En el Iraq de Sadam Husein, donde la vida cotidiana está marcada por la escasez y el miedo, Lamia, una niña de nueve años, se enfrenta a una tarea imposible: conseguir los ingredientes para una tarta de cumpleaños obligatoria en honor al dictador.

Bajo las duras sanciones internacionales y la vigilancia constante del régimen, Lamia recorre una ciudad desolada, usando su ingenio y valentía para cumplir con el mandato. Cada paso la acerca al riesgo de ser castigada con prisión o incluso la muerte.  El itinerario, compartido con un inseparable amigo, se convierte en un perfil asfixiante de la vida bajo un poder que invade lo cotidiano y lo íntimo.

El iraquí Hasan Hadi debuta con una película de gran hondura, a pesar de su apariencia mínima.  Hadi, que creció en Irak en los noventa, construye el relato desde la memoria y lo sostiene con una puesta en escena muy plástica, donde la luz y los encuadres contrastan con la violencia soterrada del contexto.

Los jóvenes intérpretes, naturalísimos, combinan fragilidad y determinación sin recurrir al sentimentalismo. La película sugiere, de un modo sobrio, cómo la tiranía erosiona la verdad y deforma las relaciones humanas.  En ese paisaje opresivo, la imaginación de los niños y su amistad abren resquicios de esperanza y otorgan a la historia una resonancia universal.

***********************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Biopic del emblemático escritor checo del siglo XX Franz Kafka. Concebida como un mosaico caleidoscópico, la película sigue la huella que Kafka dejó en el mundo desde su nacimiento en la Praga del siglo XIX hasta su muerte en la Viena posterior a la I Guerra Mundial.

Al lector medio que no conoce a Kafka probablemente le suene La metamorfosis, pero el hombre en sí sigue siendo un misterio. Afortunadamente, no necesitamos saber nada de antemano, ni tampoco si realmente era así. En su lugar, tenemos la magnífica interpretación del actor alemán de 28 años Idan Weiss, que encarna a Franz como un hombre angustiado, combinando tics nerviosos y estallidos de risa inquietantes para crear una imagen cautivadora del personaje.

A pesar de ser admirado por los demás, es sin duda el que desentona entre su hermana Ottla (Katharina Stark), su antigua prometida Felice (Carol Schuler) y su amigo y futuro editor Max Brod (Sebastian Schwarz). Todos ellos se dirigen a la cámara en algún momento para narrar la historia del autor, con lo que la directora, A. Holland nos recuerda que esta es una versión de Franz contada por otras personas.

La película nos muestra la vida adulta de Franz, relatada a través de una serie de momentos memorables que nos permiten comprender rápidamente quién es. Exige con arrogancia que un hombre sin hogar le devuelva el cambio después de darle una moneda, estalla en una risa incontrolable al ver algo absurdo que nadie más podría percibir y esboza una sonrisa forzada ante las muecas de la élite de Praga durante su lectura en vivo de una escena brutal en la colonia penitenciaria.

El resto de la película está hilvanada a través de una serie de decisiones cinematográficas experimentales, como los personajes secundarios que rompen la cuarta pared, algunos zooms repentinos intercalados y ciertos collages visuales. 

**************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Una madre soltera y sus dos hijas regresan a Taipei tras varios años viviendo en el campo para abrir un puesto en un bullicioso mercado nocturno. Cada una a su manera, tendrán que adaptarse a este nuevo entorno para llegar a fin de mes y conseguir mantener la unidad familiar. Tres generaciones de secretos familiares empiezan a desvelarse después de que su abuelo tradicional le diga a la hija menor, que es zurda, que nunca use su «mano del diablo».

