Ambientada en el competitivo mundo del tenis profesional, en el que una exjugadora convertida en entrenadora, Tashi, ha conseguido transformar a su marido Art en campeón de varios torneos del Grand Slam. Tras una racha de derrotas, Tashi le inscribe en un torneo ‘Challenger’ -el torneo profesional de menor nivel-, en el que se reencuentra con Patrick, su antiguo mejor amigo y exnovio de Tashi. Todo arranca desde el presente, en un punto en el que Tashi se ha convertido en la esposa de Art y en su entrenadora. Al verle desmotivado, decide apuntarle a un pequeño torneo regional «challenger» para devolverle la confianza después de una racha de derrotas. Y resulta que Patrick, como es de esperar, también compite ahí.
Poco a poco la dinámica entre los protagonistas y este círculo de deseo y obsesión nos envuelve. Y nos dejamos llevar por la química que emerge entre los actores protagonistas, que nos tienen preparados reveses constantes e imprevisibles. Esto, junto a la apasionada manera que tienen los actores de dar vida a los personajes, acaba dando pie a que veamos en pantalla algunas escenas realmente excitantes. Todos los ingredientes conforman una película que logra el objetivo de obsesionar y embelesar a los espectadores, y que además era casi esperable de uno de los cineastas que mejor retrata el deseo. Porque la sensualidad no sólo está en el sexo en sí, sino que también se puede encontrar en conversaciones, miradas o, por qué no, en la forma de empuñar una raqueta de tenis.
Estamos en la España de mediados de los 80. Un grupo de amigos capitaneados por Xavi Font (Jaime Lorente), acaban de llegar a Ibiza persiguiendo su sueño de dedicarse a la moda. Allí les descubre el productor José Luís Gil (Alberto Ammann), un magnate de la industria musical que busca nuevos talentos para lanzar un grupo. Sin tener ni idea de cantar, el grupo inicia una carrera que les lleva de vivir como hippies en Ibiza, a llenar estadios en Latinoamérica y revolucionar de paso las discotecas de medio mundo. Crearon un nuevo estilo, fueron perseguidos por fans y ganaron millones… Aunque para ello tuvieron que sacrificar su libertad.
Los años 90 fueron testigos de excesos y en el epicentro de esa extravagancia se encontraba Locomía, el grupo de electro dance nacido en Ibiza a finales de los 80 que conquistó Latinoamérica. Ahora, la rocambolesca historia de su ascenso y declive llega a los cines en ‘Disco, Ibiza, Locomía’, una película dirigida por Kike Mailo y protagonizada por Blanca Suárez y Jaime Lorente.
La película ofrece una mirada íntima a la vida detrás de los abanicos y las coreografías, explorando el ascenso meteórico y el impacto en la cultura pop a través de testimonios de los propios integrantes del grupo y de quienes fueron testigos de su explosión en la escena musical.
Esta película no pasará a la historia del cine, pero puede gustar a los fans del grupo.
La historia transcurre en Estados Unidos, en 1860. Los protagonistas son Holger Olsen, taciturno carpintero danés que emigró a América al finalizar la guerra con Prusia, y Vivienne Le Coudy, florista franco-canadiense de fuerte personalidad. La pareja se instala en Elk Flats (Nevada), poco antes de comenzar la Guerra de Secesión. Meses después Olsen decide que debe participar en la lucha, se alista en el ejército de la Unión y deja sola a Vivienne. La ausencia no debía pasar de unos meses, pero resultó durar años. Además ella, para su desgracia, llamó la atención del joven Weston, hombre caprichoso y violento, hijo del corrupto cacique local. La realización es sencilla, hecha de detalles pequeños que permiten el lucimiento de los actores. La narración abunda en flashbacks. Mortensen parece abusar de estos, al punto de que, al inicio, cuesta encontrar la línea temporal maestra. Una vez que el espectador la localiza, cada pieza cae en su sitio y se descubre que toda la película es una oda dedicada a la mujer.
Conviene decir que si Mortensen es un soberbio vaquero lacónico, Vicky Krieps sobresale interpretando a Vivienne, un papel que es un regalo para una actriz. Fuerte y delicada, realista e imbuida de romanticismo, americana con fuertes raíces europeas, y con una vena fantasiosa que viene de Juana de Arco.
