En Mumbai, la rutina de la enfermera Prabha se ve alterada cuando recibe un regalo inesperado de su marido, quien trabaja en Alemania. Su compañera de piso Anu, más joven, intenta en vano encontrar un lugar en la ciudad para intimar con su novio. Un viaje a una ciudad costera les permite encontrar un espacio para que sus deseos se manifiesten.
Primera directora india en competir en Cannes, Payal Kapadia ganó el Gran Premio del Jurado con esta película tras la que se advierte una voz distintiva y ya madura, que late con las pulsaciones de maestros como Wong Kar-wai o Lucrecia Martel.
Su capacidad de observación y exquisitez visual (ya mostradas en su aplaudido debut en la no ficción) brillan en esta inmersión en la superpoblada Mumbai, tierra de oportunidades laborales y escenario de contradicciones para dos mujeres que comparten habitación mientras gestionan de modo diferente la distancia (física y afectiva) con sus parejas. Su búsqueda de independencia económica choca con las ataduras y barreras de la sociedad, igual que sus ilusiones, hasta que una amiga las invita a su pueblo natal junto al mar. Este relato, sensible y celebratorio, les deparará la radiante posibilidad de no sentirse solas.
Este largometraje, de ritmo pausado y realizado con pocos medios materiales, posee, sin embargo, grandes dosis de delicadeza al relatar como esas mujeres intentan salir adelante de la congoja que sienten por sus relaciones sentimentales fallidas, al mismo tiempo que demuestra que, en algunas ocasiones, los lazos de amistad llegan a ser más fuertes que los de las propias familias.
La inteligente Payal Kapadia, en este su segundo largometraje, lanza una mirada a las relaciones interpersonales, mientras muestra como Mumbai, una ciudad de una población abrumadora, resulta, sin embargo, un lugar casi único en la India para que las mujeres puedan sentirse más libres.
Cine independiente de autor con una profunda honestidad en su relato.
Almut y Tobias se conocen en un encuentro inesperado que cambia sus vidas. A través de pasajes de su vida en común −se enamoran, construyen un hogar, forman una familia− se nos revela una difícil verdad que amenaza con sacudir sus cimientos. A medida que emprenden un camino que los límites del tiempo desafían, los protagonistas aprenderán a apreciar cada momento del inusual camino que ha tomado su historia de amor, que abarca una década.
En la película se recorren varios de los momentos clave en la vida de ambos, como el proceso de enamoramiento, la construcción de su propio hogar o la formación de una familia, pero de repente todo cambia cuando se revela una verdad difícil que hace tambalear los cimientos de su relación. Los dos tendrán que aprender a sortear las dificultades y el inevitable destino de su historia en esta película que abarca una década.
Los protagonistas de la película son Florence Pugh y Andrew Garfield, que dan vida a Almut y Tobias. Completan el elenco de Vivir el momento Adam James (Wicked), Aoife Hinds (Normal People), Grace Delaney, Lee Braithwaite, Marama Corlette, Douglas Hodge (Joker), y Amy Morgan, entre otros actores y actrices. Además, Benedict Cumberbatch es uno de los productores de la película a través de su compañía SunnyMarch.
El largo viaje de la vida de Parthenope, desde su nacimiento en 1950 hasta hoy. Una epopeya femenina desprovista de heroísmo pero rebosante de una pasión inexorable por la libertad, Nápoles y los rostros del amor, todos esos amores verdaderos, inútiles e indecibles. El perfecto verano de Capri, el desenfado de la juventud, que acaba en emboscada. Y luego todos los demás: los napolitanos, hombres y mujeres, observados y amados, desilusionados y vitales, sus olas de melancolía, sus ironías trágicas y sus miradas abatidas.
La vida, ordinaria o memorable, sabe ser muy larga. El paso del tiempo ofrece un vasto repertorio de emociones. Y ahí al fondo, tan cerca y tan lejos, está Nápoles, esa ciudad inefable que hechiza, encanta, grita, ríe y siempre sabe cómo hacerte daño.
Esta película comparte ciertos rasgos con su penúltima película, como esta especie de tono nostálgico por la Nápoles del pasado, pero tiene ecos de toda su filmografía tanto en cuanto a temas (la reflexión metafísica sobre cómo somos los seres humanos) como a forma (con todos esos planos que nos remiten más a un sueño que a la realidad tangible).