El punto de partida narrativo de ‘La chica zurda’ se apoya en un estigma tan antiguo como persistente: el de la mano izquierda. Durante décadas escribir con la “siniestra” era corregido, reprimido o directamente castigado en colegios y entornos religiosos. Ese tipo de mensajes, recibidos a edades tempranas, pueden derivar en confusiones aparentemente inocuas o anecdóticas o en traumas silenciosos si no se gestionan con cuidado. Tsou convierte ese estigma en una poderosa metáfora narrativa.

El guion utiliza la zurdera como excusa, subterfugio y coartada moral. La película habla de una niña, sí, pero también y, sobre todo, de adultos que se refugian en condicionantes externos para no asumir responsabilidades. La mano izquierda funciona aquí como símbolo de todo aquello a lo que nos aferramos para justificar errores, deslices o decisiones que preferimos no mirar de frente.

En ese sentido, ‘La chica zurda’ es una película incómoda, porque nos obliga a reconocernos en comportamientos que solemos proyectar en otros.

Rodada íntegramente con un iPhone, la película dialoga de forma directa con ‘Tangerine’, el título con el que Baker demostró en 2015 que el cine independiente podía abrazar tecnologías domésticas sin renunciar a una identidad visual fuerte.

En ‘La chica zurda’, esa elección técnica no es un gesto fetichista, sino una decisión coherente con la historia. La imagen presenta un marcado efecto lomo, colores muy saturados y un contraste agresivo que empuja los negros incluso cuando las luces queman partes del encuadre.

La cámara (y la niña) se mueve por mercados nocturnos, calles concurridas y espacios domésticos de Taipei con una naturalidad casi documental. Las costumbres orientales y la cotidianidad local están muy presentes, pero Tsou evita el exotismo.

Lo verdaderamente universal emerge en las fricciones generacionales, en la forma en que adultos y niños negocian expectativas, mentiras piadosas y pequeñas traiciones diarias. El contexto es específico, pero el conflicto es reconocible en cualquier cultura, país o familia incluso en el occidente actual.

*********************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

El cine español celebró ayer su fiesta anual en Barcelona, en el transcurso de una gala retransmitida por La 1 de TVE.

En la 40 edición de los Premios Goya se han entregado un total de 30 estatuillas, entre ellos, el Goya de Honor a  Gonzalo Suárez y el Goya internacional a Susan Sarandon.

PALMARÉS COMPLETO:

Mejor actriz de reparto

Los Domingos — Nagore Aranburu

Mejores efectos especiales

Los Tigres — Paula Gallifa Rubia y Ana Rubio

Mejor película documental

Tardes de soledad — Albert Serra; Luis Ferrón; Montse Triola; Pedro Palacios

Mejor música original

Sirât — Kangding Ray

Mejor montaje

Sirât — Cristóbal Fernández

Mejor actor de reparto

Sorda — Álvaro Cervantes

Goya Internacional — Susan Sarandon

Mejor actor revelación

Ciudad sin sueño — Antonio “Toni” Fernández Gabarre

Mejor película iberoamericana

Belén — (Argentina)

Mejor maquillaje y peluquería

El cautivo — Ana López-Puigcerver; Belén López-Puigcerver y Nacho Díaz

Mejor canción original

Flores para Antonio — “Flores para Antonio”, por Alba Flores y Sílvia Pérez Cruz

Mejor sonido

Sirât — Amanda Villavieja; Laia Casanovas y Yasmina Praderas

Mejor dirección de producción

Sirât — Oriol Maymó

Goya de Honor — Gonzalo Suárez

Mejor dirección de fotografía

Sirât — Mauro Herce

Mejor cortometraje de animación

Gilbert — Producción: Mónica Gallego | Dirección: Alex Salu; Arturo Lacal y  Jordi Jiménez

Mejor cortometraje documental

El Santo — Producción: Adán Aliaga; Carlo D’Ursi; Miguel Molina Carmona | Dirección: Carlo D’Ursi

Mejor cortometraje de ficción

Ángulo muerto — Producción: José Luis Rancaño; Pablo López Torres | Dirección: Cristian Beteta

