PREMIOS GAUDÍ (IX Edición): Ganadores, por Yolanda Aguas

Publicado el 30/01/2017 por cinetfaro

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La Academia del Cine Catalán organiza y otorga los premios anuales para difundir y promocionar las mejores películas, artistas y técnicos del sector cinematográfico catalán.

Los Premios Gaudí son una iniciativa del Colegio de Directores de Cine de Catalunya y provienen de los Premios Barcelona, nacidos el año 2002.

El objetivo principal de la Academia al organizar los Premios Gaudí es dotarlos del prestigio y sello de otros premios similares existentes en Europa y todo el mundo, impulsándolos a través de la Academia, que es la institución que aglutina a los profesionales del sector, los académicos, que son los que votarán y decidirán los premios anuales.

El trofeo de los Premios Gaudí es obra de los escultores Montse Ribé y David Martí, inspirado en las cabezas de los guerreros que coronan las chimeneas de La Pedrera de Barcelona. El Gaudí, una pieza original de bronce que pesa 4 quilos aproximadamente.

Ayer se celebró la IX edición en la que “Un monstruo viene a verme” fue la gran triunfadora de la noche ya que ha conseguido ocho de las once estatuillas a las que aspiraba.

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El momento más emocionante de la velada fue la entrega del Gaudí de Honor a Josep Maria Pou. Haciendo gala de su sabiduría, profesional y humana, Pou hizo un discurso brillante en todos los aspectos. Recogió el galardón de manos de la presidenta de la Academia del Cine Catalán, Isona Passola, con el que ha reivindicado su oficio, considerando que se debe ejercer con dignidad y alertando sobre la complacencia.

Emocionado, después de que la actriz Àngels Gonyalons haya cantado en el escenario junto a él la canción «Send in the clowns», la única que le hace llorar, y con el auditorio del Fórum de pie, ha aseverado que hoy no es fácil ser actor «porque un actor no es actor si no tiene trabajo». Arrancó los mayores aplausos recordando, además de sus 50 años de oficio, la necesidad de trabajo. «Porque el talento ya existe. Lo que hace falta es acabar con la precariedad laboral. ¡Somos profesionales, no aficionados voluntaristas!». Y compartió el premio con los actores «tanto mayores como jóvenes que nunca recibirán un premio».

Finalizó su discurso recordando el final de la obra de Chéjov, El tío Vania, (me atrevo a afirmar que sin duda recordando a su actor de referencia, José Bódalo, quién interpretó este personaje como nadie en el Estudio 1 de TVE en 1969):

SONIA. -¡Qué se le va a hacer!… ¡Hay que vivir! (Pausa.) ¡Viviremos, tío Vania!… ¡Pasaremos

por una hilera de largos, largos días…, de largos anocheceres…, soportando pacientemente las

pruebas que el destino nos envíe!… ¡Trabajaremos para los demás, lo mismo ahora que en la vejez, sin saber de descanso!… ¡Cuando llegue nuestra hora, moriremos sumisos, y allí, al otro lado de la tumba, diremos que hemos sufrido, que hemos llorado, que hemos padecido amargura!… ¡Dios se apiadará de nosotros, y entonces, tío…, querido tío…, conoceremos una vida maravillosa…, clara…, fina!… ¡La alegría vendrá a nosotros y, con una sonrisa, volviendo con emoción la vista a nuestras desdichas presentes…, descansaremos!… ¡Tengo fe, tío!… ¡Creo apasionadamente!

¡Ardientemente!…¡Descansaremos! ¡Descansaremos!…

¡Oiremos a los ángeles, contemplaremos un cielo cuajado de diamantes y veremos cómo, bajo él, toda la maldad terrestre, todos nuestros sufrimientos, se ahogan en una misericordia que llenará el Universo!… ¡y nuestra vida será quieta, tierna, dulce como una caricia!…

¡Tengo fe!… ¡Tengo fe!…

¡Pobre!… ¡Pobre!… ¡Pobre tío Vania!… ¡Estás llorando! ¡Tu vida no conoció la alegría…, pero espera, tío Vania, espera!…

¡Descansaremos! (Abrazándole.)

LOS PREMIADOS:

