A las 8.30 h, en el Teatro Victoria Eugenia, vemos CLUB KID dirigida por Jordan Firstman, Sección PERLAS. Duración 126 minutos.
Sinopsis: Peter, un promotor de fiestas underground de Nueva York acostumbrado a vivir entre excesos, música electrónica y noches interminables, ve cómo su mundo da un vuelco cuando una desconocida aparece en su puerta con Arlo, un niño de 10 años que asegura que es su hijo. Lo que comienza como una situación imposible pronto da paso a una loca, divertida y tierna conexión, tan inesperada como transformadora.
Película protagonizada por Jordan Firstman, Cara Delevingne y Diego Calva.
Su director, Jordan Firstman (Nueva York, EEUU. 1991) es escritor, productor, actor y humorista. Ha escrito, dirigido y protagonizado cortometrajes como Call Your Father (2016) o Men Don’t Whisper (2017), proyectado en Sundance y en el SXSW de Austin. Ha sido asimismo guionista de la serie de televisión Search Party. Club Kid, que también ha escrito y protagonizado, es su debut en el largometraje como director y se presentó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes.
A las 12;00 h, en la Sala de Prensa del Kursaal, rueda de prensa de la película de la Sección Oficial: LE FAUX SOIR.
DECLARACIONES:
«Le Faux Soir» puso el broche final a la 74ª edición del Festival de San Sebastián como película de clausura de la Sección Oficial, fuera de concurso. Michaël R. Roskam regresa al certamen con una historia que recupera uno de los episodios más singulares de la resistencia belga durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el humor, la prensa y las palabras se convirtieron en herramientas para combatir la propaganda nazi. “Es una historia real sobre ‘fake news’”, comentó el cineasta durante la rueda de prensa. Una expresión contemporánea para aproximarse a unos acontecimientos ocurridos hace más de ocho décadas y que adquieren nuevas lecturas en un presente marcado por la batalla alrededor de la información y por las diferentes formas de construir un relato.
Roskam explicó también cómo la música formó parte de la construcción de ese universo. El director trabajó con Christophe Chassol para encontrar una relación entre imagen, ritmo y personajes que no funcionara simplemente como acompañamiento. “Creo que el arte se encuentra en el encuentro con el otro”, señaló el director al abordar un proceso creativo en el que diferentes disciplinas terminaron dialogando entre sí.
Mara Taquin destacó igualmente el trabajo realizado para encontrar una dimensión íntima dentro de una historia atravesada por un contexto político e histórico tan reconocible. La actriz incidió en la necesidad de construir a los personajes desde sus relaciones y desde aquello que experimentan dentro del grupo. “Lo importante son las personas y lo que viven dentro de esas situaciones”, explicó durante la rueda de prensa.
Karim Leklou puso el foco en esa combinación entre lo individual y lo colectivo. El actor habló de la resistencia de los personajes y de la necesidad de encontrar seres humanos detrás de las figuras históricas. El contexto condiciona inevitablemente sus decisiones, pero la película trata también de mostrar cómo cada integrante afronta de una manera diferente el miedo y la posibilidad de ser descubierto.
A las 12.30 h,en el Club de Prensa del Kursaal, y como es habitual desde la creación de la AICE (Asociación de Informadores Cinematográficos de España), entregaron el Premio FEROZ ZINEMALDIA a la película: THE DEBUT.
El acto fue presentado por la actriz Paz Vega y recibió el premio, en nombre del director de la película Jesse Eisenberg, su distribuidor en España: Wanda Vision, S.A.
A las. 20.00 h, en la Sala de Prensa del Kursaal, la prensa acreditada pudimos seguir en directo la Gala de Clausura de la 74 edición.
Al término de la misma, todos los galardonados bajaron para responder a nuestras preguntas y posar para los medios gráficos.
Hemos dedicado un artículo especial al PALMARÉS.
Termina aquí nuestra cobertura de esta interesante edición de 2026.
Muchas horas de trabajo, encuentros con compañeros muy queridos, con actrices y actores que ya son amigos, y siempre el deseo que disfrutar de nuestro trabajo y de los equipos que crean tantas y tantas películas.
A las 9.00 h, en el Teatro Victoria Eugenia, vemos THE MAN IN LOVE dirigida por Ira Sachs, Sección PERLAS. Duración 95 minutos.
Sinopsis: En la vibrante Nueva York de finales de los 80, Jimmy George, un conocido artista de la escena underground, atraviesa un momento decisivo en su vida en el que, pese a todo, la belleza y el amor siguen siendo posibles.
La película presenta un retrato de los fascinantes años 80 en la ciudad más fascinante del mundo. Años de alegría y sufrimiento, que vive con plenitud su protagonista interpretado por Rami Malek, que acudió al SSIFF para presentar la película.
Le acompañan en el reparto: Rebecca Hall, Luther Ford, Ebon Moss-Bachrach, Tom Sturridge.
Su director, Ira Sachs (Memphis, EEUU. 1965) ha competido en Sundance con The Delta (1996), su ópera prima, Forty Shades of Blue (2005), que ganó el Gran Premio del Jurado, y Keep the Lights On (2012), incluida también la sección Panorama del Festival de Berlín, donde obtuvo el Premio Teddy. Volvió a participar en Panorama con Love is Strange (El amor es extraño, Perlak, 2014), Passages (2023), presentada fuera de competición en Sundance, y Peter Hujar’s Day (Un día con Peter Hujar, 2025). Completan su filmografía Married Life (El juego del matrimonio, 2007), estrenada en Toronto, Little Men (Verano en Brooklyn, Perlak, 2016), incluida Generation Kplus de la Berlinale, y Frankie (2019), estrenada a concurso en Cannes, donde este año ha competido con The Man I Love.
A las 11;30 h, en el Teatro Victoria Eugenia proyección de la película sorpresa de este año: INK, dirigida por Danny Boyle. Duración: 116 m.
Sinopsis: Una frenética montaña rusa cinematográfica sobre un grupo de visionarios disidentes que tuvieron la idea de crear un nuevo tipo de noticias: unas que dieran a la gente lo que quería y que cambiarían el aspecto del mundo en el que vivimos hoy en día.
El reparto lo protagonizan los actores Jack O’Connell, Guy Pearce y Claire Foy.
A las 18.30 h, en Tabakalera, vimos una de las mejores películas de la Sección KLASOKOAK: HIGH ART de la directora Lisa Cholodenko. Duración: 101 m
Sinopsis: Una joven becaria en una pequeña empresa de revistas y una fotógrafa drogadicta se enamoran lentamente mientras se explotan mutuamente para avanzar en sus respectivas carreras.
Una de las mejores películas donde el mundo de la Fotografía está reflejado. El proceso creativo o no que atraviesa una reconocida fotógrafa, actualmente en crisis en parte por las adicciones de su pareja. En ese momento de su vida llega una joven y ambiciosa editora de una revista. Surge una interesante conexión entre ellas, artística y sentimental. La película tiene momentos de gran belleza estética.
Mención aparte merece las grandes interpretaciones deRadha Mitchell y Ally Sheedy (editora y fotógrafa respectivamente) y, muy especialmente, la de Patricia Clarkson que interpreta magistralmente a la pareja de la fotógrafa.
