a ser la responsable del departamento de guiones y codirigió The Lost People (1949), un drama de posguerra iniciado por Bernard Knowles y que ella completó en el sesenta por ciento de metraje, cuya acción se desarrolla en un teatro alemán donde dos soldados británicos custodian a varios refugiados.

En 1951, Sydney creó la compañía London Independent Producers, en la que Muriel pudo acometer argumentos que entonces no estaban bien vistos ni en el cine ni en la sociedad británica, casi siempre con guiones escritos por ella y su esposo. Lo hizo a partir de una mezcla entre mirada autoral y cine de género, y ese resulta uno de sus rasgos principales. Aunque gozó de ciertos privilegios, tuvo que enfrentarse a los prejuicios masculinos e incluso femeninos de la industria cinematográfica: un año antes, la actriz Jean Simmons presionó para que no fuera la directora de So Long at the Fair (Extraño suceso, 1950), dirigida finalmente por Terence Fisher y Anthony Darnborough. Muriel Box ha sido definida como una directora que se desanimaba fácilmente pero que era, a la vez, tenazmente ambiciosa.

Dirigió 14 largometrajes entre 1949 y 1964 –además de un cortometraje–, de entre los que destacan sus peculiares comedias románticas en torno a la guerra de sexos: To Dorothy a Son (Herencia contra reloj, 1954), interpretada por Shelley Winters y centrada en las tribulaciones de varios personajes para cobrar una herencia; Simon and Laura (1955), con Peter Finch y Kay Kendall en los papeles de una pareja de actores de la vida real que se convierten en protagonistas de un programa de la BBC; The Passionate Stranger (1957), con Ralph Richardson como el chófer que tiene una idea equivocada de su jefa, Margaret Leighton, después de leer la novela erótica que ha escrito ella; The Truth About Women (1957), en la que el personaje encarnado por Laurence Harvey revive sus coloristas y exóticas historias de amor en distintos continentes, y Rattle of a Simple Man (1964), el último film de la directora, en el que narra la relación entre un hincha de fútbol muy introvertido y una prostituta.

Brilló igualmente en el drama, con títulos como The Beachcomber (El vagabundo de las islas,1954), adaptación de una obra clásica de W. Somerset Maugham sobre alcohol, religión, puritanismo y epidemias; This Other Eden (1959), en el que afrontó el tema irlandés al relatar las tensiones en una pequeña ciudad donde se quiere erigir una estatua a un miembro del IRA, y Too Young to Love (1960), una historia de prostitución de menores y aborto ambientada en un juzgado estadounidense y con Thomas Mitchell como el veterano juez. También rodó curiosos relatos criminales: Street Corner (1953), de estilo semidocumental y sobre el trabajo diario de una mujer policía; Eyewitness (Testigo en peligro, 1956), centrado en una mujer que presencia un asesinato en un cine, es atropellada por un autobús y acosada después en el hospital por los criminales, y Subway in the Sky (1959), ambientado en el Berlín de posguerra y protagonizado por Van Johnson y Hildegarde Knef.

En 1946, Muriel ganó el Oscar al mejor guión original por The Seventh Veil (El séptimo velo), filme realizado por Compton Bennett y escrito en colaboración con su esposo. Fue la segunda mujer en obtener un Oscar al mejor guión después de Frances Marion, que lo había ganado dos veces, en 1930 y 1932. Antes de pasar a la realización participó como guionista o productora en películas de Terence Fisher, Compton Bennett y David MacDonald, entre otros directores británicos ilustres de los años cuarenta y cincuenta.

El ciclo se completará con la publicación de un libro sobre la directora y guionista, coordinado por Quim Casas y Ana Cristina Iriarte y que cuenta con artículos de Rachel Cooke, Hanna McGill, Eulàlia Iglesias y Carlos Losilla, entre otros autores.

La retrospectiva está organizada conjuntamente con Filmoteca Española y cuenta con la colaboración del Festival Lumière de Lyon, la Filmoteca del Institut Valencià de Cultura, la Filmoteca Vasca y el Museo San Telmo.

Después de su proyección en el Festival de San Sebastián, la retrospectiva podrá verse en Filmoteca Española, en Madrid, en el Festival Lumière, en Lyon, y en la Filmoteca del Institut Valencià de Cultura durante los meses de octubre y noviembre.

HAPPY END (Dir. Michael Haneke), por Yolanda Aguas

Happy End  fue duramente recibida por gran parte de la crítica en Cannes del año 2017.  Con cierto incomprensible retraso, se estrena ahora en los meses de verano (como si fuera una película menor, de ésas destinadas para entretener sin más pretensiones).

Esta película habla sobre una familia burguesa de Calais, donde los refugiados  no son más que convidados de piedra. En “Happy End”, el director austríaco ataca la podredumbre moral de la clase burguesa, y para ello se va colando en las grietas que resquebrajan la fachada de una familia de ricos industriales del norte de Francia.  El título, obviamente irónico, es una gran ironía del director.

