EXPLOTA EXPLOTA (Dir. Nacho Álvarez)

Texto: Yolanda Aguas

Cuenta la historia de María (García-Jonsson), una bailarina joven, sensual y con ansias de libertad a principios de los años 70, una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Con ella descubriremos cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad. Y todo ello contado a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà.
Explota explota, musical basado en los grandes éxitos de Raffaella Carrà y que apuntaba maneras para ser el éxito en taquilla que la industria del cine necesita en estos momentos. Pero, sorprendemente, no ha sido así.
‘Explota Explota’ es un musical celebrado en los años setenta en nuestro país que se enfrenta a la censura de la época con canciones de Raffaella Carrà. Y con una protagonista, Ingrid García Jonsson, con ganas de romper las absurdas normas establecidas. Qué puede salir mal a partir de aquí. Nacho Álvarez es el encargado de dirigir esta bonita locura, acompañado en el guion de Eduardo Navarro y David Esteban Cubero.

Ingrid García Jonsson es María, la protagonista. La joven rebelde que ama bailar y que quiere hacerlo por encima de la censura. No por el placer de saltarse las normas, que un poco también, más bien por el convencimiento de que esas normas son un sinsentido. Quiere cambiar las cosas para vivir mejor, para vivir como se debe vivir. Hay una escena muy significativa en la que reflexiona sobre lo decente y lo indecente, y queda claro el por qué de su incomprensión y su posterior rebeldía
Junto a ella, Verónica Echegui, Fernando Guallar es el joven enamorado de María, y completa el trío de buenas interpretaciones pasando por todos los estados de ánimo necesarios con naturalidad y con rotundidad. Bien por los tres, que tienen aún más compañía: Fernando Tejero, Pedro Casablanc, la fantástica diva Natalia Millán, el italiano Giuseppe Maggio o Fran Morcillo.

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Nota: La fotografía insertada en este artículo es propiedad de sus autores.

VERANO DEL 85 (Dir. François Ozon)

Texto: Yolanda Aguas

¿Con qué sueñas cuando tienes 16 años y estás en un resort en la costa de Normandía en los años 80?, ¿con tener un mejor amigo?, ¿con hacer un pacto de amistad que dure para siempre?, ¿con tener mil aventuras en barco o en moto acuática? O quizás sueñas con la muerte… Las vacaciones de verano acaban de comenzar y esta historia cuenta cómo Alexis empieza a crecer.

Hay mucho cine en la apuesta y destellos que van a emocionar en tanto uno muestre disposición para dejarse llevar por la nostalgia o por las circunstancias, ya que los más jóvenes pueden verse totalmente identificados en lo expuesto. En resumen, un Ozon bien marinado que no sacia del todo, pero cosquillea en el paladar. Quedémonos con ese momento Sailing en la pista de baile, es íntimo… pero también un regalo que el joven y trágico David nos hace para que nos imaginemos un poco eternos.
Alexis (Félix Lefebvre), de 16 años, aparece en la primera secuencia del filme custodiado por gendarmes y acto seguido frente a una educadora que le suplica que le explique lo ocurrido. El joven narra los acontecimientos a través de la escritura y en su relato aparece el futuro cadáver, David Gorman (Benjamin Voisin), de 18 años y de ahí a la evocación de una época pasada, del verano en que todo cambió, y que Ozon nos muestra en su esplendor mientras suena In Between Days de la banda británica The Cure.

Por cierto, la imagen de Robert Smith está presente como un fantasma icónico durante todo el filme, algo que sus fans agradecemos. El filme propone y suma secuencias que perduran, como esos paseos de los protagonistas en moto, sus incursiones en el mar en el velero Calypso o esa recopilación de miradas inflamadas mientras los protagonistas curan sus heridas tras una pelea en un parque de atracciones. Solo esa secuencia delicada y desnuda ya justifica todo un filme.
Otro de esos momentos mágicos y que procuran que el recuerdo de los días felices se transformen en manos de Ozon en una ensoñación que va más allá de lo físico, se da en la secuencia de la discoteca; en ella David y Alexis bailan desenfrenados hasta que el primero hace un aparte y aísla al joven enamorado colocándole unos walkman con la canción Sailing de Rod Steward, el tema silencia el repertorio de la discoteca y nos hace participes de ese regalo. Un momento cinematográfico muy bello.


De nuevo el cine de Ozon… no hace falta añadir más.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

AKELARRE (Dir. Pablo Agüero)

Texto: Yolanda Aguas

País Vasco, 1609. Los hombres de la región se han ido a la mar. Ana participa en una fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rostegui, encomendado por el Rey para purificar la región, las arresta y acusa de brujería. Decide hacer lo necesario para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia mágica durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas.