Parthenope es una mujer que nació en el mar y con el peso de llevar el nombre de lo que hoy conocemos como Nápoles. La joven posee una belleza extraordinaria y, con el paso del tiempo, acabará descubriendo las verdaderas consecuencias que supone este don y a la vez maldición.
La belleza de sus planos y esa vocación onírica no son suficientes para levantar la inconsistencia de su guion, que se pierde embelesado por sí mismo y no llega a plantear un discurso tan profundo como realmente cree tener.
Sorrentino quiere hablar de la belleza femenina elevándola a la categoría de fuerza divina, pero lo hace como si en su vida hubiera conocido a una mujer. Su apreciación de la misma se siente ajena y hueca, como si escribiera un soneto ensalzando la vida en el campo alguien que jamás ha vivido fuera de su ático en la gran ciudad.
PARTHENOPE es belleza, sí… pero todos sabemos que en la vida hacen falta muchas cosas más porque esa cualidad siempre es pasajera.
Por último, un aviso: se emocionarán escuchando la música de Ricardo Cocciante.
María, una joven escritora que acaba de ser madre, se topa con la noticia de un suceso estremecedor: una mujer francesa ha ahogado a sus gemelos de 10 meses en la bañera. María se obsesiona con ello, ¿por qué los mató? A partir de ese momento, la sombra del infanticidio la acechará como una vertiginosa posibilidad.
La película es un thriller psicológico sobre la maternidad basado en la novela de Las madres no de Katixa Agirre.
Laura Weissmahr, Oriol Pla, Giannina Fruttero y Belén Cruz encabezan el reparto de este filme que explora el mundo interior de una madre primeriza. Estrenada en el Festival Internacional de Cine de Locarno, Salve María se pasa en versión original en castellano, catalán y francés con subtítulos en español.
Su directora, Mar Coll, nos sumerge en el día a día de una mujer que se obsesiona con un filicidio que le aboca a una espiral pesadillesca en la que también hay espacio para el juego literario, la mitología, las tragedias clásicas y un buen puñado de capas entre lo real y lo imaginado.
Una obra oscura, perturbadora, asfixiante, que habla de la maternidad y de la depresión posparto de una manera inédita.
Camina todo su metraje en terreno del thriller y del terror psicológico para convertirse en una de las obras más valientes y singulares del cine español.
Justin Kemp, un hombre de familia, mientras forma parte de un jurado en un juicio por asesinato, se encuentra luchando con un serio dilema moral… uno que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al asesino acusado.
El director se centra aquí en Justin Kemp (Nicholas Hoult), un periodista y alcohólico en recuperación que es llamado para formar parte de un jurado en Georgia, el estado en el que vive con su muy embarazada esposa, Ally (Zoey Deutch), quien ya perdió un embarazo previo. El tipo trata de excusarse por ese tema, pero no lo consigue y es seleccionado para ocuparse de un caso que, como sucede en las selecciones de jurados, desconoce.
Se trata de un aparentemente claro y evidente asunto de violencia de género que terminó con la muerte de una mujer. James Sythe (Gabriel Basso), un hombre agresivo y maltratador, es acusado de haber matado a su novia, Kendall Carter (Francesca Eastwood, hija del director), al costado de una carretera en una noche lluviosa tras pelearse en un bar, borrachos, a la vista de todos.
Las evidencias concretas del crimen son pocas, pero todos los caminos conducen a ese obvio desenlace: el hombre la siguió en la ruta y, en un puente, la mató y la tiró. La fiscal del distrito, Faith Killebrew (Toni Collette), metida en una elección política, apunta hacia allí sus cañones. El abogado defensor (Chris Messina), en cambio, la tiene más difícil.
Utilizando primeros planos en los que los ojos claros de Hoult transmiten mil dudas por segundo, su película se impone como un relato sosegado y discretamente profundo acerca de la responsabilidad, la culpa, las segundas oportunidades y, sobre todo, la manera en la que una persona se enfrenta a sus propios actos.
