EL FARO (Dir. Robert Eggers)

Texto: Yolanda Aguas


Una remota y misteriosa isla de Nueva Inglaterra en la década de 1890. El veterano farero Thomas Wake (Willem Dafoe) y su joven ayudante Ephraim Winslow (Robert Pattinson) deberán convivir durante cuatro semanas. Su objetivo será mantener el faro en buenas condiciones hasta que llegue el relevo que les permita volver a tierra. Pero las cosas se complicarán cuando surjan conflictos por jerarquías de poder entre ambos. Las tormentas, la soledad y el arduo trabajo, provocarán en los protagonistas trágicos conflictos personales. La niebla y la furia del mar inyectarán sórdidos cantos de sirena y relatos de marineros muertos.

El director, Robert Eggers, propone un cine de terror sin artificios. Más preocupado por la pura construcción cinematográfica que por el susto gratuito. Son patrimonio del director estadounidense el gusto por la narrativa visual clásica, la construcción del cine mediante el montaje y la combinación de planos y la ausencia de efectos especiales. Así conforma un celuloide sobrio, honesto y de calidad impecable.

Esta película es una sublimación del relato gótico actualizado a nuestros tiempos, un turbio estanque de felicidad para los amantes del terror y el reflejo de la más pura tradición expresionista. Por momentos, es un guiño al cine de Bergman y sus desdoblamientos.

A nivel formal y de guion, la película es pura esencia que brilla con un duelo interpretativo inolvidable, como aquel entre Lawrence Olivier y Michael Kane en aquella obra maestra de Mankiewicz titulada “La huella” (1972).

Una gran película con una fotografía de ensueño.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

PREMIOS FEROZ (VII Edición): PALMARÉS

‘DOLOR Y GLORIA’ Y ‘HIERRO’ TRIUNFAN EN LOS PREMIOS FEROZ 2020

La película de Pedro Almodóvar logra los galardones a mejor drama, dirección, guion, actor protagonista (Antonio Banderas), actriz de reparto (Julieta Serrano) y música original (Alberto Iglesias).

Belén Cuesta, Javier Cámara, Candela Peña y Enric Auquer se reparten el resto de premios de interpretación

Muchas estrellas y una destacada representación institucional encabezada por el ministro de Cultura han acudido a la gala celebrada en Alcobendas

La VII ceremonia de entrega de los PREMIOS FEROZ®, organizados por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE), se ha celebrado esta noche en el Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas, ha coronado a ‘Dolor y gloria’ como la gran favorita de la prensa al sumar seis galardones: mejor película dramática, mejor dirección y guion (ambos de Pedro Almodóvar), mejor actor protagonista (Antonio Banderas), mejor actriz de reparto (Julieta Serrano) y mejor música original (Alberto Iglesias). El realizador manchego ha subido varias veces al escenario muy emocionado a recoger sus estatuillas. La gala ha rendido también homenaje a Penélope Cruz, natural de Alcobendas y actriz de la película, que puso el nombre de su ciudad en órbita cuando recogió el Oscar en 2009.

El resto de premios en las categorías de cine han quedado muy repartidos. La ópera prima de Aritz Moreno, ‘Ventajas de viajar en tren’, se ha hecho con la estatuilla a la mejor película de comedia. Belén Cuesta ha obtenido el Premio Feroz L’Oréal Professionnel a la mejor actriz protagonista por ‘La trinchera infinita’ y Enric Auquer ha hecho doblete como actor de reparto de cine con ‘Quien a hierro mata’ y de series con ‘Vida perfecta’.

Precisamente esta serie, dirigida por Leticia Dolera, se ha llevado el premio a la mejor comedia en la categoría de televisión, mientras ‘Hierro’ ha sido elegida mejor drama y su protagonista, Candela Peña, mejor actriz. Como mejor actor los miembros de la AICE han destacado a Javier Cámara por ‘Vota Juan’ y como mejor actriz de reparto a Yolanda Ramos por ‘Paquita Salas’.