La película es de gran calidad visual, destacando de ella la impresionante fotografía que muestra de un lúgubre País Vasco en el año 1609. También es muy acorde la gran capacidad del filme en caracterizar no solo a los personajes, sino también las localizaciones, lo cual hace que perfectamente podamos involucrarnos en todo el ambiente. Sin duda, otro gran acierto de esta película, son las fantásticas interpretaciones. Destacan muy favorablemente las protagonistas que interpretan a las jóvenes acusadas de brujería, con una gran Amaia Aberasturi a la cabeza del magnífico reparto, lleno de nuevos nombres y jóvenes promesas del cine vasco.
Tal y como dice el título de la película, ‘Akelarre’ es grandiosa, y es que, la mejor escena del filme, es el propio akelarre, el cual se celebra al final de la película con una hilarante y escalofriante coreografía. Una escena esencial en la historia del cine vasco que una vez más, nos muestra otra historia, desde una perspectiva hasta ahora no vista, de la brujería vasca

El ritmo que cobra la película en determinados momentos, que hacen que haya instantes aburridos, densos e innecesarios.

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Nota: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

UNA PASTELERÍA EN NOTTING HILL (Dir. Eliza Schroeder)

Texto: Yolanda Aguas

Decidida a cumplir el sueño de su difunta madre de abrir una pastelería en Notting Hill, la joven Clarissa pide ayuda a la mejor amiga de su madre, Isabella, y a su excéntrica abuela, Mimi. Estas tres generaciones de mujeres necesitarán superar el dolor, las dudas y las diferencias para honrar el recuerdo de su amada Sarah mientras se embarcan en un viaje para establecer en Londres una tienda llenar de amor, esperanza y coloridos pasteles.
La película Una pastelería en Notting Hill acabará reuniendo a tres generaciones que intentarán por todos los medios llevar a buen puerto el sueño de la difunta Sarah (Candice Brown). El amor moverá a tres mujeres con personalidades muy distintas para intentar aportar la mejor versión de sí mismas para sacar la pastelería hacia adelante, y así, de alguna manera honrar el recuerdo de su ser querido.

Las interpretaciones de Shannon Tarbet, como Clarissa, Celia Imrie como Mimi y Shelley Conn como Isabella suponen el verdadero sustento y motor de la trama. Su fuerza y decisión caracterizan a este grupo de inexpertas emprendedoras, que deberán confiar en ellas mismas y en el apoyo de sus compañeras para mantener el negocio.
La película supone el debut en la dirección de Eliza Schroeder y en el guion para Jake Brunger, plantea en su inicio un melodrama que con el paso de los minutos irá transformándose en una comedia gastronómica, para finalizar como una comedia romántica al uso.
Se echará de menos durante todo el metraje algo más de arrojo y valentía para salirse del canon previamente establecido en este tipo de películas. Concluyendo, un relato amable aunque quizá demasiado edulcorado y ligero. Se echa de menos más riesgo tanto en su guion como en los elementos técnicos que la componen. Aún así resulta entretenida y vistosa, aunque no nos resulte lejana a un telefilm de sobremesa.

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PALMARÉS DE LA 68 EDICIÓN DEL SSIFF

Finalizada la 68 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, facilitamos a continuación el PALMARÉS:

Concha de Oro a la mejor película: Dasatskisi (Beginning, Dea Kulumbegashvili)

Premio Especial del Jurado: Crock of gold: A few rounds with Shane Macgowan (Julien Temple)

Concha de Plata a la mejor dirección: Dea Kulumbegashvili (Dasatskisi)

Concha de Plata a la mejor actriz: Ia Sukhitashvili (Dasatskisi)

Concha de Plata al mejor actor: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe (Druk)

Premio del Jurado al mejor guion: Dea Kulumbegashvili, Rati Oneli (Dasatskisi)

Premio del Jurado a la mejor fotografía: Yuta Tsukinaga (Nakuko wa ineega)

Premio Kutxabank-New Directors: La última primavera (Isabel Lamberti)

Mención especial: Ge sheng yuán hé màn bàn pai (Slow singing, Dong Xingyi)

Premio Horizontes: Sin señas particulares (Fernanda Valadez)

Mención especial: Las mil y una (Clarisa Navas)

Premio Zabaltegi-Tabakalera: A metamorfose dos pássaros (Catarina Vasconcelos)

Mención especial: Domangchin yeoja (The woman who ran, Hong Sang-Soo)

Premio del Público Ciudad de Donostia/San Sebastián: The father (Florian Zeller)

Premio del Público a la Mejor Película Europea: El agente topo (Maite Alberdi)

Premio Orona-Nest: Catdog (Ashmita Guha)

Mención especial: The speech (Haohao Yan)

Premio Irizar al Cine Vasco: Ane (David Pérez Sañudo)

Premio TCM de la Juventud: Limbo (Ben Sharrock)

Premio al mejor proyecto del IX Foro de Coproducción Europa-América Latina: Pobres pibes (Benjamín Naishtat)

Premio DALE! (Desarrollo América Latina-Europa): ¿Quién mató a Narciso? (Marcelo Martinessi)

Premio Eurimages al desarrollo de coproducción: El repartidor está en camino (Martín Rejtman)