Mejor diseño de vestuario

La cena — Helena Sanchis

Mejor dirección novel

Sorda — Eva Libertad

Mejor película de animación (productores/as)

Decorado — Alberto Vázquez; Chelo Loureiro; Iván Miñambres y Jose María Fernández de Vega

Mejor actriz revelación

Sorda — Miriam Garlo

Mejor dirección de arte

Sirât — Laia Ateca Font

Mejor película europea

Valor sentimental — (Noruega)

Mejor guion adaptado

La cena — Joaquín Oristrell; Manuel Gómez Pereira; Yolanda García Serrano

Mejor guion original

Los Domingos — Alauda Ruiz de Azúa

Mejor actor protagonista

Maspalomas — Jose Ramon Soroiz

Mejor actriz protagonista

Los Domingos — Patricia Lopez Arnaiz

Mejor dirección

Los Domingos — Alauda Ruiz de Azúa

Mejor película (productores/as)

Los Domingos — Manu Calvo; Marisa Fernández Armenteros; Nahikari Ipiña y Sandra Hermida Muñiz

*******************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Centrándose específicamente en el cineasta Jean-Luc Godard y en su ópera prima Al final de la escapada, la película plantea su trama como una suerte de making off del rodaje original de 1959. Más allá de los guiños constantes a la obra clásica, el film captura sobre todo el carácter transgresor e independiente de Godard, un cineasta que huía de los guiones cerrados y otorgaba libertad absoluta a los actores, rodando de forma espontánea cuando la inspiración surgía del espacio y del momento.

La película, filmada en un elegante blanco y negro, encuentra un equilibrio preciso en su puesta en escena y apuesta por una planificación dominada por planos frontales, primeros planos y primerísimos primeros planos. Desde su arranque, la historia presenta a distintos integrantes de la Nouvelle Vague como si se tratara de una galería de retratos vivos (Truffaut, Chabrol, Godard y tantos otros) antes de dar paso al dinamismo del rodaje, a la acción y a esos instantes de inspiración marcados por la espontaneidad. Lejos de una mirada nostálgica, la película adopta un tono festivo que no esquiva, sin embargo, los desencuentros de Godard con el productor y con la actriz principal, así como las tensiones derivadas de un método caótico y profundamente rupturista. 

En el plano interpretativo, sobresalen Guillaume Marbeck como Godard, Zoey Deutch en el papel de la glamurosa Jean Seberg y Aubry Dullin como Jean-Paul Belmondo.

Como conclusión, Nouvelle Vague no solo rinde homenaje a la figura del director francés, sino que además recuerda al espectador, de modo sutil, que la magia y la inmortalidad del cine no residen tanto en las cotas del éxito o del espectáculo visual como en la manera de llevarlo a cabo y en el sello creativo. Una película en blanco y negro que, al tiempo, es puro cine de autor y retrato de una obra clave en la historia del cine.

****************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Con su vida literalmente derrumbándose a su alrededor, Linda intenta lidiar con la misteriosa enfermedad de su hija, su marido ausente, una persona desaparecida y una relación cada vez más hostil con su terapeuta. 

En esta historia no se sufre tanto por las desgracias constantes, sino por la ansiedad que se consigue plasmar tan bien. En todo momento hay una sensación agobiante que tal vez no sea para todos los espectadores, pero esa es precisamente su intención. A pesar de lo desagradables que son todos los personajes, sabe encontrar un punto mínimo de credibilidad para que no sea tan unidimensional.

La enfermedad de la hija del personaje de Byrne es uno de los mayores conflictos del filme, y sin embargo no llegamos a ver su rostro durante gran parte del metraje. La niña es inocente y muy cariñosa pero también peca de caprichosa y hasta pesada, pero es creíble. No es que haya una relación fría entre ambos personajes, pero uno siente el agobio del cuidado que tiene pasar en unas condiciones tan dura. Uno de los temas claves es la propia culpabilidad, y ella la carga consigo misma mientras se pregunta si acaso ella podría ser madre.