Los Premios Feroz han destacado también al largometraje ‘La ciudad oculta’, de Víctor Moreno, como mejor documental del año. Además, la ópera prima de Alfonso Cortés-Cavanillas, ’Sordo’, ha obtenido el Premio Especial a una película que hubiera merecido mejor suerte en su carrera comercial.

Finalmente, el ilustrador Miguel Navia ha ganado el premio al mejor Feroz FlixOlé al mejor cartel por su trabajo para ‘El crack cero’, mientras Miguel Ángel Trudu el de mejor tráiler por ‘Adiós’.

El único galardón previamente conocido era el Feroz de Honor para dos leyendas de nuestro cine, los hermanos Julia y Emilio Gutiérrez Caba; figuras del séptimo arte que agradecían tanto a los críticos como a los que se dedican a esta profesión porque “los que hacen arte son los que levantan los países”.

La gala de premios ha estado presentada por la actriz María Hervás y escrita y dirigida por Raúl Díaz y Álvaro Velasco apoyados en el guion por Mario Díaz. Como entregadores han participado nombres tan dispares como los actores Paco León, Anna Castillo, Carlos Cuevas, Enrique Arce, Carlos Areces, Leonor Watling, Belén Rueda, Martiño Rivas, Eva Santolaria, Victoria Abril, el director Nacho Vigalondo, el humorista Miguel Maldonado, la guionista Isa Calderón o la periodista Gloria Serra.

“La AICE es una asociación de 230 miembros, periodistas y críticas y críticos de cine y series que cubrimos vuestro trabajo”, ha recordado la presidenta, María Guerra, en su tradicional brindis de la gala, que por segundo año se realiza con vino de la denominación de origen Ribera del Duero. “Nos gusta recordar que somos la correa de transmisión entre vuestro trabajo y el público. Y que nuestra intención con estos premios es destacar las películas y series que nos han parecido más relevantes, desde la admiración y la humildad”.

Los PREMIOS FEROZ® 2020 se ha retransmitido en directo por LaOtra de Telemadrid, con un amplio programa previo de alfombra roja. También se han podido ver en la página web de Telemadrid  y en Youtube.

El escenario de la gala ha brillado como nunca gracias a Silestone by Cosentino, que ha realizado el suelo en su Silestone Eternal Noir, un material que ofrece un intenso y brillante tono negro donde unas vertiginosas vetas, de colores blancos y naranjas, que no dejan indiferente a nadie.

La ceremonia ha contado con una importante representación institucional encabezada por el nuevo ministro de Cultura y Deporte, José Manuel Rodríguez Uribes, que ha elegido los Premios Feroz para hacer su primera aparición institucional. También han acudido la recién nombrada ministra de Trabajo, Yolanda Díaz; el vicepresidente de la Comunidad de Madrid, Ignacio Aguado; la consejera de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Marta Ribera de la Cruz; el alcalde de Alcobendas, Rafael Sánchez Acera; y el vicealcalde de la localidad, Miguel Ángel Arranz.

Los Premios Feroz 2020 están organizados por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE) y patrocinados por el Ayuntamiento de Alcobendas, la Fundación Ciudad de Alcobendas, la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Film Madrid y Mercedes-Benz. Cuentan con la colaboración L’Oréal Professionnel, Silestone by Cosentino, la revista ¡Hola!, HBO España, la denominación de origen Ribera del Duero, la plataforma de cine FlixOlé, Azul Marino Viajes y Yellow Cab Alcobendas, así como con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA). Telemadrid y Onda Madrid son los medios oficiales.

La AICE es un grupo plural de más de 230 periodistas y críticos dedicados a informar sobre cine en televisión, radio, prensa e Internet de todo el país. Desde 2014 entregan los PREMIOS FEROZ® para destacar lo mejor de la producción audiovisual española del año.

PALMARÉS DE LOS PREMIOS FEROZ 2020

Mejor película dramática: Dolor y gloria. El Primer Deseo A.I.E. y El Deseo D.A.S.L.U.

Mejor película de comedia: Ventajas de viajar en tren. Morena Films, Señor y Señora, S.L.