Artekino International Prize: El día de mi bestia (Camila Beltrán)

Premio de la Industria WIP Latam: Piedra Noche (Iván Fund)

Premio Egeda Platino Industria al mejor WIP Latam: El empleado y el patrón (Manuel Nieto)

Premio de la Industria WIP Europa: Iki Safak Arasinda (Between two dawns, Selman Nacar)

Premio WIP Europa: Iki Safak Arasinda (Between two dawns, Selman Nacar)

Premio RTVE-Otra mirada: Never rarely sometimes always (Nunca, casi nunca, a veces, siempre, Eliza Hittman)

Mención especial: Gal-mae-gi (Gull, Kim Mi-Jo)

Premio Cooperación Española: Sin señas particulares (Fernanda Valadez)

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Séptimo día: Jueves, 24-09-2020 del 68 ZINEMALDIA

Texto y Fotos: Yolanda Aguas

Séptimo día: Jueves, 24-09-2020

Hoy jueves se proyectaba, a las 8:30 h, en el Teatro Principal la película CAMPANADAS A MUERTO del director Imanol Rayo.

Campanadas a muerto  (Dir. Imanol Rayo – Nuevos Directores – 95 minutos).

En los terrenos del caserío Garizmendi aparece un esqueleto enterrado. Sin saber a qué atenerse, Fermín Araia y su mujer, Karmen, llaman a su hijo Néstor, que acude a hacerse cargo. A la mañana siguiente Fermín no aparece y Néstor descubre que también han desaparecido los huesos. A su aviso acuden dos inspectores de la Sección Criminal, Ezpeleta y Kortazar, quien muestra especial interés por el caso, y mientras se encuentran en el caserío la campana de la ermita cercana comienza a doblar a muerto.

Magnífica producción vasca interpretada con solvencia y oficio por actores vascos muy conocidos por su trayectoria en series de ámbito nacional.

A las 12 h, y asistí en el K1 a la proyección de la película FALLING del director y actor Viggo Mortensen.

Falling (Dir. Viggo Mortensen ), Premio DONOSTIA. 113 minutos.

John Petersen (Viggo Mortensen) vive con su novio Eric (Terry Chen) y la hija adoptiva de ambos en el sur de California. Su padre Willis (Lance Henriksen) un granjero tradicional y conservador de 80 años, decide viajar a Los Ángeles y quedarse en casa de John mientras busca el lugar idóneo para jubilarse. Una vez todo juntos, dos mundos muy diferentes colisionan. Willis muestra señas de estar perdiendo la cordura, y su peculiar forma de ser, tan divertida como dañina para algunos miembros de la familia, saca a relucir heridas del pasado y de años de desconfianza entre sus allegados.

Gran película de Viggo Mortensen.  Llena de humanidad y comprensión.  Una película que no juzga.

A las 14:25 h. Rueda de Prensa: VIGGO MORTENSEN.  Premio DONOSTIA.

Viggo Mortensen dijo sentirse “muy afortunado” por su carrera cinematográfica, por la que este jueves recibirá el Premio Donostia del Festival de San Sebastián, y aseguró que el deseo de formar parte del mundo del cine le impulsa desde que fue por primera vez al cine con su madre a los tres años.

“He tenido mucha suerte en mi carrera, he podido trabajar con muchos directores importantes, y he encarnado papeles muy buenos, pero para la suerte también hay que prepararse, estar listo para reconocer las oportunidades”, matizó en una rueda de prensa en la que también ha presentado sudebut como director, el drama paternofilial ‘Falling’.

Mortensen es conocido en todo el mundo por papeles como el Aragornde ‘El señor de los anillos’, las películas de David Cronenberg ‘Promesas del este’ o ‘Una historia de violencia’ y más recientemente por ‘Captain fantastic’ o ‘Green Book’ por las que obtuvo nominaciones al Oscar.  Recordó también sus primeros trabajos en el cine, cuando le cortaban en el montaje finalsin avisarle y ni siquiera salía en los títulos de crédito, como le ocurrió con ‘La rosa púrpura de El Cairo’ de Woody Allen.

“No conozco otra vida, desde hace 38 años mi vida está vinculada al cine y al deseo de formar parte de ese mundo, no he perdido la curiosidad, siempre me ha interesado y me sigue interesando el rompecabezas de llevar un guion a la pantalla”, señaló.

El actor ha defendido el oficio como untrabajo colectivo, pese a que en ‘Falling’ dirige, actúa, escribe, produce y hasta ha compuesto la música. “He visto guiones muy buenos que resultan en películas mediocres por falta de trabajo colectivo y guiones no tan buenos que resultan en muy buenas películas”.

Falling, que se estrenará en cines el próximo 2 de octubre, gira en torno a la difícil relación entre un padre granjero(Lance Henriksen/Sverirr Gudnason), solitario, muy conservador e inflexible y un hijo homosexual (Mortensen) que intenta reconciliarse con él.

