Se estrena en España esta película que ya pudimos ver la prensa acreditada en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
Siguiendo, o como una continuación a su personaje en ‘Jo, ¡qué noche!’ (M. Scorsese, 1985), se muestra el actor Griffin Dunne en este múltiple retrato de la masculinidad en crisis que acaba siendo una comedia mucho menos dramática de lo que podría ser: la odisea en el piélago de las relaciones de tres hombres –un padre y sus dos hijos– que asisten impotentes a los nuevos rumbos vitales, sin un triste mapa que los oriente o les dé una pista de qué ruta seguir.
La dureza de este se torna en mirada comprensiva aquí, con un aire de melancolía que lo domina todo. Algo a lo que contribuye su trío protagonista, con un Dunne maduro pero no sabio. Pone en liza a tres familiares (abuelo octogenario, padre sexagenario e hijo treintañero) unidos por un nexo común, la separación matrimonial o simplemente la de pareja… sin papeles todavía por medio. Entre este terceto derivado en cuarteto por la aportación de otro familiar en discordia, el otro hijo que va relativamente por libre y con otra orientación, se establece un vínculo emocional trufado de pequeños pero reveladores momentos.
De eso va en esencia la vida y eso recoge condensada y atinadamente este segundo largometraje del talentoso cineasta estadounidense Noah Pritzker.
Mathieu le debe todo a su amigo Vincent: su casa, su trabajo, y hasta el haberle salvado la vida hace diez años. Juntos, con sus parejas, forman un equipo inseparable y viven una vida sin preocupaciones en la costa azul. Pero, la lealtad de Mathieu se pone a prueba cuando descubre que Vincent le es infiel a su mujer. Cuando la amante de Vincent aparece asesinada, la sospecha se instala en el corazón de las dos parejas, acompañada de un cortejo de cobardías, mentiras y culpabilidad.
Al habitualmente actor Yvan Attal, se le dio mucho mejor su anterior incursión en la fusión de drama en intriga en El acusado, estrenada en 2021, y mucho más sólida e interesante que Jugando con fuego, quizá porque se decantaba hacia el abordaje de cuestiones sociales en lugar de apegarse a un ejercicio de género más clásico como el de la película que aquí nos ocupa, intentando buscar una originalidad que no encuentra a lo largo de todo su metraje.
Dicho sea de paso, Attal parece estar más cómodo como director en el terreno de la fusión de comedia y drama, como demuestran Mi mujer es una actriz (2001), Una razón brillante (2017) o Mi perro tonto (2019), más centradas. Pero tropieza en este enredo dubitativo, que inicia en clave de flashback e intriga y se desarrolla luego con dudas y lentamente en su primera parte, derivando por un drama sin agarre basado en el asalto con el que comienza el viaje de los personajes, menos intenso y presentado visualmente de forma torpe y plana que contradice otros trabajos de su director más vigorosos.
Jugando con fuego recuerda productos muchos mejores creados en el cine español de la misma índole, como por ejemplo La cara oculta (Andrés Baiz, 2011), El cuerpo (Oriol Paulo, 2012), Secuestro (Mar Targarona, 2016), Contratiempo (Oriol Paulo, 2016).
Ayer se clausuró la 52º edición del Festival Internacional de Cine de Huesca, calificador para los Oscars y para los Goya, y entre su palmarés encontramos premios para los cortos españoles “La gran obra”, de Álex Lora, Danzante Iberoamericano ‘Cacho Pallero’; y “Aunque es de noche”, de Guillermo López, premio al mejor guion.
El cortometraje irlandés Calf de Jamie O’Rourke; el mexicano La cascada, de Pablo Delgado, y la coproducción de Irán y Reino Unido A move se han alzado con los Premios Danzante del 52º Festival Internacional de Cine de Huesca. Estas producciones se han impuesto en los concursos internacional, iberoamericano y documental respectivamente, consiguiendo así un premio en metálico de 5.000 euros y la preselección directa para los Oscar, gracias a que el certamen altoaragonés es uno de los seis en España que califican directamente para estos galardones.
El jurado del Concurso Internacional encumbra con su máximo reconocimiento a Calf de Jamie O’Rourke por un guion sorprendente que permite al espectador avanzar hacia una reflexión sobre la justicia, sobre la violencia y considerarlo técnicamente brillante, con una narrativa que permite cuestionar desde el cine la realidad, además de tener un guion redondo que respeta la estructura del cortometraje con una fotografía y una actriz Isabelle Connolly excepcionales.