High Art (1998), fue el primer largometraje escrito y dirigido por Lisa Chodolenko (Los Ángeles, EEUU. 1964), compitió en Sundance, donde su guion fue distinguido con el Premio Waldo Salt. El filme participó posteriormente en la Quincena de Cineastas de Cannes, a la que volvió con Laurel Canyon (La calle de las tentaciones, 2002). Le siguieron Cavedweller (Regreso al hogar, 2004) y The Kids Are Alright (Los chicos están bien, 2010), estrenada fuera de concurso en Berlín, donde obtuvo el Premio Teddy. Fue nominada a cuatro Oscars, entre ellos el de mejor película, y consiguió los Globos de Oro a la mejor comedia o musical y a la mejor actriz (Annette Bening). Ha dirigido además episodios de series como Six Feet Under (A dos metros bajo tierra, 2001) u Olive Kitteridge (2014).
A las 22. 30 h, en el Teatro Principal, vimos una divertida película de la Sección PERLAS: JUSTE UNE ILLUSION. Duración: 119 m
Sinopsis: 1985. Vincent, que pronto cumplirá 13 años, vive en las afueras de París con una familia de clase media, entre un hermano mayor que lo ignora y unos padres que no paran de discutir. Ya no es un niño, pero tampoco un adulto. Vincent se debate entre las grandes preguntas de la vida: la identidad, la amistad, la familia, la religión, el deseo, los primeros amores… y por qué los adultos parecen no haber resuelto ninguna de ellas.
Como es habitual en los directores franceses, Eric Toledano y Olivier Nakache, nos presentan una deliciosa comedia con la que el espectador disfruta al mismo tiempo que contempla vida y milagros de una familia peculiar y entrañable.
Cuenta para ello con la presencia de dos de los mejores actores del país galo: Louis Garrel y Camille Cottin, a los que acompañan: Pierre Lottin, Simon Boublil, Alexis Rosesnstiehl y Jeanne Lamartine.
Tras realizar algunos cortometrajes, Éric Toledano (París, 1971) y Olivier Nakache (Suresnes, Francia. 1973) dirigieron los largometrajes Je préfère qu’on reste amis (2005), Nos jours heureux (2006) y Tellement proches (2009). Clausuraron, fuera de competición, la Sección Oficial del Festival de San Sebastián con el estreno mundial de Intouchables (Intocable, 2011), que obtendría un gran éxito internacional, y, tres años después, con Samba (2014). En 2017 compitieron por la Concha de Oro con Le sens de la fête (C’est la vie) y en 2019 cerraron el Festival de Cannes, fuera de concurso, con Hors normes (Especiales, Perlak), que ganó en San Sebastián el Premio del Público. En 2023 dirigieron Une année difficile (Un año difícil).
A las 8.30 h, en el Kursaal 1, vemos SANTS dirigida por Mikel Gurrea, Sección Oficial. Duración 103 minutos.
Sinopsis: Mientras lidia con la inminente muerte de su madre, Lali entra a formar parte de una banda de ladrones de figuras religiosas.
Película irregular que tiene momentos interesantes, basados en las interpretaciones, pero que no logra completamente atraer el interés del espectador. Hubo comentarios a la salida de la proyección que así lo confirmaron.
En el apartado de los intérpretes, especialmente Victoria Luengo, Ariadna Gil y Eulàlia Ramón, las tres vuelven a demostrar su contrastada solvencia.
Su director, Mikel Gurrea (San Sebastián, 1985) ha dirigido los cortometrajes Primo (2008), Los gatos del tejado (2009), Rojo en el agua (2010), Txoria (2013), Foxes (Kimuak, 2015), Heltzear (Zabaltegi-Tabakalera y Kimuak, 2021), que participó en la competición de cortometrajes de la sección Orizzonti del Festival de Venecia, y Baratza Batzarra (Eusko Label, fuera de competición, 2024). Suro, su primer largometraje, fue seleccionado para Ikusmira Berriak en 2016. El filme compitió en la Sección Oficial de San Sebastián en 2022, donde obtuvo el Premio Irizar, el FIPRESCI y el Premio Euskal Gidoigileen Elkartea al mejor guion. Recibió también tres premios Gaudí y fue nominado al Goya a la mejor dirección novel y la mejor actriz. Sants es su segundo largometraje.
A las 10.35 h, en la Sala de Prensa del Kursaal, se celebró la rueda de prensa a la que asistieron el director y las tres actrices.
A las 11;30 h, en el Teatro Victoria Eugenia, proyección de SOUNDAIN (Sección PERLAS), dirigida por Ryusuke Hamaguchi. Duracion: 196 m.
Sinopsis: Como directora de una residencia de ancianos, Marie-Lou se esfuerza por implementar una filosofía de atención innovadora basada en escuchar y respetar la dignidad de los residentes, a pesar de la resistencia de algunos miembros de su personal. Su encuentro con Mari, una directora de teatro japonesa que lucha contra el cáncer, cambiará su vida para siempre. Tras forjar una profunda amistad, ambas mujeres se embarcan juntas en una lucha para «hacer posible lo imposible».
Era una de las películas que más interés había despertado de la programación del 74SSIFF. No defraudó. Su elevado metraje transcurre en un suspiro, en ningún momento se hace larga la película. Sin duda, esto se debe al excelente guión y fantásticas interpretaciones de las dos actrices principales: Virginie Efira y Tao Okamoto (ambas ganaron como Mejor Actriz en la pasada edición del Festival de Cannes).
Su director, Ryusuke Hamaguchi (Kawasaki, Japón. 1978) dirigió en 2008 su primer largometraje, Passion (New Directors). Happy Hour (2015) obtuvo en Locarno el premio de interpretación para todo su elenco femenino y Netemo sametemo / Asako I & II (Perlak, 2018) compitió en Cannes. En 2021 ganó en Berlín el Gran Premio Especial del Jurado con Guzen to sozo (La ruleta de la fortuna y la fantasía, Perlak) y con Drive My Car (Perlak) obtuvo en Cannes el premio al mejor guion y el FIPRESCI, así como el Oscar al mejor filme internacional y el Gran Premio FIPRESCI en San Sebastián. En 2024 Aku wa sonzai shinai (El mal no existe, Perlak, Premio Lurra) ganó en Venecia el Gran Premio del Jurado y el FIPRESCI.
A las 16.15 h, en el Teatro Principal, proyección de la película JOSEPHINE. Sección PERLAS. Duración: 114 m.
Sinopsis: Tras presenciar accidentalmente una violación en el Golden Gate Park de San Francisco, Josephine, de 8 años, comienza a mostrar comportamientos violentos y paranoia. El trauma desestabiliza a su familia mientras sus padres buscan justicia y la manera de recuperar la seguridad perdida.
Magnífico retrato infantil de una niña que a su corta edad presencia el terrible momento de una violación a una mujer. El delicado proceso de gestionar ese trauma, por parte de padres, profesores y profesionales de la psicología, queda muy bien reflejado en esta película.