 A las 15:45 h en el Teatro Principal, asistí al pase de prensa de la película  NAM-MAE WUI YEO-REUM-BAM.

NAM-MAE WUI YEO-REUM-BAM / MOVING ON (HERMANOS EN UNA NOCHE DE VERANO) (Dir. Yoon Dan-bi ), PERLAS. 104 minutos.

Okju y Dongju se mudan a la casa de su abuelo durante sus vacaciones de verano después de que su padre se arruine. Dongju se adapta bien a su nuevo hogar, mientras que Okju se siente extraña en ese nuevo entorno. Poco después de que su tía, que está a punto de divorciarse, también venga a vivir con ellos, y conforme Okju pasa tiempo con la familia y tanto la casa como su abuelo empiezan a gustarle. Sin embargo, cuando el abuelo cae enfermo, su padre y su tía deciden enviarle al sanatorio y vender la casa.

Yoon Dan-bi (Gwangju, Corea del Sur. 1990) dirigió en 2015 el cortometraje Fireworks, proyectado en el Festival de Daegu. Nam-mae wui Yeo-reum-bam, su primer largometraje, se estrenó en el Festival de Busan, donde recibió cuatro galardones. También fue distinguido con el premio Bright Future en el Festival de Rotterdam.

Una película llena de vida y una grata sorpresa inesperada de este 68SSIFF.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

Sexto día: Miércoles, 23-09-2020 del 68 ZINEMALDIA

Texto y Fotos: Yolanda Aguas

Sexto día: Miércoles, 23-09-2020

Hoy miércoles 23 tenía una cita con la directora española Laura Herrero Garvín en el Hotel María Cristina.  Su documental, LA MAMI, se proyectará en la Sección Made in Spain.

Entrevista a Laura Herrero Garvín (extracto):

La primera vez que pensé en hacer esta película, fue porque fui a bailar al Barba Azul, subí al baño y escuché a una chica decir ‘Mami, me pidió matrimonio, no sé qué decirle.’ Y La Mami le dijo ‘Hija, te pide matrimonio todas las semanas, no le hagas caso.’ Me hizo mucha gracia, pero además pensé ‘Wow, qué fuerte que esté esta señora aquí, aconsejándolas. Bajé a bailar, volví a subir y me senté a observar un poco y empecé a entender lo importante que era, para esas mujeres -que tienen unas noches frenéticas en la pista de baile, en donde compiten y se exponen a muchas cosas- tener un pilar, como una madre en un espacio como este, al que ellas pudieran subir, desahogarse, agarrar fuerza y volver a bajar.

Ese fue el primer impulso de la película. Luego, cuando conocí a Priscila, que la conocí tres años después de empezar a investigar, se convirtió en otra cosa, porque para mí la alianza más fuerte que se retrata es la amistad entre Priscila y La Mami, desde la complejidad de cada una.

Cuando llegué ahí me di cuenta de que no era un lugar de tan fácil acceso y que tenía que pasar tiempo investigando antes de llegar a poner una cámara, porque las chicas al principio no querían que yo estuviera ahí. La Mami sí estaba más contenta, pero las chicas no. Logré una intimidad superfuerte con ellas, en cuanto a nivel humano. El 99% es cine directo, la realización fue muy observacional. Hay cosas, como la llegada de Priscila, que no estaba mirando a la entrada, pero que recreamos en los inicios de su llegada. Siempre digo que fue un regalo del Dios del documental, que llegó cuando habíamos conseguido fondos para empezar a filmar. Yo no me la esperaba en la historia y se convirtió en un personaje importante. Hay momentos puntuales que están recreados, pero muy poco. La mayoría es cine directo, pero trabajado con este audio fuera de campo, que en edición se pudo construir mucho más. Yo sabía que quería una película en la que se rompiera la cuarta pared y que las conversaciones fueran solo entre ellas. Porque el objetivo de la peli es retratar sus alianzas, entonces no tenía sentido que hablaran conmigo. Y también quería grabar en el baño con una cámara con actitud fuerte, que estuviera estática, que mirara, que no fuera tan subjetiva. También porque muchas chicas no querían salir en la película. Fui preguntando una a una y algunas me dijeron que querían salir con todo; otras que no querían salir de la cara, pero sí su voz; otras que no querían salir para nada; y otras que solo la espalda. Yo tenía que saber muy bien a quién filmaba, porque también era la camarógrafa, y ese audio fuera de campo me servía mucho para ocultar identidades.

A las 11;30 h, y asistí en el Teatro Victoria Eugenia a la proyección de la película SENTIMENTAL de Cesc Gay.

Sentimental (Dir. Cesc Gay), PROYECCIONES RTVE – Gala RTVE. 81 minutos.