Tal vez a pesar de ser una persona problemática, ella es empática, porque sobre todo sientes la soledad a la que está atada. Desde su relación distante con su marido, la cual está llena de discusiones; su terapeuta (interpretado por Conan O’Brien), a quien aprecia mucho pero este es frívolo con ella; hasta la que tiene con sus propios pacientes. Ella carga con tanta responsabilidad que no sabe qué hacer o hacia dónde debe ir.

Aun así, Mary Bronstein cuenta una historia intensa que no te dejará sin respiración y Rose Byrne entrega una actuación muy fuerte que representa perfectamente el estrés y la agonía que el filme quiere recrear. No es para todo el mundo, es un visionado muy difícil no por la narrativa o el ritmo, sino el tono heredero de los trabajos de Ronald y los hermanos Safdie llevado a un punto extremo de ansiedad y psicología. 

Es un viaje desagradable y estresante en el que se sufre pero nunca pierde la atención ni el interés.

******************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

François Ozon  ha optado por llevar al cine una de las obras más importantes del existencialista Albert Camus, ya adaptada hace casi medio siglo por el maestro Luchino Visconti.

El director francés se muestra fiel al original literario. A diferencia de la película de Visconti, que tenía una mayor conciencia de narración popular y en la que la voz en off del protagonista iba acompañada por acciones constantes que mitigaban la densidad de la obra, Ozon traduce la seriedad de las frases cortas de Camus en un rigor estilístico al que se adecua la interpretación perfectamente medida de Benjamin Voisin en el papel del oficinista falto de toda ilusión y convencido de lo absurdo de la existencia. Esto se refuerza con la elección formal del blanco y negro: la falta de cromatismo desenmascara la crudeza de la realidad.

El conjunto se revela como una opción arriesgada, pero ideal como traslación en imágenes de la obra de Camus. Consciente de la radicalidad de una propuesta en la que, además, prescinde de la narración en primera persona del libro, el cineasta se permite la concesión de romper con la linealidad de la obra literaria (igual que hacía Visconti) para incluir intriga y sembrar la curiosidad en el espectador.

El film comienza no cuando al protagonista se le anuncia la muerte de la madre –uno de los inicios literarios más célebres del siglo XX–, sino cuando es encarcelado días después por haber matado a un árabe en la Argelia francesa.

Aún con el respeto hacia la obra original, Ozon no se resiste a introducir pequeños añadidos que actualizan el texto original: a través del personaje de la prometida del protagonista (Rebecca Marder) se vehiculan denuncias a actitudes machistas del entorno y, además, en la parte final se destaca el olvido de la víctima árabe en todo el juicio.

********************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Agnes, una muchacha peculiar que parece no rendir cuentas a nadie y que es capaz de crear misteriosos remedios con sencillas combinaciones de plantas, es la comidilla de Stratford, un pequeño pueblo de Inglaterra. Cuando conoce a un joven preceptor de latín igual de extraordinario que ella, se da cuenta enseguida de que están llamados a formar una familia. Pero su matrimonio se verá puesto a prueba, primero por sus parientes y después por una inesperada desgracia.

Partiendo de la historia familiar de Shakespeare, Maggie O’Farrell transita entre la ficción y la realidad para trazar una hipnótica recreación del suceso que inspiró una de las obras literarias más famosas de todos los tiempos.

La autora, lejos de fijarse únicamente en los acontecimientos conocidos, reivindica con ternura las inolvidables figuras que habitan en los márgenes de la historia y ahonda en las pequeñas grandes cuestiones de cualquier existencia: la vida familiar, el afecto, el dolor y la pérdida.

Adaptando el texto de esta prodigiosa novela, nos llega una magnífica película dirigida por dirigida por Chloé Zhao y coescrita junto a Maggie O’Farrell.

