THE GUILTY (Dir. Gustav Möller), por Yolanda Aguas

Asger Holm, un oficial de policía, ha sido suspendido temporalmente de sus funciones y relegado a operador del servicio de emergencias. Durante su rutinario turno de noche, recibe la extraña llamada de una mujer aterrada. A pesar de su reacción de sorpresa, Asger se da cuenta de que la mujer al otro lado del teléfono ha sido secuestrada, y es entonces cuando comenzará la búsqueda. Recluido en su mesa en la centralita de emergencias, Asger tendrá que localizar y ayudar a la mujer en peligro con la ayuda de sus compañeros en todo el país. Conforme pasan los minutos, Asgar tendrá que enfrentarse no sólo a la precipitación de los acontecimientos relacionados con el caso, sino también a sus propios demonios personales.

The Guilty” es una película atípica que apela al espectador para reconstruir lo que ocurre fuera de la pantalla; la ópera prima de Möller, seleccionada por Dinamarca en la carrera hacia los Oscar, construye el suspense a través del racionamiento de la información, pero si bien funciona a la perfección en el plano formal, el director danés recurre a ciertas trampas para engañar al espectador.

“The Guilty” no se despega en ningún momento de Holm, un agente de policía que trabaja contestando las llamadas al número de emergencias. Es, posiblemente, su última noche en la oficina a la que le relegaron a causa de un incidente; al día siguiente se resolverá la sentencia del juicio y previsiblemente volverá a patrullar la calle. Falta poco para el final de su turno y el día se ha desarrollado entre llamadas más o menos irrelevantes sobre accidentes menores, alguna que otra trifulca de bar y falsas alarmas.

La disrupción de la rutina llega con la llamada de una mujer aterrorizada que responde al nombre de Iben y que viaja coaccionada en un coche secuestrada por su marido. A partir de aquí, la acción al otro lado del teléfono se desarrolla como un drama radiofónico: Holm interactúa con distintos personajes que, junto a la composición narrativa del sonido, van aportando piezas para resolver el puzle. Las voces de la hija de Iben, de los operadores de la policía regional, de los compañeros del propio Holm se van entrelazando para resolver el caso, pero también para ofrecer un perfil más profundo del protagonista, que ve en la salvación de Iben una forma de redención, lo que le lleva a excederse en sus funciones y a llevar el caso al terreno personal.

La película fue premiada en Sundance y en la Seminci y el peso interpretativo recae casi íntegramente en Jakob Cedergren.   Película de tensión muy entretenida. 

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

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LA NOCHE DE 12 AÑOS (Dir. Álvaro Brechner), por Yolanda Aguas

Año 1973. Uruguay está bajo el poder de la dictadura militar. Una noche de otoño, nueve presos Tupamaros son sacados de sus celdas en una operación militar secreta. La orden es precisa: “como no pudimos matarles, vamos a volverles locos”. Los tres hombres permanecerán aislados durante 12 años. Durante más de una década, los presos permanecerán aislados en diminutas celdas en dónde pasarán la mayoría del tiempo encapuchados, atados, en silencio, privados de sus necesidades básicas, apenas alimentados, y viendo reducidos al mínimo sus sentidos. Entre ellos estaba Pepe Mújica, quien más tarde llegó a convertirse en presidente de Uruguay.

“Arriba los que luchan” era el mensaje que rezaba una de las pancartas que vemos desde el autobús en el que se traslada hacia la libertad a Ñato y a Mauricio. Doce años antes, habían sido encarcelados junto al emblemático Pepe Mujica y otros tantos integrantes de los Tupamaros por la dictadura cívico-militar uruguaya (1973-1985).  Y esa es la historia que ha escogido Álvaro Brechner para su tercer largometraje, ‘La noche de los 12 años’, que adapta las ‘Memorias del calabozo’ de Mauricio Rosencof y Eleuterio Fernández “Ñato” Huidobro.