Julio (Javier Cámara) y Ana (Griselda Siciliani) hace más de quince años que están juntos. Forman una pareja que ya no se mira ni se toca, y que ha hecho del combate diario la esencia de su relación. Esta noche Ana ha invitado a casa a sus vecinos del piso de arriba, Salva (Alberto San Juan) y Laura (Belén Cuesta), una pareja más joven que ellos, amable y simpática, pero cuyos “ruidos” se han convertido en una molestia para Julio y Ana…¿o quizás en un estímulo? Los vecinos de arriba les harán una inusual y sorprendente propuesta que convertirà la velada en una experiencia excesiva y catártica para los cuatro… Adaptación cinematográfica de ‘Los vecinos de arriba’, la obra teatral debut de Cesc Gay.

A las 18:15 h, y asistí en el Kursaal (K2) a la proyección de la película LAS MIL Y UNA de la directora Clarisa Navas, dentro de la sección Horizontes Latinos.

Las mil y una  (Dir. Clarisa Navas), HORIZONTES LATINOS. 120 minutos.

Cuando Iris conoce a Renata, una joven con un pasado difícil, se siente inmediatamente atraída por ella. Tendrá que superar sus miedos y enfrentarse a sus inseguridades para experimentar el primer amor. Una historia llena de ternura en un entorno muy hostil en el que el deseo adopta muchas formas en la oscuridad y los cotilleos pueden convertirse en un arma. Proyecto presentado en el Foro de Coproducción en 2018.

Clarisa Navas (Corrientes, Argentina. 1989) es licenciada en Artes Audiovisuales por la Universidad Nacional de las Artes de Argentina (UNA). En 2017 dirigió su primer largometraje, Hoy partido a las 3, que participó en festivales como BAFICI, Biarritz, Lima o Valladolid. El segundo, Las mil y una, fue seleccionado para el Foro de Coproducción del Festival de San Sebastián en 2018, se presentó en la sección Panorama del pasado Festival del Berlín y ganó el premio a la Mejor Película en la competición internacional del Festival de Jeonju.

Al término de la proyección hubo un coloquio con el público.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

 

Quinto día: Martes, 22-09-2020 del 68 ZINEMALDIA

Texto y Fotos: Yolanda Aguas

Quinto día: Martes, 22-09-2020

Hoy martes se proyectaba en la sala grande del Kursaal K1) la película SUTEMOSE / IN THE DUSK (EN LA OSCURIDAD):

Sutemose / In the Dusk (En la oscuridad)  (Dir. Šarūnas Bartas– 128 minutos).

Lituania, 1948. La guerra ha terminado, pero el país está en ruinas.  Untė, de 19 años, es miembro del movimiento partisano que resiste a la ocupación soviética. No combaten en igualdad de condiciones, pero esta lucha desigual determinará el futuro de toda la población. A la edad en que se descubre la vida, Untė descubre la violencia y la traición. Las líneas se desdibujan entre su ardiente pasión juvenil y la causa por la que está luchando. Se entregará en cuerpo y alma, aunque eso signifique perder la inocencia…

Šarūnas Bartas dirigió en 1991 su primer largometraje Trys dienos (Three Days), estrenado en la sección Forum del Festival de Berlín. En su filmografía destacan Few of Us (1996), A Casa (The House, 1997) -ambas estrenadas en Un Certain Regard del Festival de Cannes-, Freedom (2000), que compitió en Venecia, Septyni nematomi žmonės (Seven Invisible Men, 2005), proyectada en la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes, Indigène d’Eurasie (Eastern Drift,  2010), con la que volvió a Forum de la Berlinale y que fue incluida en la retrospectiva Eastern Promises del Festival de San Sebastián en 2014, Peace to Us in Our Dreams (2015) y Frost (2017), ambas exhibidas en la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes. Sutemose está incluida en la selección oficial del Festival de Cannes 2020, cancelado por la covid-19.

La película que compite en la Sección Oficial del 68SSIFF requiere un esfuerzo por parte del público.  Su arranque es muy interesante, especialmente cuando se centra en los rostros de sus protagonistas (impresionantes primeros planos).  Sin embargo, la película transcurre a ritmo muy lento, quizá demasiado, y eso provoca cierta impaciencia en el espectador.

A las 11:45 h, y asistí en los cines Príncipe, Sala 9 a la proyección de los dos primeros capítulos de la serie ALARDEA / BOAST dirigida por David Pérez Sañudo.

Alardea / Alarde  (Dir. David Pérez Sañudo– Gala EITB  – 91 minutos).

La vida de Amaia sufrirá un vuelco cuando la asociación de mujeres de Uriola, su pueblo, pretenda desfilar en el alarde tradicional. Implicarse en este tema es algo que podría enfrentar a esta profesora de infantil con su comunidad y con su familia. Tomar una decisión supondrá un gran dilema para ella. La lucha que se planea también implica el reencuentro de Amaia con su madre, Edurne, ahora enferma y de la que se distanció hace 25 años después del divorcio y la posterior muerte de su padre. Amaia nunca ha perdonado que su madre antepusiese su implicación a favor del alarde mixto a los intereses de la familia. Y no está dispuesta a que se repita la misma historia, precisamente el año en el que su marido Aitor es nombrado burgomaestre y su hija Jone cantinera. Presentación de dos de los cuatro capítulos de esta miniserie.

