El largo viaje de la vida de Parthenope, desde su nacimiento en 1950 hasta hoy. Una epopeya femenina desprovista de heroísmo pero rebosante de una pasión inexorable por la libertad, Nápoles y los rostros del amor, todos esos amores verdaderos, inútiles e indecibles. El perfecto verano de Capri, el desenfado de la juventud, que acaba en emboscada. Y luego todos los demás: los napolitanos, hombres y mujeres, observados y amados, desilusionados y vitales, sus olas de melancolía, sus ironías trágicas y sus miradas abatidas.

La vida, ordinaria o memorable, sabe ser muy larga. El paso del tiempo ofrece un vasto repertorio de emociones. Y ahí al fondo, tan cerca y tan lejos, está Nápoles, esa ciudad inefable que hechiza, encanta, grita, ríe y siempre sabe cómo hacerte daño.

Esta película comparte ciertos rasgos con su penúltima película, como esta especie de tono nostálgico por la Nápoles del pasado, pero tiene ecos de toda su filmografía tanto en cuanto a temas (la reflexión metafísica sobre cómo somos los seres humanos) como a forma (con todos esos planos que nos remiten más a un sueño que a la realidad tangible).

Parthenope es una mujer que nació en el mar y con el peso de llevar el nombre de lo que hoy conocemos como Nápoles. La joven posee una belleza extraordinaria y, con el paso del tiempo, acabará descubriendo las verdaderas consecuencias que supone este don y a la vez maldición.

La belleza de sus planos y esa vocación onírica no son suficientes para levantar la inconsistencia de su guion, que se pierde embelesado por sí mismo y no llega a plantear un discurso tan profundo como realmente cree tener.

Sorrentino quiere hablar de la belleza femenina elevándola a la categoría de fuerza divina, pero lo hace como si en su vida hubiera conocido a una mujer. Su apreciación de la misma se siente ajena y hueca, como si escribiera un soneto ensalzando la vida en el campo alguien que jamás ha vivido fuera de su ático en la gran ciudad.

PARTHENOPE es belleza, sí… pero todos sabemos que en la vida hacen falta muchas cosas más porque esa cualidad siempre es pasajera.

Por último, un aviso: se emocionarán escuchando la música de Ricardo Cocciante.

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María, una joven escritora que acaba de ser madre, se topa con la noticia de un suceso estremecedor: una mujer francesa ha ahogado a sus gemelos de 10 meses en la bañera. María se obsesiona con ello, ¿por qué los mató? A partir de ese momento, la sombra del infanticidio la acechará como una vertiginosa posibilidad.

La película es un thriller psicológico sobre la maternidad basado en la novela de Las madres no de Katixa Agirre.

Laura Weissmahr, Oriol Pla, Giannina Fruttero y Belén Cruz encabezan el reparto de este filme que explora el mundo interior de una madre primeriza. Estrenada en el Festival Internacional de Cine de Locarno, Salve María se pasa en versión original en castellano, catalán y francés con subtítulos en español.

Su directora, Mar Coll, nos sumerge en el día a día de una mujer que se obsesiona con un filicidio que le aboca a una espiral pesadillesca en la que también hay espacio para el juego literario, la mitología, las tragedias clásicas y un buen puñado de capas entre lo real y lo imaginado.

Una obra oscura, perturbadora, asfixiante, que habla de la maternidad y de la depresión posparto de una manera inédita.

Camina todo su metraje en terreno del thriller y del terror psicológico para convertirse en una de las obras más valientes y singulares del cine español.

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Justin Kemp, un hombre de familia, mientras forma parte de un jurado en un juicio por asesinato, se encuentra luchando con un serio dilema moral… uno que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al asesino acusado.

El director se centra aquí en Justin Kemp (Nicholas Hoult), un periodista y alcohólico en recuperación que es llamado para formar parte de un jurado en Georgia, el estado en el que vive con su muy embarazada esposa, Ally (Zoey Deutch), quien ya perdió un embarazo previo. El tipo trata de excusarse por ese tema, pero no lo consigue y es seleccionado para ocuparse de un caso que, como sucede en las selecciones de jurados, desconoce.

Se trata de un aparentemente claro y evidente asunto de violencia de género que terminó con la muerte de una mujer. James Sythe (Gabriel Basso), un hombre agresivo y maltratador, es acusado de haber matado a su novia, Kendall Carter (Francesca Eastwood, hija del director), al costado de una carretera en una noche lluviosa tras pelearse en un bar, borrachos, a la vista de todos.