Mejor dirección: Pedro Almodóvar por Dolor y gloria

Premio Feroz L’Oréal Professionnel a la mejor actriz protagonista de una película: Belén Cuesta por La trinchera infinita

Mejor actor protagonista de una película: Antonio Banderas por Dolor y gloria

Mejor actriz de reparto de una película: Julieta Serrano por Dolor y gloria

Mejor actor de reparto en una película: Enric Auquer por Quien a hierro mata

Mejor guion: Pedro Almodóvar por Dolor y gloria

Mejor música original: Alberto Iglesias por Dolor y gloria

Mejor tráiler: Miguel Angel Trudu por el tráiler de Adiós

Premio Feroz FlixOlé al mejor cartel: Miguel Navia por el cartel de El crack cero

Mejor documental: La ciudad oculta. El Viaje Producciones

Premio Especial:  Sordo. La Caña Brothers

Mejor serie dramática: Hierro. Movistar +

Mejor serie de comedia: Vida perfecta. Movistar +

Mejor actriz protagonista de una serie: Candela Peña por Hierro

Mejor actor protagonista de una serie: Javier Cámara por Vota Juan

Mejor actriz de reparto de una serie: Yolanda Ramos por Paquita Salas

Mejor actor de reparto de una serie: Enric Auquer por Vida perfecta

Premio Feroz de Honor:  Julia Gutiérrez Caba y Emilio Gutiérrez Caba

La AICE es un grupo plural de más de 230 periodistas y críticos dedicados a informar sobre cine en televisión, radio, prensa e Internet de todo el país. Desde 2014 entregan los PREMIOS FEROZ® para destacar lo mejor de la producción audiovisual española del año.

Los Premios Feroz 2020 están organizados por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE) y patrocinados por el Ayuntamiento de Alcobendas, la Fundación Ciudad de Alcobendas, la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Film Madrid y Mercedes-Benz. Cuentan con la colaboración L’Oréal Professionnel, Silestone by Cosentino, la revista ¡Hola!, HBO España, la denominación de origen Ribera del Duero, la plataforma de cine FlixOlé y Yellow Cab Alcobendas así como con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA). Telemadrid y Onda Madrid son los medios oficiales.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de la AICE.

EL OFICIAL Y EL ESPÍA (Dir. Roman Polanski)

Texto: Yolanda Aguas


En 1894, el capitán francés Alfred Dreyfus, un joven oficial judío, es acusado de traición por espiar para Alemania y condenado a cadena perpetua en la Isla del Diablo, en la Guayana Francesa. Entre los testigos que hicieron posible esta humillación se encuentra el coronel Georges Picquart, encargado de liderar la unidad de contrainteligencia que descubrió al espía. Pero cuando Picquart se entera de que se siguen pasando secretos militares a los alemanes, se adentrará en un peligroso laberinto de mentiras y corrupción, poniendo en peligro su honor y su vida.

Una película como El oficial y el espía (mal traducida de su original «Yo acuso») es imposible separarla de su autor, Polanski, desde el mismo arranque: en una gran plaza, ante la mirada de todos sus colegas y del pueblo, el capitán Dreyfus es despojado de toda su aureola y dilapidado en público. El resto de la película, tal y como ocurrió en la realidad, se basa en el desmontaje de las acusaciones injustas que sufrió aquel soldado judío. De tal forma que el espectador que no conozca nada de los avatares personales del director polaco podrá asistir a una obra hermosamente dirigida, narrada e interpretada, cuyas algo más de dos horas se ven sin pestañear; además de aportar toda una lección sobre el pasado, el presente y el futuro. Además del famoso caso Dreyfus, en la película queda claro cómo se estaba generando la Primera Guerra Mundial o se ponen encima de la mesa temas de actualidad como verdad y justicia.

El problema llega cuando conocemos las acusaciones de abusos sexuales a menores, incluida una violación, que recaen sobre Polanski desde Estados Unidos. Sin restarle mérito como el gran director de cine que es, esta película produje malestar por el descaro que ha tenido el director. Es muy difícil separar al hombre del director, al gran artista del ser humano tan miserable.

