Santiago de Chile, 11 de septiembre de 1973. Mientras el golpe militar se despliega por todo el país, el capitán Jorge Silva, exjefe de Inteligencia de la Fuerza Aérea, recibe una orden que cambiará su vida para siempre: debe transformar la Escuela de Aviación, donde actualmente forma a jóvenes cadetes, en un centro de detención y tortura. Convencido de que el horror durará poco, Silva intenta mantenerse al margen. Pero la llegada del coronel Jahn, un viejo rival que regresa con un poder desmedido y asuntos pendientes, obliga a Silva a enfrentarse no solo a su pasado, sino también a sus creencias más profundas. A medida que los camiones comienzan a llenar el hangar de prisioneros y el ejercicio del poder se vuelve cada vez más despiadado, Silva se encuentra atrapado en una encrucijada imposible: la desobediencia podría costarle la vida, pero obedecer, también.

Hangar Rojo (2026), la opera prima del director chileno Juan Pablo Sallato. Tras su première mundial en la 76ª edición de la Berlinale (a competición en ‘Perspectives’), el largometraje tuvo su estreno español en la Sección Oficial del Festival de Málaga.

El largometraje está basado en el libro Disparen a la bandada, de Fernando Villagrán. La historia narra un capítulo largamente silenciado de la historia chilena, la de los oficiales y suboficiales de la Fuerza Aérea que se opusieron al golpe militar y que fueron violentamente reprimidos por sus propios compañeros. Entre ellos se encontraba el propio capitán, Jorge Silva. Villagrán, quien fue encarcelado durante la dictadura, reconstruye un relato inédito de resistencia interna dentro de la Fuerza Aérea de Chile, una historia mantenida en secreto y en el olvido durante décadas. Villagrán y el capitán Jorge Silva estuvieron presos en el mismo centro de detención, recluidos a pocas celdas de distancia.

Coproducida entre Chile, Argentina e Italia, Hangar Rojo es la primera película latinoamericana que explora el funcionamiento interno del mundo militar durante las dictaduras de los años setenta. El film se construye como un thriller político centrado en los personajes, retratando a hombres atrapados dentro de la maquinaria del poder militar en el preciso instante en que la historia los obliga a tomar partido.

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Andrea Spezzacatena tiene 15 años y necesita encajar en su nueva escuela. Unos pantalones rojos que se vuelven rosas tras un error de lavado son el detonante de una espiral de acoso que lo condena a un aislamiento silencioso.

Reconstrucción de la historia real de un joven, víctima del acoso escolar, que parte del libro escrito por su madre, Teresa Manes. A sus quince años, el chico inicia una nueva etapa escolar con la esperanza de integrarse pronto en el instituto. Vive una relación muy estrecha con su madre, Teresa, que aparece como figura de cuidado constante, y con un padre más distante y crítico. El protagonista inicia una amistad sincera con Sara y ambos acuden todas las semanas al cine.

Los dos se sienten fascinados con Christian, compañero repetidor y carismático, con liderazgo social y aparente seguridad. Andrea empieza a hacerse amigo suyo cuando el otro le pide ayuda con los deberes, aunque Sara le advierte que no se fíe de él.

El punto de inflexión llega cuando su madre mete en la lavadora unos pantalones rojos que adquieren un tono rosa que sin embargo gusta al muchacho, así que decide ponérselos para ir al centro escolar con naturalidad, como expresión de identidad propia. El gesto se convertirá en detonante de una humillación colectiva…

El filme describe una espiral de aislamiento en la que Andrea intenta resistir manteniendo su forma de vestir y su identidad, incluso pintándose las uñas del mismo color, pero esa afirmación personal es reinterpretada por el entorno como motivo para castigarle con injustificables insinuaciones homófobas. A la par, describe el bullying en toda su complejidad, mostrando la banalidad del mal, pues afirma que los agresores a menudo no son «monstruos», sino jóvenes comunes cuya falta de empatía y búsqueda de validación grupal los lleva a actos de crueldad extrema.

También resulta sobrecogedora su constatación de que la situación ha empeorado en tiempos de redes sociales, pues el acoso ya no termina al salir de clase; persigue a la víctima hasta su habitación a través de la pantalla.