Las evidencias concretas del crimen son pocas, pero todos los caminos conducen a ese obvio desenlace: el hombre la siguió en la ruta y, en un puente, la mató y la tiró. La fiscal del distrito, Faith Killebrew (Toni Collette), metida en una elección política, apunta hacia allí sus cañones. El abogado defensor (Chris Messina), en cambio, la tiene más difícil.

Utilizando primeros planos en los que los ojos claros de Hoult transmiten mil dudas por segundo, su película se impone como un relato sosegado y discretamente profundo acerca de la responsabilidad, la culpa, las segundas oportunidades y, sobre todo, la manera en la que una persona se enfrenta a sus propios actos.

Quizá ésta sea la última película de Eastwood, no lo sabemos… Sus 94 años nos inclinan a pensarlo, pero si no fuera así siempre estaremos atentos a su nueva creación.

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John Knox (Michael Keaton) es un asesino a sueldo al que le diagnostican una demencia en estado avanzado. Decide entonces pasar sus últimos días intentando redimirse ayudando a su hijo adulto (James Marsden), del que ha estado mucho tiempo separado. Pronto John encuentra en una carrera contra las autoridades, así como en el tictac del reloj de su propia mente, que se deterioran rápidamente.
Michael Keaton, además de dirigir la película, interpreta a un asesino a sueldo en este thriller que no tuvo apenas repercusión en la taquilla estadounidense. Su guion ha corrido a cargo de Greogry Poirier y aunque solo sea por ver al actor de Birdman junto al mítico Al Pacino merece la pena un visionado.

El gran problema es que la ayuda que necesita su hijo Miles es encubrir un crimen. En esa tesitura, John se ve envuelto en un brutal y frenético enfrentamiento con las autoridades a la par que lucha para que su memoria no se le deteriore por completo. El método Knox es un thriller trepidante contra el tiempo de poco menos de dos horas de duración.

Michael Keaton y James Marsden encarnan al padre y al hijo que se ven inmersos en dicha situación, mientras que Al Pacino da vida a Xavier, un jefe criminal que contrata a John. Completa el reparto de El método Knox la ganadora de un premio Oscar Marcia Gay Harden, Suzy Nakamura, John Hoogenakker, Joanna Kulig (Cold War) y Dennis Duga, entre otros.

La película tiene varios giros argumentales que despiertan interés, fundamentalmente por el carisma que tiene el protagonista, un “perfeccionista” en su cometido, que ha tenido como maestro a otro asesino a sueldo interpretado por el veterano y famoso actor Al Pacino.

Al igual que ocurría, salvando las distancias, con la magistral Camino a la perdición, de Sam Mendes (2002), aquí lo importante es la relación paterno filial, en este caso de un hombre que amaba a su mujer y a su hijo y su comprometida profesión los separó.

Interesante, de principio a fin, decae un poco a mitad de metraje por su ritmo lento, dividido en diferentes semanas que van indicándonos como va deteriorándose la mente del protagonista por su deterioro cognitivo.

No obstante, la película es una verdadera persecución de gato-ratón, donde una meticulosa inspectora de policía intentará atrapar al autor del asesinato.

Michael Keaton ha jugado a lo seguro con el reparto al fichar al mencionado Al Pacino, pero también a la gran actriz Marcia Gay Harden, con la que su personaje comparte una secuencia muy emotiva y elegante.

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En el hogar de Teresa (Machi), lugar que será el punto neurálgico donde confluirán sus hijas (Lennie, Luengo, Escolar y Grimaldos) y su suegra (Cordón), una nonagenaria con demencia senil que vive bajo su cuidado.

Las hijas coincidirán con su madre y su abuela en una reunión familiar en el hogar para conmemorar el aniversario de la muerte del padre.

Las distintas personalidades de las hermanas -la cuidadora, la rebelde, la alocada, la aventurera y a la vez ausente- serán el detonante de múltiples conflictos, que provocarán que las protagonistas choquen entre sí y lidien a su vez con sus propias frustraciones, miedos y anhelos.

Carolina África debuta en el largometraje adaptando su propia obra de teatro, una historia costumbrista, familiar y con algún toquecito de humor negro dentro de la ternura. El gancho, aunque la obra tuvo éxito, está más en el reparto: Carmen Machi, Bárbara Lennie, Victoria Luengo, Irene Escolar… por ahí Antonio Resines y Silvia Marsó casi haciendo cameos… Aunque en realidad Escolar es la que está en un cameo y Beatriz Grimaldos es bastante más protagonista, como la veterana Lola Cordón (que falleció una semana después del estreno de la película), cuyo personaje es fundamental.

El título, Verano en diciembre, se debe a que una de las cuatro hijas de Teresa, vive en Argentina.

Una película amable, sin más.

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N. es un hombre estropeado, algo no va bien en su interior. N. no quiere tomar una sola decisión más, sólo apearse del mundo. Dejar de tener opciones. El psicólogo a quien visita no sabe cómo abordarlo, tampoco su hermana, que intenta apoyarlo sin frutos. N. sólo quiere vivir en la cárcel, y hará cuanto sea necesario para conseguirlo. ¿Lograrán sus allegados que desista de cometer delitos cada vez más graves? ¿Hasta dónde será capaz de llegar el juez para no concederle su propósito?

Rodrigo Cortés (Buried, El amor en su lugar) presenta su película más ambiciosa. Basada en la novela homónima de Enrique Rubio, escritor con síndrome de Asperger y un trastorno obsesivo compulsivo como el que tiene el personaje de Mario Casas.

Un relato en primera persona que Cortés ha convertido en una espiral frenética de autodestrucción y humor negro que recuerda al sentido del humor de su ópera prima, Concursante (2007).

Si el espectador logra conectar desde el inicio de la película lo pasará bien- Las buenas interpretaciones de Anna Castillo y Mario Casas, secundados por un magistral José Sacristán y unas secuencias de planos adaptadas a cada momento con sus guiños subgénero carcelario hacen disfrutar del filme.

Pero advertimos que Escape no es una película fácil. En ese sentido, Escape es un festival de experiencias extremas y momentos absurdos.

Blanca Portillo, Willy Toledo, Albert Pla completan un magnífico reparto.

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Fran J.Marber ha convertido en novela el guion que escribió para la película homónima, en la que relata una historia que vincula el presente con la presencia de la Santa Inquisición en la Región de Murcia. Se trata del seudónimo literario del joyero, orfebre y pintor Francisco Martínez Bernal (Lorca, 1971), también autor de El tercer clavo, Gusanos de seda , La página 64, El llamador de ángeles, El juego de la oca, Fruta amarga o Expediente 10 02.

Verónica es una joven periodista que lleva una vida aparentemente estable, casada y madre de una niña pequeña, a quien ha dejado bajo el cuidado de su marido durante un fin de semana. Sin embargo, detrás de esa imagen tranquila, se esconde una creciente inquietud. Algo en su vida familiar no encaja, y la joven siente una necesidad urgente de entender por qué dos de las personas más cercanas y queridas para ella, su esposo y su madre, han tomado decisiones y actuado de una manera similar, aunque ella no puede comprender del todo.

Con el paso de los días, Verónica empieza a sospechar que las respuestas a sus dudas solo pueden encontrarse en su propio pasado, en los orígenes de su familia, tal vez en secretos que nunca se le contaron. Decide embarcarse en una búsqueda personal, enfrentándose a recuerdos, conversaciones olvidadas y misterios familiares, con la esperanza de que desentrañar esos secretos antiguos le permita esclarecer la verdad detrás de los comportamientos de sus seres queridos y dar sentido a los acontecimientos que están alterando su vida y su felicidad familiar.

Protagonizan la película los actores como Abdelatif Hwidar (el padre de Nadia en la serie Élite de Netflix); Nahia Laiz (actriz que ha participado en numerosas series, como Centro Médico o Cuéntame cómo pasó); o Miguel Ramiro.

La banda sonora es obra del galardonado compositor valenciano Josué Vergara, Premio de la Música para el Audiovisual Español. Es el primer largometraje de Bernardo Hernández tras numerosos y premiados cortos.

Película que puede gustar a los amantes del género de terror.

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Elisabeth Sparkle (Demi Moore) es una actriz cuyos mejores años de carrera ya pasaron. Tras ser despedida por un productor sexista y no poder conseguir más papeles por su edad, cae en una espiral de desesperación. Un día, sufre un fatídico accidente de coche que la lleva a una misteriosa empresa donde le ofrecen una sustancia que supuestamente te convierte en una mejor versión de ti misma.

Decidida a recuperar la juventud que anhela, se inyecta este tratamiento experimental con el resultado del nacimiento de una versión renovada y joven llamada Sue (Margaret Qualley). Obligadas a intercalar una semana de conciencia, deberán aprender a vivir en equilibrio.

Una de las primeras escenas de la película resume de cierta forma el conflicto central de la misma: la estrella de Elisabeth en el paseo de la fama se va deteriorando con el paso del tiempo. Esa estrella es un reflejo de lo que se ha convertido la vida de la protagonista. Una fantástica y arriesgada Demi Moore se ve encerrada en su apartamento de lujo, abrumada por su despido de un programa de ejercicios debido a su edad. Sola, como una Norma Desmond postmoderna filmada con un filtro pop propio de películas como Barbie o Pobres Criaturas, se enfrenta al ocaso de su estrellato. La película está construida como una sátira sobre los cánones de belleza a las que son sometidas las mujeres en el mundo del espectáculo, principalmente en lo audiovisual.

En esto ejerce un rol brillante Dennis Quaid como el productor a cargo de la cadena televisiva en la que trabaja Elisabeth gracias a una actuación que raya en lo desagradable, mientras encarna una serie de elementos machistas y sexistas asociados a diversos magnates corporativos, tanto de la ficción como reales, llevados a los límites de lo paródico. Hacia el final, lo que podría haber sido una audaz crítica en clave de body horror acerca de los cánones de belleza busca aumentar aún más su propia apuesta y termina alargando diversos momentos que pudieron haber cerrado de buena manera la cinta.

Fargeat quiere generar aún más impacto, ser aún más efectista y decide pisar el acelerador a fondo para llevar sus cuotas de sangre y mutaciones a nuevos límites, aunque bien es cierto que la cinta no se toma demasiado en serio a sí misma.

Tal vez es ese el mismo tono que busca la película: el de lo incómodo y la parodia. El de los cultistas y los detractores. El de la fascinación y el escándalo. Y en medio de ese festival de gore histriónico y estilizado, la polémica es algo que definitivamente logra.

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Ballyfermot, Irlanda, 1960. Una dura comunidad de las afueras de Dublín sigue su propio ritmo, arraigado en tradiciones de lealtad, fe y unión. Las mujeres de Ballyfermot sólo tienen un sueño tentador para saborear la libertad y escapar de la vida doméstica: peregrinar a la sagrada ciudad francesa de Lourdes. Y con un poco de interferencia benévola de su descarado y rebelde sacerdote, las íntimas amigas Lily, Eileen, Dolly y Sheila son las ‘afortunadas’ en ganar el billete de su vida en la alborotada noche de la rifa local.

Todo se complica cuando aparece Chrissie Ahearn (Laura Linney), hija de Maureen, que llevaba años sin aparecer por el pueblo. La situación se les va a todos de las manos cuando empiezan a aflorar hechos enquistados por el rencor.

Sobre un guion de Jimmy Smallhorne, Joshua D. Maurer y Timothy Prager, profundamente conmovedor, sobre la fe, la reconciliación, el perdón y la esperanza, el irlandés Thaddeus O’Sullivan nos ofrece una curiosa película, divertida a veces, dramática otras, que da pie a muchas interpretaciones hasta el punto de que a veces desconcierta un poco al espectador. Sin duda lo más destacable es el reparto, especialmente las cuatro protagonistas, que están inconmensurables y muy bien secundadas por el resto del elenco: Maggie Smith (Lily Fox), Laura Linney (Chrissie Ahearn), Kathy Bates (Eileen Dunne), Agnes O’Casey (Dolly Hennessy), Stephen Rea (Frank Dunne), Mark O’Halloran (Father Dermot Byrne), Eric D. Smith (Daniel Hennessy), Mark McKenna (George Hennessy), Niall Buggy (Tommy Fox), Hazel Doupe (Cathy Dunne)

La puesta en escena es muy correcta, aunque algunos temas parecen estar solo rozados de puntillas. La acción se desarrolla en su mayor parte en el Santuario de Lourdes y sin embargo es evidente que la película no tiene un sentido netamente religioso.
En todo el conjunto, El club de los milagros, es una película muy amable, que se ve con la sonrisa en los labios.

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