Tras las dos Palmas de Oro, algo extraordinario, que obutvo por “La cinta blanca” (2009) y “Amor” (2012), este gran creador no logra cautivarnos con su última película.  Para quienes hemos seguido su filmografía, no cabe duda que es una auténtica decepción.  La película pasa la mayor parte de su metraje cociéndose a fuego lento y presentando a los diferentes miembros de la prole, y la sucesión de diferentes puntos de vista apenas deja espacio a las historias individuales.

Como de costumbre, Haneke está más interesado en ir creando una atmósfera que invita a pensar en los estallidos de violencia como algo inminente.  Haneke acumula líneas argumentales que no avanzan ni conectan de forma particular, y el resultado es una película que apuesta por la ambigüedad pero más bien se percibe incompleta.

Naturalmente, la presencia de la siempre magnética Isabelle Huppert y del gran Trintignant (en su último papel) hace que valga la pena ver la película.  Hagan lo que hagan estos dos geniales intérpretes siempre es interesante “asomarse” para disfrutar de ellos.

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MARY SHELLEY (Dir. Haifaa Al-Mansur), por Yolanda Aguas

Es un biopic sobre la autora de  Frankenstein  que narra la relación entre el poeta romántico  Percy Bysshe Shelley (Douglas Booth) y la joven Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning), que dio como resultado la escritura de una de las novelas más importantes de la literatura universal y que ahora cumple 200 años de su publicación.

La soledad, el amor, la muerte y la traición marcaron la vida de esta joven nacida en Londres en 1797. Hija del filósofo político, William Godwin y de la filósofa feminista, Mary Wollstonecraft, sufrió en primera persona cómo el simple hecho de ser mujer le impedía firmar la novela con su propio nombre

Será siempre recordada por ser la escritora que creó a Frankenstein. Criada por un filósofo de renombre (Stephen Dillane) en el Londres del siglo XVIII, Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning) es una adolescente soñadora decidida a dejar huella en el mundo. Un día conoce al brillante poeta Percy Shelley (Douglas Booth) con el que empezara una aventura amorosa marcada por la pasión y la tragedia, algo que transformará a Mary y la impulsará a escribir su obra maestra gótica.

La autora no tuvo una vida fácil, empezando por la muerte de su madre, la filósofa precursora del feminismo Mary Wollstonecraft durante el parto.  A eso hubo de sumar la pérdida de hijos y hermanas, la inestabilidad de su situación financiera y la divergencia de criterios entre su cabeza y sus vísceras en asuntos del corazón, el eterno debate. Contra la razón crítica, el sentimiento: absoluto romanticismo.

Precisamente, el movimiento intelectual al que perteneció Shelley es el ejemplo más claro de la idea que vertebra este ‘biopic’ sobre la escritora y, sobre todo, su obra cumbre, ‘Frankenstein o el moderno Prometeo’: la del reverso destructor de la creación, la del autor devorado por su obra.  Al menos así lo cuenta ‘Mary Shelley’, el segundo largometraje de ficción la directora saudí Haifaa Al-Mansur,  que debutó en 2012 con ‘Wadjda’. Desde el primer plano —se escucha una tormenta, se muestra un cementerio—, la cinta de Al-Mansur enumera todos los rasgos temáticos de la novela gótica del siglo XIX, pero se olvida del impulso, del arrebato de la creación romántica, con una propuesta demasiado contenida. Cada encuadre es un cuadro suntuoso y cautivador.

Como buen personaje del Romanticismo, la historia de Mary Shelley está llena de fantasmas. El principal, el de su difunta madre, quien había vivido fiel a sus ideas revolucionarias y que dejó tras de sí, además de una estela de admiración por el manuscrito “Vindicación de los derechos de la mujer” (1792), una reputación en la que entonces pesó más su disidencia de las convenciones sociales y maritales de la época.  La relación con Percy Shelley fue de lo más tortuosa. La concepción del amor libre que tenía el autor de ‘La reina Mab’ no era la misma que la de su esposa. Tampoco la intensidad con que interpretaban el papel de poetas decadentes. Y eso que por historial de desdichas ella tenía más meritos.

La interpretación principal corre a cargo de Elle Fanning, quizá de las mejores actrices de su generación.

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EL CINE ESPAÑOL EN #66SSIFF, por CineT Farö

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha acogido hoy la presentación de diecinueve películas de producción española que podrán verse en la 66 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que se desarrollará entre el 21 y el 29 de septiembre. José Luis Rebordinos, director del Festival, y Ruth Pérez de Anucita, responsable de Comunicación, han desvelado los títulos que se presentarán en la Sección Oficial, New Directors, Zabaltegi-Tabakalera y Perlak.

Icíar Bollaín (Madrid, 1967) competirá por tercera ocasión por la Concha de Oro con Yuli, tras presentar en la Sección Oficial Te doy mis ojos (2003), que se saldó con dos Conchas de Plata para sus protagonistas, Laia Marull y Luis Tosar, y Mataharis (2007). En Yuli Bollaín aborda, con guion de Paul Laverty inspirado en el relato autobiográfico de Carlos Acosta No Way Home, la historia del bailarín negro que se convirtió en primera figura del Royal Ballet de Londres.