Rebobinemos… es muy similar al caso de Elia Kazan.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

EL SILENCIO DEL PANTANO (Dir. Marc Vigil)

Texto: Yolanda Aguas


“Q” es un periodista reconvertido en escritor de novela negra. En dos de sus libros publicados, ambientados siempre en su Valencia natal, “Q” narra sangrientos asesinatos utilizando como telón de fondo la corrupción política y la podredumbre del alma humana. El único problema es que los crímenes que tienen lugar en sus novelas no son tan ficticios como parece, porque no solo escribe sobre crímenes: también los comete.

Su última víctima y, por supuesto, protagonista de su próxima novela, es un político corrupto del lugar al que secuestra y asesina sin el menor remordimiento, deshaciéndose del cadáver con pulcritud y efectividad, lo que le permite recrearse en el proceso de escritura con la tranquilidad de que resultará muy complicado que la policía pueda asociarle con la desaparición de la personalidad pública. El problema es que, según descubre a través de la prensa, a su víctima no lo busca la policía. De hecho, tan turbio era el ámbito en que se movía el político asesinado, que la policía tiene orden expresa de no buscarle y así dejar esa labor a los peligrosos clanes narcotraficantes de la zona.


Construida a medio camino entre la realidad y la ficción dentro de la ficción, la película plantea desde el primer momento una visión ambigua en la es el espectador quien debe decidir si está siendo testigo de hechos veraces o si, por el contrario, tan solo está viendo en la pantalla la recreación de la nueva novela del escritor.

Sobresalen las interpretaciones de Nacho Fresneda como matón del clan gitano y de Carmina Barrios como su peligrosa y soez matriarca.
El silencio del pantano supone el debut en el formato del largometraje tanto de su director, Marc Vigil, como de los guionistas Carlos de Pando y Sara Antuña, que adaptan la novela de Juanjo Braulio.

Un thriller de corte político ambientado en los bajos fondos de una sociedad corrompida.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

HISTORIA DE UN MATRIMONIO (Dir. Noah Baumbach)

Texto: Yolanda Aguas


Historia de un matrimonio narra la historia de Nicole y Charlie Barber, feliz pareja (en tiempo pasado) con un hijo en común que inician un proceso de divorcio. Arduo procedimiento que no dudará en llevarse por delante todo lo que pille por el camino. Desde la carrera profesional de ambos hasta la dignidad de los propios contendientes, pasando por lo más importante, el hijo de ambos, convertido en inocente daño colateral.

Así desarrolla el director Noah Baumbach su pelícujla; un buen drama alejado de melodramatismos que, en mayor o menor medida, también se lleva por delante al espectador. En todo drama familiar o de pareja cualquiera el guion pone mayor atención en el personaje más vulnerable o el que soporta mayores problemas. En Historia de un matrimonio, este personaje es el director de teatro interpretado por Adam Driver.

No olvidamos que la actriz interpretada por Scarlett Johansson ha sufrido la infidelidad de Adam Driver. Pero ella ha sacado fuerzas para dejar Nueva York. Ha tomado conciencia de su valía como actriz. Es la protagonista de una serie de televisión. Se ha empoderado. Ha escapado de la influencia del controlador director de teatro. Vive en los Ángeles donde está arropada por la madre, la hermana, otros familiares y viejos amigos. Ella está encontrando su centro. El personaje interpretado por Adam Driver está descentrado. Ha perdido la musa. La decisión de la mujer lo ha pillado por sorpresa. En Los Ángeles está fuera de lugar. No tiene familia ni amigos. Los continuos viajes de Nueva York a Los Ángeles le impiden estrenar en Broadway. Su hijo prefiere Los Ángeles a Nueva York. Para colmo, aparta de sí a la única persona que le muestra un mínimo de calor humano: el abogado interpretado por un Alan Alda que está magnífico en su trabajo.

Historia de un matrimonio es, principalmente, el brillante duelo interpretativo entre Adam Driver y Scarlett Johansson. Dos actores que lo dan todo en esta película de Noah Baumbach.