David Pérez Sañudo (Bilbao, 1987) es licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Carlos III de Madrid y máster en dirección cinematográfica en la ESCAC. Ha dirigido más de 10 cortometrajes que han pasado por más de 400 festivales, como Clermont Ferrand, Gijón,  Málaga, Brest o Manchester, y han recibido diversos premios y nominaciones. Entre ellos se encuentran Indirizzo (2011), Malas vibraciones (2014), Artificial (2015), Tiempos muertos (2017) y Aprieta pero raramente ahoga (2017), que formó parte de la selección de Kimuak y se presentó en el Festival de San Sebastián. Ane, su primer largometraje como director, guionista y productor, se presentó el pasado domingo 20, en New Directors.

A las 19 h, y asistí en los cines Trueba, Sala 1 a la proyección de Las niñas de Pilar Palomero, dentro de la sección Made in Spain.

Las niñas  (Dir. Pilar Palomero), Made in Spain. 100 minutos.

Año 1992. Celia, una niña de 11 años, vive con su madre y estudia en un colegio de monjas en Zaragoza. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia. En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.

Brisa parece mayor a las demás y sus intereses personales van más allá de Dios y los preceptos religiosos. Lleva sujetador de adultos, escucha a grupos de Zaragoza como Niños del Brasil o Héroes del Silencio, e incita a su amiga a que sea más atrevida, que mire más allá de los muros y vallas de la escuela católica.

Pilar Palomero, en su gran opera prima, ha dado con la clave del éxito de crítica y público.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

 

Cuarto día: Lunes, 21-09-2020 del 68 ZINEMALDIA

Texto y Fotos: Yolanda Aguas

Cuarto día: Lunes, 21-09-2020

Hoy lunes se proyectaba en el Teatro Principal, la película “16 printemps” (“Spring Blossom”), de Suzanne Lindon en la sección Nuevos Directores.

16 printemps  (Dir. Suzanne Lindon – Nuevos Directores – 74 minutos).

Suzanne tiene 16 años. La gente de su edad le aburre. Todos los días en su camino al instituto pasa por delante de un teatro. Allí conoce a un hombre mayor que ella, de quien se convierte en su obsesión. A pesar de la diferencia de edad, ambos encuentran en el otro una respuesta a su hastío y se enamoran. Sin embargo, Suzanne teme perderse cosas en la vida, esa vida de una joven de 16 años que tanto le ha costado disfrutar del mismo modo que sus amistades.

Primer largometraje de esta joven directora y guionista francesa.  Hija de Vincent Lindon y Sandrine Kiberlain, realiza un trabajo que indica un futuro prometedor.

Desde las 12.00 hasta las 15 h estuve en el Hotel María Cristina.  Tenía concertadas entrevistas con Paula Cons y Nerea Barros, directora y actriz protagonista de “La isla de las mentiras” que se proyectaba en la sección Made in Spain.

La madrugada del 2 de enero de 1921, el buque Santa Isabel, con destino Buenos Aires y 260 personas a bordo, se hunde frente a la escarpada y dura costa de la isla de Sálvora, en Galicia. A falta de hombres en la isla, tres jóvenes isleñas, María (Nerea Barros), Josefa (Victoria Teijeiro) y Cipriana (Ana Oca), deciden ir al rescate salvando a 48 personas, un acto heroico que pagarán muy caro. Tras estos hechos, un periodista argentino, León (Darío Grandinetti), acude a Sálvora para cubrir la noticia del naufragio. Pero poco a poco comprueba que esa noche sucedieron demasiadas terribles “casualidades” en la isla. Son muchas las incógnitas que hay que resolver.

Las entrevistas completas las publicaremos próximamente en entradas individuales en nuestra web

Entrevista con Paula Cons (extracto):

Aunque rodamos mucho en la isla, no podía ser allí todo el rodaje por un tema logístico, por lo que buscamos lugares cerca muy parecidos. Finalmente acabamos rodando en San Vicente do Mar, que está enfrente por lo que en muchos planos ese trozo de tierra que se ve a lo lejos es la propia isla. Por cierto, que estaba llena de garrapatas porque hay caballos salvajes, así que parte de nuestro “trabajo” era descubrirnos unos a otros las que se nos habían pegado a la ropa.  Rodar al aire libre es maravilloso y especial pero estás sujeto a múltiples factores. La última secuencia, que es en el mar, no podíamos rodarla porque me decían que estaba picado y sería imposible. Pero uno de los mariñeiros que nos asesoraban se me acercó y me dijo “esto a las 13 horas amaina”. Parecía que la isla me quería mostrar su mejor cara, siempre colaborando conmigo. Yo buscaba una luz más gris, con más nubes y no tanto sol, pero el cambio climático también es eso: luz y sol cuando es pleno invierno. De hecho hice algo poquísimo habitual en Galicia que fue pedir cover de sol, es decir, irme a rodar interiores a la espera de la lluvia. Cuando esto suele ser al revés. Al estar al aire libre se pasaba mucho frío y como los zapatos de Dario Grandinetti eran tan poco abrigados y preparados para ese clima siempre preguntaba si sus pies salían en plano por si podía conservar calzado actual y no congelarse