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La XIII edición de los Premios Platino 2026 se llevó a cabo el pasado 9 de mayo en Riviera Maya, México, con una ceremonia que reunió a las grandes estrellas del universo audiovisual iberoamericano.

La gala contó con la conducción de Carlos Torres y Cayetana Guillén Cuervo, en una noche donde el cine, las series y las plataformas fueron protagonistas.

El cine español también tuvo una presencia destacada en el palmarés. ‘La Cena’ se llevó el premio a Mejor Comedia Iberoamericana de Ficción, mientras que ‘Sorda’ fue reconocida como Mejor Ópera Prima, confirmando el impacto que ha tenido entre crítica y público desde su estreno.

Además, Blanca Soroa obtuvo el premio a Mejor Interpretación Femenina gracias a su trabajo en ‘Los Domingos’, uno de los reconocimientos más celebrados de la gala. España mantiene así una posición sólida dentro del panorama audiovisual iberoamericano, apostando tanto por nuevas directoras y cine independiente como por propuestas más comerciales.

PALMARÉS completo de ganadores de los Premios Platino Xcaret 2026

Mejor Película Iberoamericana de Ficción: ‘O Agente Secreto’ (Brasil)

Mejor Comedia Iberoamericana de Ficción: ‘La Cena’ (España)

Mejor Película de Animación: ‘Olivia & Las Nubes’ (República Dominicana)

Mejor Película Documental: ‘Apocalipse Nos Trópicos’ (Brasil)

Mejor Ópera Prima: ‘Sorda’ (España)

Mejor Dirección: Kleber Mendonça Filho por ‘O Agente Secreto’ (Brasil)

Mejor Interpretación Masculina: Wagner Moura por ‘O Agente Secreto’ (Brasil)

Mejor Interpretación Femenina: Blanca Soroa por ‘Los Domingos’ (España)

Mejor Guion: Kleber Mendonça Filho por ‘O Agente Secreto’ (Brasil)

Mejor Miniserie o Teleserie Cinematográfica: ‘El Eternauta’ (Argentina)

Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie: Ricardo Darín por ‘El Eternauta’ (Argentina)

Mejor Interpretación Femenina en Miniserie o Teleserie: Paulina Gaitán por ‘Las Muertas’ (México)

Mejor Creador en Miniserie o Teleserie: Bruno Stagnaro por ‘El Eternauta’ (Argentina)

Mejor Serie de larga duración: ‘Beleza Fatal’ (Brasil)

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La donación millonaria de una nonagenaria a un joven artista desata un escándalo que lleva a su hija a destapar una presunta corrupción política en la que está implicado un expresidente. Película inspirada en la figura de Liliane Bettencourt, la que fue la mujer más rica del mundo como heredera de L’Oréal y protagonista de uno de los escándalos más célebres de Francia.

Película inspirada en hechos reales ligados a la familia Bettencourt y el grupo L’Oréal, aunque se han cambiado los nombres para poder tomarse las consiguientes libertades narrativas.

Thierry Klifa, director y coguionista, tiene la gran fortuna de contar con el protagonismo de la gran Isabelle Huppert, que borda su personaje de mujer empoderada, al que se le dan muchos matices, pues muestra quizá aburrimiento por disponer del dinero que quiera a su antojo, que en la relación con su familia nota ciertas rigideces, y que en Fantin ve una suerte de liberación, al mismo tiempo que se sugiere que puede padecer algún deterioro cognitivo, ya no está en su mejor forma.

Se trata de un film sin estridencias, que tiene claro lo que pretende contar, y que ha sabido escoger muy bien a los actores.

Es cierto que a veces puede ser algo reiterativo, pero Laurent Lafitte da el tipo perfecto de caradura con encanto y desparpajo, la extraordinaria Marina Foïs compone bien a la hija que no puede tragar con lo que le parece injusto, y Raphael Personnnaz es el empleado leal, capaz de jugarse el futuro por evitar que se aprovechen de la mujer a la que sirve.