Su directora, Licenciada en Sociología por la Universidad de California en Berkeley y máster en Bellas Artes por el American Film Institute, Beth de Araújo (San Francisco, EEUU. 1985) es guionista y directora. Debutó en el largometraje con Soft & Quiet (El club del odio, 2022), estrenado en el SXSW de Austin, por el que fue nominada al Premio Gotham Bingham Ray a la mejor dirección revelación. Su segunda película, Josephine (2026), se estrenó en la competición estadounidense de Sundance, donde obtuvo el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público, y también compitió en el Festival de Berlín.
A las 8.30 h, en el Teatro Principal, vemos COWARD dirigida por Lukas Dhont, Sección PERLAS. Duración 127 minutos.
Sinopsis: Rodeados de brutalidad pero unidos por la ternura, dos soldados de la Primera Guerra Mundial encuentran un frágil santuario de amor y arte entre las sombras de las trincheras belgas. Coward, de Lukas Dhont, plantea una pregunta profunda para una generación enviada a la guerra: cuando el mundo exige violencia, ¿desertar es el acto de valentía más verdadero?
Una de mis películas preferidas de lo que va de SSIFF. No se la pierdan. Está rodada con una sutileza que maravilla. El trabajo de sus dos actores protagonistas, Emmanuel Macchia y Valentin Campagne, es magnífico. La última media hora te puede reconciliar con el cine si te habías alejado por algún motivo.
Su director, Lukas Dhont (Gante, Bélgica. 1991) debutó en el largometraje con Girl (Perlak, 2018), estrenada en Un Certain Regard del Festival de Cannes, donde recibió la Caméra d’Or, el Premio FIPRESCI, la Queer Palm y el premio al mejor actor (Viktor Polster). Posteriormente recibió el Premio del Público al mejor filme europeo y el Premio Sebastiane en San Sebastián. En 2022 compitió en la Sección Oficial de Cannes con Close, galardonada con el Grand Prix del festival y posteriormente nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Este año ha vuelto a competir en el certamen francés con Coward, que les reportó a Emmanuel Macchia y Valentin Campagne el premio a la mejor interpretación masculina.
A las 11;30 h, en el Teatro Principal, proyección de BIAN JING / BORDER (Sección Oficial), Duración: 78 m.
Sinopsis: En un pueblo olvidado donde los hombres han aprendido a sobrevivir ocultando sus sentimientos y utilizando pocas palabras, un joven minero sin dinero va silenciosamente a la deriva por una vida que apenas siente. Su entumecida rutina se ve rota por la llegada de una joven enigmática que atiza una curiosidad dormida y la promesa de algo nuevo. Él la sigue por un camino oscuro, dejando atrás la tranquila seguridad del único mundo que conoce, sin saber que esta desconocida no es lo que parece.
No logré entrar en esta historia. Reconozco que el cine chino tiene un ritmo propio y también una estética que en muchas ocasiones cautiva. No sucede lo mismo con esta película.
Su director, Ah Biao (Da Tong. 1990) es director, guionista y director de fotografía. Bian jing / Border es su primer largometraje.
A las. 12.30 h, en la Sala de Prensa del Kursaal, la esperada rueda de prensa de BRAD PITT.
Llegué tarde, casi al final, porque estaba viendo la película china en el Teatro Principal. La sala de prensa estaba a su máxima ocupación. No cabe duda que el actor americano despierta pasiones.
DECLARACIONES:
Poco antes se había proyectado por segunda vez ‘En el corazón de la bestia (Heart of the Beast)’, el filme de «supervivencia extrema» dirigido por David Ayer en el que la estrella estadounidense interpreta a James Belmont, un oficial retirado de las Fuerzas Especiales que, tras sobrevivir a un brutal accidente aéreo, queda atrapado junto a su perro de combate Odín en la helada e implacable naturaleza de Alaska. «En el fondo, la película no es más que una historia de amor» que invita a repensar en que «deberíamos dedicar más tiempo a lo que nos conecta, a los que nos une y menos a lo que nos separa», interpretó el también productor de la película, acerca del mensaje que pretendían transmitir con el proyecto. Un ‘cara a cara’ interpretativo entre Pitt y el perro protagonista. La trama explora la dificultad de sobreponerse a una vida marcada por la «violencia» y buscar la paz. Pero el destino no lo pone fácil. Y los protagonistas, tienen que emprender otra lucha por la supervivencia contra la naturaleza salvaje de Alaska. Ante los periodistas, la estrella de Hollywood detalló los retos de un arriesgado rodaje en escenarios naturales: «Pasamos frío durante doce horas al día, nos mojamos, nos sentábamos en troncos y no teníamos tráileres, pero decidimos que llueva o haga sol eso iba a dar color a la escena y fuimos a por ello», explicó Pitt.
A las 19.00 h, dentro de la Sección Oficial, en el K1, proyección de la película THE DEBUT, Duración: 105 m.
Sinopsis: Cuando Mona Friedman consigue un pequeño papel en un teatro comunitario, pasa de ser una ama de casa tímida y discreta a convertirse en una apasionada actriz, dispuesta a hacer cualquier cosa para proteger la integridad artística de su papel, aunque eso signifique entrar en guerra con el autoritario director de la obra.
Esta película destaca por el duelo interpretativo entre Julianne Moore y l Paul Giamatti. Les acompañan un selecto grupo de actores: Halle Bailey, Jesse Eisenberg, Cara Buono, Craig Bierko, Eldar Isgandarov, Bernadette Peters.
El trabajo que realiza Julianne Moore es muy brillante y creemos que estará en todas las quinielas para ganar los principales galardones en la temporada de premios.
Su director, Jesse Eisenberg (Nueva York, EEUU. 1983) ha trabajado como intérprete para directores como Noah Baumbach –The Squid and the Whale (Una historia de Brooklyn, 2005)–, Woody Allen –To Rome With Love (A Roma con amor, 2012) y Café Society (2016)–, Kelly Reichardt –Night Moves (2013)– o David Fincher –The Social Network (La red social, 2010), por la que fue nominado al Oscar al mejor actor–. Su ópera prima como director, When You Finish Saving the World (Cuando termines de salvar el mundo, 2022), inauguró la Semana de la Crítica de Cannes tras su estreno en Sundance. Su segundo largometraje, A Real Pain (2024) ganó el Premio Waldo Salt al mejor guion en Sundance y el BAFTA al mejor guion original, fue nominado al Oscar en esa categoría y le valió a Kieran Culkin el Oscar al mejor actor de reparto. The Debut se presentó en Toronto.
A las 22 h, en el Teatro Principal, se proyecta la película FJORD, de la Sección PERLAS. Duración: 146 m.
Sinopsis: Los Gheorghiu, una pareja rumano-noruega muy religiosa, se instalan en un pueblo situado en un remoto fiordo, donde entablan una estrecha relación con sus vecinos, los Halberg. Sus hijos se hacen amigos a pesar de las diferencias en su educación. Cuando la adolescente Elia Gheorghiu aparece en el colegio con algunos moratones en el cuerpo, la comunidad se pregunta si la educación tradicional que los padres imparten a sus hijos tendrá algo que ver con ello.
No terminé de conectar con esta película. Me pareció interesante en la primera hora, pero su parte final me decepcionó mucho.