Viggo Mortensen ya no nos sorprende con un notable western que demuestra un gran conocimiento de los clásicos. Se puede apreciar en la importancia que da a los paisajes, en la utilización de claves tradicionales, fáciles de entender por todas las audiencias en el modo de mostrar el paso del tiempo; en la atención que presta a los detalles en torno a una trama sencilla, en cómo deja quieta la cámara.
Una gran película con dos magníficos intérpretes al frente de ella.
Cate Blanchett, una de las intérpretes más relevantes de la cinematografía contemporánea, recibirá un Premio Donostia en la 72ª edición del Festival de San Sebastián, al tiempo que protagonizará el cartel oficial. La imagen del póster es obra del diseñador gráfico José Luis Lanzagorta, que ha partido de una fotografía de Gustavo Papaleo.
Blanchett acumula más de 200 reconocimientos y galardones, incluidos dos Oscar -y otras seis nominaciones-, dos Copas Volpi del Festival de Venecia, cuatro premios Bafta y cuatro Globos de Oro, el César y el Goya honoríficos en una trayectoria de más de tres décadas que combina el cine de autor con películas dirigidas al gran público. La intérprete y productora australiana ha trabajado con cineastas como Martin Scorsese, Terrence Malick, Steven Soderbergh, Steven Spielberg, David Fincher, Ridley Scott, Sally Potter, Wes Anderson, Alfonso Cuarón, Alejandro G. Iñárritu, Woody Allen, Gillian Armstrong, Taika Waititi, Peter Jackson, Todd Haynes, Richard Linklater, Jim Jarmusch, Guillermo del Toro, Adam McKay o Todd Field.
Esta será su primera visita a San Sebastián, aunque alguna de sus películas han sido proyectadas en el Festival como Babel (Alejandro G. Iñarritu, Perlak, 2007) o Veronica Guerin (Joel Schumacher, Sección Oficial, 2003), que compitió por la Concha de Oro. Cate Blanchett es la segunda intérprete australiana en recibir el premio honorífico más importante del Festival tras Hugh Jackman (2013).
El Festival instauró en 2018 una nueva línea de carteles, presidida por una figura de la cinematografía contemporánea. Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche y Javier Bardem han precedido a Blanchett como imagen oficial, que este año ha sido creada por el diseñador gráfico donostiarra José Luis Lanzagorta a partir del retrato del fotógrafo Gustavo Papaleo.
BIOGRAFÍA DE CATE BLANCHETT
Cate Blanchett es una actriz de renombre internacional, productora, directora artística, filántropa y muy implicada con el sector cultural. Junto a sus socios Andrew Upton y Coco Francini, es cofundadora y directora de la productora de cine y televisión Dirty Films, que acaba de lanzar Proof of Concept, un programa que ofrece apoyo financiero, tutoría y visibilidad a cineastas emergentes. Blanchett produjo y protagonizó la premiada The New Boy (Perlak, 2023), de Warwick Thornton con su empresa. También estuvo tras el largometraje de Apple Original Films Fingernails (Esto te va a doler, Sección Oficial, 2023), de Christos Nikou, con Jessie Buckley, Riz Ahmed y Jeremy Allen White, y el premiado debut de Noora Niasari, Shayda, protagonizada por Zar Amir Ebrahimi.
Con Dirty Films ha producido Carol, de Todd Haynes, y Tár, de Todd Field; Apples, de Christos Nikou; Mrs America, miniserie de FX nominada a 10 premios Emmy; y ha producido y cocreado para Netflix la serie Stateless (Desplazados), ganadora de 13 premios AACTA. También ha creado y producido el premiado podcast original de Audible Climate of Change, y Evolver, una experiencia interactiva de realidad virtual que se estrenó en Tribeca y ha sido seleccionada para la primera competición inmersiva del Festival de Cannes de 2024.
Entre los trabajos como actriz de Blanchett se incluyen Tár, Nightmare Alley (El callejón de las almas perdidas), Don’t Look Up (No mires arriba), Ocean’s 8, Thor: Ragnorok, Carol, Blue Jasmine, I’m Not There, The Curious Case of Benjamin Button (El curioso caso de Benjamin Button), Notes on a Scandal (Diario de un escándalo), The Life Aquatic (Life Aquatic), Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal), la trilogía de The Lord of the Rings (El señor de los anillos) y The Hobbit (El Hobbit), The Good German (El buen alemán), The Aviator (El aviador), The Talented Mr Ripley (El talento de Mr. Ripley) y Elizabeth. Entre los innumerables premios que ha recibido cabe destacar cuatro BAFTA, dos Oscar, tres Globos de Oro y tres premios del Sindicato de Actores.