Con menos presencia, pero el mismo interés, lo hacen bien André Marcon, el marido, y Mathieu Demy, el esposo judío de Frédérique, también en relación a un secreto que sale a la luz, y sus reacciones sobre cómo encararlo.

Es una película muy entretenida con el interés añadido de la siempre fascinante presencia de Isabelle Huppert.

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Manfred (Mads Mikkelsen), cuyo trastorno le hace creerse John Lennon y olvidar dónde enterró el dinero del robo por el que su hermano Anker (Nikolaj Lie Kaas) ha pasado 15 años en la cárcel. Recién liberado, emprenden juntos la búsqueda del tesoro mientras tratan de descubrir quiénes son.

Así arranca una sinuosa comedia negra llena de registros impredecibles, cruce entre los Coen y Roy Andersson, que cosechó excelentes críticas en Venecia y Toronto.

Anders Thomas Jensen es un director y guionista danés, conocido por su estilo irreverente, oscuro y profundamente humano. Nacido en 1972 en Frederiksværk, Dinamarca, Jensen se ha destacado tanto por su labor como realizador como por su trabajo en guiones para algunos de los cineastas más importantes de su país.

Su cine combina el humor negro con una mirada compasiva hacia personajes excéntricos y moralmente ambiguos. A través de historias que oscilan entre lo absurdo y lo trágico, Jensen explora temas como la redención, la culpa y la amistad, siempre con un tono singular que mezcla crudeza y ternura. Películas como Flickering Lights, Adam’s Apples o Men & Chicken reflejan su talento para equilibrar la sátira y la emoción, consolidándolo como una figura esencial del cine danés contemporáneo y una voz única dentro del panorama europeo.

El protagonista y su hermano ofrecen interpretaciones contenidas y magnéticas, cargadas de silencios que pesan más que cualquier discurso en este mosaico coral de identidades quebradas y destinos cruzados.

El resultado es una película trepidante, intensa y a menudo muy divertida, que no renuncia a la emoción ni al trasfondo moral. Bajo la apariencia de comedia salvaje late un melodrama extraordinario sobre la pérdida, la culpa y la necesidad de sentido. Una película extraordinaria que incluye a Abba y los Beatles, que invita a reír, a estremecerse y a reflexionar.

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En 1977, durante la dictadura militar brasileña, Marcelo, un profesor que huye de un pasado turbulento, regresa huyendo a la ciudad de Recife, donde espera construir una nueva vida y reencontrarse con su hijo. Pero pronto se da cuenta de que la ciudad está lejos de ser el refugio que busca, que las fuerzas gubernamentales le persiguen y las amenazas de muerte se ciernen sobre él.

El agente secreto es sobre el papel una película de espías. Presenta el drama de un hombre solo que busca a su hijo y se encuentra quién sabe si con una muerte segura. Es eso y el relato de una ciudad acosada por un silencio culpable; un silencio que se filtra por las paredes, embota los sentidos y arruina la más mínima posibilidad de esperanza. 

Su queja no existe para llamar la atención, sino para sostener la verdad frente al ruido, frente al fascismo.

Wagner Moura interpreta a un hombre de pasado oscuro. Una periodista investiga desde el presente lo que pasó años atrás convertida ella en una especie de narrador poco fiable. El espectador es invitado a deducir que lo que se cuenta es la historia de un agente encubierto en el Brasil de los años 70, cuando una brutal dictadura regía la vida y el miedo de todos.

El protagonista intenta escapar de lo que fue, deja São Paulo y se traslada a Recife en busca de probablemente algo tan elemental como su supervivencia. Busca eso y a su hijo que quedó con los abuelos. Sin embargo, pronto descubre que la ciudad, en plena celebración de un Carnaval que no acaba entre el sudor y la sangre, está muy lejos de ser un refugio seguro.

Es una película sobre la dictadura de Brasil, pero en verdad lo es sobre cualquiera de ellas en cualquier momento.

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Guillermo Francella será homenajeado con el Premio PLATINO de Honor porsu sobresaliente trayectoria interpretativa en el audiovisual iberoamericano durante la gala de los XIII Premios PLATINO XCARET, el próximo 9 de mayo en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret, en Riviera Maya (México).