Su director, Cristian Mungiu (Iasi, Rumanía. 1968) ha ganado dos veces la Palma de Oro en Cannes: en 2007, con 4 luni, 3 saptamâni si 2 zile (4 meses, 3 semanas, 2 días, Perlak, Gran Premio FIPRESCI en San Sebastián) y este mismo año con Fjord. La primera recibió además el Premio del Cine Europeo a la mejor película y al mejor director. Desde su primer filme, Occident (2002), presentado en la Quincena de Cineastas, es un habitual de Cannes, en cuya Sección Oficial ha competido con Dupa dealuri (Más allá de las colinas, 2012), premio al mejor guion y la mejor actriz e incluido en la retrospectiva Eastern Promises en San Sebastián en 2014, Bacalaureat (Los exámenes, 2016), que le reportó el galardón al mejor director, y R.M.N. (Perlak, 2022).
A las 8.30 h, en el Teatro Principal, vemos LA BOLA NEGRA dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo. Sección PERLAS. Duración 159 minutos.
Sinopsis: Narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia. Es una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca.
Película muy esperada en esta 74 edición de PERLAS tras el triunfo obtenido en el Festival de Cannes. En general, no defrauda. Quizá los primeros 75 minutos cuesta un poco más implicarte en su visionado, sin embargo a partir del minuto 76 la película adquiere un interés potente y conmovedor.
Muy brillantes Lola Dueñas, Penélope Cruz y Glenn Close. Los actores, aún en menor intensidad, también defienden sus personajes con solvencia.
Sus directores, Javier Ambrossi (Madrid, 1984) y Javier Calvo (Murcia, España. 1991), conocidos como “Los Javis”, debutaron como directores con La llamada (Gala RTVE, 2017), adaptación al cine de su musical homónimo, que ganó el Goya a la mejor canción original y recibió otras cuatro nominaciones. Son también los creadores de las series de televisión Paquita Salas (2016), Veneno (2020) y La mesías (2023), estrenada fuera de competición en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. La bola negra, su segundo largometraje, les reportó en el Festival de Cannes el premio a la mejor dirección ex aequo con Pawel Pawlikowski (Vaterland /Fatherland).
A las 14;30 h, en los cines Príncipe, Sala 7, proyección de WILD HORSE NINE (Sección PERLAS), dirigida por Martin McDonagh. Duración: 116 m.
Sinopsis: Poco antes del golpe de Estado de Chile en 1973, los agentes de la CIA Chris y Lee son enviados por su jefe de oficina, MJ desde Santiago, donde están destinados, a la Isla de Pascua. Entre las icónicas estatuas de la isla, y mientras estos veteranos compañeros lidian con sus oscuros pasados y con conspiraciones presentes, el nuevo vínculo que Chris establece con dos estudiantes rebeldes amenaza con echar a perder el viaje de todos a este remoto paraíso.
Deslumbrantes interpretaciones de John Malkovich y Mariana de Girolamo. Ambos deberían estar en la temporada de premios y ganarlos. El resto de actores que les acompañan también merecen un reconocimiento. La película se disfruta de principio a fin.
Su director, Martin McDonagh (Londres, 1970) ganó con Six Shooter (2004) el Oscar al mejor cortometraje de ficción. Su primer largo, In Bruges (Escondidos en Brujas, 2008) obtuvo el BAFTA al mejor guion original y fue nominado al Oscar en la misma categoría. Le siguieron Seven Psycopaths (2012) y Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Tres anuncios en las afueras, Perlak, 2017), que ganó los Oscars a la mejor actriz (Frances McDormand) y el mejor actor de reparto (Sam Rockwell), el Globo de Oro al mejor drama y la Osella de Oro al mejor guion en Venecia, premio que volvió a obtener por The Banshees of Inisherin (Almas en pena de Inisherin, 2022), que también recibió la Copa Volpi (Colin Farrell) y nueve nominaciones al Oscar. John Malkovich ganó en Venecia la Copa Volpi al mejor actor por Wild Horse Nine.
A las 16.45 h en el Teatro Principal, proyección de ESTA SOLEDAD, Sección Nuevos Directores. Duración: 110 m.
Sinopsis: Leo y Lorea se han querido. Quizá se siguen queriendo. Pero algo en ellos se ha roto. Su relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad y una desconexión emocional que le pesa. Ella, enredada entre trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien por dónde empezar. Son dos cuerpos cansados y solos, atravesados por lo precario, por lo no resuelto, por la herencia emocional de una generación que parece llegar siempre tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la madurez, a la calma, a la satisfacción personal.
La película comienza con una escena deslumbrante interpretada de forma magistral por Oriol Pla. Conforme avanza la película, su interpretación se complementa excelentemente con la de Marina Salas. Ambos nos conmueven y nos hacen reflexionar de la mano de Javier Giner.
Su director, Javier Giner, tras dirigir cortometrajes como Flores nocturnas (2012), El amor me queda grande (2014), Puerta a puerta (2014) o Julia de Castro, De la Puríssima: Anatomía de una criminal (2015), Javier Giner (Barakaldo, España. 1977) creó y codirigió con Elena Trapé la miniserie Yo, adicto (2024), basada en su libro homónimo y estrenada fuera de competición en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. La serie le valió a Oriol Pla el Emmy Internacional al mejor actor. En teatro ha dirigido Taxi Girl en el Centro Dramático Nacional, ha realizado diversos spots publicitarios y videoclips y su firma ha aparecido en medios como El País, Vanity Fair, Jot Down, Vice Magazine, Cosmopolitan o Marie Claire. Esta soledad es su primer largometraje.
A las 8.30 h, en el Kursaal 1, vimos MIS MUERTOS TRISTES dirigida por Pablo Larraín, Sección Oficial. Duración 187 minutos.
Sinopsis: Ema, una médica recién jubilada que puede ver a los muertos, intenta procesar la muerte de su madre y sus propias cuentas pendientes. La llegada de su sobrina Julie y el asesinato de tres adolescentes en Piedrabuena, barrio del conurbano atravesado por la violencia, desatan un extraño fenómeno que rompe el frágil equilibrio entre vivos y muertos. Lo que hasta entonces había sido una carga de Ema comienza a expandirse por todo el barrio: los muertos empiezan a hacerse presentes y nadie podrá escapar al sonido de sus propios fantasmas.
Basada en los relatos de la gran escritora argentina Mariana Enríquez, el director Pablo Larraín ha dirigido una serie de cuatro capítulos para una plataforma digital. En el SSIFF pudimos ver ese trabajo como película.
El mundo misterioso que protagoniza la literatura de Enríquez está bastante logrado en esta adaptación al mundo audiovisual.
El magnífico elenco que lo protagoniza, Mercedes Morán, Dolores Fonzi, Carolina Álvarez, entre otros… le proporciona una autenticidad que convence a lo largo del metraje.
De sobresaliente, como siempre, una de las mejores actrices de la Historia del Cine: la Sra. Mercedes Morán.
