Una familia se muda a una casa nueva y ahora todo son preocupaciones. El divorcio de los padres flota en el aire y la hija adolescente tiene que digerir la muerte de una amiga íntima por sobredosis de droga. Pero no están solos en su propiedad: un fantasma les observa.

Este director es una figura esencial del cine actual que siempre ha buscado nuevas formas de expresión artística fuera de los grandes estudios. Comenzó su carrera en el cine independiente y luego, combinó su estilo independiente con proyectos más comerciales. A medida que la industria se centraba en franquicias y remakes, el realizador se reinventó, distanciándose de los grandes estudios, pero continuó explorando el cine de género con un enfoque único, utilizando incluso smartphones para rodarlas. Su estilo es más sencillo y menos pulido, pero siempre lleno de energía y originalidad.

A través de su trabajo, busca recuperar la esencia del cine, fomentando la experimentación y contando historias auténticas. Es un director que no solo mantiene las raíces del cine de género, sino que también las adapta al contexto contemporáneo. Su última película, Presence, refleja de manera destacada su enfoque único de hacer cine.

En Presence, Soderbergh explora el cine de terror de una manera inusual. La historia, que gira en torno a una presencia fantasmal en una casa, no solo juega con la atmósfera y el suspense, sino que introduce una cámara subjetiva que narra toda la trama desde el punto de vista del espectro. Esto permite que el espectador experimente los eventos a través de los ojos de la entidad, generando una sensación constante de inquietud y una conexión emocional con el protagonista invisible. Este enfoque tiene dos objetivos: sumergir al público en la tensión de los personajes y ofrecer una visión fresca del género de casas encantadas.

Película que puede interesar exclusivamente para los amantes del género.

************************************************************************************************************

Esta película se basa en Las vidas de Lee Miller, la única autobiografía autorizada escrita por su hijo, un guion a tres bandas firmado por Liz Hannah (Mindhunter), Marion Hume (The South Bank Show) y John Collee (Monkey Man) y al frente –nunca mejor dicho–, una Kate Winslet (Titanic) encarnando a esta modelo reconvertida en fotoperiodista de guerra, que inmortalizó con su cámara algunos de los momentos más escalofriantes del siglo XX, en plena Segunda Guerra Mundial y bajo el régimen del nazismo.

De su padre recibió las primeras influencias como modelo y como fotógrafa, facetas que desarrolló a lo largo de su vida, y en ambas hizo carrera profesional.

Sin embargo, todo cambió cuando una de sus fotografías fue usada para una campaña publicitaria de higiene femenina, impactando así su carrera en el mundo de la moda de manera negativa.

Es entonces que Lee deja todo lo que tenía en Estados Unidos para mudarse a Europa, donde su vida fa un giro importante. Y es que no solo conoce nuevas maneras de expresión; sino que, con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Lee se convierte en una de las corresponsales de guerra más importantes e influyentes de la época.

La estructura que adopta el filme es una de las más manidas del género: un joven periodista entrevista a una Lee Miller mayor (interpretada también por una Winslet envejecida por la magia del maquillaje) mientras observan fotografías y, a partir de ahí, una sucesión de flashbacks que van y vienen constantemente a esta conversación y que relatan capítulos de la vida de Miller encadenados de forma artificial como si de un artículo de Wikipedia se tratara. Primero, una etapa prescindible en 1938 en el sur de Francia, rodeada de amigos. Después, un salto a un Londres en pleno Blitz, donde busca trabajo en VOGUE como fotógrafa: unos primeros pasos en la carrera de Miller que se retratan vagamente y de forma superficial. No es hasta que Miller se convierte en corresponsal de guerra –periodo que se presenta de forma muy reductiva– que la película remonta, con el asedio de Saint-Malo, pero, sobre todo, durante su último acto con la caída del Reich, el horror del campo de concentración de Dachau recién evacuado y la icónica imagen en la bañera de Hitler.