• Este reconocimiento pone en valor la contribución del actor argentino a la creación de un patrimonio fílmico iberoamericano, formando parte imprescindible de la historia de nuestro audiovisual gracias a su participación en títulos tan diversos como inolvidables en cine y televisión.
• FRANCELLA: DEL ÉXITO POPULAR A LA CONSAGRACIÓN INTERNACIONAL
• Con una trayectoria que se extiende a lo largo de más de cuatro décadas, Guillermo Francella se ha consolidado como uno de los intérpretes más populares y reconocibles de Argentina, desarrollando una carrera sostenida en cine, teatro y televisión que lo ha situado como una figura central del audiovisual iberoamericano.
• En el ámbito televisivo, su nombre quedó tempranamente asociado a algunos de los mayores éxitos de la comedia argentina, protagonizando títulos como De carne somos, La familia Benvenuto, Brigada cola, Un hermano es un hermano, Naranja y media, Trillizos, Poné a Francella, Durmiendo con mi jefe, Casados con hijos o El hombre de tu vida. Su trabajo en este género, marcado por una extraordinaria conexión con el público, ha sido reconocido en nueve ocasiones con el premio Martín Fierro como actor de comedia, el máximo galardón de la televisión argentina, a los que se suma el Martín Fierro de Oro de Cine y Series obtenido en 2024.
• De forma paralela, su labor sobre los escenarios ha dado lugar a destacados éxitos teatrales como Los productores y El joven Frankenstein, de Mel Brooks; Los reyes de la risa, de Neil Simon; La cena de los tontos, de Francis Veber (obra que también dirigió en su versión de 2009); Dos pícaros sinvergüenzas; Nuestras mujeres, de Eric Assous o Desde el Jardín, versión teatral de la emblemática película de Peter Sellers que se encuentra representando actualmente. Asimismo, desarrolló su faceta como director teatral con títulos como Perfectos desconocidos, adaptación de la obra de Paolo Genovese.
• Tras protagonizar diversas películas de gran popularidad entre finales de los años noventa y la primera década de los 2000, de entre las que destaca el filme mexicano Rudo y Cursi, guionizado y dirigido por Carlos Cuarón; su carrera cinematográfica atravesó un punto de inflexión con el éxito internacional de El secreto de sus ojos, una de las obras cumbre del cine iberoamericano, considerada día de hoy película de culto, dirigida por Juan José Campanella y galardonada con el Premio Oscar a la mejor película en lengua extranjera. A partir de este momento, la profundidad dramática y la profusión de personajes de creciente complejidad actoral se ha mantenido como una constante en la carrera del intérprete.
• Desde entonces, ha participado en una amplia variedad de producciones bajo la dirección de cineastas como Ana Katz (Los marziano), Eduard Cortés (Atraco), Marcos Carnevale (Corazón de León), Daniel Burman (El misterio de la felicidad), o Gastón Duprat y Mariano Cohn (Mi obra maestra), manteniendo siempre una constante búsqueda de nuevos desafíos interpretativos.
• Especial relevancia alcanza su interpretación de Arquímedes Puccio en El clan, de Pablo Trapero, por la que obtuvo el Premio PLATINO a Mejor Interpretación Masculina, consolidando su reconocimiento internacional en el ámbito dramático.
• Su filmografía reciente incluye títulos como Los que aman, odian (Alejandro Maci), adaptación de la obra de Silvina Ocampo y Adolfo Bioy Casares; Animal (Armando Bo); o El robo del siglo (Ariel Winograd). Con la llegada del ecosistema de plataformas, protagonizó Granizo (Marcos Carnevale), estrenada en Netflix y convertida en un éxito global, así como el thriller La extorsión (Martino Zaidelis).
• En televisión reciente, su participación en la serie El encargado, creada por Duprat y Cohn, se ha convertido en un fenómeno en Argentina, Latinoamérica y España, reconocimiento que se vio refrendado con el Premio PLATINO a la Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie en 2023.
• Su último estreno, Homo Argentum, nuevamente bajo la dirección de Duprat y Cohn, ha alcanzado cifras récord de taquilla en Argentina y le ha valido una nominación al Premio PLATINO a la Mejor Interpretación Masculina en la presente edición, donde la película también compite como Mejor Comedia Iberoamericana de Ficción.
• A lo largo de su trayectoria, Guillermo Francella ha construido una obra caracterizada por su versatilidad y por su capacidad para transitar con naturalidad entre la comedia y el drama, consolidando una presencia imprescindible en el imaginario audiovisual iberoamericano.
• Con la concesión del Premio PLATINO de Honor, se reconoce no solo una carrera de extraordinaria amplitud y popularidad, sino también la contribución de un intérprete que ha sabido acompañar la evolución de la industria, enriqueciendo con su trabajo el patrimonio cultural común del audiovisual en español.
• Con este galardón, Guillermo Francella sucede a Eva Longoria, última distinguida con el PLATINO de Honor, después de que en ediciones anteriores recibieran este reconocimiento figuras del mundo iberoamericano tan destacadas como Eva Longoria (2025), Cecilia Roth (2024), Benicio del Toro (2023), Carmen Maura (2022), Diego Luna (2021), Raphael (2019), Adriana Barraza (2018), Edward James Olmos (2017), Ricardo Darín (2016), Antonio Banderas (2015) y Sônia Braga (2014).
• La entrega del Premio PLATINO de Honor a Guillermo Francella será uno de los momentos más destacados de la gala de los Premios PLATINO XCARET, que se celebrará el próximo 9 de mayo en Riviera Maya (México), reafirmando el compromiso de estos galardones con la promoción y el reconocimiento del talento iberoamericano en el ámbito audiovisual. 
• La XIII edición de los Premios PLATINO XCARET es posible gracias al apoyo de Quintana Roo, Riviera Maya y Grupo XCARET.
• Los Premios PLATINO XCARET son promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales) y FIPCA (Federación Iberoamericana de Producción Cinematográfica y Audiovisual), en colaboración con FIACINE (Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas). Además, cuentan con el respaldo de ONU Turismo, las Academias e Institutos de Cine iberoamericanos, WAWA e ICAA, así como con la colaboración de patrocinadores como AIE, Hertz, CREA SGR, L’Oréal, Mrs Greenfilm, Telemundo, Universo, TNT y HBOMAX.
• Asimismo, IBERIA continúa como compañía aérea oficial, conectando culturas y subrayando su apoyo al talento. Y cumpliendo este año 12 años del patrocinio del Premio del Público. Además, IBERIA posibilita —como lo ha hecho desde los inicios de los Premios PLATINO— que los invitados puedan estar presentes en la gran fiesta del audiovisual iberoamericano.