Hamnet se fragua a fuego lento, con una primera parte en la cual la inmersión en la naturaleza y la potencia de las relaciones que hay entre los personajes van a ir macerando hasta llegar a una catarsis colectiva final de altísimo impacto emocional que no solo pone el broche de oro a la película sino que además declara su amor por el arte como forma de procesar los reveses de la vida, exteriorizarlos, compartirlos y, de algún modo, aceptarlos.

Extraordinarias interpretaciones de sus dos actores protagonistas: Jessie Buckley y Paul Mescal.

********************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.

Mike Sardina es un cantante, ex alcohólico, que se gana la vida haciendo imitaciones de cantantes famosos. En uno de sus trabajos conoce a otra mujer que también actúa, Claire, y la conexión es instantánea.

Ambos están divorciados, él tiene una hija que vive con su madre y ella tiene dos hijos que viven con ella. Pronto deciden emprender un proyecto común, no sólo en el terreno sentimental sino también profesional: el de formar un grupo para interpretar temas de Neil Diamond, el gran ídolo de Mike.

Se llamarán Lightning & Thunder (Rayo y Trueno) y contra pronóstico empiezan a tener éxito. Sin embargo, las dificultades se multiplicarán.

El núcleo central de la película se centra en la relación entre Mike (Hugh Jackman) y Claire (Kate Hudson).

Él, condecorado veterano de guerra y alcohólico en tratamiento, encuentra en la música una disciplina que le otorga identidad y sentido.

Ella, artista normalita de segunda fila, halla en esa unión la oportunidad de reinventarse y volver a sentir que pertenece a un escenario. 

Song Sung Blue – Canción para dos no edulcora la realidad, muestra tensiones, fragilidades y heridas abiertas, pero también revela la fuerza de un amor maduro, entre personas imperfectas y profundamente humanas.

En el reparto: Hugh Jackman, Kate Hudson, Michael Imperioli, Fisher Stevens, James Belushi, Ella Anderson, King Princess, Hudson Hensley, Mustafa Shakir, Cecelia Riddett, John Beckwith, Shyaporn Theerakulstit.

*************************************************************************************************

Los Premios Feroz 2026 se entregaron ayer en Pontevedra. 

A continuación la lista completa de galardonados:

PALMARÉS:

Mejor película dramática: Los domingos

Mejor película de comedia: La cena

Mejor dirección: Alauda Ruiz de Azúa por Los domingos.

Mejor actriz protagonista de una película: Patricia López Arnaiz por Los domingos.

Mejor actor protagonista de una película: Jose Ramon Soroiz por Maspalomas

Mejor actriz de reparto de una película: Nagore Aranburu por Los domingos.

Mejor actor de reparto de una película: Kandido Uranga por Maspalomas

Premio Feroz DAMA al mejor guion de una película: Alauda Ruiz de Azúa por Los domingos.

Mejor música original: Kangding Ray por Sirat

Mejor tráiler: Sirat

Mejor cartel: Tardes de soledad

Mejor serie dramática: Yakarta 

Mejor serie de comedia: Poquita fe

Mejor actriz protagonista de una serie: Esperanza Pedreño por Poquita fe.

Mejor actor protagonista de una serie: Javier Cámara por Yakarta.

Mejor actriz de reparto de una serie: Julia de Castro por Poquita fe 

Mejor actor de reparto de una serie: Secun de la Rosa por Superestar

Premio Feroz DAMA al mejor guion de una serie: Diego San José, Daniel Castro, Fernando Delgado-Hierro por Yakarta 

Premio Feroz Arrebato de ficción: Ciudad sin sueño, de Guillermo Galoe

Premio Feroz Holded Arrebato de no ficción: Tardes de soledad, de Albert Serra

Premio Feroz Audi de Honor: Marta Fernández-Muro

*****************************************************************************************************

NOTA: Las fotografías publicadas en este artículo son propiedad de sus autores.