Trabajamos muchísimo la manera de moverse de todos los personajes. Nerea caminaba de una manera tan peculiar que cuando lo vio mi pareja me dijo “pero si parece una niña que ha tenido la polio”? Y así la llamábamos “la niña de la polio” Estaba obsesionada porjugar con tonos oscuros en las ropas de ellas, pero que hubiera diferencias y matices. Llegué al extremo de hacer un casting de azules con los pañuelos que nadie entendía excepto la jefa de vestuario y yo

Entrevista con Nerea Barros (extracto):

Me parece que es un diamante, de estas cosas que te llegan y dices “wow, es una oportunidad maravillosa y para disfrutar”. Empiezo a darle mi visión del personaje y coincidimos en muchísimas cosas. Poco a poco nos ponemos a ensayar para encontrar el tempo y la energía de ese personaje, sus miradas… ensayamos mucho antes de la película. Tuve que aprender a remar y a embriagarme de toda la gente gallega que vive en la costa. He pasado gran parte de mi vida en esa costa y la isla de Sálvora siempre ha sido un paraíso al que yo iba de pequeña, y me gustaba mucho estar allí.  Tuvimos el privilegio de hacer una investigación muy profunda de esto y pudimos hablar con familiares y amigos de estas tres mujeres. María, la verdadera María, tuvo una hija y hablamos con ella, y nos confesó que nunca fue capaz de hablar de ese hecho. Nunca quería hablar de eso, y cuando habló, siempre lloraba. Hasta ese punto les hicieron daño a estas mujeres.

Siempre he sido muy delgada, extremadamente delgada, no he pasado de 50 kilos, e incluso he llegado a pesar 45 kilos. Siempre me ha costado mucho engordar y con María engordé sin planificarlo. Paula quería que mi personaje estuviera más rellenita, porque en ese momento esas mujeres eran así. Daba igual porque me ponían mucha ropa y listo, pero inconscientemente, igual que lo de caminar, engordé por primera vez en mi vida, llegué a los 57 kilos y no me servía la ropa.  Paula lo sabe, nos queremos mucho y quiero trabajar en todo lo que haga porque tiene personajes estupendos. Nos comunicamos muy bien y con una mirada nos lo decimos todo. Paula escucha mucho, y eso en un director es fundamental, escuchar a sus actores. Cuando el director está tan abierto y te lo expresa de esa forma, tú sabes a qué se refiere y dónde tienes que cambiar algo cuando estás trabajando. Ha sido muy bonito, la verdad.

A las 17 h, asistimos en el Club de Prensa del Kursaal a la presentación del rodaje EL LODO.

El lunes 21 de septiembre, se presentó el rodaje de la película El lodo, dirigida por Iñaki Sánchez Arrieta y protagonizada por Paz Vega y Raúl Arévalo en los principales papeles. Acompañan a los protagonistas en el reparto Roberto Álamo, Susi Sánchez y Joaquín Climent. El film es un thriller que se va a rodar en la Albufera de Valencia.

Sinopsis: Una fuerte sequía castiga las vastas extensiones de arrozales en el Levante español. Ricardo, un prestigioso biólogo, después de viajar por todo el mundo, tiene la oportunidad de volver a sus raíces para cumplir una misión, proteger el paraje natural donde vivía de niño. Las medidas que debe tomar le enfrentarán radicalmente a los lugareños, que ven atacada su forma de vida y subsistencia, un enfrentamiento que tendrá consecuencias inesperadas.

El lodo es el segundo largometraje como director del cineasta valenciano Iñaki Sánchez Arrieta, que debutó en 2019  con ZerØ  después de haber realizado ocho cortos y de haber trabajado como ayudante de dirección en películas de Belén Macías, Benito Zambrano, José Luis García Sánchez, Sigfrid Monleón, Vicente Villanueva o Miguel Ángel Vivas.

La película está producida por Vértice 360 junto a Sunrise Pictures y El Lodo la película A.I.E. Vértice Cine será la encargada de distribuir la película en las salas españolas en 2021.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.

 

 

Tercer día: Domingo, 20-09-2020 del 68 ZINEMALDIA

Texto y Fotos: Yolanda Aguas

Tercer  día: Domingo, 20-09-2020

Hoy domingo se proyectaba la película que más nos interesaba de este 68SSIFF.  Se trata de ANE del director David Pérez Sañudo.

ANE  (Dir. David Pérez Sañudo – Nuevos Directores  –  100 minutos).

A las 8:30 h,  asistí en los cines Príncipe – Sala 3 a la proyección de la película ANE, protagonizada por la gran actriz Patricia López Arnáiz.