Ellen Kuras, quien ya había trabajado con Winslet en ¡Olvídate de mí! como directora de fotografía, debuta aquí como directora (a propuesta de la misma Winslet) con un biopic que, pese a su figura tan fascinante, carece de alma propia. Es un relato que avanza con el piloto automático puesto, sin riesgo, sin audacia, sin una voz distintiva. Esta película era el trabajo soñado de Winslet, que ha tardado nueve años en materializarse. La actriz británica, además, ha ejercido de productora, ha participado en la elección del casting, ha ayudado a encontrar localizaciones e incluso durante dos semanas puso dinero de su bolsillo para pagar al equipo debido al ajustado presupuesto de la película.

Winslet entrega una actuación solvente. A su lado, un elenco de lujo donde destaca un sorprendente Andy Samberg (Brooklyn Nine-Nine) en un registro más dramático de lo habitual, junto a nombres desaprovechados como Alexander Skarsgård (Succession), Josh O’Connor (Rivales), Marion Cotillard (Origen), Andrea Riseborough (To Leslie) y Noémie Merlant (Emmanuelle), cuyos personajes poco aportan a la historia.

************************************************************************************************************

Drama histórico de terror psicológico ambientado en la sangrienta corte de la dinastía Tudor, basado en la novela histórica The Queen’s Gambit de Elizabeth Fremantle. Catalina Parr (Alicia Vikander) es la reina consorte de Inglaterra e Irlanda, además de la sexta y última esposa de Enrique VIII (Jude Law), un rey conocido por la crueldad con que trataba a sus esposas. Desde el punto de vista de Catalina y su joven doncella, conoceremos la historia y vivencias de dos mujeres muy diferentes, en una época aterradora y turbulenta. Catalina Parr, personaje poco conocido de la historia de Inglaterra, sería la única esposa de Enrique VIII que iba a evitar el destierro o la muerte.

Basada en la novela Queen’s Gambit de Elizabeth Fremantle y ambientada en el siglo XVI, La última reina (Firebrand) se sitúa en los últimos días de vida de Enrique VIII, cuando regresó de una guerra incapaz de caminar debido a una herida infectada en la pierna. Durante su ausencia, Catalina Parr, asumió el rol de regente. La monarca fue una mujer inteligente, culta, y una madre para los hijos que Enrique tuvo con sus anteriores esposas. También fue la que logró que María I – hija de Enrique VIII y Catalina de Aragón, quien más tarde sería reina de Inglaterra por derecho propio – fuera aceptada nuevamente en la corte.

La última reina (Firebrand) crea una atmósfera de paranoia, desconfianza y miedo entre Catalina Parr y Enrique VIII. Aunque es una película histórica, también se presenta como un interesante y medido ‘thriller’ con una magnética Alicia Vikander. Su interpretación de Catalina Parr es hipnótica, elegante y está llena de carisma.

Jude Law, por su parte, da vida a un monarca violento y consumido por el temor a la traición. Parecía imposible en alguien como Law, pero el actor da mucho asco como Enrique VIII. No es solo por su pierna en descomposición, también por su actitud, lo ridículo que es en el sexo, sus deseos de niñato y cómo trata a los demás. Es como un niño rollizo y malcriado al que todos deben complacer.

************************************************************************************************

Para Pansy la vida es una lucha constante. Llena de dolor físico y mental, su manera de relacionarse con el mundo es a través del enfado y la confrontación: discute con su familia, con su dentista, con su médico, con la cajera del supermercado… Su marido Curtley hace tiempo que no sabe cómo tratarla, mientras Moses, su hijo, vive inmerso en su mundo, apenas dice una palabra y lo único que hace durante todo el día es caminar sin rumbo por la ciudad. Sólo su cariñosa hermana Chantelle la comprende y puede ayudarla.

Mike Leigh retorna al presente en el Londres actual y a la familia como centro de una historia no exenta de dolor, pero por la que transitan momentos de comedia y de afecto, que sirven al director para explorar temas como las relaciones familiares, el duelo y la salud mental. La película gira en torno a Pansy, encarnada por una descomunal Marianne Jean-Baptiste, una mujer para la que la vida es una lucha constante, que se relaciona con el mundo a través del enfado y la confrontación: discute con su familia, con su dentista, con su médico, con la cajera del supermercado… Su marido Curtley hace tiempo que no sabe cómo tratarla; Moses, su hijo, vive inmerso en su mundo, y sólo su hermana Chantelle parece comprenderla.