Su director, Pablo Larraín (Santiago de Chile, 1976) debutó con Fuga en 2005. Le siguieron Tony Manero (HL, 2008), estrenada en la Quincena de Cineastas de Cannes, y Post mortem (HL, 2010), que compitió en Venecia. Regresó a la Quincena de Cineastas con No (Perlak, 2012), nominada al Oscar al mejor filme en lengua extranjera, y Neruda (Perlak, 2016). En 2015 obtuvo con El club (HL) el Gran Premio del Jurado en Berlín, Jackie (2016) fue nominada a tres Oscars y ganó en Venecia la Osella de Oro al mejor guion, premio que también recibió El conde (2023). Regresó al Venecia con Ema (Perlak, 2019), Spencer (Película sorpresa, 2021), que le valió a Kristen Stewart una nominación al Oscar, y Maria (2024). Mis muertos tristes adapta tres relatos de Mariana Enríquez en una serie que en el Festival será presentada en su formato de largometraje.
A las 12 h, en la Sala de Prensa del Kursaal, se celebró la esperada rueda de prensa de la película, estuvieron las cuatro protagonistas femeninas, la escritora Mariana Enríquez y el director Pablo Larraín.
DECLARACIONES:
Al cineasta le interesó especialmente la inversión de perspectiva que hace la autora argentina: «Los vivos nos apropiamos de la relación con los muertos, como si fuéramos sus propietarios». Enriquez, ha añadido, plantea en cambio la posibilidad de preguntarse qué sienten ellos y pensar que quizá regresan «para recordarnos que están aquí, que no los olvidemos». La escritora ha contado que su relación con Larraín surgió a partir de la búsqueda de textos del director y derivó después en un proceso de escritura compartida. «Cualquier interpretación de un relato mío me despierta mucha curiosidad», ha reconocido Enriquez, que mantiene una relación bastante desapegada con sus criaturas una vez escritas: «Yo las hago y las abandono».
Mercedes Morán, que ya había trabajado con Larraín, ha destacado el proceso de construcción de su personaje junto al director. Álvarez ha reivindicado también la libertad con la que pudieron construir personajes alejados de lo establecido, mientras Flechner ha destacado el carácter poco complaciente del suyo.
La rueda de prensa ha abandonado por un momento los fantasmas de la ficción cuando Dolores Fonzi ha sido preguntada por la situación cultural de Argentina. La actriz la ha calificado de «pésima» y ha contrapuesto los puentes que construyen festivales y encuentros cinematográficos con las dificultades que atraviesa actualmente su país. «Dependemos totalmente de las plataformas», ha afirmado. Fonzi ha denunciado la retirada de recursos del INCAA y las medidas que han afectado también a otros ámbitos, como los libros y el teatro.
Mariana Enriquez ha situado, sin embargo, la dimensión política de su obra en un marco más amplio que el momento actual. «El problema en Argentina y Latinoamérica es estructural», ha señalado. Como los fantasmas que recorren su literatura, Argentina, ha apuntado, parece incapaz de salir de determinadas espirales.
A las. 13:30 h, en la Sala de Prensa del Kursaal, otra de las ruedas de prensa importantes: la de la película SACAMANTECAS. Estuvieron presentes: David Pérez Sañudo, Patricia López Arnáiz y Antonio de la Torre.
DECLARACIONES:
El director regresó al Festival de San Sebastián con Sacamantecas, su tercer largometraje y un thriller inspirado en hechos reales que recupera la figura de Juan Díaz de Garayo, personaje histórico convertido con el paso del tiempo en una auténtica leyenda popular.
El director explicó que buscó humanizar y naturalizar al personaje al mismo tiempo que cuestionaba su mito. Para ello, la película incorpora a Ángela Berrosteguieta, personaje de ficción interpretado por Patricia López Arnaiz que regresa a Vitoria después del asesinato de su hermana y comienza una búsqueda de justicia.
«La película es muy actual porque seguimos viviendo violencia sistémica contra las mujeres y seguimos viviendo en un sistema machista», ha afirmado la actriz, que ha portado una chapa a favor de Palestina, durante la presentación del filme en el Zinemaldia.
López Arnaiz ha explicado que el distanciamiento que proporciona una historia ambientada en otra época permite, precisamente, observar con mayor claridad problemas del presente. «Cuando la forma es distante, como puede ser una película de ciencia ficción o una película de historia, creo que te da como una distancia que ayuda a veces a poder tener una visión crítica del momento presente más clara»
A las 14.00 h, dentro de la Sección Made in Spain, en el Príncipe 3, proyección de la película TRES ADIOSES, 125 m.
Hubo presentación y coloquio. En la presentación participó Isabel Coixet, no así en el coloquio porque tenía otro compromiso.
Sinopsis: Tras lo que parecía una discusión sin importancia, Marta y Antonio se separan. Él, un chef prometedor, se refugia en sus fogones; ella, en su silencio, empieza a notar algo más que tristeza: ha perdido el apetito… y no solo por desamor. Cuando descubre que detrás hay un problema de salud, todo da un giro inesperado: la comida sabe mejor, la música le llega como nunca y el deseo despierta sus ganas de vivir sin miedo.
Otra obra maestra de la gran directora catalana. Es una película que no deja indiferente a nadie por su planteamiento y su delicadeza en el desarrollo del mismo. Película muy importante de su filmografía.
Ella, Isabel Coixet, (Barcelona, España. 1960) debutó con Demasiado viejo para morir joven (New Directors, 1989). Destacan en su filmografía Cosas que nunca te dije (1996); La vida secreta de las palabras (2005), presentada en Orizzonti de Venecia y ganadora de los Goya a mejor dirección y mejor guion original; Mi vida sin mí (2003), que compitió en Berlín; Mapa de los sonidos de Tokio (2009), a competición en Cannes; Spain in a Day (Proyecciones TVE, 2016); The Bookshop (La librería, 2018), Goya a mejor película, dirección y guion adaptado; El techo amarillo (Sección Oficial, fuera de concurso, 2022) y Un amor (2023), Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto (Hovik Keuchkerian). Fue miembro del Jurado Oficial en 2006. Tre ciotole se estrenó en el Festival de Toronto en 2025.
A las 8.30 h, en el Teatro Principal, vemos SACAMANTECAS dirigida por David Pérez Sañudo, Sección Oficial (fuera de concurso) Duración 109 minutos.
Sinopsis: Álava, siglo XIX. Mientras la III Guerra Carlista agoniza, varias mujeres aparecen estranguladas en las afueras de Vitoria. Ángela Berrosteguieta, hermana de una de las víctimas, llega en busca de justicia, decidida a demostrar que Juan Díaz de Garayo, un campesino analfabeto, es el responsable de los crímenes. Sin embargo, Pío Pinedo, jefe de los alguaciles, se enfrenta a la falta de recursos en tiempos de guerra y a la presión de las autoridades, que prefieren ocultar la creciente ola de asesinatos.
Con un reparto de ensueño: Antonio de la Torre, Patricia López Arnaiz, Josean Bengoetxea, Eneko Sagardoy, Haizea Carneros.