El realizador sitúa su primer largometraje en 2009, en un pueblo en el que hay una oposición mayoritaria a la construcción del tren de alta velocidad, en cuyas obras trabaja Lide (López Arnaiz), una mujer desinhibida, irreverente y un poco macarra que vive con su hija Ane, quien desaparece después de una fuerte discusión con su madre.

La búsqueda de su hija junto a su exmarido abre una veta por la que la vida de Lide no había discurrido hasta ese momento. No solo va a descubrir cosas de su hija que ignora, sino que tendrán que enfrentarse a una Lide hasta ahora desconocida.

El director bilbaíno hace doblete en esta edición, con Ane en New Directors, y con Alardea, miniserie de ficción que se estrenará en la Gala EiTB el miércoles, en el Victoria Eugenia.

De esta sorprendente ópera prima sobresale por encima de todo, la brillante interpretación de PATRICIA LÓPEZ ARNÁIZ.  Una actriz que está destinada a ser (si no lo es ya) la más importante del cine español para las próximas décadas. 

Dedicaremos un artículo especial a ella haciendo un recorrido a toda su trayectoria, pero ahora queremos dejar constancia de la gran valoración que hacemos de su trabajo en ANE.

A las 11 h, Rueda de prensa de JOHNNY DEEP y Julian Temple:

Definitivamente, Johnny Deep tiene un sentido muy peculiar de la puntualidad.  Llegó cuarenta minutos tarde a la rueda de prensa.  Y eso, significa que muchos de los periodistas tuvieron que irse antes de que él llegara porque nosotros debemos cumplir con nuestras obligaciones y si tenemos una película a las 12 h en el K1, nos tenemos que ir a verla.

Sin embargo, es cierto que los que no teníamos entrada para ver la película de las 12 h, disfrutamos mucho de la presencia y las palabras de un encantador Johnny Deep.  La rueda de prensa fue una delicia y él – junto a Julian Temple – nos ofrecieron un encuentro muy agradable.

Deep comenzó a hablar de Shane MacGowan, que además de poeta y cantante es, sobre todo, un magnífico borracho. Y no como insulto. Shane MacGowan empezó a beber con seis años en su Irlanda natal junto con su tía y acabó reventando los pubs de Londres en los conciertos más salvajes que se recuerdan en una ciudad donde antes el listón lo pusieron The Clash o Sex Pistols. Ahora, a sus 61 años, después de una carrera donde llegó a dar 363 conciertos en un año -y todos hasta arriba de «speed», ácido o cualquier otra sustancia con la que acompañar el alcohol- vive postrado en una silla de ruedas, con la parte derecha de su cuerpo paralizada… e incapaz de soltar la copa.

En el documental, «A Few Rounds with Shane MacGowan», algo así como «unas rondas con Shane MacGowan», Johnny Depp le acompaña en el exceso etílico durante una larga conversación.  Deep nos contó: «Para hacerte amigo de Shane te tienes que ganar los galones. Hay muy pocas personas que hagan lo mismo que él, y que vivan de esta manera. Llegas a odiarlo y a amarlo, te llega a veces a escupir… Te va probando para asegurarse de que eres uno de ellos, te reta», confesó el actor, que para ganarse esos galones una vez estaba con Shane cenando en Dublín y en mitad de la cena el poeta le pasó tres pastillas, se las tomó y cuando recuperó la consciencia de sí mismo se dio cuenta de que había acabado en el sur Francia tres días después sin saber cómo.

El director del largometraje, Julien Temple, ha subrayado la importancia del montaje en esta película, así como de las grabaciones inéditas que incluye, que consiguen que “llegues a sentir a Shane como personaje”, ya que el líder de The Pogues se negó a realizar entrevistas al uso.

A las 18:45 h, era la proyección en los Cines Príncipe de la película HERMANAS.  No teníamos entrada, lo que sentimos profundamente.  Esa proyección, además, iba a estar acompañada de la presentación y coloquio posterior con la presencia de Bárbara Lennie e Irene Escolar.

Como nos indicaron a los acreditados de prensa, fuimos diez minutos antes a taquilla por si había alguna cancelación de entrada de última hora y poder entrar a la sala.  No la hubo y, por lo tanto, no pudimos ver la película ni cubrir la información del coloquio.

Como llegamos a las 18:15 h, pudimos saludar a una actriz maravillosa que, además, es una persona sumamente amable: Bárbara Lennie.  Ante nuestra solicitud, nos concedió un posado y desde estas líneas volvemos a darle las gracias.

A las 22 h, se iba a proyectar en el Teatro Principal otra de las películas más esperadas por nosotros: NOMADLAND (Dir. Chloé Zhao) , de la sección PERLAS.  Nos sucedió lo mismo que con Hermanas, no teníamos entrada y aunque fuimos diez minutos antes tampoco quedaban.

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Notas:

Las fotografías oficiales de los films comentados insertadas en este post, son propiedad de sus autores.