Mi única familia propicia el reencuentro entre el cineasta británico y Marianne Jean-Baptiste, tras su aparición como protagonista en ‘Secretos y Mentiras’, una de las películas más reconocidas de la filmografía de Mike Leigh, de la que se cumplen ahora treinta años y por la que Marianne Jean Baptiste recibió la nominación al Oscar.

También regresa al universo de Leigh la intérprete Michele Austin, que da vida a Chantelle, tras una aparición secundaria en ‘Secretos y mentiras’. Mi única familia (Hard Truths) completa su reparto con las actuaciones de David Webber, Tuwaine Barret, Elliot Edusah, Tiwa Lade, Jonathan Livingstone, Bryony Miller, Llewella Gideon y Hiral Varsani.

Estamos ante una película para reflexionar.

El título original es Hard truths que al español sería “Duras verdades” el cual, me parece más adecuado para definir esta película.

***********************************************************************************************************

Juan Pablo es un prestigioso orfebre que viaja a Nueva York desde España para una exposición sobre su obra. De camino pasará por su pueblo natal, donde realiza una parada que le transporta automáticamente al pasado y que le lleva a reencontrarse con un gran amor que provocó un cambio en su vida para siempre.

La trama se desarrolla entre la década de los 50 y los 70 y 1999. Dos líneas temporales que se entremezclan en esta historia romántica y dramática a partes iguales.

La película trata de una adaptación de la novela que lleva el mismo nombre escrita por Elia Barceló. Olga Osorio dirige la película, siendo este su segundo trabajo en el mundo del largometraje después de ‘¡Salta!’.

Mario Casas, que ha trabajado últimamente en grandes proyectos como ‘Escape’, se reencuentra con Michelle Jenner tras ‘Los hombres de Paco’. Ambos coprotagonizan esta película en la que también está Zoe Bonafonte a quien conocimos en ‘El 47’, donde su trabajo le llevó a recibir la nominación al Goya a mejor actriz revelación. Enzo Oliver, para quien esta será su primera película, cierra el reparto principal.
Una historia que trasciende el tiempo y donde el amor es lo más importante es la que marca el regreso a Casas al género romántico tras una década desde ‘Palmeras en la nieve’.

***********************************************************************************************************

Brasil, 1971. Un país en las garras de una dictadura militar. Una madre se ve obligada a reinventarse cuando la vida de su familia se ve destrozada por un acto de violencia arbitraria.
Basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva. La película narra cómo una madre de familia se ve obligada a participar en el activismo político cuando su marido, el diputado izquierdista Rubens Paiva, es capturado por el régimen durante la Dictadura militar de Brasil en 1971.

La película se divide en cuatro segmentos. Al principio describe cómo la familia Paiva intenta vivir de la manera más normal posible en situación de dictadura, con más militares de los necesarios desplegándose por las calles. Luego salta a los episodios que les cambiaron la vida a partir del 20 de enero de 1971 y los días posteriores, a la reacción y búsqueda de explicaciones por lo sucedido, y finalmente a la posterior resolución de los hechos veinticinco años más tarde y aún después.

La película utiliza la peripecia personal de la familia Paiva para sintetizar medio siglo de la historia de Brasil, en dictadura y después. El tema, con sus datos de desapariciones, terrorismo de estado y violaciones a los derechos humanos, ha sido tratado por cierto otras veces en el cine, a veces con convicción dramática, otras a nivel de mero panfleto.

El director Walter Salles sabe colocarse en un nivel muy digno, el de un narrador solvente que respeta a sus personajes y a su público, obtiene fragmentos de legítima emoción, y conduce a un elenco de primera, con un punto especialmente alto (o dos) en la composición de la protagonista a cargo de las dos Fernandas (incidentalmente, Montenegro había sido la protagonista de Estación Central, acaso su mejor película hasta la fecha).

El tránsito de la película de la alegría al drama, al desconcierto, a la búsqueda de la verdad, a la lucha por los derechos humanos, al reconocimiento del horror y a la entereza para seguir adelante no va a dejar indiferente a casi nadie.