Su director, David Pérez Sañudo (Bilbao, España. 1987) comenzó dirigiendo cortometrajes como Artificial (2015) o Aprieta pero raramente ahoga (Kimuak, 2017). Con su primer largometraje, Ane (New Directors, 2020) consiguió en San Sebastián el Premio Irizar y el Premio Euskal Gidoigileen Elkartea al mejor guion. El filme obtuvo asimismo los Goya al mejor guion adaptado, mejor actriz protagonista y mejor actriz revelación y fue nominado en las categorías de mejor película y mejor dirección novel. También en 2020 presentó en la Gala EITB la miniserie Alardea. En 2023 fue seleccionado en Ikusmira Berriak con La última noche de un Erasmus en Roma. Al año siguiente participó en New Directors con Azken erromantikoak (2024).
La película tiene una factura magnífica y una ambientación excepcional. Antonio de la Torre muestra una interpretación hacia adentro, con la solvencia técnica sobradamente demostrada a lo largo de su carrera profesional. Y Patricia López Arnáiz nos ofrece, ¡una vez más¡ otra de sus grandes interpretaciones. Es nuestra mejor actriz y nadie lo cuestiona.
A las 11;30 h, en el Teatro Principal, proyección de MINOTAUR (Perlas), dirigida por Andrey Zvyagintsev. Duración: 135 m.
Sinopsis: Rusia, 2022. Cuando Gleb, un empresario de éxito, se ve acorralado por las crecientes presiones corporativas y un mundo cada vez más inestable, la vida ordenada que ha construido comienza a desmoronarse, precipitándolo hacia la violencia.
Su director, Andrey Zvyagintsev (Novosibirsk, Rusia. 1964) ganó con su primer filme, Vozvrashchenie (El regreso, 2003), el León de Oro en Venecia. El segundo, Izgnanie / The Banishment (2007), obtuvo el galardón al mejor actor (Konstantin Lavronenko) en Cannes, donde Elena (2011) se alzó con el Premio Especial del Jurado de Un certain regard. En 2014 Leviafan (Leviatán) obtuvo el premio al mejor guion en el certamen francés. Fue también nominado al Oscar al mejor filme en lengua extranjera y se convirtió en la primera película rusa en ganar el Globo de Oro en esa categoría. Ha vuelto a competir en Cannes con sus dos últimos trabajos: Nelyubov (Sin amor, Perlak, 2017), que se alzó con el Premio del Jurado, y Minotaur (Minotauro), que este año ha ganado el Gran Premio del Jurado.
Esta película, que Francia seleccionó hace unos días para aspirar al Óscar a la Mejor Película Extranjera, me decepcionó mucho. Incluso llegué a aburrirme en varios tramos de su metraje, de modo que no puedo recomendar su visionado.
A las 16.00 h en los cine Príncipe 9, sección Zinemira, asistimos a la proyección de LA MALETA DE ÁLEX, Duración: 97 m):
El equipo de la película presentó la película.
Sinopsis: Diez años después de la muerte de Álex Angulo, Dodó, la hija que el actor adoptó en China, regresa desde Taiwán para conocer quién fue realmente su padre. Con su maleta secreta, recorre Bilbao y Madrid reencontrándose con familiares, amigos y profesionales del cine, el teatro y la televisión. Sus testimonios y los fragmentos de sus obras reconstruyen la memoria artística y humana de Álex, mientras Dodó recupera el vínculo perdido y se encuentra a sí misma.
Su director, Alejandro Cortés Calahorra (Zaragoza, España. 1983) se graduó en Dirección Cinematográfica en la Universidad del Cine de Buenos Aires. Durante su último año de carrera escribió y dirigió su primer largometraje, Refugios (2015), que viajó por festivales de India, EEUU, Argentina, Suecia y España. Le siguió el documental Carrasca (2019), seleccionado en certámenes como la SEMINCI, DocMontevideo, Bogotá, Atlantidocs o el Festival Internacional Buñuel-Calanda, donde obtuvo el premio a la mejor película. También ha dirigido cortometrajes como La casa del nono (2012), Reineta (2015) o La nueva normalidad (2020). La maleta de Álex fue seleccionada en Zinebi Networking y Mafiz-Mercadoc del Festival de Málaga.
Seguimos en los cines Príncipe, y a las. 18.30 h, en la Sala 10, vemos la película de Jaime Lorente: EL MAL HIJO. Duración: 106 m
Sinopsis: Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, este se ve obligado a irse a vivir con su abuela, a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece haberse detenido, el niño aprenderá cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación, y luchará a medida que crece por intentar sanarlas.
Lo mejor de la película es la inmensa interpretación de SUSI SÁNCHEZ. Es una de nuestras más brillantes actrices, y vuelve a demostrarlo en la clase magistral que nos ofrece. Un trabajo delicado y sutil. Una absoluta maravilla. ¡Bravo, Susi¡
Su director, Jaime Lorente (Murcia, España. 1991) es actor y director. Como intérprete alcanzó proyección internacional a través de la televisión por sus papeles en La casa de papel (2017-2021) y Élite (2018-2024), a los que siguieron roles protagonistas en la serie El Cid (2021) y en películas como 42 segundos (Alex Murrull, Dani de la Orden, 2022), Disco, Ibiza, Locomía (Kike Maíllo, 2024), Hamburgo (Lino Escalera, 2025) o La silla (Ángel de la Cruz, 2026). Ha trabajado también con directores como Asghar Farhadi (Todos lo saben, 2018) o Dani de la Torre (La sombra de la ley, 2018). El mal hijo, adaptación de la novela de Salvador S. Molina, supone su debut como director.
A las 21.00 h, dentro de la Sección Horizontes Latinos, en la Sala 10 de los cines Príncipe, proyección de la película SIEMPRE SERÉ TU ANIMAL MATERNO. Duración: 108 m.
Sinopsis: Tras años estudiando en Europa, Elsa regresa a Costa Rica para reunirse con su familia. Allí, encuentra a su hermana menor viviendo sola en la casa familiar, cada vez más distante y solitaria, como si se hubiera sumergido en su propio mundo. Mientras tanto, sus padres están absortos en sus propias vidas. Su padre va de un lado a otro con una serie de aventuras amorosas, mientras que su madre está inmersa en la reedición de los poemas eróticos de su juventud, sin que ninguno de los dos comprenda del todo la urgencia de la situación.
A destacar en esta película, la siempre fascinante presencia de la mejor actriz de México: MARINA DE TAVIRA. Aunque es un personaje corto, ella sabe entregarle todo lo necesario para hacerle brillar. Es un placer escuchar su perfecta dicción, su ritmo vocal… Una actriz excepcional.
Su directora, Valentina Maurel (San José. 1988) recibió en 2017 el primer premio en la Cinéfondation del Festival de Cannes por su primer cortometraje, Paul Is Here. El segundo, Lucía en el limbo, se presentó en la Semana de la Crítica del certamen francés, así como en el Festival de Toronto. El proyecto de su primer largometraje, Tengo sueños eléctricos, fue seleccionado en 2020 bajo el título de Jardín en llamas para Proyecta en San Sebastián. El filme recibió en Locarno los premios a la mejor dirección, mejor actriz y mejor actor, y ganó en San Sebastián el Premio Horizontes. Siempre soy tu animal materno obtuvo en Un Certain Regard de Cannes el premio a la mejor interpretación femenina para Marina De Tavira, Daniela Marín Navarro y Mariangel Villegas.