Para Isaki Lacuesta (Girona, 1975) también será su tercera vez en la competición por la Concha de Oro, aunque es su cuarta participación en la Sección Oficial, ya que Murieron por encima de sus posibilidades fue seleccionada fuera de concurso. Lacuesta, que ya sabe lo que es ganar el premio principal del Festival, con Los pasos dobles (2011), presenta Entre dos aguas, protagonizada por los dos hermanos gitanos que aparecían en una de las primeras películas del director, La leyenda del tiempo, cuando eran adolescentes.

Carlos Vermut (Madrid, 1980) incluye igualmente en su palmarés la Concha de Oro, que obtuvo por su segunda película, Magical Girl (2014). En Quién te cantará, que también escribe, cuenta con las actrices Najwa Nimri, Eva Llorach, Carme Elías y Natalia de Molina para contar la historia de una cantante que pierde la memoria poco antes de su regreso a los escenarios.

Para Rodrigo Sorogoyen (Madrid, 1981) es su segunda selección en la Sección Oficial. En 2016, con Que Dios nos perdone, obtuvo en San Sebastián el premio al mejor guion, escrito junto a Isabel Peña. El Reino, su último trabajo, está protagonizado por Antonio de la Torre, que encarna a un político implicado en una trama de corrupción.

Por segundo año consecutivo, una serie de televisión es seleccionada en la Sección Oficial. Tras el paso de La peste (Alberto Rodríguez), el Festival presentará la serie completa de Gigantes, dirigida por Enrique Urbizu (Bilbao, 1962) y Jorge Dorado (Madrid, 1976), que participará fuera de concurso. Urbizu, que compitió en la Sección Oficial en 2012 con su última película, No habrá paz para los malvados, dirige de nuevo a José Coronado.

En el apartado de proyecciones especiales, figura el último trabajo de Telmo Esnal, Dantza, que ganó el Premio de la Industria Glocal in Progress en la primera edición de la actividad de industria dirigida a producciones europeas en lenguas no hegemónicas. Es la primera vez que Esnal (Zarautz, Gipuzkoa, 1966) participa en la Sección Oficial después de ser seleccionado en New Directors con Aupa Etxebeste! (2005), codirigida con Asier Altuna, que ganó el Premio de la Juventud, y Urte berri on, amona! (¡Feliz año, abuela!, 2009).

También como proyección especial se inscribe la cuarta participación en la Sección Oficial de José Luis Cuerda (Albacete, 1947), que ha presentado en San Sebastián Pares y nonesEl bosque animado y La lengua de las mariposas. El director, guionista y productor estrenará Tiempo después, la secuela de una de sus películas más célebres, Amanece, que no es poco.

La participación en la Sección Oficial se suma a las producciones españolas ya anunciadas en la sección New Directors: Koldo Almandoz (San Sebastián, 1973), que presentó en Zabaltegi su primer largometraje, Sipo Phantasma (Barco fantasma), tras estrenarlo en Rotterdam y que mostrará ahora su segundo largo Oreina (Ciervo); Elías León Siminiani (Santander, España, 1971), nominado al Goya por Mapa, que presenta Apuntes para una película de atracos; la ópera prima de Celia Rico Clavellino (Sevilla, 1982), Viaje al cuarto de una madre, que cuenta con Lola Dueñas y Anna Castillo como protagonistas; y la coproducción con Argentina y Cuba Para la guerra, primer largometraje de Francisco Marise (La Plata, Argentina, 1985), en cuyo montaje y producción ha intervenido el cineasta Javier Rebollo.

Trote, de Xacio Baño, que formó parte de la primera edición del programa de residencias Ikusmira Berriak, y a la coproducción Belmonte, de Federico Veiroj, seleccionados en la programación de Zabaltegi-Tabakalera, se añade el largo Teatro de guerra, de Lola Arias (Buenos Aires, 1976), construido con las conversaciones de veteranos de guerra ingleses y argentinos de las Malvinas y dos cortometrajes, 592 metroz goiti, de Maddi Barber (Pamplona, 1988), de la cosecha de Kimuak 2018, y Los que desean, de Elena López Riera (Orihuela, Alicante, 1982), que competirá en agosto en el festival de Locarno.

Y a las presencias ya desveladas en Perlak de Un día más con vida / Another Day of Life, de Raúl de la Fuente y Damián Nenow, y El ángel, de Luis Ortega, se incorpora Petra, de Jaime Rosales (Barcelona, 1970), que se estrenó en la Quincena de Realizadores de la pasada edición de Cannes. Rosales, que en 2008 compitió por la Concha de Oro con Tiro en la cabeza y obtuvo el Premio Fipresci, cuenta con los intérpretes Bárbara Lennie y Alex Brendemühl y los guionistas Clara Roquet y Michel Gaztambide.

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