PELÍCULA

La propera pell, dirigida por Isaki Lacuesta e Isa Campo

PELÍCULA EN LENGUA NO CATALANA

Un monstruo viene a verme, dirigida por Juan Antonio Bayona

DIRECCIÓN

Juan Antonio Bayona, por Un monstruo viene a verme

GUION

Isa Campo, Isaki Lacuesta y Fran Araújo por La propera pell

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ACTRIZ

Emma Suárez, por La propera pell

ACTOR

Eduard Fernández, por El hombre de las mil caras

DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

Sandra Hermida, por Un monstruo viene a verme

DOCUMENTAL

Alcaldessa, dirigida por Pau Faus

CORTOMETRAJE

Timecode, dirigida por Juanjo Giménez

PELÍCULA PARA TELEVISIÓN

Ebre, del bressol a la batalla, dirigida por Roman Parrado

ANIMACIÓN

Ozzy, dirigida por Alberto Rodríguez y Nacho La Casa

DIRECCIÓN ARTÍSTICA

Eugenio Caballero, por Un monstruo viene a verme

ACTRIZ SECUNDARIA

Alexandra Jiménez , por 100 metros

ACTOR SECUNDARIO

Karra Elejalde, por 100 metros

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MONTAJE

Jaume Martí y Bernat Vilaplana, por Un monstruo viene a verme

MÚSICA ORIGINAL

Sílvia Pérez Cruz, por Cerca de tu casa

FOTOGRAFÍA

Oscar Faura, por Un monstruo viene a verme

VESTUARIO

Nina Avramovic, por La mort de Lluís XIV

SONIDO

Oriol Tarragó, Peter Glossop y Marc Orts, por Un monstruo viene a verme

EFECTOS VISUALES

Félix Bergés, Pau Costa, David Martí y Montse Ribé, por Un monstruo viene a verme

MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

Marion Vissac y Antoine Mancini, por La mort de Lluís XIV

PELÍCULA EUROPEA

Elle, dirigida por Paul Verhoeven

GAUDÍ DE HONOR

Josep Maria Pou

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

HAMLET: RdP en TEATRO PRINCIPAL DE ZARAGOZA, por Yolanda Aguas

Publicado el 20/01/2017 por cinetfaro

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Con motivo de las conmemoraciones por el 400 aniversario del fallecimiento de William Shakespeare el pasado año, hubo un número considerable de producciones donde el protagonista era el genial dramaturgo inglés y su magistral obra. Al hilo de todo ello, la Compañía Nacional de Teatro Clásico y la propia compañía de Miguel del Arco, Kamikaze Producciones, estrenó una nueva versión de “Hamlet” que llega al Teatro Principal de Zaragoza en los primeros días de 2017. El reparto está formado por: Israel Elejalde, como Hamlet; Ángela Cremonte, como Ofelia; Daniel Freire, como Claudio; Cristóbal Suárez, como Laertes; José Luis Martínez, como Polonio; Jorge Kent, como Horacio, y Ana Wagener, como Gertrudis.

Como saben, Kamikaze Producciones es la compañía fundada por Miguel del Arco junto a su socio Aitor Tejada.

Miguel del Arco es uno de los directores de teatro más importantes de la escena contemporánea española. Entre sus múltiples facetas creativas ha desarrollado su labor como actor, guionista de cine y televisión, productor y director teatral.

La obra «Hamlet» se centra en la historia del príncipe de Dinamarca, que acaba de perder a su padre. Al dolor de la muerte de su progenitor se suma el hecho de que su madre, la reina, se ha casado con el tío de Hamlet, Claudio. El fantasma del rey se aparece ante Hamlet para revelarle un oscuro secreto: fue Claudio quien lo asesinó para ocupar el trono casándose con la reina. El fantasma del rey pide a Hamlet que vengue su muerte matando a Claudio.

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Según han explicado en la rueda de prensa de hoy en el Teatro Principal de Zaragoza, la revisión de la obra de Shakespeare “pretende dialogar con el espectador moderno. Pretendemos que el público se adentre en la mente del personaje y en su reflexión sobre temas como la fragilidad de la razón, el sufrimiento y el dolor. Queremos acercarnos y dialogar con el espectador moderno. Por ese motivo, hemos eliminado anacronismos no entendibles hoy en día”.

En la obra participan siete actores, a diferencia de la función clásica que cuenta con muchos más personajes. Algo que suele ser habitual en los últimos años para reducir los costes de producción.

El actor Israel Elejalde, protagonista de la función, ha hecho hincapié en la voluntad de Miguel del Arco para adentrarse en la mente de Hamlet y no dejar claro si lo que aparece es un fantasma o una elucubración. El director busca que el espectador reflexione sobre temas como el sufrimiento, el dolor y la fragilidad de la razón. Por otra parte, el espectador podrá comprobar que la separación de lo real e irreal está presente sobre el escenario durante toda la función.

Uno de los principales alicientes de esta obra, por no decir la principal, es la presencia de la actriz Ana Wagener (magnífica en todos sus trabajos).

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La representación de esta obra, que tendrá lugar este viernes y sábado, a las 20.30 horas, y este domingo, a las 18.30 horas.

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NOTA:

Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINET FARÖ.

La fotografía oficial de HAMELT es propiedad de Kamikaze Producciones.

PANORAMA DESDE EL PUENTE (Aut. Arthur Miller), por Yolanda Aguas

Publicado el 15/01/2017 por cinetfaro

Todavía recuerdo su imponente figura alejándose entre las columnas del Hotel de la Reconquista de Oviedo. Era ya muy tarde y él estaba cansado. Caminaba apoyado en un bastón y con la otra mano buscaba el brazo de su acompañante. Era el año 2002 y había obtenido el Premio Príncipe de Asturias de las Letras. “Maestro indiscutible del drama contemporáneo que, con independencia de espíritu y notable sentido crítico, ha logrado transmitir desde la escena las inquietudes, los conflictos y las aspiraciones de la sociedad actual, renovando así la permanente lección humanística del mejor teatro”, éstas fueron las palabras con las que el Jurado justificó su elección para tan prestigioso premio internacional.