A las 8.30 h, en el Teatro Victoria Eugenia, vemos 5 MINUTOS MÁS dirigida por Javier Ruíz Caldera, Sección Oficial. Duración 92 minutos.
Sinopsis: 5 minutos más narra la historia de un matrimonio en crisis que decide pasar un fin de semana de turismo rural en una casa aislada en el campo. Allí se reúnen con un encargado de la agencia que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero antes de que los deje solos, sucede una cosa extraordinaria: el tiempo retrocede 5 minutos.
Es una película de género fantástico, muy entretenida y con momentos brillantes gracias a las magníficas interpretaciones de sus actores protagonistas.
El director de la película, Javier Ruiz Caldera, (Viladecans, España. 1976) participó en el I Encuentro de Escuelas de Cine en San Sebastián con su cortometraje Treitum (2001). En 2009 dirigió su primer largo, la parodia Spanish Movie, al que siguieron Promoción fantasma (2012), Cuervo de Oro al mejor filme y Premio del Público en el Festival de Cine Fantástico de Bruselas, y 3 bodas de más (2013), nominada a 7 Goyas. Sus adaptaciones de tebeos Anacleto, agente secreto (2015) y Superlópez (Made in Spain, 2018) ganaron el Goya a los mejores efectos especiales. En los últimos años ha dirigido Malnazidos (2020), junto a Alberto de Toro, Un hombre de acción (2022) y Wolfgang (2025). Ha realizado también episodios para series como Mira lo que has hecho (2018-2020) o El otro lado (Velódromo, 2022).
A las 10.35 h, en la Sala de Prensa del Kursaal, asistimos a la conferencia de prensa del equipo de la película THE HOWSEWIFE. Están presentes su director, Lena Olin y Naomi Watts.
DECLARACIONES:
NAOMI WATTS: «Me da miedo lo que está sucediendo, tenemos que estar vigilantes», ha afirmado la actriz británica al ser preguntada por la situación actual y por el nazismo, del que trata su película The Housewife. Sin querer entrar en profundidades en las preguntas políticas que se le han formulado en la rueda de prensa, Watts se ha referido al Holocausto como algo que no podemos «permitir que vuelva a suceder» o sobre los problemas de los inmigrantes en Estados Unidos -«tengo fe en que las cosas se solucionarán a tiempo»-.
Preguntas relacionadas con su papel de Hermine Braunsteiner, una austríaca que trabajó como guardia de las SS en los campos de concentración de Ravensbrück y Majdanek y que fue la primera criminal de guerra nazi extraditada de Estados Unidos para ser juzgada en Alemania Occidental. Watts se mudó a Estados Unidos para perseguir su sueño de ser actriz, algo que de cierta forma también hizo la protagonista del filme, que quiso construirse una nueva vida y borrar los atroces crímenes que cometió. «Tengo hijos estadounidenses, amo a Estados Unidos. Lo que ocurre en la actualidad es complicado, pero tengo fe en que las cosas se solucionarán a tiempo», ha agregado.
LENA OLIN: En The Housewife, Olin interpreta a una mujer cuya existencia aparentemente respetable se cruza con un pasado mucho más inquietante. La película habla de la normalidad como posible escondite del mal y de cómo algunas personas pueden reconstruir una vida respetable después de haber participado en atrocidades. Para Olin, esa cuestión resulta especialmente inquietante porque no pertenece únicamente al pasado. “Hoy es tan importante reconocer el odio, incluso cuando tiene una fachada bonita», afirma. “Detrás de toda esa cortesía, de esas palabras, de esas frases, puede haber muchísimo peligro”. En un momento de creciente polarización y agresividad, añade, “eso está saliendo a la superficie y da miedo”. E insiste: “No podemos dejar que las personas horribles que hacen cosas horribles se escondan detrás de una fachada y pensar: Bueno, compraremos la fachada y no veremos lo que hay detrás”. Y entonces la conversación se vuelve casi un tema de actualidad: “Mira a los políticos que tenemos hoy. ¿No nos damos cuenta de quiénes son esas personas?”.
En cuanto a su regreso al SSIFF: “Este festival es tan vibrante y tan cálido, y hay tanto entusiasmo… Está clarísimo que España es un país de cine, con fans y gente apasionada, es simplemente amor, diversión y calidez”. En la distancia corta Lena es elegante, bellísima y sorprendentemente cálida.
Reconoce que ella ha cambiado desde aquella visita. “Cuantos más años voy cumpliendo, más relajada estoy y más intento disfrutar del momento. Creo que siempre he sabido apreciar las cosas, pero ahora todavía más”. Y añade: “Estar en este hotel ya es fantástico”.
A las 15;30 h, en el Kursaal 1, proyección de LOS MISERABLES (Sección Oficial), dirigida por Fred Cavayé. Duración: 178 m.
Sinopsis: Tras 19 años en prisión por robar una hogaza de pan, Jean Valjean busca redención reinventándose como un respetado dignatario bajo una nueva identidad. Promete a Fantine, una trabajadora de fábrica moribunda, rescatar y proteger a su hija, Cosette, quien está siendo explotada y maltratada por la deshonesta familia Thénardier. Mientras Valjean cría a Cosette como si fuera su propia hija, es perseguido sin descanso por el inspector Javert. En medio de la agitación social que sacude Francia, los destinos de Valjean, Cosette, su enamorado Marius y Javert se entrelazan en un París turbulento y revolucionario. A través de luchas, sacrificios y un profundo anhelo de justicia, Valjean se esfuerza por culminar su camino de redención y darle a Cosette un futuro de amor y libertad.
Impecable adaptación de la novela de Víctor Hugo, quizá la mejor que se ha hecho. Con un reparto impresionante: Vincent Lindon, Tahar Rahim, Camille Cottin, Benjamin Lavernhe, Noémie Merlant, Vassili Schneider, Megan Northam, Marie Colomb y Louis Peres.
Su director, Fred Cavayé (Rennes, Francia. 1967) dirigió en 2008 su primer largometraje, Pour elle (Cruzando el límite), nominado al César a la mejor ópera prima -en 2010 fue objeto de un remake en Hollywood: The Next Three Days (Los próximos tres días, Paul Haggis)-, al que siguieron À bout portant (Cuenta atrás, 2010) y Mea culpa (2014). Tras estos tres thrillers, dirigió las comedias Radin! (Manual de un tacaño, 2016) y Le jeu (El juego, 2018). Completan su filmografía el drama Adieu Monsieur Haffmann (Adiós, Señor Haffman, 2022) y la comedia histórica Les chèvres! / This is the Goat! (2024).
A las 19.00 h, Kursaal 2, proyección de la película CENIZA EN LA BOCA, sección Horizontes Latinos. Duración: 103 m
Sinopsis: En busca de una vida mejor, Lucila viaja con su hermano Diego desde México para encontrarse con su madre en Madrid, quien lleva ahí ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Al llegar, la vida que los espera resulta más dura de lo que imaginaban.