Era sorprendente que no se hubiera hecho una película sobre la vida de José Mujica, que fue presidente de Uruguay con 75 años, y que reflejara especialmente su encarcelamiento durante los años setenta junto a otros miembros del Movimiento de Liberación Nacional.

Ese vacío cinematográfico se ha llenado plenamente con “La noche de 12 años”, drama que refleja su encierro y su soledad.  El drama carcelario dirigido por Álvaro Brechner aprovecha los espacios vacíos de las celdas de sus presos para realizar un ejercicio cinematográfico casi minimalista. En la película, el protagonismo reside en el lucimiento interpretativo de su reparto, aupado por los espacios que Brechner retrata y los contrastes en la planificación.

Destacan sus actores cuando la cámara casi se les pega en espacios claustrofóbicos, pero incluso más cuando son un punto mínimo y descentrado de planos abiertos que presentan los espacios que habitaron.

Estupenda película protagonizada por Antonio de la Torre, Chino Darín y Alfonso Tort.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

EL VEREDICTO (La ley del menor) (Dir. Richard Eyre), por Yolanda Aguas

Fiona Maye (Emma Thompson) es una prestigiosa jueza del Tribunal Superior de Londres especializada en derechos familiares que atraviesa por una grave crisis matrimonial. Cuando llega a sus manos el caso de Adan (Fionn Whitehead), un adolescente con leucemia que se niega a hacerse una transfusión de sangre al ser Testigo de Jehová, Fiona descubrirá sentimientos ocultos que desconocía, y luchará para que Adan entre en razón y sobreviva.

Hacía tiempo que la gran actriz británica no encarnaba un personaje tan “codiciado” para una actriz de su categoría.  El papel recreado por Emma Thompson en El veredicto -que adapta una novela de Ian McEvan- evoca daños no definidos con claridad y demasiado profundos. Son y parecen un misterio.

Es una jueza ecuánime del tribunal de menores, tan recta en la Corte como frágil y vulnerable se intuye su alma torturada en su vida personal. En su hogar, la incomunicación y el trabajo se han impuesto, como un refugio carcelario, sobre las relaciones afectivas. Así que su marido -magnífico, como siempre, Stanley Tucci– le plantea un ultimátum.

Por el camino, un joven testigo de Jehová de 17 años se niega a una transfusión de sangre que le salvaría la vida. Y, como si se hubiese disparado un mecanismo de resorte secreto, la implicación de la protagonista en dicho caso va más allá de cualquier otro asunto legal que nuestra jueza hubiera tratado antes.

El director de este filme, aparentemente sencillo pero muy retorcido, es Richard Eyre, que ya había abundado en los barros del abandono amoroso con Diario de un escándalo, fábula sobre el deseo alimentada por aquella maravillosa enamorada ofendida interpretada por Judi Dench a la que daba unas mortales calabazas Cate Blanchett.

Eyre es un impecable director de actores, capaz de sacar lo mejor de los grandes dioses de la interpretación. Y Emma Thompson, una actriz cada vez más humana, consigue una encarnación de las que se recordarán en su filmografía, reinando con su magia sobre toda la película.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

GALA DE CLAUSURA XXIII FESTIVAL CINE DE ZARAGOZA, por Yolanda Aguas

Ayer se celebró la Gala de Clausura de una brillante 23 edición del FCZ (Festival de Cine de Zaragoza).  La Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza fue el magnífico escenario para la entrega de premios en las diversas secciones oficiales y también de los honoríficos.

Durante la ceremonia se rindió homenaje a Julia Gutiérrez Caba (Augusto Ciudad de Zaragoza), a la actriz aragonesa Laura Gómez-Lacueva (Augusto de Apoyo al Audiovisual Aragonés) y a los 40 años de trayectoria (en Cine, Teatro y Tv) de la gran figurinista María Araujo (Augusto Oficios del Cine).