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Man-su, un especialista en la fabricación de papel con 25 años de experiencia, está tan satisfecho con su vida que puede decirse sinceramente a sí mismo: «Lo tengo todo». Mientras pasa felizmente sus días con su esposa Miri, sus dos hijos y sus dos perros, Man-su recibe de repente la noticia de que ha sido despedido de su empresa. Sintiéndose como si le hubieran cortado la cabeza con un hacha, Man-su se compromete a encontrar un nuevo trabajo en los próximos tres meses por el bien de su familia.

A pesar de su firme determinación de darle un giro a su vida, Man-su pasa más de un año yendo de una entrevista de trabajo a otra, hasta que finalmente consigue un empleo en una tienda minorista. Se encuentra en peligro de perder la casa que tanto le costó comprar.

“No hay otra opción” es la segunda adaptación de la novela «The Ax» de Donald E. Westlake. La primera se estrenó hace dos décadas, y también resultó ser excelente. Nos referimos a “Arcadia”, la última gran obra del director franco-griego Costa-Gavras, autor de clásicos del cine europeo como “Z” (69) y “Estado de sitio” (73).

Park ha declarado que, después de leer la novela de Westlake, quiso llevarla a la pantalla inmediatamente; y sólo más tarde supo que ya existía la versión de Costa-Gavras, al que, no obstante, ha homenajeado dedicándole su película. En cualquier caso, a pesar de contar la misma historia en un tono de comedia muy negra, las dos son bastante diferentes.