También se lo pasó fenomenal en las comidas y cenas que compartió con el gran Woody Allen (Premio Príncipe de Asturias de las Artes en esa misma edición).

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“Panorama desde el puente” (A view from the bridge) — le supuso a Miller su segundo Pulitzer después del de 1949 por Muerte de un viajante. Célebre obra teatral que transcurre en los años cincuenta del pasado siglo, en los suburbios portuarios de Nueva York. En ese decorado, dominado por la imponente presencia del puente de Brooklyn, Miller aborda el drama de los inmigrantes ilegales, sobre cuya existencia precaria y clandestina se cierne la amenaza de los funcionarios de Inmigración y la posible expulsión del país. Tal es el caso de Marco (estupendo Pep Ambrós) y Rodolpho (Marcel Borràs, un agradable descubrimiento para mí), dos jóvenes hermanos sicilianos, huidos de la miseria de su tierra natal, que se refugian en la humilde casa del estibador Eddie Carbone (interpretado por el “emperador” Eduard Fernández).

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Éste, un ser impulsivo, de instintos tan bienintencionados como primarios, vive con su esposa Beatrice (Mercè Pons, que realiza una precisa y muy contenida interpretación) y una sobrina, Catherine (Marina Salas), una muchacha a la que Eddie quiere proteger obsesivamente del hostil mundo exterior. Entre Catherine y Rodolpho no tarda en surgir una mutua atracción, pero los celos y las sospechas comienzan a atormentar a Eddie y le impulsan a tomar un camino sin retorno.

La figura narrativa del abogado Alfieri (fantástico Jordi Martínez) emerge de la sombra y empieza su monólogo anunciando la tragedia que está a punto de contar. Un narrador que siempre está presente en escena observando toda la trama de la obra. Esta figura de la tragedia griega que Miller utilizó para dar las reflexiones más filosóficas sobre lo que sucede y sobre la miseria moral del personaje protagonista.

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Como si creara un mecanismo de precisión, Arthur Miller ensambla los elementos de esta tragedia en que se cruzan carácter y destino, traición y culpa, y que, como señala Eduardo Mendoza en el prólogo escrito especialmente para la edición en castellano, “enfrenta al espectador (o al lector) a un constante dilema; enjuiciar una conducta que sabe censurable, pero que difícilmente puede condenar sin reservas”. El texto en catalán fue traducido por Joan Sellent, artífice de impecables traducciones a ese bellísimo idioma.

La obra habla de personas, sujetos comunes y corrientes, dándole así carácter universal. El deseo incestuoso, el honor, la legalidad, la intolerancia y los conflictos culturales derivados de la inmigración son expuestos con profunda lucidez. Eddie Carbone se enamora de quien no debe. Al hacerlo, pone en riesgo a su familia y su buena reputación.

Destaco las escenas grupales. La secuencia inicial, la procesión religiosa y el combate de Eddie y Marco se desarrollan con indudable vitalidad. El reparto funciona como una sola unidad resaltando los pasajes más entrañables del montaje.

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El texto de Miller estará siempre asociado con la ruptura de la amistad de su autor con Elia Kazan por la denuncia de éste ante el Comité de Actividades Antiamericanas que el senador MacCarthy dirigió y con la relación del autor con Marilyn Monroe.

La dirección de esta nueva puesta en escena, producción del Teatre Romea, corre a cargo del francés Georges Lavaudant, prestigioso director escénico que trabaja con regularidad en nuestro país. En 1999 dirigió a Carme Elias y Lluir Homar en “Els gegants de la muntanya” (Los gigantes de la montaña) de Luigi Pirandello en la Sala Gran del TNC, y en 2006 en Madrid dirigió a Núria Espert y Lluís Homar en “Play Strindberg” de Friedrich Dürrenmatt en el Teatro de la Abadía, entre otros importantes trabajos.

La obra dura 110 minutos que pasan en un suspiro. Inmensa interpretación de Eduard Fernández, que nos ofrece momentos inolvidables. Destaco sus interactuaciones con el abogado en las que con maestría, contiene la rabia y las lágrimas hasta el momento de permitir que se deslicen sobre su demudado rostro.

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Ayer, tras la función, la compañía mantuvo un animado encuentro con el público asistente.

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NOTA:

Todas las fotografías oficiales de «Panorama desde el puente» son propiedad del Teatre Romea de Barcelona.

Las fotografías de la compañía saludando al final de la representación y posterior coloquio son propiedad de Yolanda Aguas para CINET FARÖ.

Las dos fotografías de la presencia de Arthur Miller en Oviedo son propiedad de sus autores.

TONY ERDMANN (Dir. Maren Ade), por Yolanda Aguas

Publicado el 14/01/2017 por cinetfaro

“Es tan importante el sentido del humor como el aire que respiramos” (Maren Ade)

Hace unos meses, mientras cenaba con ella, le comenté a la gran actriz Hanna Schygulla que en una semana viajaría a San Sebastián para cubrir la información de su festival de cine y que tenía muchas ganas de ver la película alemana “Tony Erdmann”. Ella me respondió: “Te gustará”.