Otros premios destacados fueron por el apoyo al cine y al audiovisual de TVE y de su programa ‘Secuencias en 24h’ que fue recibido por el periodista Moisés Rodríguez (trofeos Augusto a la Entidad). También se premió a Belchite y Mirambel, donde se rodaron ‘Las aventuras del barón Munchausen’ y ‘Tierra y libertad’, con sendos Augusto a los Pueblos de Cine.

La ceremonia estuvo conducida por el periodista y presentador Jesús Nadador, en la que tuvo una destacada presencia en sus números artísticos el país invitado de esta 23 edición: Japón.

El amplio Palmarés de los escolares se entregaron en la gala temática del pasado domingo 18.

PALMARÉS OFICIAL 23 edición:

Certamen Nacional de Cortometrajes de Ficción, el Augusto al Mejor Cortometraje Nacional de Ficción ha sido para ‘Cerdita’, de Carlota Martínez Pereda.

Augusto al Mejor Cortometraje Aragonés a ‘Mi querido balón’, de Gaizka Urresti.

Augusto del Público al Mejor Cortometraje a ‘La comulgante’, de Ignacio Lasierra.

Augusto del Jurado Joven al Mejor Cortometraje a ‘RIP’, de Albert Pintó y Caye Casas.

Hubo una Mención especial Jurado Joven para ‘La comulgante’, de Ignacio Lasierra.

Certamen Nacional de Cortometrajes de Animación, el Augusto al Mejor Cortometraje Nacional de Animación ha recaído en ‘La noria’, de Carlos Baena.

Certamen Internacional de Largometrajes, el Augusto al Mejor Largometraje Internacional ha sido para ‘Holy Boom’, de Maria Lafi (Grecia).

Mención especial para ‘Becoming Cary Grant’, documental francés de Mark Kidel.

Certamen Internacional Visiones de la Historia, en el que los galardones se anunciaron y entregaron el viernes 30 de noviembre en el acto especial del certamen desarrollado en el Foro de Caesaraugusta:

Augusto al Mejor Trabajo Audiovisual de Temática Histórica Internacional fue para ‘Paname. El fantasma del Gran Francés’, de Daniel Zapateiro (Panamá).

Augusto al Mejor Trabajo Audiovisual de Temática Histórica Aragonés a ‘Los años del humo’, de Germán Roda y Ramón J. Campo.

Obtuvieron menciones especiales ‘Coplas amargas. En memoria pedregosa’, obra francesa de Pierre Arbus; y ‘El fantástico hidalgo de la estepa póntica’, de Javier Alcaine.

Certamen Internacional Otras Miradas:

Augusto al Mejor Trabajo Audiovisual Social Internacional fue para ‘Anders’, de Reinout Hellenthal (Países Bajos),

Augusto al Mejor Trabajo Audiovisual Social Aragonés fue para ‘Soukeina. 4400 días de noche’, de Laura Sipán. Mención especial a ‘My Sister’, del portugués André Miranda.

Certamen Internacional de Centros de Formación Audiovisual:

Augusto al Mejor Cortometraje Internacional de Centros Formación Audiovisual ha recayó en ‘Perfectly Natural’, de Víctor Alonso Berbel (University of Southern, California, Estados Unidos). Mención especial para ‘Tribu’, de Sergi Merchan, de la ESCAC).

Certamen Internacional de Microcortometrajes:

Augusto al Mejor Microcortometraje Internacional valorado por estudiantes de centros educativos de Secundaria lo ganó ‘Ser o no ser’, de Esther Paredes (España)

Por último, en  Otros galardones (premios no oficiales):

Premio Aragón TV (al corto aragonés más votado por el público) fue para ‘La comulgante’, de Ignacio Lasierra;

Premio CIMA para Itziar Castro por su interpretación en ‘RIP’, de Albert Pintó y Caye Casas

Premio Zinentiendo para ‘No me olvides’, de Ferrand Navarro-Beltrán

Premio Music Library and SFX al mejor tratamiento musical en un cortometraje a ‘The Neverending Wall’, de Silvia Carpizo De Diego.

Premio Cines Palafox a la película española más taquillera a ‘Perfectos desconocidos’, de Alex de la Iglesia (el galardón se entregará más adelante).

Premio Aragón Negro para ‘Marta no viene a cenar’, de Macarena Astorga (se entregará en el marco de Aragón Negro).

El director del certamen zaragozano, José Luis Archelenges (Archy) pronunció unas palabras durante la ceremonia.  En su discurso agradeció a todo su equipo la entrega y dedicación plenas para alcanzar los objetivos de un festival que cada día avanza firmemente a su 25 edición.  Por último, agradeció al Excmo. Ayuntamiento de Zaragoza, Gobierno de Aragón y patrocinadores privados el apoyo imprescindible para que el FCZ pueda realizarse.

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NOTA: Todas las fotografías insertadas en este artículo son propiedad y autoría de YOLANDA AGUAS para CINETFARÖ.

JAULAS (Dir. Nicolás Pacheco), por Yolanda Aguas

Sorprendente ópera prima de Nicolás Pacheco.  No es fácil iniciar una carrera cinematográfica, cuesta demasiado poner en pie un proyecto, sacar adelante un guión.  En el caso que nos ocupa, el propio realizador es el autor del mismo.  No sé muy bien si definir “Jaulas” como un viaje emocional, atemporal, de dos mujeres o como un relato que aborda la búsqueda desesperada de unos seres humanos por alcanzar sus sueños logrando un poco de paz interior.  Quizá sean ambas cosas a la vez.

El guión que ha escrito Nicolás Pacheco tiene diferentes lecturas, presenta diversos conflictos existenciales y – quizá por eso – en alguno de ellos no lograr profundizar lo suficiente.  No es un problema demasiado serio, ya que a veces (y mucho más en una primera película) lo que cuenta es la intención.  Este joven director se ha ganado con su primera película que sigamos sus futuros trabajos con la debida atención y consideración.

Pacheco define su película como “una fábula contemporánea, un cuento” que hace que el espectador se plantee cuál es su jaula, sus condicionamientos que le impiden tener la vida soñada o parecerse a lo que había soñado de sí mismo.  Las principales actrices de la película, Estefanía de los Santos (la madre, en una gran interpretación) y Marta Gavilán (la hija, que significa su debut cinematográfico) hacen un viaje emocional en una huida desesperada.  Ambas pretenden dejar atrás su pasado, el que era un presente carente de recursos materiales y, especialmente, afectivos.  Cuesta mucho no identificarse con su historia y empatizar con ellas. Metafóricamente, ¿Quién no se ha sentido alguna vez encerrado en una jaula?  La libertad de elección es ya de por sí una jaula enorme.

El apartado de interpretaciones se completa con estupendos actores: Belén Ponce de León (“El Reino”, “Camino”), Antonio Dechent (“Intacto”, “Los aires difíciles”, “La Peste”) y Antonio Estrada.

La película se beneficia con el paisaje de Andalucía, sus colores…  que están magníficamente reflejados en la fotografía firmada por Alejandro Espadero. La música (Pablo Cervantes) acompaña perfectamente a la historia, en realidad se convierte en un elemento esencial.  Hubo momentos que creí estar viendo una película del gran Emir Kusturica, y no sólo por la música (les remito a las escenas en las chabolas).

Apoyen esta película y vayan a verla.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

TODOS LO SABEN (Dir. Asghar Farhadi), por Yolanda Aguas

Con bastante retraso desde su estreno en España, tuve la oportunidad de ver ayer “Todos lo saben”, la última película dirigida por Asghar Farhadi.

Asghar Farhadi, dos veces ganador del Oscar a mejor película en habla no inglesa -por “La separación” y “El viajante”-, dirige este thriller hablado en español que tiene a Ricardo Darín (en el papel de Alejandro) y Penélope Cruz (Laura) como un matrimonio que vive en la Argentina: ella viaja junto a sus dos hijos (Felipe e Irene) a España, para la boda de una hermana y allí se encuentra con su familia y también con Paco (Javier Bardem) que fue su pareja en el pasado.