Quizá ésta sea la última película de Eastwood, no lo sabemos… Sus 94 años nos inclinan a pensarlo, pero si no fuera así siempre estaremos atentos a su nueva creación.
La gala de la 30º edición de los Premios José María Forqué comenzó con un premio cantado, el de mejor cortometraje para “La gran obra”, de Álex Lora; y, a continuación, el segundo galardón de la noche fue para “Mariposas negras”, de David Baute, como mejor largometraje de animación y, por tanto, se sitúa como favorita de cara a los Goya.
La gran sorpresa de la noche fue “El 47”, de Marcel Barrena, al ganar el premio Forqué a mejor largometraje en Educación y Valores y el premio a la mejor película española del año.
Los premios en interpretación fueron para Carolina Yuste, por “La infiltrada”, y para Eduard Fernández, por su trabajo en “Marco”.
Palmarés completo de los Premios José María Forqué 2024:
– Mejor Largometraje de Ficción: ‘El 47’, de Marcel Barrena. – Mejor Interpretación Masculina: Eduard Fernández, por ‘Marco’. – Mejor interpretación femenina: Carolina Yuste, por “La infiltrada”. – Premio al Cine y Educación en Valores: ‘El 47’, de Marcel Barrena. – Mejor Largometraje Documental: ‘Marisol, llámame Pepa’, de Blanca Torres. – Mejor Largometraje de Animación: ‘Mariposas negras’, de David Baute. – Mejor Película Latinoamericana del Año: ‘El lugar de la otra’, de Maite Alberdi. – Premio del Público: ‘Casa en llamas’, de Dani de la Orden. – Mejor Cortometraje Cinematográfico: ‘La gran obra’, de Àlex Lora. – Mejor Serie: ‘Querer’, de Alauda Ruiz de Azúa. – Mejor Interpretación Masculina en Serie: Pedro Casablanc, por ‘Querer’. – Mejor Interpretación Femenina en Serie: Nagore Aranburu, por ‘Querer’. – Medalla de oro: José Luis Garci (director, productor, guionista, crítico y presentador).
Por su parte, José Luis Garci ha querido aprovechar la ocasión para sumar a su sentido agradecimiento algunas reivindicaciones. “Me parece inaudito que no le hayan dado el Premio Nacional de Cinematografía o la Medalla de las Bellas Artes a Enrique Cerezo”.
El Teatro Principal de Zaragoza acogerá, desde el jueves hasta el próximo lunes, “La Colección”, la última obra escrita y dirigida por Juan Mayorga. Este montaje cuenta con un elenco de lujo encabezado por dos grandes nombres del teatro español: José Sacristán y Ana Marzoa. Junto a ellos, Ignacio Jiménez y Zaira Montes completan el reparto en una obra que reflexiona sobre la memoria, el amor, el deseo y la muerte. Coproducida por Lazona y Teatro de la Abadía, presentaron hace unos meses uno de los montajes más esperados de esta temporada.
Texto y dirección de Juan Mayorga, que es una invitación a reflexionar sobre el paso del tiempo y la relación entre las personas y los objetos que las sobreviven. Con una narrativa rica en matices y un trasfondo filosófico, la obra lleva al espectador a descubrir, poco a poco, las complejidades de los personajes y el misterio que rodea a la colección. Es la segunda producción de un texto de Juan Mayorga como director y autor desde que se puso al frente de la dirección artística de la Fundación Teatro de La Abadía. La producción ya se vio allí, en la Sala San Juan de la Cruz.
La historia se centra en cuatro personajes. Héctor y Berna son un matrimonio sin hijos, y a lo largo de su vida han reunido una colección a la que sacrificaron todo lo demás. Ahora, ancianos, quieren asegurarse de que su colección los sobreviva, para lo que buscan un heredero. Han convocado a Susana, coleccionista a su vez, acaso para examinarla. Los acompaña Carlos, quizá un examinador, o una pieza de la colección. La colección es una obra sobre el matrimonio, sobre el paso del tiempo y sobre la misteriosa relación entre las personas y los objetos.