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La película dirigida por Maren Ade es una deliciosa comedia, excéntrica, política y elegante, sobre las relaciones paternofiliales y el deshumanizado capitalismo en el que vivimos inmersos. Protagonizada por Sandra Hüller y Peter Simonischek, es una de las películas más premiadas del año y se estrena en España el próximo 20 de enero.

“Toni Erdmann” ha acumulado una buena cantidad de merecidísimos galardones: desde el FIPRESCI obtenido en Cannes a las cinco estatuillas de la Academia del Cine Europeo, y el Premio FIPRESCI a la Mejor Película del Año, que se entrega en el Festival de San Sebastián (es el Premio de la Crítica Internacional, el más riguroso y el más democrático).

Ines (Sandra Hüller) trabaja en una importante empresa alemana con sede en Bucarest. Tiene una vida perfectamente ordenada hasta que Winfried (Peter Simonischek), su padre, llega de improviso y le hace una pregunta inesperada: “¿Eres feliz?”. Incapaz de contestarle, su existencia se ve conmocionada por la presencia de ese padre del que se avergüenza un poco, pero que le va a ayudar a dar nuevamente sentido a su vida gracias a un personaje imaginario: el divertido Toni Erdmann.

No pretendo hacer spoilers, esta magnífica película merece ser vista sin demasiada información previa (no la necesita, de verdad…). Sólo permítanme varios comentarios.

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El propio Winfried sufre su propia crisis existencial notando un distanciamiento con su hija, que sus bromas ya no son tan respaldadas por aquellos más cercanos y mucho menos por los desconocidos; es un hombre que se ha quedado solo en su lucha y en peligro de extinción. Su maquillaje inicial representa ese concepto fúnebre en el que el humor ya se encuentra en un estado luctuoso, alcanzando el propio protagonista en tal percepción una simbiosis de payaso y espectro. Winfried Conradi (Peter Simonischek), por su parte, no tiene miedo de ejercer como bufón ante la sociedad, entregándose a un juego de personalidades que planteen un espejo sobre el que toda persona que quiera asomarse pueda verse reflejada.

Ines Conradi (Sandra Hüller) se convierte en una especie de mujer despiadada (poco o nada le importan las consecuencias de su trabajo en una multinacional: se dedica a despedir empleados para reflotar empresas) incluso para su propio padre, conduciéndonos a un planteamiento en el que la deshumanización de la civilización es más avanzado a cada paso que da cada nueva generación.

Winfried (Peter Simonischek) se va a dar cuenta que sus acciones burlescas pueden alejarle definitivamente del encuentro con su hija. Momento cumbre de la película es cuando Ines Conradi interpreta “The Greatest Love of All” de Whitney Houston, siendo una supuesta comunión de padre e hija el punto de giro para la consumación de un nuevo rechazo y plantón de Ines al estar más preocupada de utilizar su tiempo en sus confabulaciones para seguir ascendiendo dentro de su empresa que lo es todo para ella.

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Toda esa letra que parecía transcribir los sentimientos alegóricos, junto a su poderosa y verosímil interpretación, es una simple farsa y parte del engaño de un sistema en el que poco o nada importan los sentimientos.

Maren Ade, sin embargo, apuesta por la esperanza. De ahí que esta película deje un poso tan agradable: la constatación de que todavía hay que creer en el ser humano.

¡Maravillosa película¡

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

GOLDEN GLOBES: 2017, por Yolanda Aguas

Publicado el 09/01/2017 por cinetfaro

Definitivamente, la noche de entrega de los Golden Globes 2017 se recordará por el importante discurso de Meryl Streep.

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Streep convirtió su discurso de aceptación al recibir el premio Cecil B. DeMille a toda su trayectoria en los Globos de Oro, en una dura crítica al presidente electo, y explicó que ella se quedó abatida al ver cómo este se burló de un periodista discapacitado durante la campaña electoral.

«Hubo una interpretación este año que me asombró. No porque fuera buena. Fue ese momento cuando la persona que asumirá el asiento más respetado en nuestro país imitó a un periodista discapacitado. Me rompió el corazón cuando lo vi y aún no me lo puedo sacar de la cabeza porque no era en una película. Era la vida real. Este instinto de humillar cuando es utilizado por alguien en una plataforma pública, por alguien poderoso, llega a la vida de todos. La falta de respeto incita a la falta de respeto. La violencia incita a la violencia».

La tres veces ganadora del Oscar se refería a un momento del 2015 durante un mitin en Carolina del Sur en el que Trump agitó sus brazos y arrastró las palabras en una aparente burla al periodista del diario ‘New York Times’ Serge Kovaleski, quien tiene una discapacidad física. El magnate luego negó que estuviera imitando al reportero.

Si bien la actriz no nombró directamente a Trump, usó casi todo su discurso para criticar su comportamiento y políticas, y además instó a Hollywood a mantenerse firme contra cualquier ataque y apoyar la libertad de prensa a través de organizaciones como el Comité para la Protección de los Periodistas (CPJ, por su sigla en inglés).