El Premio Danzante Internacional de Animación es para Matta und Matto, dirigido por Bianca Caderas y Kerstin Zemp, de Suiza, por abordar temas como la dependencia, la necesidad de contacto humano usando el arte de la animación, para crear una realidad surrealista y absurda que actúa como una metáfora de nuestra condición humana. La Mención Valores Humanos ‘Francisco García de Paso’ es para la coproducción de Francia y Bélgica Pavane, por ser un cortometraje que muestra los desafíos sociales, no solo desde la lucha, sino dándole valor a lo humano y la cultura popular. Los cineastas Nata Moreno, de España y João Gonzalez, de Portugal, así como Eric Roux, presidente de la asociación “Sauve Qui Peut le Court Métrage” (entidad encargada de organizar el Festival de Clermont-Ferrand), encargados de decidir el palmarés en este apartado, han incluido también una Mención Especial para el cortometraje filipino Cross my heart and hope to die de Sam Manacsa, por ser un cortometraje que tiene una puesta en escena que genera un universo particular y original al servicio de la narración.
CONCURSO IBEROAMERICANO El jurado del Concurso Iberoamericano ha otorgado el Premio Danzante al cortometraje mexicano La Cascada, de Pablo Delgado por ser una obra original con una técnica y fotografía muy personal cuya historia metafórica abre un fuerte interrogante en el que las emociones conectan con las experiencias humanas. En el filme, el director muestra un profundo conocimiento de la técnica cinematográfica y usa un lenguaje audiovisual con libertad y precisión. El Danzante Iberoamericano ‘Cacho Pallero’ es para la española La gran obra, de Álex Lora. Una obra inteligente en la que la diferencia entre clases sociales se transforma en una exploración de nuestra capacidad de ir más allá de los prejuicios, de reconocer los malentendidos que generan una peligrosa ilusión de distancia entre una vida y otra. Como se detalla en al acta oficial del certamen, el tono está construido con maestría, el guion teje una red de engaños en torno al espectador, arrastrándolo a una tensión creciente que alcanza un evidente dilema moral. Además, el jurado integrado por la actriz española Aida Folch, Armando Casas, presidente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, y Luca Apolito, programador y responsable de relaciones culturales del Festival Internacional de Cine de Giffoni (Italia), ha querido otorgar Menciones Especiales a los cortometrajes Ruído da pele (Brasil) de Gustavo Milan y a La asistente (Perú) de Pierre Llanos.
EL MEJOR DOCUMENTAL La tercera de las categorías a concurso, la dedicada al Documental, ha premiado la coproducción de Irán y Reino Unido A move, de la iraní Elahe Esmaili. Cyndi Portella, responsable de programación de cortometrajes del Festival de Biarritz de América Latina; Jesús Garcés, realizador elegido por la revista ‘Forbes’ como uno de los 30 directores mexicanos más creativos de 2018, y la directora del Festival de Espiello, Patricia Español, han querido destacar la obra “por la elección de la directora de proponer un punto de vista íntimo de cómo lo político impregna las relaciones familiares en el contexto represivo actual en Irán. El acto de filmar se convierte en un elemento transformador y con amor y ternura nos hace partícipes de los desencuentros y encuentros de su entorno”. El Danzante Documental Iberoamericano ‘José Manuel Porquet’ es para la coproducción de España y Estados Unidos You play my father de Javier Marín, Guillermo Roqués y Rafa Honrubia, por ser una película necesaria que nos propone un juego de espejos en el que se refleja el doloroso proceso de reconciliación treinta años después del fin de la guerra de los Balcanes. Con una gran potencia visual, los protagonistas se desnudan emocionalmente, mostrando sus heridas y vulnerabilidades. El jurado ha querido igualmente hacer una mención especial para la española Aitana, de Marina Alberti, “por el gran valor artístico y poético del documental que nos conmovió y nos transportó a un lugar donde se desvanece la memoria”.