**************************************************************************************************************

Con un pie en el neorrealismo con conciencia de clase de De Sica y Visconti, y otro en el humanismo de Ermano Olmi, la directora italiana Maura Delpero estrena «Vermiglio», un drama costumbrista ambientando en la Segunda Guerra Mundial.

El segundo largometraje de Maura Delpero (Hogar) transcurre en 1944, en un pueblo ubicado en las montañas del norte de Italia que da título al film. Vermiglio, Gran Premio del Jurado del Festival de Venecia, se construye como un drama de época que presenta el retrato de una familia ad portas del fin de la Segunda Guerra Mundial.

La vida idílica del maestro local del pueblo y su familia numerosa se ve alterada cuando un soldado desertor llega al pueblo en busca de un escondite. Este escenario es el telón de fondo sobre el que Delpero desarrolla un entramado de relaciones, reflexionando a través de ellas sobre temas como la maternidad, el patriarcado y el paso del tiempo. Todo mediante una puesta en escena delicada y sugerente que recurre a la poesía del paisaje y conecta con toda una tradición del cine italiano, de Ermanno Olmi a Alice Rohrwacher.

Sobre la directora, MAURA DELPERO:

Nacida en 1975 en Bolzano (Italia), se formó como dramaturga en Buenos Aires (Argentina), tras estudiar Literatura en la Universidad de Bolonia y en la Sorbona (París IV). Su primer documental, ‘Signori professori’, ganó el premio Avanti! y el premio UCCA en el 26o Festival de Turín. En 2011 fue seleccionada para participar en la Escuela de Verano de Cine de Locarno. El documental ‘Nadea e Sveta’ (2012) ganó una mención especial del jurado en los Premios Solinas de cine documental. Durante cuatro años dio clases de cine en un hogar para madres solteras de Buenos Aires, una experiencia que inspiró su primera película, ‘Hogar’ (2019), que fue la única obra italiana en competición en el Festival de Locarno, donde ganó el premio especial del jurado. ‘Vermiglio’ (2024) conquistó el gran premio del jurado en el Festival de Venecia.

*************************************************************************************************************

Un niño de seis años es acusado de traspasar ciertos límites con un compañero de clase y la dirección del centro educativo convoca a los padres de ambos para hablarlo. Entre incomodidades e insinuaciones se va encendiendo la contienda parental en pos de una verdad esquiva, en la que fue premiada como mejor ópera prima de Cannes.

Halfdan Ullmann Tøndel firma este drama psicológico, tan polémico como impredecible, que parece descendiente directo de Buñuel o de Vinterberg en su forma de estirar los límites de lo perturbador, con rigor estético y toques de sátira cruel. Se come la pantalla una Renate Reinsve al borde del colapso en la única localización del film: una escuela convertida en escenario claustrofóbico y coreográfico donde se dirimen los límites morales / sociales y los impulsos del cuerpo / la mente.

Con su película, La Tutoría, Halfdan Ullmann Tøndel, nieto de Ingmar Bergman y Liv Ullmann, invoca la memoria de sus ancestros.
Al igual que la reciente La red fantasma, pero de forma infinitamente diferente, La tutoría comienza moviéndose en los parámetros del cine social incómodo para, a medida que escarba en el pasado común de profesores y padres implicados, sugerir un imbricado thriller ubicado íntegramente en una sala de profesores.

Tøndel interrumpe el careo con situaciones que lindan con el absurdo, quizá para sugerir que la difusión que nunca se llega a producir sobre acontecimientos que nunca presenciamos protagonizados por dos niños a los que nunca veremos no es más que palabrería sobre la creacionista de espacios seguros y protocolos que enmascaren la verdadera falta de control de esta situación.

El director va filtrando al público lo que esconde cada uno de los progenitores de los niños implicados, reforzando el componente de puro thriller de un film que poco a poco se va desplazando de un espacio real a uno imaginado. Por el camino, resulta lamentablemente repetitivo y frustrante, pero deja por el camino una impresionante interpretación de Renate Reinsve (con algún momento que linda con el puro horror) y una música que convierte en tenso, atrayente e hipnótico las discusiones de los implicados.

************************************************************************************************************