La audiencia se mantuvo en un atónito silencio durante gran parte del discurso. Streep, nominada 30 veces a los Globos de Oro y ganadora de ocho premios, fue ovacionada por el público cuando dijo que Hollywood estaba lleno de extranjeros.

«Si los echan a todos, tendrán solo para ver el fútbol americano y las artes marciales mixtas, que no es arte», dijo Streep, mientras el público aplaudía.

La gran actriz finalizó su discurso con una referencia a su vieja amiga, la actriz de “La guerra de las galaxias” Carrie Fisher, quien murió el mes pasado tras un ataque cardiaco. «Como mi amiga, la querida y difunta princesa Leia, me dijo una vez, ‘Toma tu corazón roto y conviértelo en arte'», concluyó Streep con la voz entrecortada por la emoción.

Para nosotros, los otros dos momentos más importantes de la velada estuvieron protagonizados por el Director (Paul Verhoeven) y Actriz (Isabelle Huppert) de ELLE. Íbamos con ellos y su triunfo significó una gran alegría.

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LOS GANADORES EN LOS GLOBOS DE ORO 2017

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN CINE

Aaron Taylor-Johnson (ganador)
Mahershala Ali
Simon Helberg
Jeff Bridges
Dev Patel

MEJOR ACTOR EN SERIE DRAMÁTICA
Rami Malek
Bob Odenkirk
Matthew Rhys
Liev Schreiber
Billy Bob Thornton (ganador)

MEJOR ACTRIZ DE TV EN COMEDIA O MUSICAL
Rachel Bloom
Julia Louis-Dreyfus
Sarah Jessica Parker
Issa Rae
Gina Rodriguez
Tracee Ellis Ross (ganadora)

MEJOR SERIE DE COMEDIA
Atlanta (ganadora)
Blackish
Mozart in the Jungle
Transparent
Veep

MEJOR SERIE LIMITADA
American Crime
The Dresser
The Night Manager
The Night Of
The People v O.J. Simpson (ganadora)

MEJOR ACTRIZ EN SERIE DE EDICIÓN LIMITADA O PELÍCULA PARA TV

Felicity Huffman
Riley Keough
Sarah Paulson (ganadora)
Charlotte Rampling
Kerry Washington

MEJOR BANDA SONORA
Moonlight
La La Land (ganadora)
Arrival
Lion
Hidden Figures

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN TV

Sterling K. Brown
Hugh Laurie (ganador)
John Lithgow
Christian Slater
John Travolta

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL PARA

«Can’t Stop The Feeling!» de «Trolls»
«City of Stars» de «La La Land» (ganadora)
«Faith» de «Sing»
«Gold» de «Gold»
«How Far I’ll Go» de «Moana»

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN CINE
Viola Davis (ganadora)
Naomie Harris
Nicole Kidman
Octavia Spencer
Michelle Williams

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN TV
Olivia Colman (ganadora)
Lena Headey
Chrissy Metz
Mandy Moore
Thandie Newton

MEJOR ACTOR DE CINE DE COMEDIA O MUSICAL

Ryan Reynolds (ganador)
Colin Farrell
Ryan Gosling
Hugh Grant
Jonah Hill

MEJOR GUIÓN DE CINE

La La Land (ganadora)
Hell or High Water
Manchester by the Sea
Moonlight
Nocturnal Animals

MEJOR ACTOR EN SERIE DE EDICIÓN LIMITADA

Riz Ahmed
Bryan Cranston
Tom Hiddleston (ganador)
John Turturro
Courtney B. Vance

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Kubo and the Two Strings
Moana
My Life as a Zucchini
Sing
Trolls
Zootopia (ganadora)

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Neruda
Divines
Elle (ganadora)
The Salesman
Toni Erdmann

MEJOR ACTRIZ EN TV DRAMA
Caitriona Balfe
Claire Foy (ganadora)
Keri Russell
Winona Ryder
Evan Rachel Wood

MEJOR DIRECTOR
Damien Chazelle (ganador)
Tom Ford
Mel Gibson
Barry Jenkins
Kenneth Lonergan

MEJOR ACTOR EN TV COMEDIA O MUSICAL
Anthony Anderson
Gael Garcia Bernal
Donald Glover (ganador)
Nick Nolte
Jeffrey Tambor

MEJOR ACTRIZ DE CINE EN COMEDIA O MUSICAL
Annette Bening
Lily Collins
Hailee Steinfeld
Emma Stone (ganadora)
Meryl Streep

MEJOR PELÍCULA DE COMEDIA
20th Century Women
Florence Foster Jenkins
Deadpool
La La Land (ganadora)
Sing Street

MEJOR SERIE DE TV DRAMÁTICA

The Crown (ganadora)
Game of Thrones
Stranger Things
This Is Us
Westworld

MEJOR ACTOR DE CINE EN DRAMA

Casey Affleck (ganador)
Joel Edgerton
Andrew Garfield
Viggo Mortensen
Denzel Washington

MEJOR ACTRIZ DE CINE EN DRAMA
Amy Adams
Jessica Chastain
Isabelle Huppert (ganadora)
Ruth Negga
Natalie Portman

MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA

Hacksaw Ridge
Hell or High Water
Lion
Manchester by the Sea
Moonlight (ganadora)

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

LUCHINO VISCONTI, por Yolanda Aguas

Publicado el 07/01/2017 por cinetfaro

Como mencioné en mi artículo «LA LUNA (Dir. Bernardo Bertolucci)», dedicamos ahora un artículo al genial director italiano LUCHINO VISCONTI.