Su trabajo se apoya firmemente en un sólido guion que da también su minuto de gloria al más insospechado de los personajes secundarios. Historia de un matrimonio es la crónica anunciada de una ruptura. El espectador que haya albergado la reconciliación del matrimonio no habrá estado atento a las quejas recurrentes de Scarlett Johansson: Driver es un hombre egoísta y controlador. El personaje de la actriz ama al director como demuestra a lo largo de la historia a pesar de estar embarcados en un proceso judicial. Pero resultaría extraño y contra toda lógica que el matrimonio se hubiera recompuesto.

Esta película dramática, hace que conectemos con los personajes, pero sin empatizar con ellos. Es un filme interesante, que todo cinéfilo debería ver. Otra cuestión es si puede interesar a un público medio.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

PRÓXIMA (Dir. Alice Winocour)

Texto: Yolanda Aguas

Sarah (impecable trabajo de Eva Green) es una astronauta francesa que se entrena en la Agencia Espacial Europea en Colonia. Es la única mujer dentro del exigente programa. Vive sola con Stella, su hija de siete años. Sarah se siente culpable por no poder pasar más tiempo con la niña. Su amor es abrumador, inquietante. Cuando Sarah es elegida para formar parte de la tripulación de una misión espacial de un año de duración llamada Proxima, se produce el caos en la relación entre madre e hija.

Esta gran película participó en la Secciòn Oficial de la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Allí obtuvo el Premio Especial del Jurado, con todo merecimiento.

Sin hacer ruido pero con acierto y firmeza, Alice Winocour, en su tercer largometraje tras Augustine (2012) y El protector (2015), consigue poner el dedo en la llaga, señalando las dificultades a las que se enfrenta una mujer para poder hacer realidad sus sueños y abordar los retos que su preparación exige sin ser prejuzgada por su entorno inmediato y minusvalorada en según qué ambientes hasta demostrar su valía por triplicado. El amor materno-filial se pone al microscopio en Próxima, un drama que explora las complicaciones derivadas de la conciliación laboral cuando los retos profesionales implican largos periodos de ausencia insalvables. Separada de su expareja, vive sola con Stella, su hija de siete años, así que cuando recibe la noticia de su viaje espacial, lo primero que hace es ponerse en contacto con él para organizar el tramo final de su preparación, que consta de un entrenamiento intensivo y un periodo de cuarentena previos al despegue común a toda la tripulación.

Próxima no es una película en la que haya buenos y malos, aunque haya momentos en los que la protagonista realmente parezca estar moviéndose en terreno minado o, en el mejor de los casos, bastante hostil. En entornos de altísima exigencia física, da la sensación de que una mujer siempre tiene que demostrar mucho más que cualquier hombre y cuando, además, se es la excepción, hay dificultades añadidas que parten del desconocimiento y la desconfianza.

La película es tremendamente inteligente a la hora de mostrar las relaciones entre los personajes y los estados de ánimo de una persona que debe rendir al máximo pero que termina somatizando de alguna manera toda la carga que supone esa separación y la pérdida del control de algunos de los aspectos que antes dominaba.

El guión no está basado en hechos reales, pero sí que bebe de las historias de muchas mujeres que han pasado por procesos similares, como atestigua el homenaje final a las mujeres astronautas que han participado en misiones espaciales y de las que apenas conocemos sus nombres: Valentina Tereshkova es la que acapara el mayor momento de protagonismo pero también podemos ver instantáneas de otras astronautas con sus hijos. Es especialmente emocionante recordarlas en los títulos de crédito de la película.

La película participó también en el Festival de Toronto (TIFF), donde recibió la Mención Platform Prize para Alice Winocour.

A destacar principalmente, el trabajo de Matt Dillon y, sobretodo, de Eva Green. Ella está magnífica.

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LA HIJA DE UN LADRÓN (Dir. Belén Funes)

Texto: Yolanda Aguas

Sara (Greta Fernández) ha estado sola toda su vida. Tiene 22 años y un bebé, su deseo es formar una familia junto a su hermano pequeño y el padre de su hijo. Su padre, Manuel (Eduard Fernández), tras años de ausencia y al salir de la cárcel, decide reaparecer en sus vidas. Sara sabe que él es el principal obstáculo en sus planes y toma una decisión difícil: alejarlo de ella y de su hermano.