Para el autor del texto, Juan Mayorga, “era necesario que alguien hiciese la colección. Imágenes separadas por océanos o siglos esperaban que alguien las reuniese. Su destino era la colección. Si algún día, dentro de un millón de años, un ser capaz de pensar y de sentir encuentra la colección, sabrá qué es la humanidad y qué podría haber sido. Antes de atravesar esa puerta, piensen que, cuando vuelvan a este lado, todo lo verán desde la colección. También a las demás personas y a sí mismos. La colección te descubre. No puedes verla y no preguntarte quién eres, porque contiene todo lo que eres y todo lo que no eres».
Ana Marzoa: «Es un texto que tiene muchas lecturas. A través del título siempre lleva a pensar que es una pinacoteca, o sea, obras de arte. En esto hay un misterio. Yo creo que lo interesante también en esta pareja es que hay una vocación porque no hay un afán material. Han empleado su vida a coleccionar objetos, estados de ánimo, cosas».
José Sacristán:«Héctor es la antítesis de su propia vida, en la que nunca ha preferido esperar. Yo desde niño opté por la acción, siempre quise ser actor. Esta obra la he tomado como un reto personal, una visión filosófica que me ha permitido salir de obras realistas y concretas de autores como Delibes y llegar a algo más etéreo. No hay que caer en esa cosa tramposa de la experiencia profesional, de la confianza en el oficio. Sí que procura unos apoyos, y lo que puedes hacer está bien, pero siempre será previsible». El maestro recordó que lleva siete décadas actuando en el coliseo zaragozano, por el que siempre ha sentido un cariño especial: «Recibí dos butacas maravillosas del antiguo patio que están en mi casa de Peralejo, en el cine que tengo allí».
Con su presencia estos días en Zaragoza, regresa a la ciudad tras su memorable interpretación en Señora de rojo sobre fondo gris en 2020.
Ana Marzoa, reconocida tanto en teatro como en televisión, estuvo hace unos años con el montaje dirigido por Amelia Ochandiano, «Una Gata sobre un Tejado de Zinc caliente», en la temporada 2016-2017.
Zaira Montes e Ignacio Jiménez completan el reparto, con su juventud no exenta de experiencia, ya que ambos poseen importantes trayectorias en teatro y producciones de televisión de éxito.
Los dos veteranos intérpretes, Sacristán y Marzoa, presentes en la rueda de prensa recibieron el libro publicado por el 225º aniversario de la mano de la consejera de Cultura del Ayuntamiento de Zaragoza, Sara Fernández.
Las entradas están prácticamente agotadas para las cinco funciones programadas. Sin duda, «La Colección» será uno de los grandes acontecimientos culturales de esta temporada teatral en Zaragoza.
Enric Marco Batlle fue un sindicalista español que ejerció como Secretario General de la Confederación Nacional del Trabajo (CNT) y como Presidente de la Amical de Mauthausen de España. Durante su etapa frente la Asociación, Marco dio un gran número de charlas, principalmente en centros de enseñanza, sobre su pretendida vivencia como superviviente de los campos nazis. Más adelante, se acabó descubriendo que había falseado datos de su biografía para aparecer como superviviente del campo de concentración de Flossenburg, durante la IIGM.
Este relato de sufrimiento y supervivencia, lleno de detalles desgarradores, tocó los corazones de quienes le escuchaban, y Marco se convirtió en una figura respetada y venerada dentro de la comunidad española. Su valentía y fortaleza ante la adversidad le hicieron ganar el respeto de sus compatriotas, que veían en él un símbolo de resistencia y dignidad.
Su testimonio, siempre emotivo y convincente, tocaba las fibras más sensibles de quienes le rodeaban. Pronto, su fama creció, y no pasó mucho tiempo antes de que ascendiera a la presidencia de la Asociación Española de Víctimas del Holocausto.
Sus conferencias, defendiendo los derechos de las víctimas y sensibilizando a la sociedad sobre la importancia de recordar el sufrimiento de los que habían perdido la vida en los campos de concentración le hicieron célebre.
Sin embargo, su vida fue más oscura de lo que él contaba. Enric Marco no había sido prisionero en ningún campo nazi, ni había vivido la pesadilla de los campos de concentración. En lugar de eso, Marco había pasado la Segunda Guerra Mundial en España, lejos de los horrores que describía con tanta precisión.
Su relato era completamente falso, un producto de su imaginación y su habilidad para manipular la verdad. La verdad permaneció oculta durante años, mientras él seguía disfrutando de la admiración pública y de los beneficios que le otorgaba su estatus de sobreviviente del Holocausto.
Gran interpretación de Eduard Fernández, y con él una siempre magnífica Nathalie Poza.
John Knox (Michael Keaton) es un asesino a sueldo al que le diagnostican una demencia en estado avanzado. Decide entonces pasar sus últimos días intentando redimirse ayudando a su hijo adulto (James Marsden), del que ha estado mucho tiempo separado. Pronto John encuentra en una carrera contra las autoridades, así como en el tictac del reloj de su propia mente, que se deterioran rápidamente. Michael Keaton, además de dirigir la película, interpreta a un asesino a sueldo en este thriller que no tuvo apenas repercusión en la taquilla estadounidense. Su guion ha corrido a cargo de Greogry Poirier y aunque solo sea por ver al actor de Birdman junto al mítico Al Pacino merece la pena un visionado.
El gran problema es que la ayuda que necesita su hijo Miles es encubrir un crimen. En esa tesitura, John se ve envuelto en un brutal y frenético enfrentamiento con las autoridades a la par que lucha para que su memoria no se le deteriore por completo. El método Knox es un thriller trepidante contra el tiempo de poco menos de dos horas de duración.
Michael Keaton y James Marsden encarnan al padre y al hijo que se ven inmersos en dicha situación, mientras que Al Pacino da vida a Xavier, un jefe criminal que contrata a John. Completa el reparto de El método Knox la ganadora de un premio Oscar Marcia Gay Harden, Suzy Nakamura, John Hoogenakker, Joanna Kulig (Cold War) y Dennis Duga, entre otros.
La película tiene varios giros argumentales que despiertan interés, fundamentalmente por el carisma que tiene el protagonista, un “perfeccionista” en su cometido, que ha tenido como maestro a otro asesino a sueldo interpretado por el veterano y famoso actor Al Pacino.
Al igual que ocurría, salvando las distancias, con la magistral Camino a la perdición, de Sam Mendes (2002), aquí lo importante es la relación paterno filial, en este caso de un hombre que amaba a su mujer y a su hijo y su comprometida profesión los separó.
Interesante, de principio a fin, decae un poco a mitad de metraje por su ritmo lento, dividido en diferentes semanas que van indicándonos como va deteriorándose la mente del protagonista por su deterioro cognitivo.
No obstante, la película es una verdadera persecución de gato-ratón, donde una meticulosa inspectora de policía intentará atrapar al autor del asesinato.
Michael Keaton ha jugado a lo seguro con el reparto al fichar al mencionado Al Pacino, pero también a la gran actriz Marcia Gay Harden, con la que su personaje comparte una secuencia muy emotiva y elegante.
En el hogar de Teresa (Machi), lugar que será el punto neurálgico donde confluirán sus hijas (Lennie, Luengo, Escolar y Grimaldos) y su suegra (Cordón), una nonagenaria con demencia senil que vive bajo su cuidado.
Las hijas coincidirán con su madre y su abuela en una reunión familiar en el hogar para conmemorar el aniversario de la muerte del padre.
Las distintas personalidades de las hermanas -la cuidadora, la rebelde, la alocada, la aventurera y a la vez ausente- serán el detonante de múltiples conflictos, que provocarán que las protagonistas choquen entre sí y lidien a su vez con sus propias frustraciones, miedos y anhelos.
Carolina África debuta en el largometraje adaptando su propia obra de teatro, una historia costumbrista, familiar y con algún toquecito de humor negro dentro de la ternura. El gancho, aunque la obra tuvo éxito, está más en el reparto: Carmen Machi, Bárbara Lennie, Victoria Luengo, Irene Escolar… por ahí Antonio Resines y Silvia Marsó casi haciendo cameos… Aunque en realidad Escolar es la que está en un cameo y Beatriz Grimaldos es bastante más protagonista, como la veterana Lola Cordón (que falleció una semana después del estreno de la película), cuyo personaje es fundamental.
El título, Verano en diciembre, se debe a que una de las cuatro hijas de Teresa, vive en Argentina.
CINET-FARÖ 