Éste no será “el artículo” que le dedicaremos, ya que pensamos debe ser muy exhaustivo y riguroso en el análisis de su genial obra cinematográfica. Nuestra intención ahora es simplemente acercar su figura a las nuevas generaciones que quizá no han tenido ocasión de ver sus maravillosas películas: Senso, Noches blancas, La terra trema, Rocco y sus hermanos, Confidencias, El Inocente, El Gatopardo, Ludwig, Muerte en Venecia o La caída de los dioses.

Queremos recomendar la lectura de varios libros publicados en España entre los años 1983 y 1984. Ambos son muy interesantes y están muy bien escritos.

El primero de ellos, LUCHINO VISCONTI de Gaia Servadio, fue publicado por ULTRAMAR con ISBN: 84-7386-3369-4 en julio de 1983. Es una biografía en la que la autora contó con la colaboración de la familia Visconti, sus amigos y colegas para realizar un retrato vivo y autorizado de este hombre “brillante y complejo”.

La autora hace un repaso a la vida de Luchino Visconti. Él que vivió un período excepcionalmente interesante y tumultuoso de la historia cultural y política europea. En 1930, él dejó su aristocrático hogar milanés para irse a vivir a París. Allí su vida y sus ideas cambiaron dramáticamente. Vivió tertulias de café con Cocteau, Chanel, Misia Sert y Salvador Dalí. Cambiaron incluso sus preferencias sexuales, de ser en su juventud un gran mujeriego, a finales de sus años 30 se convirtió en homosexual. Políticamente sucedió algo similar, pasó de coquetear con el fascismo y el nazismo, se convirtió al socialismo y finalmente se unió al Partido Comunista italiano y llegó a ser un héroe de La Resistencia en tiempo de guerra.

En el plano profesional, trabajó como ayudante de Jean Renoir y fue entonces cuando pudo desarrollar la gran pasión de su vida: el cine. Cultivó sus dotes de director en otros campos artísticos como la ópera, el ballet y el teatro. Y dio a conocer a grandes talentos: MARÍA CALLAS (que se enamoró de él), Marcelo Mastroianni, Franco Zefirelli y Michelangelo Antonioni.

El segundo libro, LUCHINO VISCONTI, la razón y la pasión, pertenece a la colección de Dirigido por… publicado por EDICIONES FABREGAT, S. A. con ISBN: 84-85999-02-9 en marzo de 1984. Su autor, Rafael Miret Jorba – realiza un deslumbrante trabajo. Es a mi juicio mucho mejor que el anterior porque el análisis que realiza de la obra del director milanés me parece sensacional. Escrito magníficamente, respeta la cronología creativa del director y cuenta –algo que siempre es de agradecer – con una exhaustiva relación de la filmografía, seguida por su teatrografía, discografía de las bandas sonoras de sus películas y una amplia bibliografía.

Ambos libros quizá estén ya descatalogados, pero sin duda podrán encontrarlos en bibliotecas de su ciudad. Con toda seguridad están en ese santuario para los amantes del cine que es la Biblioteca y Archivo de la Filmoteca de Catalunya. Gran biblioteca y grandes profesionales que les ayudarán y guiarán en aquellas consultas que puedan formularles.

Vida y obra de un genial director de cine: LUCHINO VISCONTI.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este post son propiedad de sus autores.

LAS INOCENTES (Dir. Anne Fontaine), por Yolanda Aguas

Publicado el 05/01/2017 por cinetfaro

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Polonia, invierno de 1945. Mathilde Beaulieu (Lou de Laage) es una interna que trabaja en una de las ramas de la Cruz Roja francesa que tiene como misión encontrar, tratar y repatriar a los supervivientes franceses de los campos alemanes. Un día, una monja polaca llega al hospital. La religiosa le pide su ayuda aunque no le explica el verdadero motivo. Mathilde la despide con frialdad diciéndole que acuda a la Cruz Roja Polaca.

Cuando la enfermera mira por la ventana, ve a la monja de rodillas en la nieve orando intensamente y con lágrimas en los ojos.

Mathilde cede y sigue a la religiosa hasta su convento. Allí se dará cuenta de que su misión cambiará ya que en su trabajo debía encargarse de encontrar, atender y repatriar a los sobrevivientes franceses de los campos de concentración nazi. Experimentará un quiebro al encontrar que muchas de las hermanas del convento están en avanzado estado de gestación.

Entonces aparece la madre superiora que se enoja con la religiosa que salió a buscar ayuda porque tiene miedo de que los embarazos les ocasionen problemas con el Vaticano y que cierren el convento.