MEJORES ÓPERAS PRIMAS La 52ª edición del certamen oscense completa su listado de ganadores con las mejores óperas primas, uno de los aspectos que nunca se descuidan en la cita decana del séptimo arte en Aragón. Esta responsabilidad recae en el jurado joven que este año distingue en Iberoamericano a la española Las plantas no duermen, de Frederico Custódio por hablar de temas esenciales y controvertidos de la vida, como la eutanasia o enmendar errores del pasado, para enfrentarse a la muerte y encontrarse a sí misma. Dentro del concurso Internacional se decantan por Torn, coproducción de Suecia y Dinamarca, de Jahfar Muataz, porque a través de dos mundos distintos de un joven, se plantean los problemas de la pérdida y búsqueda de la identidad de forma realista. Mientras que en Documental optan por The veiled city, de Reino Unido y dirigida por Natalie Cubides-Brady, por su experimentalidad y expresividad a la hora de hablar de temas como la contaminación e industrialización. El palmarés se completa con el premio del público y el de mejor guion. El primero (patrocinado por Aragón TV) ha sido para Pequeño de Meka Ribera y Álvaro G. Company, mientras que el segundo es para el filme español Aunque es de noche de Guillermo García López por conseguir que el guion siga vivo en todas las fases de la elaboración de la película y por mantener un pálpito invisible en el relato que hace avanzar al conflicto y la emoción a través de una construcción redonda de los personajes.
Ana, recién llegada de Colombia, es empleada doméstica en una lujosa mansión donde veranea una adinerada familia de marchantes de arte. La joven trabaja de sol a sol, sin contrato, bajo la promesa de conseguir condiciones dignas al final del verano, siempre y cuando sea discreta y calladita. Pero a través de Gisela, la empleada de la casa vecina, Ana descubrirá que las cosas no funcionan exactamente como le han contado, y aprenderá a divertirse un poco más durante su verano en la Costa Brava.
Con cierta similitud a Parásitos, aunque desarrollada la historia en la Costa Brava podría definirse Calladita, el debut en la dirección de Miguel Faus, una película que llega abanderada por el sello de Steven Soderbergh, que lo eligió en un concurso de proyectos para apoyarlo económicamente, y que se financió gracias a los NFT, una forma de producción en la que Faus sigue creyendo como alternativa a los métodos tradicionales para levantar un proyecto.
Calladita se ajusta a un tono más realista que el filme de Bong Joon-Ho, pero muestra la revolución silenciosa de una interna contra los pijos burgueses y modernos que la contratan para hacerles todo en su casa de verano. Ella (una magnética Paula Grimaldo) cocina, lava, plancha, y encima aguanta las impertinencias del hijo de la pareja, un excelente Pol Hermoso como niño mimado enganchado a las criptomonedas. Todo bajo la promesa de unos papeles de nacionalidad que son un canto de sirena. Un filme que nació como el proyecto de graduación de Faus en la London School y que primero fue un corto donde siempre estaba en mente su continuación en largometraje.
Quizá el principal problema del filme resida en lo estereotipado que terminan siendo estos personajes, lo que resta fuerza a la sátira sobre un mundo burgués de apariencias y egoísmos, demasiado caricaturesco. No es tanto un problema de actuación, pues Luis Bermejo, Ariadna Gil, Violeta Rodríguez y Pol Hermoso no resultan estridentes, sino del contexto y el contenido.
Frente a ellos, frente al espejo social deformado que representan, Ana, la chica colombiana, alcanza una cierta madurez –emocional, cultural y de clase– y su previsible proceso de transformación ante las miserias morales de quienes la emplean y le pagan (mal) se erige en el eje vector del relato.
Marisol es la mejor entrenadora de gimnasia rítmica de España a sus casi 60 años. Es métodica, estricta, controladora y autoritaria, y no tiene autocrítica. Se acerca el Campeonato del Mundo, y ella deposita todas sus esperanzas en la medalla de oro en Angélica, la recién llegada más prometedora del equipo. Pero dos semanas antes, descubre que su marido tiene una aventura con una mujer mucho más joven con la que espera un hijo, lo que hace que todo lo que había construido, se rompa.
Marisol no contempla el fracaso, por lo que emprende una carrera frenética por recuperar a Octavio sin tener en cuenta sus sentimientos. Su dolor se traslada a su relación con las gimnastas, con las que se vuelve cada vez más intransigente e implacable, sobre todo con Angélica, llegando a rozar el abuso de poder. Belén Rueda es quien da vida a la dura Marisol, mientras que el encargado de interpretar al infiel Octavio es Ilay Kurelovic.
Completan el reparto de Caída libre las actrices Irene Escolar, a la que se puede ver en Las largas sombras, y Manuela Vellés (Memento Mori). Además, también aparecen en la película Brays Efe, conocido por encarnar a Paquita Salas, y la entrenadora ucraniana de gimnasia rítmica Maria Netavrovana. La película no logra alcanzar un nivel de interés elevado, a menos que opinen los admiradores de Belén Rueda.
Ambientada en el competitivo mundo del tenis profesional, en el que una exjugadora convertida en entrenadora, Tashi, ha conseguido transformar a su marido Art en campeón de varios torneos del Grand Slam. Tras una racha de derrotas, Tashi le inscribe en un torneo ‘Challenger’ -el torneo profesional de menor nivel-, en el que se reencuentra con Patrick, su antiguo mejor amigo y exnovio de Tashi. Todo arranca desde el presente, en un punto en el que Tashi se ha convertido en la esposa de Art y en su entrenadora. Al verle desmotivado, decide apuntarle a un pequeño torneo regional «challenger» para devolverle la confianza después de una racha de derrotas. Y resulta que Patrick, como es de esperar, también compite ahí.
Poco a poco la dinámica entre los protagonistas y este círculo de deseo y obsesión nos envuelve. Y nos dejamos llevar por la química que emerge entre los actores protagonistas, que nos tienen preparados reveses constantes e imprevisibles. Esto, junto a la apasionada manera que tienen los actores de dar vida a los personajes, acaba dando pie a que veamos en pantalla algunas escenas realmente excitantes. Todos los ingredientes conforman una película que logra el objetivo de obsesionar y embelesar a los espectadores, y que además era casi esperable de uno de los cineastas que mejor retrata el deseo. Porque la sensualidad no sólo está en el sexo en sí, sino que también se puede encontrar en conversaciones, miradas o, por qué no, en la forma de empuñar una raqueta de tenis.
Estamos en la España de mediados de los 80. Un grupo de amigos capitaneados por Xavi Font (Jaime Lorente), acaban de llegar a Ibiza persiguiendo su sueño de dedicarse a la moda. Allí les descubre el productor José Luís Gil (Alberto Ammann), un magnate de la industria musical que busca nuevos talentos para lanzar un grupo. Sin tener ni idea de cantar, el grupo inicia una carrera que les lleva de vivir como hippies en Ibiza, a llenar estadios en Latinoamérica y revolucionar de paso las discotecas de medio mundo. Crearon un nuevo estilo, fueron perseguidos por fans y ganaron millones… Aunque para ello tuvieron que sacrificar su libertad.
Los años 90 fueron testigos de excesos y en el epicentro de esa extravagancia se encontraba Locomía, el grupo de electro dance nacido en Ibiza a finales de los 80 que conquistó Latinoamérica. Ahora, la rocambolesca historia de su ascenso y declive llega a los cines en ‘Disco, Ibiza, Locomía’, una película dirigida por Kike Mailo y protagonizada por Blanca Suárez y Jaime Lorente.
La película ofrece una mirada íntima a la vida detrás de los abanicos y las coreografías, explorando el ascenso meteórico y el impacto en la cultura pop a través de testimonios de los propios integrantes del grupo y de quienes fueron testigos de su explosión en la escena musical.
Esta película no pasará a la historia del cine, pero puede gustar a los fans del grupo.
La historia transcurre en Estados Unidos, en 1860. Los protagonistas son Holger Olsen, taciturno carpintero danés que emigró a América al finalizar la guerra con Prusia, y Vivienne Le Coudy, florista franco-canadiense de fuerte personalidad. La pareja se instala en Elk Flats (Nevada), poco antes de comenzar la Guerra de Secesión. Meses después Olsen decide que debe participar en la lucha, se alista en el ejército de la Unión y deja sola a Vivienne. La ausencia no debía pasar de unos meses, pero resultó durar años. Además ella, para su desgracia, llamó la atención del joven Weston, hombre caprichoso y violento, hijo del corrupto cacique local. La realización es sencilla, hecha de detalles pequeños que permiten el lucimiento de los actores. La narración abunda en flashbacks. Mortensen parece abusar de estos, al punto de que, al inicio, cuesta encontrar la línea temporal maestra. Una vez que el espectador la localiza, cada pieza cae en su sitio y se descubre que toda la película es una oda dedicada a la mujer.
Conviene decir que si Mortensen es un soberbio vaquero lacónico, Vicky Krieps sobresale interpretando a Vivienne, un papel que es un regalo para una actriz. Fuerte y delicada, realista e imbuida de romanticismo, americana con fuertes raíces europeas, y con una vena fantasiosa que viene de Juana de Arco.
Viggo Mortensen ya no nos sorprende con un notable western que demuestra un gran conocimiento de los clásicos. Se puede apreciar en la importancia que da a los paisajes, en la utilización de claves tradicionales, fáciles de entender por todas las audiencias en el modo de mostrar el paso del tiempo; en la atención que presta a los detalles en torno a una trama sencilla, en cómo deja quieta la cámara.
Una gran película con dos magníficos intérpretes al frente de ella.
Cate Blanchett, una de las intérpretes más relevantes de la cinematografía contemporánea, recibirá un Premio Donostia en la 72ª edición del Festival de San Sebastián, al tiempo que protagonizará el cartel oficial. La imagen del póster es obra del diseñador gráfico José Luis Lanzagorta, que ha partido de una fotografía de Gustavo Papaleo.
Blanchett acumula más de 200 reconocimientos y galardones, incluidos dos Oscar -y otras seis nominaciones-, dos Copas Volpi del Festival de Venecia, cuatro premios Bafta y cuatro Globos de Oro, el César y el Goya honoríficos en una trayectoria de más de tres décadas que combina el cine de autor con películas dirigidas al gran público. La intérprete y productora australiana ha trabajado con cineastas como Martin Scorsese, Terrence Malick, Steven Soderbergh, Steven Spielberg, David Fincher, Ridley Scott, Sally Potter, Wes Anderson, Alfonso Cuarón, Alejandro G. Iñárritu, Woody Allen, Gillian Armstrong, Taika Waititi, Peter Jackson, Todd Haynes, Richard Linklater, Jim Jarmusch, Guillermo del Toro, Adam McKay o Todd Field.
Esta será su primera visita a San Sebastián, aunque alguna de sus películas han sido proyectadas en el Festival como Babel (Alejandro G. Iñarritu, Perlak, 2007) o Veronica Guerin (Joel Schumacher, Sección Oficial, 2003), que compitió por la Concha de Oro. Cate Blanchett es la segunda intérprete australiana en recibir el premio honorífico más importante del Festival tras Hugh Jackman (2013).
El Festival instauró en 2018 una nueva línea de carteles, presidida por una figura de la cinematografía contemporánea. Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche y Javier Bardem han precedido a Blanchett como imagen oficial, que este año ha sido creada por el diseñador gráfico donostiarra José Luis Lanzagorta a partir del retrato del fotógrafo Gustavo Papaleo.
BIOGRAFÍA DE CATE BLANCHETT
Cate Blanchett es una actriz de renombre internacional, productora, directora artística, filántropa y muy implicada con el sector cultural. Junto a sus socios Andrew Upton y Coco Francini, es cofundadora y directora de la productora de cine y televisión Dirty Films, que acaba de lanzar Proof of Concept, un programa que ofrece apoyo financiero, tutoría y visibilidad a cineastas emergentes. Blanchett produjo y protagonizó la premiada The New Boy (Perlak, 2023), de Warwick Thornton con su empresa. También estuvo tras el largometraje de Apple Original Films Fingernails (Esto te va a doler, Sección Oficial, 2023), de Christos Nikou, con Jessie Buckley, Riz Ahmed y Jeremy Allen White, y el premiado debut de Noora Niasari, Shayda, protagonizada por Zar Amir Ebrahimi.
Con Dirty Films ha producido Carol, de Todd Haynes, y Tár, de Todd Field; Apples, de Christos Nikou; Mrs America, miniserie de FX nominada a 10 premios Emmy; y ha producido y cocreado para Netflix la serie Stateless (Desplazados), ganadora de 13 premios AACTA. También ha creado y producido el premiado podcast original de Audible Climate of Change, y Evolver, una experiencia interactiva de realidad virtual que se estrenó en Tribeca y ha sido seleccionada para la primera competición inmersiva del Festival de Cannes de 2024.
Entre los trabajos como actriz de Blanchett se incluyen Tár, Nightmare Alley (El callejón de las almas perdidas), Don’t Look Up (No mires arriba), Ocean’s 8, Thor: Ragnorok, Carol, Blue Jasmine, I’m Not There, The Curious Case of Benjamin Button (El curioso caso de Benjamin Button), Notes on a Scandal (Diario de un escándalo), The Life Aquatic (Life Aquatic), Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal), la trilogía de The Lord of the Rings (El señor de los anillos) y The Hobbit (El Hobbit), The Good German (El buen alemán), The Aviator (El aviador), The Talented Mr Ripley (El talento de Mr. Ripley) y Elizabeth. Entre los innumerables premios que ha recibido cabe destacar cuatro BAFTA, dos Oscar, tres Globos de Oro y tres premios del Sindicato de Actores.
Entre 2008 y 2013 Blanchett trabajó junto a Andrew Upton como codirectora artística y codirectora ejecutiva de la galardonada Compañía de Teatro de Sídney, con la que produjo 16 espectáculos al año en cuatro sedes, con giras nacionales e internacionales. Entre sus producciones más destacadas figuran Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, dirigida por Liv Ullmann; Tío Vania, de Antón Chéjov, dirigida por Tamas Ascher, y Tot Mom, de Steven Soderbergh; los aclamados montajes de Benedict Andrew de La guerra de los Rose, Las criadas de Genet y Gross und Klein (Big and Small) de Botto Strauss; la adaptación seminal de The Secret River, de Neil Armfield, que también ha inspirado la serie de televisión homónima de ABC; producciones del dramaturgo Kip Williams; y The Present, de Andrew Upton, dirigida por John Crowley y por la que Blanchett obtuvo una nominación a los premios Tony. Blanchett ha actuado recientemente en la adaptación de la producción del National Theatre When We Have Sufficiently Tortured Each Other, de Martin Crimp.
Blanchett y Upton recibieron el Premio Green Globe por su destacada labor en la Compañía de Teatro de Sídney, tras haberla transformado en una de las entidades culturales más ecológicas del mundo, gracias, por ejemplo, a la construcción de la segunda mayor instalación de paneles solares en tejado de Australia. Ha presidido jurados de festivales como Cannes y Venecia, y el Festival de Venecia le ha concedido en dos ocasiones la Copa Volpi a la Mejor Interpretación. Blanchett es miembro honorífica del BFI del London Film Festival, ha recibido el Premio Stanley Kubrick a la excelencia cinematográfica y tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Asimismo, ha sido reconocida con el César Honorífico, el Goya Internacional y el Chaplin. Blanchett ha sido nombrada Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, Miembro de la Orden de Australia, Medalla del Centenario por sus servicios a la sociedad australiana y Doctora Honoris Causa por la Universidad de Nueva Gales del Sur, la Universidad de Sídney y la Universidad Macquarie, entre otros.
Blanchett es Embajadora Mundial de Buena Voluntad de ACNUR, la Agencia de la ONU para los Refugiados, y miembro del consejo del Premio Earthshot. Es la primera embajadora de Wakehurst y del Banco de Semillas del Milenio. Ha recibido el Premio Crystal del Foro Económico Mundial de Davos y el Premio Humanitario de la Fundación Kuwait-América. Es miembro vitalicio de la Australian Conservation Foundation, socia destacada del Actors Benevolent Fund, la Fundación SAG-AFTRA, la Australian Wildlife Conservancy, Embajadora AFI y Patrona del Festival de Cine de Sídney y la Fundación NIDA, el centro de arte dramático en el que se formó. Vive en la campiña inglesa con su marido, cuatro hijos, tres perros, dos gatos, cerdos y gallinas.
Después de varios años, tres hermanos vuelven a reunirse en la casa de campo en la que pasaron mucho tiempo de descanso y vacaciones con sus padres. Una vez han fallecido estos, tienen que decidir si vender o no la casa, que, lógicamente, ha ido deteriorándose. En su tercera película, Álex Montoya (Lucas, Asamblea) ha dado un salto de calidad muy aplaudido en el último Festival de Málaga, donde recibió los galardones a los mejores guion y música, además del Premio del Público.
Con un metraje brevísimo, la historia que nos cuenta se agiganta con diálogos tan ingeniosos como metafóricos.
La película posee una mirada que llega lejos, es muy sutil, y también combina en una misma historia a tres generaciones distintas de personajes, y a actores de tan buen nivel como David Verdaguer, Óscar de la Fuente o Luis Callejo. La película deja abiertos muchos conflictos actuales sobre la comunicación entre padres e hijos; una relación que puede fortalecer y asegurar, pero también puede llegar a ser, en sus carencias, una fuente inagotable de traumas e infelicidad. Esta historia interpela y golpea sin contemplaciones al egocentrismo, la falta de empatía o la aceleración de una vida esclava del trabajo, pero curiosamente no es una película pesimista de tono adoctrinador.
Es más bien una propuesta de redención, una pausa que dialoga con el espectador en su reflejo certero de tantos detalles tan íntimos como universales. Otra perla del intimismo familiar de un cine español empeñado en quitarse etiquetas y estereotipos ideológicos a base de personalidad y talento.
CINET-FARÖ 