Nos permite contemplar una realidad social numerosa de una España vista desde la óptica de las clases menos privilegiadas y consigue describirla con enorme convicción y con un lenguaje narrativo muy eficaz en el plano dramático.

Son virtudes que no están al alcance de todos en el cine, pero que en este caso hay que subrayarlo positivamente porque se ha hecho un buen trabajo. Es producto de la más que magnífica realización de una directora, la catalana Belén Fuentes, que ha sabido recoger el ambiente tenso y terrible que se vive en un seno familiar desestructurado y sacar de los personajes que desfilan por la pantalla lo mejor de su interior. La hija de un Ladrón es la ópera prima de la directora y ejerce, por tanto, como un obstáculo añadido que se transforma finalmente en un mérito.

El origen de la historia va estrechamente unido a un corto anterior de la cineasta, Sara a la fuga, que se adentraba en los mismos lugares y que sufría las curiosas consecuencias de una metamorfosis que lo convertían en un largometraje. Un cambio de identidad que tiene lugar en Cataluña, en un ambiente poco dado a cualquier tipo de satisfacción.

Prometedor primer filme de Belén Funes, gran interpretación de Greta Fernández.

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LA ODISEA DE LOS GILES (Dir. Sebastián Borensztein)

Texto: Yolanda Aguas


Provincia de Buenos Aires, fines del 2001. Un grupo de amigos y vecinos pierde el dinero que había logrado reunir para reflotar una vieja cooperativa agrícola. Al poco tiempo, descubren que sus ahorros se perdieron por una estafa realizada por un inescrupuloso abogado y un gerente de banco que contaban con información de lo que se iba a desencadenar en el país. Al enterarse de lo sucedido, este grupo de vecinos decide organizarse y armar un minucioso plan con el objetivo de recuperar lo que les pertenece.

Sebastián Borensztein aborda aquí la divertida, dramática y social historia de un grupo de amigos, vecinos y perdedores de un pequeño pueblo argentino que durante el año 2001, el del «corralito», vio cómo se esfumaban sus ahorros para reflotar una cooperativa agrícola. Un guion bien estructurado y escrito y unos actores que se ajustan con mucho acierto a sus personajes. Una panda de idealistas maduros se propone crear una cooperativa para animar la economía de su pequeño pueblo. Cuando consiguen la plata de los cooperantes, los muy incautos la ingresan en el banco el día antes de que haga fallida el sistema bancario argentino. La pasta contante y sonante, algo más de ciento cincuenta mil dólares, se la lleva íntegra un especulador local. Los afectados deciden hacer una especie de rififí para recuperar su dinero y sacarlo del búnker en donde lo tiene sepultado el granuja en cuanto reciben el soplo.

En tono de comedia entrañable, con todos los tics y convencionalismos que no rehúyen momentos cursis y sentimentalismo barato, el film emplea a la familia Darín en pleno, Ricardo y Chino Darín que, además de interpretar el papel de hijo del popular actor argentino ejerce de productor ejecutivo de la cinta.

Hay momentos chispeantes y más buenas intenciones que resultados en esta comedia argentina.

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ADIÓS (Dir. Paco Cabezas)

Texto: Yolanda Aguas


Juan (Mario Casas), preso en tercer grado y padre de familia, logra un permiso para asistir a la comunión de su hija en Sevilla. Pero la muerte accidental de la niña destapa todo un entramado de corrupción policial y narcotráfico, y el caso acaba en manos de Eli, una inspectora que tendrá que lidiar con los recelos de un sector de la policía y del padre de la pequeña, que quiere tomarse la justicia por su cuenta.
Hay algo en Adiós, regreso a las raíces de un cineasta tan internacional como es Paco Cabezas, que la une, vía esos lazos de sangre tan capitales en su argumento y en la mayoría de las historias que nos ha explicado, con la violencia como forma de expresar el amor, a la genealogía de los grandes nombres del thriller.


Mario Casas realiza una gran interpretación (algún día tendrá que ser reconocido por sus trabajos). Concisa y sobria búsqueda de justicia y venganza en una ciudad hostil. La Sevilla que hierve en corruptelas, mentiras, supervivencia y solidaridad entre el lumpen criminal no tiene nada que envidiar a esos otros paisajes donde los héroes a su pesar son justicieros ocasionales a quienes se niega la luz, o a quienes se les arrebata (la hija de los protagonistas). Paco Cabezas persigue asimismo esa humana luz, aunque sea con el fogonazo de un disparo.

La película tiene otras grandes interpretaciones: Ruth Díaz, Natalia de Molina y, muy especialmente, Mona Martínez.

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LOS MISERABLES (Dir. Ladj Ly)

Texto: Yolanda Aguas

Stéphane acaba de unirse a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia de Montfermeil, un suburbio al este de París. Allí conoce a sus nuevos compañeros, Chris y Gwada, dos agentes experimentados en las enormes tensiones que existen entre los distintos grupos organizados por el control del barrio.
Un niño con un cóctel molotov en la mano, y con un rostro que no solo denota furia sino también que no tiene nada, absolutamente nada, que perder. Es una imagen que golpea. Como la de un policía que empuña una pistola, y con un rostro al borde del estrés y el colapso por ver cómo todo estalla y se escapa de las manos, sabiendo que nunca pensó que pudiera enfrentarse a una situación así. Y es que Los miserables, el debut de Ladj Ly en el largometraje de ficción, golpea una y otra vez al espectador mostrando fotograma tras fotograma un polvorín a punto de estallar. La violencia acecha a la vuelta de la esquina. Y el estrés de todos los personajes traspasa la pantalla. De los niños en la calle, de los policías patrullando, de los ciudadanos que habitan ese barrio de las afueras de París, de los que tratan de dominarlo a través del sometimiento o a través de la religión… No hay ni un solo respiro, el ritmo es rápido, rápido y en crescendo. No hay vuelta atrás posible. No hay descanso, no hay reposo.


Se supone que el espectador conoce el contexto, conoce la historia de los últimos años. Incluso si uno ha sido espectador de cine y ha ido viendo lo que han contado otros sobre las afueras, sobre los suburbios parisinos (los banlieue), se sabe de qué habla este realizador, de origen maliense, que además viene de ellos y conoce a la perfección el barrio que filma: el barrio de Montfermeil. Ladj Ly presenta un thriller policial donde no hay respiro para ni uno de sus protagonistas.

Desde El odio (1995) de Mathieu Kassovitz, muchas películas han mostrado los banlieue. Y de distintas formas. Como lo hizo Jacques Audiard en Dheepan (2015) o Laurent Cantet en La Clase (2008). Y tampoco han sido pocas películas francesas las que han reflejado la vida de distintas brigadas de policía como Bertrand Tavernier en Ley 627 (1992) o Maïwenn Le Besco en Polisse (2011). Pero Ladj Ly además de saber de qué habla, por haberlo vivido, realiza un paralelismo escalofriante. El latente latido de la furia, de la rebelión y de la violencia, del caos. Su película se cierra con una cita del autor francés que matiza y explica lo que el director quiere contar: “No hay malas hierbas ni hombres malos, solo malos cultivadores”. Y es reveladora la primera secuencia: el centro de París hasta arriba de jóvenes, muchos de ellos de los suburbios, están de celebración. Es el mundial de fútbol. Y todos entonan felices La Marsellesa. Euforia. Y sobre sus rostros el título de la película Los Miserables. Luego todos vuelven a ese barrio sin salida, con cajas de cerillas por casa, y con la violencia en cada esquina, al acecho.

Pandillas de niños sin nada que perder, un cachorro de león, un dron que no deja de sobrevolar el barrio, los mafiosos locales, aquellos que tratan de buscar adeptos a través de la religión, los policías que olvidan los límites, un disparo, un niño en el suelo…, un polvorín todos los días a punto de estallar. Y muchos intentando contener. Hasta que se abre una brecha. Y un niño con furia en los ojos se da cuenta, tras una jornada de humillaciones continuas, que no tiene nada que perder.

Interesante película.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.