Todo el equipo de la película, encabezado por su director, Diego Luna, presentó y participó en un coloquio con el público asistente.
Diego Luna, Ciudad de México, 1979) ha desarrollado una carrera como actor que adquirió proyección internacional a partir de Y tu mamá también (Alfonso Cuarón, Made in Spanish, 2001). Como director, debutó con el documental J.C. Chávez (2007), presentado en Tribeca, al que siguió Abel (2010), estrenada en Sundance, proyectada en Cannes Séances Spéciales y ganadora en San Sebastián del Premio Horizontes y el Premio de la Juventud. En 2011 se proyectó en la retrospectiva 4+1: Cine mexicano contemporáneo junto al filme colectivo Revolución (2010), del que fue codirector. En 2014 presentó César Chávez (Perlak) en Berlinale Special y en 2016 estrenó Sr. Pig (2016) en Sundance. Fue miembro del Jurado Oficial en 2013. Ceniza en la boca se presentó en una proyección especial en Cannes.
A las. 21.30 h, en el cine Príncipe 3, proyección de EL SER QUERIDO, Sección Made in Spain. Dirección, Rodrigo Sorogoyen. Duración: 135 m.
Sinopsis: El aclamado director de cine Esteban Martínez es una leyenda tanto por sus películas como por su pasado de violencia y excesos. Para su nuevo proyecto le ofrece un papel a su hija Emilia con el pretexto de ayudarla en su estancada carrera de actriz. La convivencia del rodaje dará lugar a una intimidad que no tenían desde hace años, pero también reavivará viejos dolores que nunca se curaron.
Su director, Rodrigo Sorogoyen (Madrid, 1981) codirigió con Peris Romano su primer largo, 8 citas (2008). Stockholm (2013) obtuvo tres premios en Málaga y un Goya. Que Dios nos perdone (2016) ganó el Premio del Jurado al mejor guion en San Sebastián y el Goya al mejor actor. Volvió a competir por la Concha de Oro en 2018 con El reino, que ganó 7 premios Goya. Madre (2019) recibió el premio a la mejor actriz en la sección Orizzonti de Venecia. As bestas (Perlak, 2022) participó en Cannes Premiere y ganó nueve Goyas, incluidos mejor película y dirección, y el César al mejor filme extranjero. Ha dirigido las series Antidisturbios (SO fuera de competición, 2020) y Los años nuevos (2024) y un episodio de Apagón (SO fuera de competición, 2022). El ser querido compitió en Cannes.
Al finalizar la película, hubo un coloquio con la presencia de VICTORIA LUENGO y RODRIGO SOROGOYEN.
Llegamos a San Sebastián alrededor de las 13 h. Solo hay tiempo en esta mañana para recoger nuestra acreditación en el espacio habilitado en el Kursaal.
A las 17.30 h, en el Teatro Principal, vemos FATHERLAND dirigida por Pawel Pawlikowski , Sección PERLAS. Duración 87 minutos.
Sinopsis: Fatherland se centra en la relación entre el escritor Thomas Mann, ganador del Premio Nobel, y su hija Erika, actriz, escritora y piloto de rallies. En el verano de 1949, en pleno auge de la Guerra Fría, padre e hija emprenden un exigente y emotivo viaje por carretera en un Buick negro que los lleva a través de una Alemania en ruinas: desde la Fráncfort dominada por Estados Unidos hasta la Weimar controlada por la Unión Soviética. De regreso a casa tras 16 años de exilio en EEUU, Thomas Mann debe enfrentarse no solo a una patria dividida, sino también a una fractura profunda dentro de su propia familia.
Sin pretender hacer spoiler, cuando vean la película estén muy atentos a la escena final, bellísima, con los personajes dentro de una iglesia. De fondo, la cantata de J.S. Bach: BWV 147, Jesús alegría de los hombres.
Nuevo trabajo del director polaco: Pawel Pawlikowski. (Varsovia, 1957) inició su carrera realizando documentales para la televisión. En 1998 dirigió su primer largometraje para el cine, The Stringer, al que siguieron Last Resort (2000), por el que recibió el BAFTA a la mejor dirección novel, My Summer of Love (2004), presentado en la sección 14Plus del Festival de Berlín, y La femme du Vème (La mujer del quinto, 2011). La consagración internacional le llegó con Ida (2013), ganadora del Oscar a la mejor película extranjera y del BAFTA al mejor filme de habla no inglesa. En 2018 Zimna Wojna / Cold War (Perlak) recibió tres nominaciones al Oscar y el premio a la mejor dirección en Cannes, galardón que ha vuelto a obtener este año, ex aequo, por Fatherland.
A las 19,45 h, en el Teatro Principal, asistimos a la proyección de THE HOUSEWIFE (La esposa perfecta), Proyección por el Premio Donostia. Duración: 102 m
Sinopsis: Nueva York, 1964. Un joven periodista descubre que un presunto oficial nazi está viviendo en la clandestinidad en el barrio de Queens. Cuando entabla amistad con la encantadora esposa del principal sospechoso su investigación toma un giro inesperado, poniendo en jaque su integridad periodística. Basada en una historia real.
Esta película cuenta con una muy correcta interpretación de la actriz Naomi Watts, que iba a recibir el día siguiente el Premio Donostia.
Sin embargo, el mayor interés de la película lo acaparó una breve, y muy conmovedora, interpretación de la gran actriz sueca LENA OLIN. Actriz que ha visitado en tres ocasiones el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Las dos anteriores, una como protagonista de una película de la Sección Oficial y la segunda vez acompañando a su marido Lasse Hallström.La dirección corre a cargo de Ben Shirinian (Montreal, Canadá) se licenció en estudios cinematográficos en la Queen’s University. Ha dirigido los cortometrajes Lost in Motion (2012), Lost in Motion 2 (2013) y Josef et Aimée (2015). The Housewife (La esposa perfecta) es su primer largometraje.
A las. 22:15 h, en el Teatro Principal, proyección de la película THE INVITE dentro de la Sección PERLAS. Duración: 107 minutos.
Sinopsis: Joe y Angela atraviesan una crisis matrimonial. Cuando invitan a cenar a sus enigmáticos vecinos, Pina y Hawk, una velada aparentemente inocente da paso a confesiones, deseos ocultos y situaciones tan incómodas como divertidas que pondrán a prueba su relación.
La dirección la realiza Olivia Wilde (Nueva York, EEUU. 1984) alcanzó la popularidad como actriz gracias a series como The O.C. o House M.D. (House). Entre sus créditos para el cine se encuentran Year One (Año uno, Harold Ramis, 2009), Her (Spike Jonze, 2013), Rush (Ron Howard, 2013) y Richard Jewell (Clint Eastwood, 2019). En 2019 debutó como directora con la comedia Booksmart (Súper empollonas), nominada al BAFTA al mejor guion original y Premio Independent Spirit a la mejor ópera prima. Le siguió en 2022 Don’t Worry Darling (No te preocupes querida, Perlak), presentada fuera de competición en la sección oficial del Festival de Venecia. The Invite, adaptación de la obra (y posterior película) Sentimental, de Cesc Gay, se estrenó en Sundance y se proyectó en la Piazza Grande de Locarno.