Tratándose de una película dirigida por el realizador de “Old Boy” lo que también encontramos es un apabullante despliegue visual. Park se las arregla para convertir cada uno de los disparatados crímenes del Man-su en una pieza de set brillante e imaginativa. 

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Sin piedad (título español de Mercy) plantea una trama trepidante ambientada en Los Ángeles del año 2029. El protagonista, un detective interpretado por Chris Pratt, se despierta con la acusación de haber asesinado a su esposa y tiene exactamente 90 minutos para demostrar su inocencia ante un tribunal dirigido por una inteligencia artificial avanzada que él mismo ayudó a crear.

Este enfoque combina elementos clásicos del thriller judicial con una potente capa de ciencia ficción, explorando temas como el papel de la tecnología en la justicia y la vulnerabilidad humana cuando el sistema se vuelve implacable.

Debido a a un alto índice de delincuencia los gobernadores decidieron implementar el programa MERCY, un sistema judicial regido por inteligencia artificial y creado por el propio inspector.  Raven es acusado de haber matado a su esposa, las pruebas apuntan hacia él. Con acceso a la base de datos municipal, gracias a la I.A., deberá demostrar su inocencia o será ejecutado de manera inmediata.  Durante el proceso descubre secretos sobre su esposa que desconocía. Una infidelidad, engaños y contrabando; ocultos a los ojos de Raven hasta el momento hacen que se cuánto la conocía realmente.

A medida que investiga encuentra incoherencias, no le encuentra sentido a defenderse del asesinato de su mujer. Sobre todo, ¿por qué lo hace el sistema que el mismo creó? Descubre que había un motivo oculto, su esposa no era el objetivo, sino él. Nuevas amenazas y un temporizador que está a punto de quedarse a cero. Raven debe encontrar la manera de salvarse.

Una historia donde se combinan alta tecnología, dilemas morales y acción implacable, Sin piedad es una cita indispensable en cartelera.

En el apartado interpretativo, además de Chris Pratt como el detective bajo presión, el filme cuenta con la presencia fascinante de Rebecca Ferguson en el papel de la jueza de I.A., aportando una presencia fría y determinante que incrementa la tensión dramática.  El reparto se completa con nombres como Annabelle Wallis, Chris Sullivan, Kylie Rogers y Kali Reis.

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Agnes (interpretada por la propia Eva Victor), una estudiante de posgrado en una universidad del noreste de los EUA, atraviesa una experiencia traumática que trastorna su vida.

La escena en concreto no se muestra, ocurre fuera de campo, intuida a través de las paredes de una casa mientras el sol cae en un plano fijo y distante. Esa decisión ética y estética habla de la voluntad de Victor de filmar el espacio que los actos dejan tras su paso.

En una inversión radical de la intención espectacular de Gaspar Noé en Irreversible, el filme renuncia a reproducir la violencia y elige filmar sus ecos.  No es la única película que lo hace: recientemente pudimos verlo en “Siempre nos quedará mañana” de la directora, guionista y actriz Paola Cortellesi.

Eva Victor dirige, escribe e interpreta un debut genuino que invita a la reparación y la ternura, y que llega a los cines españoles el 27 de febrero. Merece, al igual que la protagonista, una escucha activa, una de esas que acompaña suavemente, de la que tiende la mano.

 Sorry, Baby, el largometraje producido por A24 y nominado en Sundance a mejor guion y a los Globos de Oro por mejor actriz principal, el largometraje producido por A24 invita a aferrarse a las bondades, a las más pequeñas, a las recién nacidas y aún por venir.

Pareciera que tras la oleada de cine feminista tras el movimiento #MeToo, de la que pocos filmes sobrevivieron a la denostación del público general o de la instrumentalización comercial baratera del sufrimiento de las víctimas, poco cine ha querido subrayar o poner sobre la mesa lo que Sorry, Baby hace con naturalidad.

En un momento en el que el feminismo es la mayoría de las veces irritante en los foros populares, el debut de Eva Victor viene a alumbrar con un ejercicio sólido sobre una historia escrita, dirigida e interpretada por una mujer queer que no pretende ofrecer respuestas. Más bien alumbramiento natural, lento.

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