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Al final se le permite a Mathilde ayudar solo si ella promete guardar el secreto y no traer a otros médicos. A ella le resulta abrumador guardar un secreto que implica a siete religiosas embarazadas y seguir con su trabajo cotidiano. Sin embargo, lo hace, a pesar de ser atea.

“Las Inocentes” está basada en hechos reales que ocurrieron durante la Segunda Guerra Mundial, cuando los miembros del Ejército Rojo llevaron a cabo una violación masiva de mujeres en su avance hacia Alemania. Entre las víctimas están las monjas polacas del convento que aparece en la película.

La película muestra a las religiosas bajo una luz simpática y positiva, dejando de lado a la Madre Superiora (interpretada por Agata Kulesza, quien consiguió reconocimiento internacional en el año 2013, gracias a ‘Ida’) que alberga un horrible secreto durante una buena parte del filme.

Al final, Mathilde llega a elaborar una perfecta y hermosa solución para que las monjas puedan mantener la relación con sus bebés sin vergüenzas ni represalias.

La historia llegó a su directora, Anne Fontaine, a través de dos productores franceses que conocieron al sobrino de esta joven doctora, que tenía la idea de hacer una película sobre su tía y guardaba el cuaderno de bitácora que contaba este encuentro. El documento era muy lacónico, con muy pocos detalles, así que a partir de ahí tuvieron que construir el resto de la historia y encontrar una verdad en algo imaginado.

Dos mundos muy diferentes, que al final se verán unidos por una crisis de fe. Por un lado, algunas de las religiosas cuestionan los designios de Dios al haber permitido las violaciones y, por otro, Mathilde sufre una crisis ideológica respecto al comunismo, ya que sus creencias chocan frente a las hermanas que han sufrido la violencia de los soviéticos. La fe es algo que no pertenece exclusivamente al mundo religioso. Al final es la fe en la vida la que guía a todos los personajes de ‘Las Inocentes”.

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La película aborda las diferentes reacciones a la maternidad que experimentan cada una de las religiosas embarazadas. En la película se expresan varios puntos de vista al respecto: que nada te obliga a ser madre, que puedes ser religiosa y ser madre y que también puedes no querer asumir en absoluto esta situación. Lo que ocurre en todas las mujeres, no sólo en las religiosas, para las que evidentemente el debate interno es mucho más violento. Y es un debate que se puede extender a mujeres violadas y a mujeres en general.

A destacar en este filme el trabajo pictórico y estilístico sobre los rostros. El rostro es una gran responsabilidad, sobre todo cuando al ser monjas sólo les ves la cara. Hay muchos primeros planos que son como pantallas. Tienen una fuerza de interpretación indiscutible.

La directora, Anne Fontaine, declaró que hubo un estudio previo bastante profundo sobre la pintura -también las pinturas de guerra- y trabajaron la luz con referencias del gran maestro Georges de La Tour, con una iluminación muy artesanal.

La película ganó el premio Fipresci de la pasada SEMINCI de Valladolid.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

LA DONCELLA (Dir. Park Cha-wook), por Yolanda Aguas

Publicado el 02/01/2017 por cinetfaro

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El director coreano Park Chan-wook ha filmado con exquisita elegancia la adaptación de una famosa novela.

Una joven (Sookee) es contratada como empleada doméstica y doncella personal de una rica mujer japonesa (Hideko), que vive recluida en una gran mansión bajo la influencia de su tirano tío, un viudo que pretende convertirla en su esposa. Sookee guarda un secreto y con la ayuda de un estafador que se hace pasar por un conde japonés, planea algo para Hideko.

La doncella, emulando a la novela en la que se basa, se divide en tres partes en las que conocemos el punto de vista de Sooke, el de Hideko y posteriormente la resolución de la intrincada trama en la que abunda el engaño y la mascarada.

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Apoyándose en el juego de la seducción, Park Chan Wook con una narración ágil y repleta de detalles termina absorbiendo al espectador por completo haciéndolo presa de su poética fotografía y su prosaica historia. Hace hincapié en indudables cuestiones sociales como la concepción de que los coreanos eran inferiores a los japoneses cuando no tratados directamente como ganado y de los usos sociales, que hacían de la dicción de la lengua y de la palabra una potente herramienta erótica.

Metraje largo pero entretenido que transcurre envolviendo al espectador en un espectáculo atractivo. Sus dos protagonistas femeninas, Kim Min-hee y Kim Tae-ri, ofrecen una convincente interpretación. La traición y la amoralidad como bellas artes, con embeleso estético y una idea perversa sobre los libros y la lectura, y una mirada irónica y romántica sobre la seducción.

El final de la película es sorprendente, (tendrán que ver la película…).

Destacamos además el diseño de producción, el preciosismo del vestuario, los tocados, los tomos de la biblioteca…

En definitiva, una película rodada de modo excepcional.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

LA LUNA (Dir. Bernardo Bertolucci), por Yolanda Aguas

Publicado el 01/01/2017 por cinetfaro

Me confieso incondicional del cine de LUCHINO VISCONTI. ¿Se acuerdan de él? Parece que su cine haya sido olvidado casi tan cruelmente como se suele olvidar a los muertos.