Entre 2008 y 2013 Blanchett trabajó junto a Andrew Upton como codirectora artística y codirectora ejecutiva de la galardonada Compañía de Teatro de Sídney, con la que produjo 16 espectáculos al año en cuatro sedes, con giras nacionales e internacionales. Entre sus producciones más destacadas figuran Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, dirigida por Liv Ullmann; Tío Vania, de Antón Chéjov, dirigida por Tamas Ascher, y Tot Mom, de Steven Soderbergh; los aclamados montajes de Benedict Andrew de La guerra de los Rose, Las criadas de Genet y Gross und Klein (Big and Small) de Botto Strauss; la adaptación seminal de The Secret River, de Neil Armfield, que también ha inspirado la serie de televisión homónima de ABC; producciones del dramaturgo Kip Williams; y The Present, de Andrew Upton, dirigida por John Crowley y por la que Blanchett obtuvo una nominación a los premios Tony. Blanchett ha actuado recientemente en la adaptación de la producción del National Theatre When We Have Sufficiently Tortured Each Other, de Martin Crimp.
Blanchett y Upton recibieron el Premio Green Globe por su destacada labor en la Compañía de Teatro de Sídney, tras haberla transformado en una de las entidades culturales más ecológicas del mundo, gracias, por ejemplo, a la construcción de la segunda mayor instalación de paneles solares en tejado de Australia. Ha presidido jurados de festivales como Cannes y Venecia, y el Festival de Venecia le ha concedido en dos ocasiones la Copa Volpi a la Mejor Interpretación. Blanchett es miembro honorífica del BFI del London Film Festival, ha recibido el Premio Stanley Kubrick a la excelencia cinematográfica y tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Asimismo, ha sido reconocida con el César Honorífico, el Goya Internacional y el Chaplin. Blanchett ha sido nombrada Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, Miembro de la Orden de Australia, Medalla del Centenario por sus servicios a la sociedad australiana y Doctora Honoris Causa por la Universidad de Nueva Gales del Sur, la Universidad de Sídney y la Universidad Macquarie, entre otros.
Blanchett es Embajadora Mundial de Buena Voluntad de ACNUR, la Agencia de la ONU para los Refugiados, y miembro del consejo del Premio Earthshot. Es la primera embajadora de Wakehurst y del Banco de Semillas del Milenio. Ha recibido el Premio Crystal del Foro Económico Mundial de Davos y el Premio Humanitario de la Fundación Kuwait-América. Es miembro vitalicio de la Australian Conservation Foundation, socia destacada del Actors Benevolent Fund, la Fundación SAG-AFTRA, la Australian Wildlife Conservancy, Embajadora AFI y Patrona del Festival de Cine de Sídney y la Fundación NIDA, el centro de arte dramático en el que se formó. Vive en la campiña inglesa con su marido, cuatro hijos, tres perros, dos gatos, cerdos y gallinas.
Después de varios años, tres hermanos vuelven a reunirse en la casa de campo en la que pasaron mucho tiempo de descanso y vacaciones con sus padres. Una vez han fallecido estos, tienen que decidir si vender o no la casa, que, lógicamente, ha ido deteriorándose. En su tercera película, Álex Montoya (Lucas, Asamblea) ha dado un salto de calidad muy aplaudido en el último Festival de Málaga, donde recibió los galardones a los mejores guion y música, además del Premio del Público.
Con un metraje brevísimo, la historia que nos cuenta se agiganta con diálogos tan ingeniosos como metafóricos.
La película posee una mirada que llega lejos, es muy sutil, y también combina en una misma historia a tres generaciones distintas de personajes, y a actores de tan buen nivel como David Verdaguer, Óscar de la Fuente o Luis Callejo. La película deja abiertos muchos conflictos actuales sobre la comunicación entre padres e hijos; una relación que puede fortalecer y asegurar, pero también puede llegar a ser, en sus carencias, una fuente inagotable de traumas e infelicidad. Esta historia interpela y golpea sin contemplaciones al egocentrismo, la falta de empatía o la aceleración de una vida esclava del trabajo, pero curiosamente no es una película pesimista de tono adoctrinador.
Es más bien una propuesta de redención, una pausa que dialoga con el espectador en su reflejo certero de tantos detalles tan íntimos como universales. Otra perla del intimismo familiar de un cine español empeñado en quitarse etiquetas y estereotipos ideológicos a base de personalidad y talento.
Sangre en los labios, ha perdido el romanticismo y el simbolismo de su nombre original Love Lies Bleeding. El bautismo acientífico del Amaranthus caudatus, Love Lies Bleeding -que se puede interpretar como que «el amor yace ensangrentado» o como «amor mentiras desangramiento»-, lo impusieron los británicos victorianos en otra muestra de la teatralidad propia de la época y evoca el amor desesperado y abocado a la fatalidad, el amor fou de los franceses, el estereotipo de pasión trágica mediterránea y olé. La planta en sí posee unos pétalos pequeños y rojizos que caen como borbotones de sangre producto de un disparo en el corazón, un apuñalamiento o un desengaño amoroso.
La directora hace equilibrios sobre el ridículo, pero de nuevo sale airosa con una película sugerente, con unas protagonistas (Katy O’Brian y Kristen Stewart) salvajes y con una propuesta estética barroca y abigarrada que demanda a gritos nuestra atención. Sangre en los labios es como una feria de pueblo en la que se juega con escopetas, se bebe mucho, se folla otro tanto y caben muchas posibilidades de acabar con un ojo morado.
La fotografía de Ben Fordesman -con quien repite la directora- ayuda a construir un universo entre la realidad y la fantasía, casi de cómic. Los cielos de la película, a veces irreales, ayudan a despegar las localizaciones naturales del realismo. Dos mujeres contra el mundo, un mundo lleno de monstruos que las obliga a convertirse en unos monstruos peores para sobrevivir.
Esta película nos cuenta la historia de Colt Seavers (Gosling), un doble de acción que hace un tiempo que no ejerce tras sufrir un accidente. Además de perder su trabajo, también perdió a su pareja Jody Moreno (Blunt). Pero, de la nada, la productora Gail Meyer (Hannah Waddingham) le llama para que vuelva a trabajar en la película que está dirigiendo Jody. Esperando poder empezar de nuevo, Colt acepta el trabajo, pero una vez allí descubre que Jody no quiere saber nada de él y que Gail le ha llamado en realidad para que localice a la estrella Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson), que ha desaparecido en extrañas circunstancias.
El argumento de El especialista tan solo coincide con la serie homónima de los 80 que adapta, en la que Lee Majors interpretaba el papel de Ryan Gosling y Heather Thomas el de Emily Blunt, en convertir al doble de acción protagonista en un hombre de acción también cuando no está rodando. El director lleva a cabo esta celebración de los especialistas glamourizando su trabajo, convirtiéndolos en héroes de acción en la trama que transcurre en “la vida real”, como en Deathcheaters (Los temerarios) (Deathcheaters, Brian Trenchard-Smith, 1976), en una trama de thriller a lo Shane Black, que es la parte en la que se concentra la acción.
La película también homenajea el trabajo de los especialistas en las escenas que transcurren durante el rodaje de Metalstorm, la película dentro de la película que está dirigiendo el personaje de Emily Blunt, un guiño al clásico de culto Metalstorm (Metalstorm: The Destruction of Jared-Syn, Charles Band, 1983). En estas escenas se concentra la parte romántica, ya que mientras se involucra en una, cada vez más complicada trama, el principal interés de Colt es recuperar el amor de Jody. David Leitch tiene un currículo cargado de acción, así que no es una sorpresa que la acción sea efectiva y esté dirigida para que parezca lo más espectacular posible. Pero, además de la acción, Leitch también maneja muy bien la comedia y el romance. De modo que la mezcla de estos tres elementos, la acción, la comedia y el romance, hacen de El especialista un film entretenido y divertido. Una película llena de homenajes y guiños, como sucede en las películas ambientadas dentro del rodaje de una película, que reivindica el trabajo de los héroes anónimos del cine.
CINET-FARÖ 