En ese entorno se desarrolla la historia, que tiene como eje principal las deudas pendientes en el círculo familiar. “Todos lo saben” fue la película que abrió el último Festival de Cannes pero ni mucho menos, y tal como ya indicó la crítica internacional en Cannes,  está a la altura de los notables filmes anteriores de este realizador,

Eso sí,  “Todos lo saben” cuenta con un trabajo fotográfico de excepción, bajo la firma de José Luis Alcaine, pero no es suficiente para considerar el desarrollo de este guión como una gran película.

El director iraní Asghar Farhadi creó un guion que tenía lugar en un pueblo de la meseta y para el que pensó en Javier Bardem y Penélope Cruz para los principales papeles (sin duda por el tirón internacional) y también porque sabía que así podía encontrar con más facilidad la financiación en nuestro país.

La historia podría ser la de cualquier película de televisión que emiten a media tarde.  Una familia se junta en una boda donde desaparece la hija del personaje de Penélope Cruz. Eso desembocará en una madeja de celos, rencillas y secretos. Cualquier espectador podrá empatizar con la trama de búsqueda, mientras que otros entrarán en cuestiones como si la tierra es del que la trabaja o del que la hereda; o si los hijos son de los padres biológicos o de los que los cuidan.

A Bardem y Cruz les acompañan excelentes actores españoles, en esta ocasión haciendo de secundarios, destacando a Bárbara Lennie, Eduard Fernández y una sobria Elvira Mínguez.

Un filme menor dentro de la filmografía de Asghar Farhadi, que cuenta con algún destello en el apartado de las interpretaciones secundarias.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.

TU HIJO (Dir. Miguel Ángel Vivas), por Yolanda Aguas

Miguel Ángel Vivas  es un cineasta que intenta no dejar indiferente al espectador. Sus anteriores trabajos como “Secuestrados” (2010), “Reflejos” (2002), “Extinction” (2015) o “Inside” (2017) son prueba de ello.  Es un cine destinado a un público muy determinado, un cine que quizá no interesa a una mayoría.

En esta ocasión, la historia pretende conquistar a ese público con una historia que todo el mundo comprende.  El protagonista es José Coronado que interpreta a Daniel Jiménez, un médico, cirujano en turno de noche en un gran hospital, que tiene una vida satisfactoria y una excelente relación con su hijo de 17 años. Todo cambiará cuando el chico reciba una brutal paliza, que además graban con el móvil sus agresores, una madrugada en el exterior de una discoteca ubicada en un polígono industrial. El chico acaba en coma y en la UVI, mientras su padre intentará por todos los medios saber lo sucedido y devolverles la misma medicina a los causantes.

El guión, naturalmente, puede crear controversia ya que habla de la venganza de un padre y de tomarse la justicia por su mano.   Describe una trama predecible y poco ambiciosa, con unos diálogos que en ocasiones pueden sacar completamente de la película. El protagonista, José Coronado, se ve obligado a realizar acciones demasiado extremas, tanto que al espectador le costará empatizar con ellas y con la causa.

El director abusa de esos tonos fríos, de una iluminación oscura que pretende reflejar el mundo más violento por el que se está moviendo en busca de su venganza.

Ni qué decir tiene que José Coronado está muy por encima del objetivo de esta película. Su interpretación tiene verdad, pero la película se queda perdida por el camino.

Coronado está acompañado por Pol Monen, Vicente Romero, Sauce Ena y Ester Expósito.  Mención aparte merece la gran Ana Wagener, una vez más dando el toque de calidad interpretativa como nos tiene acostumbrados en todas sus interpretaciones.

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NOTA: Las fotografías insertadas en este artículo son propiedad de sus autores.