Anticipo ahora que pronto vamos a escribir una semblanza del maestro italiano, como nuestro particular homenaje a él y a sus grandes películas: Ludwig, Muerte en Venecia, La caída de los dioses, El Gatopardo, El Inocente o esa película “menor” en la que Burt Lancaster interpreta inolvidablemente a un viejo profesor: Confidencias.

Si tras el fallecimiento de Visconti, hubiéramos de citar a otro director europeo que siguió su particular estela, en cuanto a grandes producciones, ése sería sin duda alguna: Bernardo Bertolucci.

Bertolucci, director que firma películas importantísimas como El último emperador, El cielo protector, El último tango en París, Novecento, El conformista, La estrategia de la araña, Belleza robada o Pequeño Buda, entre otras…, escribió y rodó en el año 1979 la que para mí es una de sus mejores películas: LA LUNA.

LA LUNA, película que causó una gran polémica en el año de su estreno, narra la vida de Caterina, una famosa cantante de ópera norteamericana que, ante la repentina muerte de su esposo, tiene que llevarse con ella a su hijo durante una gira por Italia que no ha podido cancelar. A partir de ese instante, se inicia poco a poco una relación incestuosa entre madre e hijo al mismo tiempo que el joven, en la confusión propia de su temprana edad, se introduce peligrosamente en el mundo de la heroína. El hijo en su estancia en Italia anhela conocer a su padre biológico con el que apenas convivió siendo él un bebé.

Como siempre, las imágenes de Bertolucci son preciosas…

Caterina, perdida por completo en la soledad emocional que tantas veces acompaña a las grandes estrellas internacionales, se entrega también a la relación con su hijo en un viaje que poco a poco irá destruyéndola. Y es sólo cuando ella logra rescatar a su hijo de esa vorágine de destrucción, cuando vuelve a encontrar cierto equilibro en su vida.

Es obvio que en esta película, la luna simboliza a la madre. Ambos, luna y madre, antropológicamente hablando son elementos análogos que cumplen el mismo rol. No es casualidad que la película comience con un precioso plano de la luna con el hijo-bebé y su madre paseando en bicicleta a la luz de la luna y finalice con esa misma luna sobre los tres protagonistas: madre, hijo y padre recuperado. En el camino, el complejo de Edipo del hijo se resuelve cuando llega la presencia del padre verdadero y con él la aceptación del hijo, dejando así atrás esa carencia que le había arrastrado a la infelicidad. La madre, simbolizada por la Luna, recupera su lugar en esa relación entre padre e hijo, con lo que ella también queda liberada.

JILL CLAYBURGH, breve semblanza de la actriz protagonista de LA LUNA:

Jill Clayburgh nació el 30 de abril de 1944, en Nueva York, en el seno de una familia judía acomodada. Su madre Julia Louise era secretaria ejecutiva del productor teatral David Merrick y su padre Henry Clayburgh era industrial. Su abuela paterna fue la célebre cantante de ópera Alma Lachenbruch Clayburgh.

Su holgada situación económica le permitió educarse en los mejores colegios del Upper East Side de Manhattan. Cuando decidió convertirse en actriz ingresó al Charles Street Repertory Theater en Boston. En los años sesenta tuvo una intensa actividad en los escenarios teatrales de Broadway. En 1963 tuvo una pequeña participación en la cinta experimental “The Wedding Party” dirigida por Brian de Palma, Wilford Leach y Cynthia Munroe, pero la cual no se presentaría en público hasta 1969.

Jill Clayburgh vivió con Al Pacino entre los años 1970 y 1975, aunque nunca llegaron a casarse, lo cual haría el 8 de marzo de 1979 con David Rabe, con el que tuvo dos hijos: Michael y Lily Rabe.

Jill y David se mantuvieron juntos hasta el pasado 5 de noviembre de 2010 en que la actriz falleció de leucemia, enfermedad con la cual había luchado durante 20 años. Su hija Lily Rabe ha seguido la carrera de actriz en escenarios teatrales.

Jill mantuvo siempre una muy buena amistad con Meryl Streep, a pesar de que de cierta manera muchos de los pocos roles de mujeres independientes y decididas que se dieron en los años 80, cayeron en manos de Meryl. La carrera de Jill vino en declive sobre 1985, al escasear los buenos papeles para ella y entonces se refugió en la televisión. Uno de los últimos trabajos que realizó y que tuvo más reconocimiento fue precisamente en la serie Aly McBeal, donde interpretó a la madre de la protagonista.

Sin embargo, Jill Clayburgh tiene un lugar entre las grandes actrices del cine norteamericano del siglo XX, con papeles tan importantes como: Una mujer descasada, (por cuya interpretación obtuvo el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes de 1978), Comenzar de nuevo, El ladrón que vino a cenar, o esa gran interpretación bajo las órdenes de Costa Gravas: Hanna K.

Con este artículo, quiero rendir un homenaje a esta magnífica actriz. Les dejo a continuación algunas imágenes de Jill Clayburgh durante su trabajo en LA LUNA: